nº66 oct 2011 el espectraculo teatra

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el mundo del espectáculo teatral

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Editorial

Un año más, como suele ser habitual, FiraTàrrega abrió el telón de la nueva temporada. El reencuentro con viejos amigos y conocidos, que en años anteriores tenía ese aire jovial similar al de la vuelta al “cole”, en esta ocasión traía consigo más lamentos que saludos efusivos: un rosario de comentarios a medio camino entre la perplejidad, la estupefacción y la sorpresa desagradable al tener conocimiento de las novedades que han aterrizado en el sector con “veranez”, el equivalente de esta época del año a la nocturnidad y alevosía con que se añade castigo a las penas judiciales.Todos nos llevábamos las manos a la cabeza cuando nos enterábamos de la cancelación de la Feira Galega das Artes Escénicas de Santiago de Compostela, que se tendría que celebrar del 18 al 21 de octubre. Sus organizadores, AGADIC, seguían a finales de septiembre intentando encontrar contrarreloj una solución. Pocas semanas antes ya habíamos sabido de la desaparición de Contaria, la feria de teatro infantil de Valencia, que no ha llegado ni siquiera a su quinta edición,No es la única y preocupante noticia. Lo que también escuchamos, por boca del propio Tomeu Amengual, era la posible desaparición de la Fira de Teatre de Manacor, estando en el aire, incluso, la celebración de su próxima edición, del 21 al 31 de octubre.En este mismo ámbito de las ferias de teatro de COFAE ha habido otra noticia de las que dejan la boca abierta: Emilio Recio, presidente del organismo, en su calidad de director de la Feria de Teatro de Castilla-La Mancha, ya no lo es. La reciente victoria electoral de María Dolores de Cospedal ha traído como efecto colateral el traslado de Emilio, funcionario de carrera, a otros cometidos, ya que no se le puede despedir. Lo curioso es que Emilio no es un político del PSOE, pero tantos años al frente del certamen –¡30!– le hacían sospechoso de algo y su puesto va a ser ocupado por alguien aún sin confirmar, posiblemente otro funcionario ¿independiente? ¿popular? Por su parte, Andrés Beladíez, director artístico del mismo certamen, está a la espera de que le respondan qué pasa con su puesto, tal y como le han informado por correo electrónico.También ha cesado en su cargo Ramón López, director del Gran Teatro de Córdoba, aunque la mayor sorpresa se la llevó María del Valle Hernández, directora del Centro de Creación de las Artes de Alcorcón, el CREAA, cargo al que accedió participando en un concurso internacional, con un jurado compuesto por primeras figuras de la gestión cultural nacional, como José Guirao, María Corral o Rosina Gómez-Baeza. Al llegar a la Llotja de Tàrrega el viernes (festivo en Madrid) se enteró de que sus dos colaboradores, imprescindibles para poder llevar a cabo su labor, habían sido despedidos la tarde anterior…Así son las cosas en el mundo español de la cultura. ¿Las perspectivas futuras? No quiero ni imaginarlas. Llevamos tantos meses anunciando este derrumbe que sólo los muy ingenuos pueden pensar que esto es coyuntural y va a comenzar a remontar en breve. No: esto no es coyuntural. Muchos van o vamos a terminar de reponedores en Mercadona o en Zara, dos empresas que, al contrario que el resto de empresas del país, siguen creciendo, ajenos por completo a la crisis. El que, sin embargo, ha encontrado la fórmula para huir de la quema es el inefable Ramón Barranco, al que una charla casual en el Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá de 2010 situó en la agenda de una fundación cultural ecuatoriana y esta le realizó, meses después, una oferta en firme para dirigir un teatro de nueva creación en San Borondón, a las afueras de Guayaquil, la primera ciudad del país por importancia económica. Ramón se instalará en el país sudamericano a final de año, aunque seguirá desarrollando su trabajo Internet mediante y casi no notaremos su falta. Le deseamos todo lo mejor en esta aventura que, como él sabe muy bien, tiene que ver con la búsqueda de patrocinios y la creación y fidelización de públicos, porque de dineros públicos “rien de rien”. Es más duro que tirar de contactos, conseguir que te incluyan en la programación de una red y ponerte a la cola para cobrar el caché, pero a él, perro viejo del negocio, no le asusta nada. Lo que, imagino, más le puede asustar puede ser la gran cantidad de “amigos” que le van a salir para que les programe en Guayaquil. A caché, por supuesto…

Jesús Rodríguez LeninEditor

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Edita: Publicaciones Teatrales S.L.

c/ Julián Camarillo 47 port. D of. 104 28037 MADRIDTel.: 91 304 04 88

Director: JESÚS RODRÍGUEZ FERNÁ[email protected]

Director de arte: ENRIQUE PÉ[email protected]

Redactora Jefe: CRISTINA RELLO [email protected]

Redacción: JAVIER MORA, CLARENCE J. BODDICKER.

Autoedición: LAURA R. DIONIS, FRANCISCO CACENAVES

Publicidad: ABEL VALERO [email protected]

Publicidad Equipamiento: SANTIAGO GARCÍ[email protected]

Fotocomposición: Dos Dimensiones, S.L.Depósito Legal: M-46213-2005Imprime: Gráficas Villena.Distribuye: National Post.

SUMARIO:

6 FERIAS Y EVENTOS - 6: FiraTàrrega - 7: Feria de Teatro de Castilla y León - 8: Fira Mediterrània - 9: Exposición “Camerinos” - 10: Guant - 11: Muestra Nacional de Danza y Teatro Contemporàneo - 12: Festival Internacional Madrid Sur y feSt - 13: Temporada Alta - 14: Festival de Teatro Íntimo y Muestra de Teatro de las Autonomías

17 RECINTOS - 17: Russafa y La Seca

19 ASOCIACIONES - 19: Madrid a Escena

20 COMPAÑÍAS - 20: Entrevista a Mercedes Lezcano - 22: Teatro de texto - 29: Teatro multidisciplinar - 30: Musicales - 32: Danza - 35: Circo - 36: Infantil 37 EQUIPAMIENTO ESCÉNICO

OPINIÓN - 16: Heteatrodoxias, de Xavier Marcé - 18: El Hereje, de Eduardo Galán - 34: El Apuntador, de Susana Sánchez - 41: La Técnica, de Jordi Planas - 42: La reflexión, de Robert Muro

Tàrrega: el cuchicheo sin fin

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La valoración que hace Jordi Durán de la primera edición de FiraTàrrega en

la que ha cogido las riendas de su direc-ción artística es muy positiva, a pesar de que se tuvo que enfrentar a un obstácu-lo inicial que no por esperado dejaba de ser incómodo: la reducción de un 10% del presupuesto. “El ajuste presupuestario se ha notado. Hemos reducido la programa-ción oficial en un 10%. El resto del pre-supuesto lo hemos adaptado para poder llevar a cabo iniciativas como el Programa de Apoyo a la Creación, el incremento de las actividades profesionales o la mejora del pabellón ferial”, nos explica el propio Durán. Respecto a la primera de esas tres iniciativas, Jordi Durán nos comentó que está “contento con el resultado del primer Programa de Apoyo a la Creación. FiraTàrrega ha dejado de desarrollarse solamente el segundo fin de semana de septiembre. Creo firmemente en este programa y, una vez finalizada la primera edición, vamos a trabajar en la segunda introduciendo algunos cambios; intentaremos aplicar todo lo que hemos aprendido durante 2011 y también corregir los errores cometidos. Nos hemos estrenado como factoría de creación y esto ha supuesto correr múltiples riesgos”. Y sobre los otros dos objetivos añade: “La programación de actividades profesionales y la nueva Llotja (pabellón ferial) han sido dos de los grandes reclamos, y ya podemos decir éxitos, de esta edición 2011”.Otro de los fines de esta edición era conseguir una mayor internacionalización de la Fira: “Desde la dirección artística de nuestra feria hemos intentado dar salida a espectáculos con vocación internacional. Más que nunca. Me refiero a espectáculos de calidad pero versátiles, preparados para girar. En lo referente a espectáculos de sala, hemos intentado mezclar propuestas no textuales que han sido un éxito esta pasada temporada con estrenos (una parte de nuestra programación debe asumir ese riesgo en tanto que reclamo indirecto) dirigidos a público nacional e internacional”. Y el director artístico de este evento añade: “Por otra parte, también hemos cuidado la participación de artistas nacionales en coproducciones

transnacionales, ya sea a través del proyecto Meridians o bien en colaboración con el festival londinense Greenwich + Docklands International Festival”. Además, la presencia internacional también se ha notado en lo relativo a los programadores asistentes a la feria, que han acudido desde 32 países diferentes.

Jordi Durán se muestra satisfecho tras su primera edición al frente de la dirección artística

Vista general de la nueva Llotja de Tàrrega durante el transcurso de la pasada edición de la Fira.

Jordi Durán, director artístico de FiraTàrrega.

La compañía ca-talana La Veronal

se llevó el premio San Miguel 2011 al Mejor Espectáculo de FiraTà-rrega por su montaje “Pájaros muertos”. Este reconocimiento está do-tado con 6.000 euros, además de con un tro-feo conmemorativo, lo que lo convierte en uno de los galardones de mayor dotación econó-

mica de las ferias y festivales europeos. El premio se resuelve por votación popular del público asistente a la Fira. Los espectadores han podido votar sus espectáculos preferidos, tanto de la programación oficial como de los espacios de empresa, a través de un sms. El espectáculo de danza “Pájaros muertos” se ha estrenado en la Fira después de participar en el Programa de Ayuda a la Creación, gracias al cual la compañía residió algunas semanas en Tàrrega antes del estreno para crear este montaje. Este proyecto coreográfico de calle está ambientado en el universo y la trayectoria vital de Pablo Picasso.

“Pájaros muertos”, de La Veronal, se

alzó con el premio San Miguel 2011

FiraTàrrega

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Por décimo cuarto año consecutivo el público ha respaldado a la Feria de Teatro de Castilla y León, celebrada del 23 al 27 de agosto en la localidad salmantina de Ciu-

dad Rodrigo, como nos cuenta Rosa María García Cano, coordinadora de este encuen-tro: “En esta edición hemos contado con más de treinta mil espectadores, prácticamente se han agotado las entradas para todos los espectáculos de sala y las representaciones de calle se han visto arropadas por miles de personas”. Y la presencia de profesionales también ha sido digna de destacar: “Hemos tenido en torno a 200 profesionales inscri-tos, a los que habría que sumar los que acuden a la feria sin inscribirse oficialmente, pero de los que tenemos constancia de su presencia. En torno a una veintena de los ins-critos corresponden a invitados extranjeros, en su mayoría lusos, lo que es muy positivo ya que por cercanía geográfica nuestra feria supone para muchos de ellos su entrada a las artes escénicas de nuestro país”.En lo relativo a la programación, los asistentes han valorado muy positivamente la inclusión de un mayor número de espectáculos de danza y de estilos muy novedosos, tal y como han manifestado a su organización. También ofrecieron muy buenos resultados las actividades complementarias: “Estamos muy orgullosos de nuestro programa de animación infantil Divierteatro, por el que han pasado más de 5.000 niños y que es una de nuestras señas de identidad desde la primera edición de la feria. Pero también destacamos el resto de actividades tales como las propuestas formativas, tanto para el público en general (por ejemplo el curso de animación teatral “El teatro por dentro”, en el que participaron casi un centenar de jóvenes), como para profesionales (las jornadas formativas “Fernando Urdiales”, que lograron reunir a casi cuarenta concejales y técnicos de cultura de nuestra comunidad), sin olvidar el espacio de cafés-encuentros a los que no sólo acuden numerosísimos profesionales, sino que constituyen además un espacio privilegiado para la reflexión. En esta ocasión fue coordinado por la Asociación Te Veo y versó sobre el teatro para la primera infancia en Portugal y España”, desgrana la coordinadora de la feria. Por último, a pesar de contar este año con el mismo presupuesto que en la edición de 2010, cuando sufrió una notable reducción de sus fondos, y de ser testigo de los graves problemas que viven otras ferias del país como las de Galicia, Manacor o Contaria, que rozan su práctica desaparición, Rosa María García Cano no considera que la Feria de Teatro de Castilla y León pueda llegar a una situación parecida: “La Junta de Castilla y León, como organizadora, ha mostrado su compromiso de continuidad con la feria, a la que ha señalado como elemento clave de las industrias culturales de nuestra comunidad y como un motor del desarrollo turístico, económico y cultural de la zona. El propio alcalde de Ciudad Rodrigo calificó a la feria como ‘una fábrica’ para la ciudad. Además, nos gusta recordar siempre que la feria también está apoyada por otras instituciones, así como por los empresarios de la zona, apoyo que este año se ha mantenido a pesar de la difícil situación económica”.

