Pink Floyd

Atom Heart Mother Analyse d’Emmanuel Thiry

Introduction

Atom Heart Mother est une œuvre singulière qu’on a qualifiée :

-d’énigme : existe-t-il un rapport entre le titre, la pochette, et la musique ? Titre-pochette :

lait (cf. la magnifique version des élèves du CNSM de Paris), pochette-musique : vache des

westerns ? … Finalement, il n’y a sans doute rien à expliquer. Le compositeur Ron Geesin dit

d’ailleurs apprécier l’absurdité, et être influencé par le surréalisme (cf. les cadavres exquis).

Le rapport titre-pochette-musique m’évoque un cadavre exquis. Le rock progressif anglais

se dit influencé par le surréalisme.

-de Patchwork (David Gilmour : « Cet album était un patchwork confus »). Effectivement, les

pièces mises bout à bout n’ont pas forcément de rapport entre elles, si ce n’est un fil

conducteur de mi mineur.

-d’œuvre charnière, charnière entre la musique savante et la musique populaire, mais

charnière aussi dans la carrière du groupe entre l’héritage pop des Beatles et le sommet en

mars 1973, avec l’album The Dark Side of the Moon qui restera plus de 14 ans dans le top

200 (record absolu) et le 3ealbum le plus vendu au monde, album dans lequel le séquencer

fait son apparition.

-d’Odyssée (terme employé par Roger Waters) ou de poème symphonique avec 6 parties

dont les titres forment une sorte de lien : Father's Shout , Breast Milky , Mother Fore, Funky

Dung Mind your Throats Please , Remergence

1. Contexte historique

Le mouvement Rock est issu du blues. Le premier succès mondial du rock’n’roll est

Rock around the Clock de Bill Haley en 1954 aux USA.

A partir de 1956, le king Elvis Presley incarne la figure charismatique à laquelle

s’identifient les jeunes. « Il fait scandale en chantant comme les noirs. Cela est certainement

un des signes frémissants du mouvement des droits civiques qui au cours des années

suivantes va rejoindre le mouvement pacifique contre la guerre au Vietnam et aboutir à

fédérer un vaste mouvement de jeunesse, désireuse de reconnaissance (non pas seulement

comme des adultes en devenir), avide d'ouvrir de nouveaux horizons et de secouer tabous et

traditions étriquées. Par dessus les frontières, les origines sociales, une partie de la jeunesse

du monde entier va chercher à se trouver, à se fabriquer des marqueurs identitaires dans ce

sens. »1

Le rock’n roll des débuts, la pop music du début des années 60 engendrent le rock

progressif qui « se nourrit de toutes ces diversités : goût pour les musiques extra

européennes, le jazz, la musique classique, le plain-chant des moines de Solesmes, etc. Il est

attiré par les marginalités, la recherche de nouvelles spiritualités, le fantastique, la science-

fiction, la déformation, voire la dégradation de la réalité (souvent par la drogue), ce qui est

associé au mouvement dit psychédélique2. »3

2. Présentation du groupe Pink Floyd

Les 5 membres de Pink Floyd sont : Syd Barrett (guitare) (écarté du groupe en 1968 à

cause de sa surconsommation de drogue) Roger Waters (basse) David Gilmour

(guitare) Nick Mason (batterie) Richard Wright (claviers). Ils sont issus de bonnes

familles et le noyau du groupe s’est rencontré en école d’architecture.

Le nom du groupe : Pink + Floyd = Pink Floyd. Le choix de ce nom est dû à Syd Barrett

qui eut l'idée de joindre les prénoms de deux bluesmen qu'il admirait : Pink Anderson

(1901-1974) et Floyd Council (1911-1976).

Ce sont les pionniers du rock psychédélique anglais et précurseurs du rock progressif

au milieu des années soixante. Le groupe pratique une musique futuriste en

perpétuelle évolution. Les débuts du groupe avec les disques The Piper At The Gates

Of Dawn (1967) et A Saucerful Of Secrets (1968) révolutionnent les schémas établis

du rock par l’aspect psychédélique.