Mayor presencia de danza y espectáculos novedosos en su XIV edición

“Smile”, de Teatro La Sonrisa, montaje ganador de la Mención Especial del Público al Mejor Espectáculo Infantil en la Feria de Teatro de Castilla y León 2011.

Feria de Teatro de Castilla y León

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Mantiene el número de actividades de 2010 a pesar de las medidas de ahorro adoptadas

Un total de 121 compañías de artes escénicas, plásticas y músicales,

entre otros géneros, de 24 nacionalidades diferentes, participarán en la XIV Fira Me-diterrània de Manresa (Barcelona), que se celebrará entre los días 3 y 6 de noviembre. Perejaume, el pintor y poeta catalán, es el artista invitado de este año y el creador del espectáculo inaugural que gira entorno a la figura del poeta Jacint Verdaguer, “Ballar la veu”. El autor visual ha trabajado conjunta-mente con la Fira el concepto del peso de la imagen –eje temático de esta edición– e interviene en seis de las 263 propuestas de raíz mediterránea incluidas en la programa-ción. En el terreno de las artes escénicas destaca que, por primera vez, la región italiana de la Puglia, el Gobierno de Aragón y la Junta de Andalucía serán compañeros de viaje de la Fira. Gracias a sus aportaciones actuarán en Manresa Producciones Viridiana con “Habibi / Amado”, candidato a los premios Max–; el trío Trivium Klezmer, el Canzoniere Gracanico Salentino, y las compañías andaluzas La Rous y Producciones Imperdibles, la cual planteará un recorrido visual y sonoro por los pecados capitales en un espectáculo, “Los 7 Peca2 capitales”, que mezcla teatro, danza y arte digital. Por otro lado, este año, y también por primera vez, el Patio del Casino estará íntegramente dedicado a las propuestas circenses con tres espacios escénicos: dos velas y un escenario al aire libre. Actuarán los suizos Compagnie Nicole&Martin, los franco belgas D’Irque&Fien y los catalanes Los Galindos, Trifaldó y Lapoet.Paralelamente a la actividad artística, la Fira

programará el Mediterrània Professional Meeting (MPM), dirigido a profesionales y especializado este año en la búsqueda de nuevos modelos de negocio del sector. Seminarios con más de una veintena de ponentes, encuentros networking, jornadas formativas y una Llotja profesional de mil metros cuadrados formarán parte de una propuesta que pretende generar intercambio y vínculos profesionales entre los diferentes agentes culturales. La Fira Mediterrània aporta el 18,25% de los profesionales internacionales de las quince ferias de artes escénicas españolas. El dato proviene de un estudio de la percepción y el impacto económico de la pasada edición de la feria elaborado conjuntamente por la Universidad de Deusto, la Fundació Universitària del Bages, y el Laboratori de Turisme de la Diputación de Barcelona. De ahí se extrae también que de la Fira se derivan 1.650 contratos entre los artistas de la selección oficial y los que provienen de la Llotja y otros espacios de negocio. Estas contrataciones generan un impacto

económico inducido de casi 10 millones de euros. Sin embargo, y ante la complicada situación económica actual, Mediterrània ha preferido adoptar medidas de ahorro, cifradas en un 16%, pero manteniendo el mismo número de actividades que en la anterior edición, la cuales, en vez de desarrollarse en 30 espacios como en 2010, lo harán en solo 18.

Fira MediterrániaFira Mediterránia

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A principios de 2012 llegará a Madrid esta exposición fotográfica realizada por Sergio Parra

Estrenada con una enorme repercusión durante la LVII edición del Festival de Mérida el pasado verano, la

exposición fotográfica “Camerinos”, de Sergio Parra, mues-tra por primera vez al público una faceta desconocida de los intérpretes: sus preparativos antes de salir a escena. La muestra, una coproducción entre el Teatro Español y el propio Festival de Mérida distribuida por Manuel Álvarez Produccio-nes, se podrá contemplar en Madrid, en concreto en el teatro Español y en la plaza de Santa Ana, entre los próximos días 12 de enero y 26 de febrero. Sergio Parra, uno de los más talentosos fotógrafos del panorama nacional, especializado en las artes escénicas, lanza en esta exposición una mirada imprescindible y fascinante sobre los camerinos, con lo que nos hace partícipes de la ceremonia que cada intérprete necesita para dar el salto de persona a personaje. Este proyecto se ha realizado a lo largo de los últimos 12 años y está integrado por más de 60.000 imágenes –en las que aparecen figuras de la escena de nuestro país, pero también algunas estrellas internacionales como Ralph Fiennes o Ethan Hawke–, de las que se exhiben 50. La contratación de esta muestra permanece abierta a través de Manuel Álvarez Producciones.

Camerinos

Blanca Portillo. Nuria Espert.

Más información en la edición digital

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GuantVeinte compañías de títeres nacionales e internacionales integran su programación

El Festival Internacional de Teatre de Ti-telles de l’Alt Camp, Guant, celebrará

su séptima edición del 14 al 23 de octubre en Valls y otras poblaciones de la comarca del Alt Camp (Tarragona). Durante 10 días ofrecerá una amplia muestra de técnicas de manipulación, desde los títeres más tradi-cionales de guante hasta propuestas más innovadoras de 20 compañías nacionales e internacionales.Para el público adulto se ha programado “Náufragos”, de Desguace Teatro, un pequeño espectáculo en el que tapones de corcho, cartones de vino y botellas cobran vida; “Capses”, de Laitrum Teatre, un juego de sentidos, palabras y poesía; “Polòodrom”, de Pegim-Penjam, que narra tres pequeñas historias entrelazadas; “Los sueños de Leonor”, de Anita Maravillas, una metáfora del títere que clama por su derecho a la existencia; el estreno, compartido con el festival COS de Reus, de “Don Giovanni

in carne e legno”, de la compañía italiana Tap Ensemble-Teatro d’Arte Popolare, con el experto manipulador del guaratelle napolitano Luca Ronga; y “Bag Lady”, de Malgosia Szkandera (España-Estados Unidos), un espectáculo melancólico premiado por la Fundación Jim Henson.Y el público familiar, que concentra la mayor oferta, podrá disfrutar de espectáculos como “Ploramiques”, de Estaquirot Teatre; “Cal titella”, de Galiot Teatre; “Somiatruites”, de Cia. am-art; “Circumloqui”, de Ne Me Titere Pas; “A mans plenes”, de Toni Rombau; “El Enmazcarado”, de El Chonchon (Argentina-Chile); “Xarop de cargol”, de cia. Mercè

Framis-Teatre d’Ombres; “Les fades de la Bella Dorment”, de Disset Teatre; “Pau. La vida de Pau Casals”, de Forani Teatre; “Criaturas particulares”, del argentino Roberto White; “El ballet de las bombillas”, de El Señor de las Bombillas y “Cuac!”, de Txo Titelles.

“Don Giovanni in carne e legno”, de Tap Ensemble.

“Náufragos”, de Desguace Teatro.

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(Cataluña); “Camino Michi”, de Rara Avis (Cataluña); “2 ó 3 preguntas”, de Alicia Soto-Hojarasca (Castilla y León); y “Tres”, de Pisando Ovos (Galicia).En el apartado de teatro para público familiar, los espectadores podrán ver “Circo submarino”, de Onírica Mecánica (Murcia); “Dulce de leche”, de Escena Miriñaque (Cantabria); y “Simoon en la Luna”, de Los Navegantes P.T. (Aragón); mientras que el de danza para el público familiar se podr á disfrutar de “Princesas olvidadas o desconocidas”, de Karlik Danza-Teatro (Extremadura).Asímismo, durante la Muestra se celebrará el XVII Congreso de la Coordinadora Estatal de Salas Alternativas, que reúne a las 38 salas que forman parte de la Red, además de otras personalidades, ponentes, etc. En total, más de un centenar de profesionales se darán cita en este importante encuentro con las artes escénicas más actuales.

Muestra Nacional de Danza y Teatro ContemporáneoCiudad Real albergará la VII edición de este encuentro de la Red de Teatros Alternativos

Ciudad Real exhibirá, del 19 al 23 de octubre, las propuestas más van-

guardistas de la escena contemporánea actual en la VII Muestra Nacional de Danza y Teatro Contemporáneos de la Red de Tea-tros Alternativos. Seis compañías de teatro, seis de danza contemporánea, junto a tres compañías de teatro y una de danza para público familiar, presentarán un total de 16 espectáculos que, hasta enero de 2012, se programarán en 35 espacios de la geogra-fía española con más de 180 funciones, en el marco del IX Circuito de la Red de Teatros Alternativos. Las formaciones par-

ticipantes proceden de 11 comunidades autónomas, la cifra más alta alcanzada en la historia del circuito. La Muestra incluye los siguientes espectáculos de teatro para el público adulto: “That’s the story of my life”, de Macarena Recuerda Shepherd (Cataluña); “Citizen”, de Chévere (Galicia); “El mapa no es el territorio”, de Cambaleo (Madrid); “Persona-L”, de Teatro de lo Inestable (Valencia); “Memo”, de Agrupación Señor Serrano (Cataluña); y “La cantant calba”, de Estudi Zero Teatro (Baleares). En danza se programan “Días pasan cosas”, de Guillermo Weickert Compañía de Danza (Andalucía); “Ni ogros ni princesas”, de Provisional Danza (Madrid); “Apple-Love: Las nueve revelaciones sobre el amor total”, de Iker Gómez-Teatro Físico

“Apple-Love”, de Iker Gómez-Teatro Físico.

“Circo submarino”, de Onírica Mecánica.

“Princesas olvidadas o desconocidas”, de Karlik Danza-Teatro.