3. Présentation générale d’Atom Heart Mother

Atom Heart Mother (1970) est une œuvre collective du groupe Pink Floyd (avec

également la participation de Ron Geesin pour les arrangements orchestraux et de

John Alldis pour le choeur).

Formation : Basse (Fender Precision) Batterie (Ludwig) Claviers (Orgue Farfisa,

modèle Compact-Duo Organ ; Orgue Hammond modèle M-102 ; "Baby" Grand piano

1 Jean-Marc Warszawski

2 Le Psychédélisme (du grec ψυχη = psyche, âme et δηλειν = dẽlein, visible, clair, signifiant « révélateur de

l'âme ») est un mouvement de contre-culture apparu dans le milieu des années 1960, valorisant les perceptions

sensorielles des drogues hallucinogènes

3 Jean-Marc Warszawski

Steinway ; Mellotron modèle M-400) Guitare (Fender Stratocaster) 10 cuivres,

violoncelle solo et 20 choristes (John Alldis Choir).

L’œuvre est emblématique du rock progressif par sa durée (près de 25 minutes, soit

une face entière d'album 33 tours), sa composition en plusieurs parties, ses

arrangements (avec des emprunts à la musique savante) et l'absence de texte.

Caractéristiques principales : richesse sonore avec notamment l’ orchestration

inhabituelle, l'utilisation diversifiée des claviers électroniques, ainsi que celle des

collages sonores (Influence de la musique concrète hennissements, galopades,

explosions et démarrage de moto).

Atom Heart Mother est interprété en public dès janvier 1970 dans une configuration

quatuor, puis en version orchestrée, celle qui sera développée en studio de mars à

juillet 1970 et pour laquelle Pink Floyd fera appel à des collaborations extérieures

déterminantes :

Ron Geesin est compositeur, musicien, architecte, écrivain, designer né en 1943

inspiré par le surréalisme, et attiré par l’absurde. Ses influences musicales sont

Prokofiev, Rachmaninov, Elgar, Wagner, Schönberg, Varèse et Berio . Mais il hait

Britten et Stravinsky. Il aime, comme les poires et le vin, ce qu’il faut mûrir avant de

consommer. Il avait déjà collaboré au premier album solo de Roger Waters, Music

from the Body en 1970.

« Pour créer les arrangements d'Atom Heart Mother, Ron s'imposait. Il maitrisait

toutes les techniques de la composition et de l'arrangement, et ses idées étaient

suffisamment originales pour nous distinguer des œuvres orchestrales en vogue à

l'époque. En ces temps, les arrangements obéissaient à des idées très conservatrices :

les musiciens de formation classique avaient été endoctrinés pour mépriser le rock.

Ceux qui s'aventuraient dans cette voie étaient considéré comme des traîtres. Nous

avions la certitude qu'avec Ron, nous de ferions pas dans le style "le London

Symphonic Philharmonia joue du Pink Floyd." (Nick Mason, in Pink Floyd, l'histoire

selon Nick Mason).

John Alldis est un chef de chœur anglais (1929-2010). En 1962, il crée le John Alldis

Choir à Londres, formation qui aborde aussi bien le répertoire contemporain que les

grands ouvrages lyriques. Il a été en France à la tête du Groupe vocal de France de

1979 à 1983 (cet ensemble notamment spécialisé dans le répertoire contemporain a

été dissous au début des années 90).

John Alldis a également collaboré avec Duke Ellington (Third Sacred Concert, 1973) et

Pink Floyd dans Atom Heart Mother.

Le titre : Geesin trouve le titre de l’album alors que le groupe doit passer a un show

radio de la BBC pour interpréter un morceau sans nom. Il déniche dans Evening

Standard un article sur une femme enceinte qui porte un pacemaker4 nucléaire,

4 Le stimulateur cardiaque, ou pacemaker, ou pile est un dispositif implanté dans l’organisme délivrant des

impulsions électriques au cœur et permettant par exemple d’accélérer ce dernier lorsqu’il est trop lent.

intitulé « Atom Heart Mother » (Mère au cœur atomique). L’histoire rapporte que les

membres du groupe adoptèrent ce titre sur le champ.