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Festival Internacional Madrid Sur

feSt

Trece a Cero y Producciones Inconstantes estrenarán espectáculos

Traslada su celebración a la segunda quincena del mes de octubre

Bajo el lema “2011: La rebelión del lenguaje escénico”, del 7 al 30 de

octubre las localidades madrileñas de Getafe, Parla, Fuenlabrada, Leganés y Rivas Vaciamadrid acogerán las repre-sentaciones incluidas en la XVI edición del Festival Internacional Madrid Sur. Teatro clásico y contemporáneo, danza, circo, marionetas, flamenco o teatro ges-tual compondrán las 17 producciones que integrarán su programación oficial.Madrid Sur amparará los estrenos absolutos de dos montajes. Por un lado, se podrá ver “Cóctel”, de Trece a Cero en colaboración con La Casa Encendida (Madrid), un espectáculo que combina teatro y danza y que debe ser entendido como un encuentro humano entre diferentes personas bajo la justificación de intentar contar cosas desde la sinceridad creativa. Y por otro, “Pedro y el capitán”, de Producciones Inconstantes, interpretada por Jorge Muñoz, Chete

Lera y Alberto Guio y que está basada en un texto de Mario Benedetti. Además, la compañía marroquí Anania ofrecerá por primera vez en nuestro país el espectáculo de danza contemporánea “Aleeff / Danse Nord”.Respecto a las actividades paralelas, la programación se completará con Es

11 Madrid Sur a Escena, una muestra de grupos teatrales seleccionados por los municipios participantes; las Jornadas de la Universidad Carlos III de Madrid, bajo el tema “Reinventar la democracia, reinventar el mundo”; y la XI edición del premio Madrid Sur para textos teatrales.

Ee la asociación Escenarios de Sevilla que venía desarrollándose cada pri-

mavera desde el año 2006, ha cambiado sus fechas de celebración al otoño, más concretamente al periodo comprendido entre los días 14 y 23 de octubre. Otra de las novedades de esta edición es el estreno de Isabel Blanco, directora de Endanza-espacio vivo y presidenta de Escenarios de Sevilla hasta el año pasado, al frente de este festival. Contemporaneidad, creatividad e innovación caracterizarán a esta edición. De las 49 compañías que participarán, que ofrecerán 70 funciones, casi un tercio son procedentes de países como Francia, Inglaterra, Italia, Países Bajos, Alemania, Argelia, Corea, México, Chile o Israel. De las compañías españolas,

un 61% serán andaluzas. La mayoría de las representaciones se realizarán en las salas que integran Escenarios de Sevilla –I+caS, Endanza-espacio vivo, Fundición Teatro, Sala Cero Teatro, Teatro Duque-La Imperdible, Teatro Salvador Távora, Centro TNT, Sala Fli y Sala Cachorro–, pero también habrá actuaciones al aire libre y en otros espacios. Por ejemplo, La Casa de la Provincia acogerá el ciclo Entornos Domésticos, con el objetivo de potenciar

un ambiente de cercanía entre artistas y público; el Centro de Iniciativas Culturales de la Universidad de Sevilla albergará el II Certamen de Cápsulas, en el que las compañías mostrarán al público el germen en pequeño formato de espectáculos futuros; o la sede de Madre de Dios, donde se mostrará la exposición “Escenoygrafías”, que enseñará el trabajo desarrollado por Vaujaus Teatro en el espacio escenográfico entre 2006 y 2010.

“Upper”, de Chinabaus Danza. / Foto: Luis Castilla.

“Cóctel”, de Trece a Cero en colaboración con La Casa Encendida (Madrid).

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El 30 de septiembre dio comienzo la vigésima edición de Temporada

Alta, el Festival de Otoño de Cataluña, que dirige artísticamente y produce la empresa Bitò Produccions. Hasta el 11 de diciembre se ofrecerán en las locali-dades vecinas de Girona y Salt noventa y cuatro espectáculos –veinticuatro de ellos procedentes de diecisiete países–, una cifra que casi crece en un veinticin-co por ciento con respecto a la edición de 2010, cuando se ofrecieron setenta y seis espectáculos, gracias a la fórmula de coproducciones que se ha estableci-do a partir de esta edición. Durante dos meses y medio, diecisiete espacios de Girona y Salt ofrecerán ciento sesenta y cinco representaciones, con un total de 60.547 entradas a la venta, lo que le convierte en uno de los festivales con mayor proyección del país. Abría el telón de la amplia programación “Un frágil equilibrio”, de Edward Albee, dirigida por Mario Gas y protagonizada por Carles Velat y Rosa Renom. El montaje se estrena en Temporada Alta antes de llegar al Teatre Lliure de Barcelona y el Español de Madrid. El mismo día tenía lugar el estreno de “Habanera”, a cargo de Àlex Rigola, el nuevo director residente del Centro de Artes Escénicas El Canal de Salt/Girona, tras abandonar la dirección del Teatre Lliure.Pese a contar con un presupuesto un 10% inferior al del año pasado,

Temporada Alta cuenta en su vigésima edición con grandes nombres de la creación contemporánea internacional –Jan Fabre, con su “Preparatio mortis”; Edward Hall, Christoph Marthaler, Daniel Veronese, Les 7 Doigts de la Main, Lev Dodin, Oskaras Korsunovas, Peeping Tom o Krystian Lupa– y nacional, como Angélica Liddell –que estrena en España

su nueva producción, “San Jerónimo”–, Sergi López, Carles Santos –con el estreno absoluto de su espectáculo “Schubertnacles humits (Los urinarios públicos europeos)”–, Israel Galván –con “La curva”–, Jordi Galcerán –con su obra “Burundanga”– Marta Angelat, Carles Alfaro, Joan Ollé, Xavier Albertí, Ramon Simó o Marta Carrasco, entre otros.

“La curva”, de Israel Galván.

“San Jerónimo”, de Angélica Liddell.

Temporada AltaEl Festival de Otoño de Cataluña alcanza su vigésima edición

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Muestra de Teatro de las Autonomías

La tercera edición de esta muestra de teatro en casas particulares se celebrará en Madrid del 20 al 23 de octubre

El Círculo de Bellas Artes de Madrid acoge del 4 al 16 de octubre este certamen

La curiosa iniciativa que tuvo Santi Sen-so para organizar funciones teatrales

en domicilios particulares llega este mes a su tercera edición. El Ti Festival (Festival de Teatro Íntimo) se desarrollará en Madrid en-tre los días 20 y 23 de octubre.La original propuesta surgió de la idea de crear y hacer teatro en otros espacios que no sean los convencionales. Según Santi Senso, director del festival y de la compañía Simbolia, “para llevar a escena estas propuestas y encontrar un espacio adecuado donde representarlas, fue necesario un largo proceso de investigación, en el que conseguimos crear nuestro propio lenguaje teatral: el lenguaje de los sentimientos. El resultado fue hacer teatro íntimo y el espacio escénico no podía ser otro que una casa, un hogar donde los secretos, el pudor, las vergüenzas, los recuerdos, la intimidad del inquilino y de sus huéspedes sean descubiertas y compartidas”. En el horizonte, como referencias, las enseñanzas de un grupo de profesionales de la escena internacional,

La decimosexta edición de la Muestra de Teatro de las Autonomías, que

tiene lugar en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, cuenta este año con la parti-cipación de seis compañías, dos de cada una de las tres comunidades autónomas invitadas, Asturias, Murcia y Valencia: Teatro del Norte y Konjuro Teatro; Ribalta Producciones y La Ruta; y Corral de Olive-ra y Ferroviaria, respectivamente.Con el patrocinio del Área de las Artes del Ayuntamiento de Madrid y la colaboración del INAEM, la muestra ofrece una ventana abierta a las propuestas escénicas más destacadas de las distintas comunidades que conforman España. Teatro del Norte presentará “La zapatera prodigiosa”, de Federico García Lorca; Konjuro Teatro ofrece “F-23”, de Jorge Moreno; Ribalta

Producciones llega con la obra de Pepe Macías “Hendaya. Cuando Adolfo encontró a Paco”; La Ruta y Corral de Olivera interpretan sendos clásicos: “La comedia de los errores”, de Shakespeare,

y “Los locos de Valencia”, de Lope de Vega, respectivamente, mientras que Ferroviaria ofrece su versión de “Himmelweg (Camino del cielo)”, de Juan Mayorga.

tales como Leonardo Eiriz, Enrique Vargas (Teatro de los Sentidos) y Mauricio Celedón (Teatro del Silencio), entre otros, con el apoyo y la colaboración de profesionales como Lidia Rodríguez, Cristina Silveira, Juan Margallo, Axel Jodorowsky y Claudio Tolcachir.La programación de esta tercera edición contará con la participación de la compañía madrileña de Iker&Eva, con la obra “Maleta, piano, sofá” y la bilbaína Lacequia, que ofrecerá su espectáculo “Hembra hambre de hombres”. La representación internacional es mucho más numerosa, con la presencia de En Movimiento, compañía brasileña que participa con el espectáculo “Casa en Danza”; la compañía mexicana Kaly Teatro, que ofrecerá su espectáculo “Kahlo-Viva la vida” y la argentina Sudestada Arte, con la obra “Visita”. La principal novedad de esta tercera edición es la aparición de dos propuestas de teatro íntimo infantil, a cargo de la compañía leonesa de Sara Berjón, que ofrecerá su

espectáculo “Escondrijo”, y la compañía venezolana de Carlos Javier Sarmiento, que intervendrá con la obra “Casa potagia”.

Santi Senso, director del Festival de Teatro Íntimo y de la compa-

ñía Simbolia.

“Himmelweg (Camino del cielo)”, de la Cia. Ferroviaria.

Festival de Teatro Íntimo

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heteatrodoxias

Los méritos de la SGAE dirigida por Teddy Bautista son innegables, los de-

saciertos también. De una sociedad monopo-lística, arrogante, franquista e integralmente corrupta se pasó a una sociedad moderna, prescriptora, innovadora, no menos arrogan-te y probablemente (los jueces lo dirán) con algunas corrupciones. Lo cierto es que la historia de la SGAE, como la de tantas otras instituciones periféricas del poder, lo cual significa poco transparentes y alejadas del control público al que se somete a las instancias centrales de la administración pública, está llena de episodios de trapicheo. La SGAE tuvo en su momento un inmenso patrimonio que fue desapareciendo a raíz de una gestión de dudosa honradez y también, hay que decirlo, de escasa eficacia empresarial. En medio del desastre y ante una Sociedad chulesca e impopular aparece Teddy Bautista, que lidera un proceso de modernización y sobre todo una profunda transformación en la cultura de los derechos de autor que sobrepasa el estricto ámbito de la sociedad para convertirse en un Ministerio en la sombra. Durante algunos años la SGAE se convierte en un compañero de viaje en multitud de proyectos innovadores, realiza funciones de suplencia pública en la ordenación del sector cultural, crea una base de datos que permite iniciar una primera serie de estadísticas culturales y coloca el cobro de los derechos en un espacio de normalidad impensable pocos años antes. En poco tiempo la SGAE pasa a ser una de las más importantes sociedades de gestión de derechos del mundo y por supuesto la referencia en el mundo latino, lo cual es de una importancia capital en los primeros momentos del tránsito digital.Los cambios legales que liberalizan la gestión de derechos y la progresiva globalización de la cultura abren un debate en el cual, conceptos como sostenibilidad, competitividad y gestión del medio y largo plazo pasan de ser meras quimeras en el pensamiento de Teddy para