La pochette à la vache est devenue l’une plus mythiques de l’histoire du rock. Storm

Thorgerson, le maître à penser d’Hipgnosis5 souhaite surprendre les fans du groupe

avant-gardiste avec une photo aussi ordinaire et aussi peu psychédélique que

possible. On lui parle du papier peint orné de vaches d'Andy Warhol. Alors qu’il roule

en voiture dans l’Essex (Angleterre), il immortalise spontanément la première vache

qu’il aperçoit dans l’herbe grasse. La fière noiraude s'appelle Lulubelle III. On ne verra

qu'elle sur la pochette de l’album sans titre : même le nom du groupe est absent.

4. Analyse de l’oeuvre

1 - Father's Shout (introduction et [A])

5 nom d'un collectif de graphisme britannique formé en 1968.

Introduction. Installation d’une pédale de Mi à l’orgue (tonique de mi mineur, tonalité de la

pièce à l’exception de Funky Dung en sol mineur).

Progressivement émergent les cuivres dans un climat confus.

Entrée des trombones sur sol# ré# (accord EM7 mais impression de polytonalité):

Entrée des trompettes sur une gamme par tons (on pense à des couleurs debussystes dans

un climat varèsien) :

Ensuite de ce chaos apparent émerge le thème principal de l’œuvre à l’état embryonnaire

aux trois cors :

puis motif secondaire chromatique des trompettes et prémices des grilles harmoniques des

2 thèmes principaux (Father’s shout et Breast Milky)

Densification progressive jusqu’au climax de l’entrée du thème principal

Les influences dans cette introduction : prélude de l’or du Rhin de Wagner(pédale de

Mib, les cors, et grand crescendo), les œuvres symphoniques de Varèse comme Amériques

ou Arcana ou même Deserts avec notamment les tuilages d’accords agrégats, et même

l’introduction du sacre du printemps de Stravinsky pour les superpositions de couches

sonores autonomes.

Ron Geesin apprécie d’ailleurs Wagner et Varèse tout comme il aime Prokofiev,

Rachmaninov, Elgar, Schönberg, et Berio. En revanche il n’aime pas Stravinsky.

A. Thème principal de l’œuvre joué par les cors accompagnés du quartet David

Gilmour (guitare) Richard Wright (claviers) Roger Waters (basse) Nick Mason (batterie)

-Importance des cors : instrument du héros masculin, instrument le mieux payé de

l’orchestre aux USA. Presque toutes les musiques de westerns (d’Ennio Morricone

notamment) comportent des cors, or ce thème principal est issu d’une improvisation que

David Gilmour avait baptisé“ thème d’un western imaginaire”. Coïncidence ?

Ce thème réapparaîtra à plusieurs reprises par la suite.

-Forme :thème relativement carré de forme a (8+1 mesures) b (8 mesures) a’ (8+1 mesures).

Le contraste entre a et b est très marqué.

-L’atmosphère de a est très inspirée par les effets grandioses de la fin du romantisme :

(écouter montage avec Dvorak : symphonie du nouveau monde, mi m, importance des cors) :

typique du rock progressif (affranchissement des canons du Blues et de la pop musique) et

du psychédélisme (état de rêve éveillé, côté hallucinogène, explosion de couleurs).

Grille

Em G F C Em G F C

Em G A B Em G F

-harmonie : une utilisation instinctive de l’harmonie. Utilisation des degrés faibles aussi bien

que des forts : I III IV VI 2x . Utilisation du mode de mi, avec intrusions de notes tonales (do#

et ré#)

Influence des Beatles pour cette utilisation instinctive de l’harmonie :

-L'atmosphère de b est plus atonale avec un ostinato chromatique à la trompette pendant

que les trombones-tuba jouent en « block chords » (homorythmie) dans le grave. On sait que

l’enregistrement avec les cuivres s’était mal passé, Ron Geesin n’ayant pas la psychologie et

le charisme du chef d’orchestre symphonique. Les musiciens auraient-ils volontairement

joué des sons à côtés ?

Egalement collages sonores : hennissements de chevaux, galopades, explosions et

démarrage de moto. Influence de la musique concrète.

Transition : guitare basse + orgue.