pasar a convertirse en urgencias históricas. De pronto aparecen tres dinámicas que se suceden vertiginosamente marcando la evolución de la sociedad en los últimos 10 años: la posibilidad de crear centros de referencia en el ámbito de las nuevas tecnologías, la patrimonialización de la sociedad a través de la compra de espacios escénicos y por fin la voluntad de convertirse en operador privado aglutinando, como la paradoja de un futuro tan pensado como frágil, el inmenso caudal económico que aportaba el canon digital.De la sociedad cómplice de la política cultural, quizá incluso de la propia política cultural, se pasa, sin apenas más fortaleza que la privilegiada mente de Teddy Bautista, a la empresa privada que compite dentro del sector y que opera en el mundo de los negocios culturales sin ningún pudor. Que el proceso tenía confusos compañeros de viaje es obvio, que era de dudosa viabilidad probablemente. De lo que no cabe ninguna duda, en cualquier caso, es que el proceso se dejó por el camino demasiados pactos y que rompió, desquebrajó, algunas reglas del juego.La SGAE tuvo siempre un enorme problema de comunicación. Seguro que no es tarea fácil; algo así como convertir a un inspector de hacienda en el animador de una fiesta, pero trazar una fina línea separadora entre la gestión recaudatoria y la gestión de los equipamientos y los activos culturales, tiene el aroma improbable de cualquier buen oxímoron. La tentación estaba siempre al lado y pudiera ser que ciertas gestiones fueran de tan dudosa legalidad como de escasa ética y legitimidad.Soy de los que piensa que Arteria es una buena idea. Por lo que se dice demasiado cara y por lo que sé de gestión incierta. Lo que en cualquier caso es indiscutible es que la utilización de recursos ajenos (en éste caso los provenientes de los derechos) para desarrollar políticas empresariales

desprovistas de una marcada voluntad de servicio cultural (y entiéndase la palabra servicio en el contexto de las políticas sociales) es implícitamente polémico y en cierto sentido irresoluble.De esta contradicción surgen los problemas de la SGAE. Una equívoca tendencia a considerar que la explotación de los derechos representados puede ser objeto de negocio más allá del servicio. En manos de gente poco formada y de dudosa ética una idea tan frágil puede acabar siendo denunciada por todo el ejército de enemigos que poco a poco se ha labrado la Sociedad.Teddy Bautista probablemente es una víctima del síndrome del soñador despierto, el visionario que antepone la idea genial e innovadora a la gobernabilidad. En cualquier caso no le quitemos méritos demagógicamente y sobretodo no lo asociemos alegremente al chiste fácil que relaciona la necesaria lucha por los derechos con el inoportuno celo recaudatorio que persigue a la peluquería de la esquina. El tiempo lo pondrá en su sitio y le dará la justicia que se merece.El canon digital morirá, pero el debate con internautas y asociaciones alternativas no puede reducirse a una lucha por la gratuidad de los derechos. Lo que se plantea es conceptualmente sencillo aunque técnicamente complejo: elaborar un nuevo marco para la defensa y la circulación de los derechos basado en los parámetros de una sociedad digital y no una sucesión de ajustes legales en una normativa general que se creó a finales del siglo XIX. A corto plazo deberemos refundar la SGAE. Nuestro país no puede permitirse el lujo de gestionar sus contenidos culturales sin poderosas sociedades que los defiendan en la selva digital, a no ser que nos importe poco el predominio de las grandes multinacionales.

Xavier Marcé

Sobre Teddy BautistaAsentada ya cierta calma tras el escándalo que supuso el procedimiento judicial abierto contra la cúpula de la Sociedad General de Autores y Editores, con su presidente, Eduardo Bautista, a la cabeza, nuestro colaborador, Xavier Marcé, aprovecha para hacer balance de la trayectoria de esta entidad, de sus luces y sombras. Y fija su mirada en una de sus acciones más polémicas: la creación de la red de recintos escénicos Arteria.

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recintos

Russafa

La Seca

La inauguración oficial de esta sala promovida por Arden Producciones será el 6 de octubre

El Brossa Espai Escènic le cede el testigo a esta nueva sala barcelonesa

Una vez terminados los trabajos de adecuación de sus instalaciones, y

tras una “pretemporada” de representacio-nes realizadas entre febrero y mayo de este año, el 6 de octubre tendrá lugar la inaugu-ración oficial de la sala Russafa de Valencia. La obra “El idiota en Versalles”, escrita y di-rigida por Chema Cardeña y llevada a cabo por la compañía Arden Producciones –pro-motora del nuevo recinto– será la encarga-da de subir el telón de este espacio situado en el barrio de Russafa, uno de los más ac-tivos del panorama teatral valenciano. La sala Russafa, Centre Cultural i Docent d’Arts Escèniques, cuenta con una sala de teatro con aforo para 178 personas en la que se van a programar funciones para adultos, público familiar y escolares. También dispone de dos aulas que funcionarán como locales de ensayo para

Tras 14 años de estancia, el equipo del Brossa Espai Escènic ha cerrado

las puertas de esta sala barcelonesa para abrir una nuevas: las de La Seca, antigua fábrica de moneda de la Corona de Aragón, que el Ayuntamiento de la Ciudad Condal ha rehabilitado con fines culturales. Este centro cultural situado en el barrio del Born y dedicado a las artes escénicas y visuales cuenta con una sala de teatro con 120 bu-tacas –el doble de aforo que el Brossa Espai Escènic–, más otra sala pequeña para 40 espectadores, una sala de exposiciones, otra para residencia de artistas y formación, un bar-restaurante y una terraza. Su inau-guración tuvo lugar el 24 de septiembre, día

compañías y que acogerán diversos cursos de interpretación, danza y otras disciplinas. En esta primera temporada se inaugurará también una sala de exposiciones destinada a las artes plásticas, y en la de 2012-2013 está previsto iniciar la actividad de una segunda sala dedicada exclusivamente al teatro para bebés. El proyecto de este centro cultural viene de lejos y surge como necesidad en la evolución natural de la compañía Arden Producciones tras 16 años de trayectoria sobre los escenarios. Fue en 2009 cuando esta iniciativa tomó impulso, al asociarse Mª Ángeles Marchirant, David Campillos, Chema Cardeña y Juan Carlos Garés para poner en marcha este centro en el antiguo local de una empresa de material industrial.

de La Mercè, patrona de Barcelona.Teatro, danza, circo, magia y, con especial atención, marionetas, music hall y sombras chinas serán bien recibidos en La Seca, un edificio del siglo XIII situado a pocos metros del Museo Picasso y la iglesia de Santa María del Mar. Cabe destacar además que al igual que su antecesor, La Seca seguirá manteniendo como referente artístico al ya desaparecido artista catalán Joan Brossa, con una programación basada en la conjugación de la tradición, la cultura popular, las vanguardias y la contemporaneidad.



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el mundo del espectáculo teatralopinión


el hereje

A un mes vista de las próximas eleccio-nes generales y una vez instalados en

sus puestos los responsables de las políticas culturales de ayuntamientos, diputaciones y comunidades autónomas, me gustaría hacer una reflexión sobre la situación de la cultu-ra y las artes en España y de las diferentes políticas culturales que podrían desarrollarse, en función de gobiernos y, sobre todo, de las personas que lideren dichas políticas. Vaya por adelantado que no creo en el color de la cultura como signo de identidad –es un tópi-co antiguo, trasnochado y demagógico-, sino en las capacidades, talentos, voluntad de diá-logo e ideas de las personas que proponen y ejecutan las diferentes políticas culturales de nuestras administraciones.En la actual situación de grave crisis económica debemos desarrollar la imaginación y el compromiso con las artes y la cultura, no solo como signo identitario (ya sea de la identidad de las comunidades autónomas o del conjunto de España como cultura de culturas), sino sobre todo como defensa del empleo estable. La imagen de un país, de un pueblo (o de suma de pueblos, si se prefiere), la imagen de España en el extranjero, no se promociona solo con el deporte. Es imprescindible que la cultura española pueda ocupar un lugar de prestigio en las artes internacionales. Y para ello es necesario planificar un programa de colaboración leal entre las diferentes administraciones y las distintas iniciativas privadas. La creatividad no debe depender de la arbitrariedad del poder, sino que debe crecer en libertad desde un marco de fomento –y no de protección– de la cultura.La cultura no tiene color. Tiene talento o no lo tiene, tiene excelencia o carece de ella, tiene promoción o se abandona a su suerte. La cultura de un pueblo depende no solo de los creadores, sino también de la voluntad política de sus dirigentes de promover la creatividad allá donde se halle o de “vender” mitos, nombres, popularidad… El tejido de la creatividad requiere de los gestores y políticos una reflexión profunda. ¿Qué modelo cultural queremos para nuestro país? ¿El del despilfarro de los “favoritos” de los medios

de comunicación (también de los dirigentes políticos) o el cultivo decidido de los tejidos industriales de la cultura y las artes? Las políticas son diferentes. Y no necesariamente unas responden a planteamientos de izquierda y otras a planteamientos conservadores o liberales. Dependen en gran medida de las personas que ostentan durante un período de tiempo las responsabilidades políticas en las áreas de cultura.La cultura no tiene color, no debería tenerlo, pero tiene amigos y gastos suntuosos. Todos deberíamos acabar con prácticas escasamente democráticas. Los que tienen la responsabilidad de aprobar el gasto y los que tenemos la oportunidad de no aplaudir y denunciar la falta de austeridad y de rigor cuando ello sucede. ¿Es admisible, por ejemplo, que en tiempos en que se recortan las subvenciones en más de un 30% veamos producciones públicas de costes inimaginables? ¿Es que algunos tienen licencia para despilfarrar el dinero público?No obstante, es cierto que muchos ayuntamientos han disminuido sus gastos en festivales programados con producciones extranjeras difíciles de costear hoy en día o en la exhibición de producciones propias. Pido racionalización del gasto público, pido que las administraciones se comprometan a no gastar más de lo que ingresan, que paguen sus facturas pendientes y que paguen las nuevas actuaciones en el plazo máximo que marca la Ley (60 días). Hay que terminar con las prácticas abusivas. Para ello es necesario que el Gobierno de España –el nuevo, el que obtenga el apoyo mayoritario de los españoles– y los gobiernos autónomos no permitan el retraso en el pago de las actuaciones. Pueden hacerlo. Afortunadamente, también son muchas las administraciones y responsables de espacios escénicos públicos que están dando una muestra de honestidad y eficacia. Son muchos los que programan de acuerdo con sus posibilidades económicas y pagan en el plazo legal o advierten del retraso en los pagos. Es la hora del compromiso de todos. Es necesario que el nuevo Gobierno de España

acometa las reformas del gasto en la cultura, promoviendo las ayudas reintegrables, una ley de mecenazgo eficaz y el apoyo de ferias, festivales y unidades de producción a las iniciativas privadas. Si no se quiere destruir la frágil industria de las artes escénicas y de la música, debiera buscarse un pacto de Estado entre el Ministerio de Cultura y las comunidades autónomas para transmitir confianza y liquidez al sector. El color de la cultura, en fin, ha sido la gran excusa que se han inventado algunos para justificar sus políticas económicas descontroladas y el abuso de poder. Pienso en SGAE. Pienso, perdón, en la SGAE dirigida por Eduardo Bautista. Los autores hemos padecido –según parece deducirse del auto del juez encargado del caso– una situación lesiva para los intereses de los propios autores. La connivencia del anterior Consejero Delegado de SGAE con el Ministerio de Cultura del último gobierno de Zapatero no ha contribuido a evitar la intervención judicial de la sociedad ni a modificar el desprestigio absoluto de SGAE y de todos los autores entre nuestros conciudadanos. No es bueno que SGAE haya comprado teatros, sociedades para gestionar su ARTERIA. Un fiasco económico, moral y ético. Una pésima imagen para los creadores. Hay soluciones. Todas pasan por evitar los prejuicios de “colores” y por favorecer la colaboración entre administraciones públicas y empresas privadas. Todos unidos en la búsqueda de objetivos precisos: el fomento de la creatividad y del talento de los creadores de las artes, el desarrollo de los tejidos industriales y empresariales como elementos de consolidación de los fenómenos artísticos y de defensa del empleo, y una política de acercamiento a los aficionados a las artes, de eficaces acciones de captación de públicos. Estas políticas deben definirse en medidas y actividades concretas, unas medidas capaces de sostener el gasto público en inversión cultural (infraestructuras y actividades), de operar desde la austeridad, al tiempo que logren incentivar las producciones artísticas y obtener la respuestas activas de los diferentes públicos.