2 - Breast Milky [B] 2'55

-Ce deuxième thème est joué au violoncelle solo accompagné par l'orgue (Farfisa compact

duo, à priori, ou Hammond…), la basse et un jeu de percussion très feutré 2 fois avec deux

accompagnements différents. Le violoncelle convient parfaitement aux thèmes langoureux

comme le dit Berlioz dans son traité d’instrumentation.

-Contraste avec partie précédente : climat apaisé. (cf. opposition des thèmes dans la forme

sonate)

-Pourtant, ce thème présente des parentés mélodiques avec le thème A (cf. les notes

entourées sur l’exemple)

-Mélodie romantique au violoncelle qui peut rappeler certaines phrases des grands

concertos pour violoncelle (Elgar, Schumann, Dvorak…) Typique du rock progressif.

-la mélodie utilise le total chromatique.

-Sa construction est totalement équilibrée: 4 mesures d’élan en deux paliers de deux

mesures pour aboutir au climax( 1er temps de la mesure 5) et 4 mesures de désinence.

-Elle est basée sur la cellule rythmique noire pointée-croche qui peut être diminuée en

croche pointée-double.

Em

Ier degré

Am

IVe degré

G7

(V de DoM rel. IV)

Bm

(retour V sans

sensible par si-ré

notes pivots)

G#m

(gliss chrom avec si

note pivot)

Bb7

(V de MibM gliss par

lab note pivot)

Eb

(I)

Am / B7

(IV-V de mi mineur)

-Musique tonale mais avec réminiscences modales (cf. début du baroque). Intuition

harmonique, « bricolage » ou « tâtonnement » à partir de quelques connaissances glanées

ça et là et surtout chez les musiciens de jazz. On peut penser aux enchaînements

harmoniques de Gesualdo : glissements chromatiques , ruptures harmoniques à la tierce

notamment (ex. SolM mibm RébM dans Caligaverunt oculi mei fletu me, responsorium 9 de

la Feria Sexta - In Parasceve). Ecouter montage

Autre exemple de spéculation harmonique intuitive dans la musique de Pink Floyd;

Speak to Me – Breathe (1973) (extrait de Dark Side of the Moon)

-Reprise sur 3 chorus de la mélodie par la guitare jouée en « slide » avec le bottleneck : son

clair avec impression de reverb due au bottleneck. Le solo est construit en fonction de 2

positions de barrés (sur les 3 cordes sol si mi et les 3 cordes ré sol si) qu’offrent le bottleneck.

Reprise avec un son overdrive ("crasseux") avec un contrepoint aux trombones, des

ponctuations aux trompettes et une intervention des chœurs sur le dernier chorus :

-Transition : installation d’un riff harmonique à l’orgue qui va devenir :

3 - Mother Fore *C+ (mère antérieure) 6’26

-Entrée réelle du chœur.

Accompagnement : orgue Hammond, basse, puis batterie.

Le côté planant vient de cette stagnation de la musique pendant 4’30 sur la pédale de mi

avec 8 petites incursions de 2 mesures sur le IV degré lam (qui comprend le mi…) . puis

batterie. Mode de la (éolien) sur mi avec quelques couleurs de mode de ré (dorien) (1’42 du

début de cette partie) et de mode de mi (phrygien) (à partir de 3’08 du début de cette partie)

-Il semble qu’il y ait eu une implication très importante de John Alldis pour cette partie, alors

que Ron Geesin connaissait des difficultés pour diriger l’œuvre.

Transition : modulation brutale de l’orgue et de la basse par l’intermédiaire de F#m (le plus

court chemin…):

4 - Funky Dung [D]-*A+ (fumier puant) 10’14

-Seule partie du morceau sortant de la tonalité de Mi (Tonalité de guitariste…) et héritée du

blues. Ecouter montage avec blues de Pink Anderson.

-solo de guitare (quasiment intégralement sur la gamme blues sauf au bout de 2’24 avec

l’arrivée du si) sur un turnaround de 2 accords (I-IV gm7-C7 comme dans the Dark Side of

the Moon).

-on remarquera l’art avec lequel David Gilmour fait respirer son solo, le silence y occupe une

place aussi importante que les notes.