El color de la cultura y el gasto públicopor Eduardo Galán

Eduardo Galán invita en el siguiente artículo a desvincular la cultura de posturas políticas, amiguismos y derroches económicos. En su opinión, el sector –sobre todo sus dirigentes– debe trabajar en la racionalización del gasto público en las producciones escénicas, en presionar a los ayuntamientos a que paguen sus contrataciones en el marco de los 60 días que establece la ley, y en la aprobación de medidas gubernamentales que contribuyan a paliar los efectos de la crisis, entre otras medidas.

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asociaciones

Madrid a EscenaUno de cada cuatro españoles que va al teatro lo hace en la Comunidad de Madrid

El teatro Lara acogió el pasado 14 de septiembre la presentación de Madrid a Escena, acto con el que se inaugura la nueva temporada de artes escénicas madrileñas, que

este año lleva el lema “Que vuele la imaginación, ven al teatro”. Las tres grandes adminis-traciones públicas quisieron estar presentes en este encuentro. Así, al evento acudieron Félix Palomero, director general del INAEM del Ministerio de Cultura; Ignacio González, vi-cepresidente y consejero de Cultura y Deporte de la Comunidad de Madrid; y Alicia Moreno, delegada del Área de las Artes del Ayuntamiento de Madrid. Por otro lado, también estuvie-ron presentes varios representantes de asociaciones profesionales del sector, organizadoras de este inicio de temporada: Jesús Cimarro (APTEM), Enrique Salaberría (Asociación De-mocrática de Profesionales del Teatro), Violeta Frión (Coordinadora de Salas Alternativas), Juan de Torres (EmprendoDanza), Salvador Sanz (Artemad), y Alejandro Colubi (Adetma).Durante este acto se dieron a conocer algunos datos relevantes recogidos en el Anuario SGAE de las artes escénicas, musicales y audiovisuales. Así, en 2010, en España se celebraron 67.000 funciones, de las que más de 18.000 tuvieron lugar en los escenarios de la Comunidad de Madrid, es decir, el 27,4%. Y de los 16 millones de espectadores que disfrutaron de estas producciones, más de 4 millones también lo hicieron en la región.En cuanto a términos de recaudación, los números son rotundos. De los más de 245 millones de euros recaudados por las artes escénicas en todo el país, Madrid obtuvo una caja de 109 millones, es decir, el 44,4% del total. Respecto a los espectáculos que están por llegar a Madrid durante la temporada 2011-2012, destacarán por su variada oferta escénica, tanto por sus géneros como por su temática o por los públicos a los que van dirigidos. Una de las disciplinas que más espectadores atrae a los escenarios madrileños, ya sea procedente de la región como de otros puntos del país, son los musicales. En este campo sobresaldrá la presencia de tres producciones: “El rey león”, de Stage Entertainment, que llega por primera vez a España, en concreto al teatro Lope de Vega; “Shrek, el musical”, en el teatro Nuevo Apolo, dirigido principalmente a los niños; y “Más de 100 mentiras”, en el teatro Rialto, todo un homenaje al universo de Joaquín Sabina. Madrileños y visitantes también podrán disfrutar de grandes maestros de la escena nacional, que compartirán cartel con jóvenes valores o figuras de la televisión o el cine. Nombres como José María Pou, Charo López, Lola Herrera, Maribel Verdú, Aitana Sánchez-Gijón o Belén Rueda, entre otros, son algunos de los intérpretes que deleitarán al respetable con su saber hacer.Por último, la danza también tendrá su hueco en la programación madrileña. Los Ballets de Monte Carlo, Larumbe Danza, Teresa Nieto en Compañía o el XXVI Festival Internacional Madrid en Danza, que tendrá lugar en noviembre, convertirán a la Comunidad de Madrid en un centro neurálgico de la danza europea.

De izda. a dcha: el actor Paco León; Jesús Cimarro, de APTEM; Alicia Moreno, delegada del Área de las Artes del Ayuntamiento de Madrid; Ignacio González, vicepresidente y consejero de Cultura y Deporte de la Comunidad de Madrid; la actriz Charo López; Félix Palomero, director general del INAEM; y el actor y cantante Javier Gurruchaga.

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compañías

Tras una década sin Adolfo Marsillach, ¿considera que en nuestro país se le

ha valorado en su justa medida? ¿Qué he-chos destacaría de su trayectoria?- Si se le ha valorado o no es un tema en el que prefiero no entrar, porque, como decía Adolfo, él trabajó feliz, a gusto, y la opinión de los demás, es decir, la valoración ajena,

no le importaba demasiado. Respecto a la otra pregunta, para mí en Adolfo destacaba sobre todo su coherencia: coherencia profesional, coherencia personal, coherencia política... En estos tiempos en los que parece que la gente no tiene unos principios muy arraigados, o si los tienen los olvidan con facilidad en aras del

éxito económico o profesional, él destacaba por ser una persona muy coherente, y para mí siempre ha sido un modelo a imitar. - Coincidiendo con este aniversario se va a estrenar “Extraño anuncio”. ¿De qué trata esta obra?- Es un texto muy elaborado, atrevido, inquietante, donde el absurdo se entremezcla con el suspense, y donde aparece el humor, como en todas las obras de Adolfo, en este caso como reacción a las desconcertantes situaciones que se dan. Adolfo escribió esta obra en 1992 y con ella intentaba averiguar el hecho misterioso y apasionante, como él decía, de saber si estamos vivos o muertos. Es un texto que investiga sobre la inconsistencia de la realidad y del tiempo como un engaño de percepción. Él nos lanza una pregunta: ¿Únicamente recordamos

Mercedes LezcanoDirectora de “Extraño anuncio”

“No se entiende cómo a un espectáculo que se subvenciona luego no se le ayuda en la distribución, es como tirar el dinero”

Hace ya diez años que falleció Adolfo Marsillach, uno de los nombres más singulares del teatro español, y, sorprendentemente, aún quedan en su cajón obras que todavía no han sido estrenadas. Una de ellas es “Extraño anuncio”, un inquietante texto que hasta ahora solo había visto la luz en forma de una lectura dramatizada dirigida por Natalia Menéndez, y que llegará a las tablas, a las del teatro Principal de Castellón, los días 11 y 12 de febrero de la mano de la viuda del autor, Mercedes Lezcano, responsable de su dirección. Esta producción de Metrópolis Teatro también se podrá ver en el Centro Dramático Nacional, en concreto en la sala Francisco Nieva del teatro Valle-Inclán de Madrid, entre el 16 de marzo y el 29 de abril.

entrevista

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compañíasel pasado o somos capaces de recordar el futuro? Adolfo siempre ha sido una persona muy controvertida y no sé si esta obra les interesará o no a los espectadores, pero en cualquier caso no les va a dejar indiferentes. - ¿Qué actores se van a encargar de darle vida? - Desde el primer momento lo tuve bastante claro: Manuel Galiana va a ser el protagonista junto a Ana María Barbany. Son dos actores que trabajaron mucho con Adolfo y que conocen muy bien su mundo. José Carabias también hizo bastante televisión con Adolfo. Y además se incorporan al reparto actores más jóvenes como Carmen del Valle, Óscar Olmeda y Kiko Sánchez, a quienes me ha gustado mucho conocer porque me emocionó ver lo importante que era para ellos estar en el mundo de Adolfo y participar en este proyecto. - ¿En qué fase de la producción os encontráis en estos momentos?- Ahora estoy trabajando con el iluminador, que es Juan Gómez-Cornejo, con el que siempre he trabajado, y quien también trabajó en muchas ocasiones con Adolfo, y con un escenógrafo joven, Javier Aoiz, con el que ya he contado en dos o tres ocasiones. También estamos en fase de conversaciones con Kike de la Peña, que es quien se va a encargar de los efectos audiovisuales. - ¿Afrontas de una manera diferente un texto escrito por Adolfo Marsillach que si hubiera sido escrito por otro autor?- Con más inquietud, porque la responsabilidad es mayor. A mí siempre me produce un poco de vértigo el estar a la altura del texto, estar a la altura de Adolfo. Pero con este reparto y este equipo yo creo que lo estaremos, por lo menos lo vamos a intentar.- ¿Participas de alguna manera en la producción?- No, no tengo nada que ver. La idea de poner en pie “Extraño anuncio” surgió de Jacinto (Bravo) y Salvador (Aznar), de Metrópolis Teatro, porque ellos querían mucho a Adolfo. De hecho son empresarios teatrales gracias a él, porque mientras colaboraban conmigo en mi primer montaje, “Mujeres”, Adolfo les animó a unirse a mí como empresarios, porque en aquella ocasión yo era empresaria, directora y de todo. A partir de ahí arrancaron ellos por su cuenta.- ¿Y nunca te has planteado crear tu propia empresa productora?- Cuando escribí mi primera versión teatral

y empecé a dirigir, que fue con “Mujeres”, de Mercé Rodoreda, sabía que si no había dirigido nunca iba a ser imposible que alguien me contratara, por lo que yo asumí el riesgo de producir la obra. Pero soy muy cobarde para producir teatro, solamente aguanté con ese riesgo un espectáculo y medio: “Mujeres” y “Otoño en familia”, de James Saunders, en el que ya entró Metrópolis en la coproducción. A partir de ahí me dijeron que si sufría tanto que no me preocupara, que ellos me contrataban y asumían el riesgo, con lo cual son como de mi familia. - ¿Consideras que en el panorama teatral español hay una excesiva dependencia de las ayudas públicas a la hora de emprender las producciones? - Lo ideal sería no tener que depender

de ellas, pero sí que son necesarias, y más ahora que los ayuntamientos están con problemas de liquidez y a lo mejor tardan dos años en pagarte. Esa mínima ayuda sirve como incentivo, aunque luego arriesgues mucho más que lo que te dan.- Durante una legislatura fuiste diputada de la Asamblea de Madrid por el Grupo Socialista. ¿Cuál es tu opinión ante la actual política cultural de la Comunidad de Madrid?- Siempre he creído que era una política más de escaparate que realmente una política cultural, pero en estos momentos es difícil juzgar cuando la economía está como está. Todo el mundo se está apretando el cinturón y evidentemente también estará pasando respecto a las ayudas a la cultura. La verdad es que me hubiera gustado que en todos los ámbitos, en todas las

comunidades, hubiera una mayor atención a la cultura y a la educación, ya que casi se consideran como algo anecdótico, como un lujo, cuando en realidad son la base de la sociedad. Un ciudadano no educado culturalmente es menos libre y por lo tanto más vulnerable a ser controlado por el poder político. Los gobiernos, del signo que sean, deben poner el acento en una cultura y en una educación que llegue a todos los estratos de la sociedad, a los barrios, a los pueblos, a las comunidades, y a nivel estatal. En definitiva una cultura de formación del individuo.- Y para que se cumplan esas premisas en el mundo del teatro, ¿qué es lo que se echa en falta?- Por ejemplo, muchas veces se dan ayudas a la producción pero luego no se dan ayudas

a la distribución. Y lo difícil es vender, porque para poner en pie un proyecto te endeudas, te arriesgas, pero el problema luego es venderlo. No hay una red de distribución razonable, entre las comunidades no hay mucho trasvase... Debería haber una red mayor de movimiento de los espectáculos.- ¿Las redes existentes, como la de la Comunidad de Madrid, no cumplen suficientemente con este objetivo?- Yo creo que no. Por ejemplo, la obra “Conversación con Primo Levi”, después del éxito que tuvo en Madrid, en el Círculo de Bellas Artes, apenas se movió por el resto de la región, y eso que contaba con ayudas económicas de la Comunidad. No se entiende cómo a un espectáculo que se subvenciona luego no se le ayuda en la distribución, es como tirar el dinero.

Foto de archivo de Adolfo Marsillach, autor de “Extraño anuncio”, junto a Mercedes Lezcano, que emprende ahora la dirección de la obra.

entrevista

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el mundo del espectáculo teatralteatro de texto


compañías

Morfeo Teatro ha trasladado la famosa novela ejemplar de Miguel de Cervantes “El coloquio de los perros” a los es-

cenarios, en un montaje protagonizado en sus papeles principales por Francisco Negro y Mayte Bona. El genio de las letras españo-las escribió esta su última novela en el ocaso de su vida, lo que no impidió que demostrara una ironía maestra que le hace ade-lantarse a su tiempo en una narración sin par, con un paralelismo asombroso a la actualidad de nuestros días. Estrenada el pasado mes de enero en el teatro Principal de Burgos, y tras una nutrida gira de primavera, la obra reinicia este otoño su gira nacional, que comenzará los días 14 y 15 de octubre en el teatro Juan Bravo de Segovia, para continuar en el teatro Rojas de Toledo, y en otros espacios de Plasencia (Cáceres), Ávila, etc. El montaje, que respeta la singularidad del habla y estilo picarescos del original, con momentos de pura comedia, también es fiel a la época en la que se escribió en cuanto a sus esmerados

caracterización y vestuario, aunque se moderniza con un escenario de gran formato que busca emocionar y sorprender al espectador. La historia escenifica la conversación entre dos perros, llamados Cipión y Berganza, que al comprobar que han adquirido mágicamente la facultad de hablar, narran sus experiencias con distintos amos en la España de la época, mientras permanecen atentos a una profecía que ha de volver a convertirlos en hombres.

El Cervantes más visionario se desgrana en esta obra de Morfeo Teatro

El coloquio de los perros


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Asunción Balaguer, más allá de ser la viuda de Paco Rabal, es una esplendida actriz que se ha labrado una brillante

carrera como intérprete por méritos propios. Para que sus nietas recuerden siempre las anécdotas de su vida y de su profesión, y para agradecer al público tantos años de aplausos, Asunción se sube a las tablas para ofrecer “El tiempo es un sueño”, un personal y emotivo montaje que cuenta con la sensible labor de dirección de Rafael Álvarez “El Brujo”.Juan José Seoane, quien precisamente alcanzó su producción teatral número cien con otra obra protagonizada por Asunción Balaguer, “El pisito”, produce y distribuye este montaje en el que la actriz nacida en Manresa (Barcelona) en 1925 se enfrenta en solitario al respetable. Fue ella quien entregó a “El Brujo” sus alegrías, tristezas, inquietudes, ambiciones... para construir entre ambos este espectáculo que cuenta con la dirección musical de Javier Alejano.

Eduardo de Filippo (Nápoles, 1900-Roma, 1984) es uno los más co-

nocidos actores y dramaturgos italianos del pasado siglo. La crítica especializada ha observado en su obra influencias de grandes escritores como Molière, Fe-ydau, Ionesco o Pinter. Hasta el 23 de octubre se podrá ver en el teatro María Guerrero de Madrid “Yo, el heredero”, uno de los textos claves de su carrera,

de la mano de Producciones Andrea D’Odorico. En el amplio reparto de este montaje dirigido por Francesco Sapo-naro aparecen los nombres de Ernesto Alterio, Concha Cuetos y José Manuel Seda, entre otros.En palabras de Juan C. Plaza-Asperilla, adaptador de la obra del dramaturgo italiano, Eduardo de Filippo es “inteligente, reflexivo, incisivo, tierno

y terriblemente napolitano. Luminoso. Busca tanto el disfrute del actor como el del público”. La obra la protagoniza Ludovico Ribera, un misterioso personaje que irá descubriendo, con gran ironía, las maldades, mentiras y errores de una familia de la burguesía acomodada. La comedia, inspirada en un hecho real que le ocurrió al autor, culmina de una manera ingeniosa e insólita.

Las experiencias vitales y profesionales de Asunción Balaguer sobre el escenario

El tiempo es un sueño

Yo, el heredero

Producciones Andrea D’Odorico presenta este texto clave de Eduardo de Filippo

Imagen de una de las últimas sesiones de ensayos de “Yo, el heredero”, previas a su estreno el 19 de septiembre en el teatro María Guerrero de Madrid.

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E l pasado 1 de septiembre la compañía La Quintana Teatro estre-nó su nuevo proyecto escénico, “Realidades”, un montaje que

gira alrededor de las enfermedades mentales y cuyo planteamiento no se aleja de la risa, ya que, según sus responsables, quizá sea el humor el mejor vehículo para entender lo incomprensible. Una chica que en-tabla amistad con una piedra, un psiquiatra que lucha por mantener la medicación de su paciente, una religiosa que acepta los designios de Dios, un sanador que trabaja a distancia, unas hermanas cansadas de cuidar, o un amigo que teme contagiarse son algunos de los pro-tagonistas de esta obra que vio la luz en el C.C. San Juan Bautista de Madrid. La Quintana Teatro es una compañía de creación sobre temática social que nació con “Desde lo invisible”, ganadora del premio Max al Espectáculo Revelación en 2008. En 2009 estrenó “Innómines (Camino a la felicidad)”, que aborda el problema de las dependencias y adicciones. El compromiso de La Quintana Teatro en todos sus trabajos es realizar un amplio trabajo de investigación sobre el tema que quieren tratar. Así, para “Realidades”, las actrices compartieron experiencias durante varios meses con personas diagnosticadas de enfermedad mental, terapeutas de diferentes líneas de pensamiento médico, y familiares de afectados en varios centros asistenciales de Madrid. Victoria Teijeiro, Ana Miren Lafuente y Marian Degás interpretan esta obra dirigida por Lidia Palazuelos y Rolando San Martín que también se puede ver entre los días 3 y 7 de octubre en la RESAD, en Madrid, y el 12 de noviembre en el C.C. Príncipe de Asturias, también en la capital.

RealidadesLas enfermedades mentales centran el nuevo trabajo de La Quintana Teatro

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compañías

El Dr. Guillem Salgado está a punto de dar la conferencia más impor-

tante de su carrera. Está ensayando el discurso en su consulta, cuando recibe una visita inesperada de la enfermera Melón, con la que tuvo una relación amo-rosa hace 18 años, fruto de la cual tuvo un hijo. El hijo furioso le espera en la recepción del hospital para exigirle explicaciones. De pronto, su consulta se empie-za a llenar de gente: su mujer, un doctor, un policía, un viejo ingresado en el hospital, la jefa de enfermería y el inesperado hijo. El intento por parte del protagonista de evitar una catástro-fe profesional y personal provocará una sucesión de mentiras, engaños, disfraces y sobresaltos en la que se verá envuelto todo el hospital y su mujer.A grandes rasgos, esa es la sinopsis de “Els bojos del bisturí (Los locos del bisturí)”, la obra con la que vuelve a la dirección

Ángel Llàcer después del éxito de “Geronimo Stilton, el musical del Regne de la Fantasia” la pasada temporada. La obra, que se estrenó el pasado 13 de septiembre, se podrá ver en el teatro Condal, que se confirma como referente de la comedia en Barcelona, hasta el 20 de noviembre. Se trata de una producción de Focus escrita por uno de los maestros del vodevil, Ray Cooney, autor de grandes comedias teatrales como “Se infiel y no mires con quién” o “La doble vida de John”, que interpretan los actores Joan Negrié, David Verdaguer, Cristina Solá, María Ribera, Susanna Garachana, Pau Ferran, Óscar Muñoz y Enric Boixadera.

Una desenfrenada comedia ambientada en un hospital y dirigida por Ángel Llàcer

Toc Toc”, la exitosa pro-ducción de Lazona, ya

ha emprendido su tercera temporada consecutiva en Madrid. Desde el pasado 26 de agosto se puede ver esta divertida obra sobre seis per-sonajes con Trastorno Obse-sivo Compulsivo (TOC), que se conocen en la consulta de una afamado psiquiatra, en el teatro Príncipe Gran Vía, donde está previsto que per-manezca hasta el próximo mes de enero. La obra ya ha superado las 650 funciones en la capital, donde ha sido vista por el impresionante número de más de 250.000 espectadores. Antes de su llegada a España, está obra de Laurent

Baffie ya se había representado en Francia, Brasil y Canadá, y simultáneamente a nuestro país se está representando en México, Venezuela, Chile y Argentina, en todos ellos en la versión en castellano firmada por Julián Quintanilla. Para el mes de septiembre de 2012 Lazona tiene previsto su estreno en Barcelona, en una nueva versión en catalán. Además la productora mantiene abierta la contratación del montaje para su representación en cualquier rincón de España.

Ante su éxito, el montaje emprende su tercera temporada en Madrid

Foto: Javier Naval.

Els bojos del bisturí

El director Ángel Llàcer (en el centro) con el alocado reparto de “Els bojos del bisturí”.

Foto

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Toc Toc

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compañías

El pasado 15 de septiembre dio comienzo en el Club Capitol la segunda temporada en Barcelona del espectáculo “El cavernícola”, el monólogo más representado de

la historia de Broadway. El actor Josep Julien es el encargado de representar allí este montaje que produce Iria Producciones, empresa que también tiene previsto ofrecer, más adelante, este montaje en catalán. “El cavernícola” se ha presentado ya en 45 países, y ha sido traducida a 30 idiomas, lo que ha posibilitado que más de 8 millones de espectadores de todo el mundo se hallan partido de risa con este texto original de Rob Decker, quien durante más de tres años realizó estudios informales de antropología, prehistoria, psicología, sociología y mitología para escribirlo. Con divertidas percepciones sobre el feminismo contemporáneo y la sensibilidad masculina, “El cavernícola” ha encontrado un modo particular de mirar los temas más comunes de las relaciones, apuntando de lleno al humor y la diversión.

Josep Julien interpreta este monólogo en su segunda temporada en Barcelona

Fue el 15 de noviembre de 2001 cuando, en una pequeña sala

jerezana y con la única intención de hacer reír a un grupo de amigos, vio la luz la obra “Dos hombres solos, sin punto com... ni ná”. Poco a poco, aquella pequeña función de 50 minu-tos de duración empezó a hacer esca-la en teatros de pequeño formato. Y lo hizo sin contar con un “padrino” o con grandes campañas de marketing, tan solo gra-cias al “boca-oreja” de sus espectadores. De hecho, y paradójicamente, su compañía, TeatroSí, nació al rebufo del éxito de la que ya es su primera producción teatral. A pesar del tiempo transcurrido, esta longeva obra se mantiene más joven que nunca. Tanto es así, que entre mayo y el pasado 18 de septiembre, y por segundo año consecutivo, el montaje ha estado programado en el teatro Alameda de Málaga, recinto al que la compañía regresará el año que viene previsiblemente con una nueva producción. Por otras parte, TeatroSí ha alternado estas funciones con otras entre semana en las fiestas de multitud de localidades de nuestra geografía. Solo durante este mes de octubre la obra se podrá ver en Córdoba, Puente Genil (Córdoba), Villanueva de la Serena (Badajoz), Alcalá la Real (Jaén), Montijo (Badajoz) y Trigueros (Huelva), lo que da fe de la gran acogida que ha tenido esta divertida función protagonizada por Manolo Medina y Rodrigo Ponce de León que distribuye Maribel Mesón Distribución Teatral.