Gm7 C7

-Accompagnement : orgue Hammond, basse, batterie.

-Apparition d’une note tenue (orgue), disparition progressive de la guitare.

-Arrivé d’un curieux chœur chuchoté, parlé, puis chanté (accompagnement : toujours orgue

électrique, trombones en relais, piano électrique et orgue Hammond sur gamme blues) qui

n’est pas sans nous faire penser au Haka des Old Blacks…

Aboutissement sur Sol Majeur (tierce picarde).

Modulation G F C B7

Retour du thème principal [A] (Father's Shout) par le quartet et la section de cuivres peu

modifié.

Transition : sons électroniques.

5 - Mind your Throats Please [E] (veuillez vous occuper de votre gorge) - 15'30"

Introduit par un ostinato sur trois sons au Mellotron, ce passage, audacieux dans le

milieu du rock, fait essentiellement intervenir des échantillons sonores joués par le

Mellotron : Cris de la jungle, bande magnétique à l’envers, sifflements, voix filtrée, passage

de train, déflagration, sonnerie…

On distingue apparemment quelques interventions de l’ orgue Farfisa aussi.

Le mellotron (1964-1977) de Richard Wright dans AHM. L’action d’une touche déclenche

une bande magnétique préenregistrée d’environ 8 secondes à raison de 19cm/s.

6 - Remergence (Introduction *A+ *B+ *C+ *D+ *E+) 17’48

Travail de studio important : Retour progressif de Father's Shout par des superpositions de

collages des parties précédentes (Rappel des strettes à la fin des fugues, ou superposition

des sujets chez Bach fugue toccata en fa, art de la fugue, Franck 2e choral).

Puis cet amoncèlement sonore est interrompu par une voix : "Silence in the studio". Reprises

peu variées des 2 thèmes principaux [A] et [B] par le quartet et les cuivres, par le violoncelle,

la guitare (son slide puis overdrive), et enfin tutti final avec le chœur.

Cadence désagrégée (rappelant l’introduction ou encore la fin du Boléro de Ravel, de

l’oiseau de feu de Stravinsky) et accord final de Mi Majeur flamboyant (tierce picarde !).

Forme générale : Introduction [A] [B] [C] [D] [A] [E] [A] [B].

*A+ et *B+ sont les deux thèmes principaux contrastants. On n’est finalement pas si loin que

cela d’une forme de type sonate ou rondo-sonate, même si cela n’a probablement pas été

pensé par les musiciens.

Conclusion

La pop music, musique populaire

-quartet guitare, basse, orgue électrique, batterie.

-Mélodies Pop variété faciles à retenir

-Turnarounds harmoniques traditionnels (I-IV). (Utilisation instinctive de l’harmonie)

-Jeu de guitare de David Gilmour sur sa Fender Stratocaster inspiré du blues : Vibrato, Slide

(avec Bottleneck : cf Pink Anderson (John Henry) Floyd Council

-musique amplifiée et même assez forte si l’on en croit les témoignages de l’époque

-musique dont la philosophie (psychédélisme) est destinée à un large public.

Le rock progressif, musiques savante

-Instrumentation avec Cuivres et violoncelle, participation d’un chœur.

- Nouveaux instruments comme le mellotron (1964-1977) de Richard Wright.

-Pas de paroles. Chœur utilisé pour son timbre.

-Influence de la musique concrète hennissements, galopades, explosions et démarrage de

moto

- Héritage des effets grandioses de la fin du romantisme.

-Proportions inhabituelles (toute une face de 33T)

-forme se rapprochant de la forme rondo-sonate.

-Atonalité, bruitisme.

-Conception harmonique, entre tonale et modal, modulations par glissements chromatiques

et notes pivots.

Liens Internet :

- http://mediatheque.cite-

musique.fr/masc/?INSTANCE=CITEMUSIQUE&URL=/mediacomposite/cim/10_Enseig

nement_de_la_musique/20_gen/25_bac_musique_pink_floyd_atom_heart_mother.

htm

- Analyse de Mr Michon sur le site académique d’Orléans-Tours

- http://pinkfloydtv.blogspot.com/