Prosigue este otoño la brillante trayectoria de este montaje de TeatroSí

Dos hombres solos, sin punto com... ni ná

El cavernícola


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el mundo del espectáculo teatralteatro multidisciplinar


compañías

Perséfone, reina del infra-mundo, hace siglos que

ejerce su trabajo con precisión y dedicación. Cada persona que muere es conducida por ella al reino de los muertos. Guiados por ella, y de la mano de la compañía catalana Comediants, los espec-tadores viajarán por la delgada lí-nea que une la vida y la muerte. Y descubrirán paisajes de mundos nuevos, personajes extravagantes y conflictos relacionados con nuestro destino final: la muerte. “Perséfone” es un espectáculo que profundiza en uno de los lenguajes preferidos de la compañía: las “varietés”, una miscelánea de escenas de diferentes estilos que conforman una misma realidad, en este caso la muerte. La formación se ha propuesto tratar este tema desde un enfoque poético, de humor e ironía, de musicalidad y surrealismo. Los personajes utilizan la máscara, el canto, el baile, el gesto, la palabra, la comedia del arte, la coreografía, el teatro de objetos y el transformismo. La voz cantada, solista o coral, constituye el texto del espectáculo. La empresa Illa Escènica distribuye este montaje que durante el mes de octubre hará escala en Vigo, Pontevedra, La Coruña, y Cádiz. Posteriormente, del 26 de octubre al 27 de noviembre, se podrá ver en el teatro María Guerrero de Madrid, mientras que del 15 de diciembre al 8 de enero permanecerá en el Teatre Lliure de Barcelona.

Los pequeños na-das” es un recopi-

latorio de distintos viajes. Un intento de condensar todos aquellos elementos de uno, de muchos viajes: el placer de todo lo que es nuevo, la necesidad, la equivocación constante, el cambio interior. Es una oda a las personas cuando viajan. Y una reflexión en un mundo donde la gente viaja cada vez más. Todo ello basado en hechos rea-les.

Se trata de un espectáculo de pequeño-mediano formato en castellano –aunque está disponible en otros idiomas– y dirigido a todos los públicos, que cuenta con películas de Super-8, diapositivas manipuladas con una máquina de escribir, efectos de luces y sombras con objetos reciclados y juguetes, cajas de música con composiciones propias, creación sonora, poesía y, por qué no, también teatro. Este espectáculo lo han ideado las mentes del portugués Nuno Pinto y los españoles Manuel Narejo y Anton Coimbra, este último director además de la compañía que lo lleva a cabo, Último Comboio. De su distribución en Cataluña y Baleares se encarga La Lucky, mientras que la gestión para el resto de España corresponde a Germinal Producciones.

Comediants nos lleva de la mano al reino de los muertos

Perséfone

Los pequeños nadasMultitud de disciplinas construyen esta colección de viajes

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el mundo del espectáculo teatralmusicales


compañías

Por segundo año consecutivo Ribalta Producciones ha sido seleccionada

para representar a la región de Murcia en la XVI Muestra de Teatro de las Autonomías, que el Círculo de Bellas Artes de Madrid llevará a cabo del 4 al 16 de octubre. Si el año pasado participó con “Clasicorro lo serás tú”, avalada por un gran número de actuaciones por distin-tos circuitos de nuestra geografía, esté año lo hará con “Hendaya. Cuando Adolfo encontró a Paco”, el polémico musical que firma –jun-to a Carla Guimaraes– y dirige Pepe Macías, conocido por sus colaboraciones cómicas en programas televisivos como “Sé lo que hicis-teis” o “Paramount Comedy”. Esta comedia musical de pequeño formato expone una alocada y musical versión de lo que pudo ser el encuentro histórico entre Franco y Hitler. Miguel Ángel Jiménez en el papel del Führer, Juan Carlos Maestre como Franco, Luis Yagüe como Ribbentrop y Rafael Galán como Serrano Suñer dan vida a este original montaje.

Hendaya. Cuando Adolfo encontró a PacoRibalta volverá a representar a Murcia en la Muestra de Teatro de las Autonomías

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el mundo del espectáculo teatralmusicales


compañías

El rey león”, la mayor producción musical jamás presentada en España, verá por fin la luz el próximo día 21 de octubre en el teatro Lope de Vega de Madrid. La

conocida película de la factoría Disney cobra vida sobre el escenario en un montaje que ya ha sido visto por más de 50 millones de personas en todo el mundo. De hecho, es el cuarto espectáculo de la historia del teatro que ha superado esa marca, solo por detrás de otros tres conocidos musicales: “Cats”, “Los Miserables” y “El fantasma de la ópera”. Catorce años después de su estreno en Broadway, “El rey león” continúa con su ascenso. En 2011, además de en Madrid, también se podrá ver en Nueva York, Las Vegas, Londres, Hamburgo, Tokio y Singapur. A su éxito contribuye la combinación de muchos elementos, entre los que destacan tres. En primer lugar, su banda sonora, en la que sobresalen las composiciones que el músico Elton John y el letrista Tim Rice crearon para la película de dibujos animados, con temas tan conocidos como “The circle of life”, “Can you feel the love tonight” y “Hakuna matata”. En segundo lugar, su cuidada escenografía y puesta en escena, en las que se mezclan las más sofisticadas disciplinas de las artes escénicas occidentales, africanas y asiáticas. Y en tercer lugar, la unión de avalados talentos musicales y teatrales reconocidos a nivel mundial.

El estreno de “Más de 100 mentiras”, el esperado espectáculo musical basado en las canciones de Joaquín Sabina y en los personajes surgidos de ellas, está

a punto de llegar. La cuarta producción de Drive Entertainment tras “Hoy no me pue-do levantar”, “Enamorados anónimos” y “40 El Musical”, que también cuenta con Ángel Suárez y José María Cámara como productores, verá la luz el 6 de octubre en el teatro Rialto de la Gran Vía madrileña. “Más de 100 mentiras” cuenta con una alta concentración de talento en su creación. Dirigido por David Serrano, responsable igualmente del guión junto con Fernando Castets y Diego San José, la selección y dirección musical corresponden al equipo conformado por Pancho Varona, David Serrano, José María Cámara y Daniel García, este último como director musical. Todo ello bajo la mirada vigilante del propio Joaquín Sabina.

Más de 100 mentiras

El 21 de octubre se estrena la mayor producción musical llegada a nuestro país

Llega a la Gran Vía el musical basado en las canciones de Joaquín Sabina

El rey león

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el mundo del espectáculo teatraldanza


compañías

Danza a Escena regresa con propues-tas heterogéneas en más de setenta

espacios escénicos públicos. Este circuito artístico organizado por La Red Española de Teatros, Auditorios, Circuitos y Festiva-les de titularidad pública y promovido por el INAEM proporciona la ocasión perfecta para conocer las líneas coreográficas que definen el trabajo de algunas de las mejo-res compañías de danza de nuestro país. Su segunda edición continúa durante este otoño con un extenso calendario de actua-ciones.Las formaciones vascas Noemí Viana & Jesús Rubio y Natxo Montero Danza giran, respectivamente, con los espectáculos “Menú del día” y “Carni di prima qualitá”, mientras que la obra de Da Vinci inspira otro de los montajes seleccionados en el circuito, una pieza que lleva por título “1,618… Da Vinci, Leonardo inspira danza” y en la que Cienfuegos Danza ofrece su particular relectura sobre el legado científico del genio italiano. Los aficionados a la danza también tendrán la oportunidad de acercarse al trabajo que desarrollan formaciones como Nats Nus Dansa, que presenta el dúo “En attendant l’inattendu”,

o Loscorderos.sc, que conjugan el “reality” poético y la pornografía más emocional en el espectáculo “El mal menor”. Danza a Escena también nos acercará la obra de veteranas compañías como Gelabert-Azzopardi, que repone “Belmonte”, uno sus montajes más emblemáticos, o los granadinos Da.Te Danza, que exhiben unas de las obras galardonadas en FETEN, “Río de Luna”. Y es que la danza para niños y niñas conforma uno de los atractivos de esta iniciativa. Las nuevas tecnologías son las señas de identidad de los espectáculos “Paisajes” y “Zing-zing”, a cargo de la creadora madrileña Marisa Amor y de la compañía catalana Roberto G. Alonso. Por su parte, la esencia del juego da voz y vida a “nOu”, la propuesta que firma la Companyia Dansa Mariantònia Oliver. La relación de espectáculos para niños y niñas se cierra con el último proyecto escénico de Aracaladanza, “Nubes”, segunda parte de una trilogía inspirada en los grandes maestros de la pintura europea, en esta ocasión en el universo de Magritte.Pero Danza a Escena no acaba ahí. La danza intensa y coreográficamente versátil

llega con “The room”, el último trabajo de Thomas Noone para su compañía, mientras que el brasileño Bebeto Cidra gira junto a su formación para presentarnos “Suites de Bach, una trilogía”. La danza neoclásica, el flamenco, el hip hop, el claqué y los lenguajes coreográficos más actuales completan la programación de una iniciativa nacida en 2010 para incrementar la visibilidad de la danza en las programaciones de los teatros públicos españoles. El cartel contará con obras como “Tripolar”, del tándem formado por el sevillano Marco Vargas y la bailarina canadiense Chloé Brûlè; “Payasos divinos”, un trabajo de la aragonesa LaMov Compañía de Danza; “Mintzo”, de la donostiarra Dantzaz Konpainia; “ScRakeja’t”, un espectáculo de CobosMika Company definido por la fusión de la danza contemporánea y el hip-hop; y “TapArpègics”, de Clac & Roll, en el que la música electrónica y videoarte se dan la mano para recuperar la esencia del claqué. Toda la información sobre este circuito se puede encontrar en la web www.danzaaescena.es.

Danza a EscenaEl otoño también se cita con la danza gracias a este circuito organizado por La Red Española

“Nubes”, de Aracaladanza.

“Zing-zing”, de la compañía Roberto G. Alonso. “The room”, de Thomas Noone Dance.

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compañías

www.elespectaculoteatral.es

Filage Bloc”, palabras con las que se hace alusión a la calidad colabo-

rativa, permeable y sutil de algunos tipos de rocas, constituye también el título del nuevo trabajo de la bailarina y coreógrafa de Esparreguera (Barcelona) Laia Mingui-llón, en el que ha fundido sus dos gran-des pasiones: la danza y la escalada. Esta propuesta, amadrinada por Sol Picó, se estrenará los días 7, 8 y 9 de octubre en el teatro La Passió de su localidad dentro de la programación del Festival LOLA.Las emociones relacionadas con el cuerpo en el medio natural, las sensaciones del contacto, la comunicación con las hojas, la tierra, las rocas, son el material del que se nutre la obra. Para llevar adelante esta coreografía Laia Minguillón ha contado con la colaboración en la dirección de Anna Rodríguez, quien desde hace años desarrolla su carrera profesional como bailarina y docente en Francia. La singularidad del montaje también viene dada por la escenografía, una estructura creada por Joan Jorba que simula una gran roca, en la que la bailarina expresará con el movimiento las inquietudes que como creadora le han llevado a desarrollar este proyecto. Arena, tierra y vegetación acompañarán la estructura en escena, lo que contribuirá a crear una ambientación muy especial para los espectadores. La composición musical original del grupo Animic completa la lista de colaboraciones de “Filage Bloc”.

Little night cabaret”, un fabuloso recorrido por los mejores momentos de la historia del ca-baré europeo y del music-hall americano, es el espectáculo que la compañía NS Danza,

dirigida por la coreógrafa Nuria Serra, ofrecerá el próximo 18 de octubre en el teatro Alcázar de Madrid. Esta actuación será en beneficio de “Music & Help”, una entidad que combina la música con la lucha contra el cáncer infantil. Este montaje, que distribuye Bianchini Producciones, realiza un espectacular viaje de París a Berlín y de Chicago a Nueva York a través de las coreografías de la formación catalana. El espectáculo también cuenta con la magnífica voz de la cantante Alicia Alomà, que será la encargada de conducir la gala, acompañada por el humor y la elegancia de la actriz Maica Verdejo. Sin duda será una noche en la que hasta el más reacio acabará siendo un apasionado del cabaré.

Filage BlocUna combinación de danza y escalada amadrinada por Sol Picó

NS Danza recorre la historia del género en Europa y Estados Unidos


Little night cabaret

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el mundo del espectáculo teatralopinión


el apuntador

AAdolescentes. Franja de edad que ate-rroriza a padres, profesores y ¿teatreros?

Abunda el teatro para bebés, teatro infantil, tea-tro para público adulto… pero el “teatro a partir de 12 años” es escaso y no despierta el interés de las grandes compañías, ni públicas ni priva-das. En un país donde la educación secundaria tiene un nombre tan ambiguo como ESO, ¿qué ofrece el teatro español a este público comple-jo y respondón, obsesionado por la imagen y la aceptación del grupo? ¡Quién fuera Facebook para saberlo todo de ellos! ¡Ah, quién pudiera hacer, volar, ser siempre un teatro adolescente!

Tus papás te llevan al teatro hasta que cumples los 12; luego, tú pasas porque estás liado con los porros y las pajas, y el insti como mucho te lleva a ver un clásico barroco con exceso de verso y terciopelo que te deja aún más loco de aburrimiento y ansioso de nintendo. Desapareces como potencial espectador y te conviertes en una especie de público limbo del que no sales hasta que se le acabe el sufijo teen a tu edad en inglés. Y eso que parecía que te estaban formando como espectador teatral, con tanto cuentacuentos, payasos, títeres y demás espectáculos especializados. ¡Oye, que hasta se ha patentado un teatro para bebés de 0 a 3! Pero tú, que tienes quince cual Romeo o Julieta, estás abocado al cine de zombies y tetas, burguer y botellón.

Con Clan de Bichos, Ismael Moreno y yo hemos realizado diversos montajes supuestamente destinados al público infantil. Y lo digo así porque no nos va mucho lo de clasificar el teatro por edades, será porque entre los dos sumamos 80 años y nuestro programa favorito sigue siendo Barrio Sésamo. Pero en 2009 recibimos un encargo brutal: una obra realizada expresamente para público adolescente, entre 12 y 18 años, Secundaria y Bachillerato, sobre los Objetivos de Desarrollo del Milenio. Bagatelas: acabar con la pobreza extrema, educación primaria universal, igualdad de hombres y mujeres, disminuir la mortalidad infantil, la mortalidad materna y las enfermedades infectocontagiosas, proteger el medio ambiente y lograr una alianza mundial a favor del desarrollo de las naciones más desfavorecidas. Nuestro primer objetivo fue otro más: enganchar a los adolescentes por el corazón, el cuello y los güevos.

Nuestra fórmula es más compleja que la de la coca-cola, ahí van los ingredientes pero no

las cantidades: 1.- HUMOR como herramienta genial para aflojar al espectador, y es que nada les gusta más a los adolescentes que hacer el tonto. Descubrimiento del sexo aparte, claro. Yo jamás me he reído tanto, y de cualquier cosa, como cuando tenía 14 años. ¿Que les pone “Muchachada nui”, nuestros Monty Phyton castellanos? Pues vamos a darles absurdo y surrealismo, que nuestro teatro es Mihura, Jardiel, Tip y Coll y también Clan de Bichos. 2.- AUDIOVISUALES: cortos de 3 minutos, que más tiempo atentos no aguantan, salpicadura paródica y rabiosa de imágenes para el púber adicto hijo del zapping. 3.- MÚSICA: igual da rock & roll, que hip hop, rap, tango, pop, copla o house; pegadiza, original, a todo volumen y en vivo y en directo, que esto no es tele.

Pero más allá de la risa, esa risa irónica que ofrece una reflexión seria y que por contraste golpea más hondo, más allá de la tecnología integrada a la escena, de los vídeos y el chunta chunta, de romper la cuarta pared y pegarles zapatilla y espada láser triunfadora en mano (aquí no hay ninguna metáfora, les pegamos de verdad) lo que más agradecen, lo que más les seduce, lo que más aplauden es vernos morir en el escenario, actuando desde el filo, sin red, porque para ganarse su respeto hay que darlo todo y mojarse hasta el fondo y con sudor: el ACTOR que se deja la piel ante ellos, con ellos, por ellos. El público adolescente, si la entrega es grande, sucumbe como ninguno a los encantos dramáticos y ganarse su respeto y admiración es un verdadero gustazo.

Porque los adolescentes van volando, tienen de todo y se aburren rápido y con razón: asimilan la información de decenas de canales, navegan en la web, se chutan con facebook, twenty y twitter, se bombardean con sms, ganan maratones con la wii, ¿y luego les viene un profe o un teatro con un discurso lineal y aristotélico, que lo mismo les da que sea Conocimiento del Medio que Hamlet? A mi hijastro Lautaro, pues tengo la suerte de ser madrastra además de madre, varios profesores le han prohibido consultar Internet. El chico, que tiene trece años, está aprendiendo a tocar la guitarra con un profesor virtual y lo hace muy bien. Y es que, por si no lo saben, la película favorita de todos ya no es “El club de los poetas muertos” sino “La red social”.

Hay una clave común a los adolescentes de todos los tiempos: la curiosidad. Presumen

de saberlo todo, están ávidos de nuevas experiencias y sensaciones y ya no quieren pedir permiso. En mis talleres para docentes sobre el teatro social y como herramienta de sensibilización les advierto: ya sabemos que todos los adolescentes de todas las épocas han sido más o menos rebeldes, más o menos pasotas, estarán más o menos salidos, pero esta generación de adolescentes es única en toda la Historia de la humanidad por dos motivos: 1.- Tienen a su disposición alta tecnología: cualquier niño tiene en su móvil una cámara digital de alta definición, algo que hasta hace nada sólo tenía James Bond. 2.- Capacidad de difusión a nivel planetario. No hace falta ni ser mayor de edad para llegar con cualquier tipo de mensaje al otro lado del mundo. Nosotros, los teatreros que hacemos espectáculo, que buscamos los resortes para conmover, que somos el espejo de nuestra sociedad para intentar su mejora, tenemos que espabilar si queremos estar a la altura de esas criaturitas que usan y abusan diariamente de unos medios de comunicación propios de una ciencia ficción que ya está aquí y ahora.

Con “2015 Tiempo vital” hemos representado más de 100 funciones ante más de 25.000 adolescentes, en todo tipo de teatros y centros: desde institutos públicos de barrios humildes hasta colegios privados de corbata a juego con los calcetines. Y de punta a punta del país: pa arriba y pa abajo desde Santander hasta Lepe. Nos ha pasado de todo: en un IES de Móstoles, la orientadora, al terminar la función, nos confesó aliviada: “¡Qué bien ha salido, menos mal que no ha pasado nada!”. “¿Cómo que no ha pasado nada?”. Y ella: “Es que había dos chicos que acabábamos de expulsar durante dos semanas porque tuvieron una pelea con sangre hace días, y lo último que hacían antes de irse era ver vuestra función”. ¡Pues menos mal que no ha pasado nada! O mejor dicho, que sí ha pasado y mucho: unos 200 jóvenes acabaron en pie cantando, aplaudiendo, bailando y pidiendo ¡otra, otra, otra!. A la salida uno de ellos, supermacarra, mano en moto, nos increpa con el pulgar hacia arriba: “¡Eh, máquinas, que sois unos máquinas!....” Uf, ¿se puede pedir más? Sí, los adolescentes siempre piden más. Sus temas no son sólo el bullying. Les puede interesar cualquier cosa, pero según cómo se la cuentes. No les abandonemos: vamos a dárselo todo con nuestro teatro.

Tiempo vitalpor Susana Sánchez

Licenciada en Periodismo por la Universidad Complutense de Madrid y en Dramaturgia por la RESAD, Susana Sánchez compagina su trabajo como periodista cultural y guionista (“Autoindefinits”, de Canal 9; “A ver si llego”, de Tele 5; “Carne cruda”, de RNE3) con la escritura de textos teatrales (“Zaturecky”, “La vida de Bin Laden” o “Siempre fiesta”). En 2006 fundó junto a Ismael Moreno la compañía Clan de Bichos, en la que además de representar sus textos (“¿¡Qué mosca te ha picado!?”, “¡Tú la llevas!” o “2015 Tiempo vital”), desarrolla su faceta de actriz, titiritera y letrista de las canciones de sus espectáculos. Además imparte talleres de “Teatro y las nuevas tecnologías como herramientas de sensibilización social”.

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el mundo del espectáculo teatralcirco

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compañías

En torno a la pista, polvo de harina y

olor a levadura acogen al espectador en la intimi-dad de un pequeño circo. En el centro, recuerdos de vivencias y oficios de un payado amnési-co, acompañado por las texturas sonoras de su compañero Sibelius. A la cálida luz de las can-dileja, “Maiurta”, el más reciente espectáculo de la compañía Los Galin-dos, invita a todo el que se acerque a compartir el polvo, la proeza, la risa y la sorpresa del circo. La experiencia personal y artística del payaso, malabarista, trapecista y acróbata excéntrico, y su herencia familiar de panadero, constituyen la materia escénica de “Maiurta”. Sin una cronología razonable, Los Galindos proponen aquí una dramaturgia de situaciones y de imágenes cautivadoras que se suceden armoniosamente. Por su parte, las kalimbas, la kora, los instrumentos de percusión procedentes de diversas culturas y objetos cotidianos o elementos naturales que resultan musicales son los pilares para construir el espacio sonoro. El espectáculo fomenta el respeto, sobre todo a las relaciones generacionales entre niños, adultos y ancianos. También supone un elogio al deseo de emocionarse, aprender y experimentar en libertad del individuo, y un homenaje a los oficios artesanales y a las ancestrales culturas nómadas. De hecho, el montaje se lleva a cabo en una yurta, un habitáculo típico de los nómadas de Mongolia. Los espectadores, que pueden llegar a ser ochenta, se distribuyen en dos espacios semicirculares alrededor de la pista, mientras que esta se convierte en un espacio de juego y tránsito. En las próximas semanas, Los Galindos tienen previsto ofrecer este nuevo montaje en París, en el festival Temporada Alta y en la Fira Mediterrània.

MaiurtaUn homenaje circense a los oficios artesanales y a las ancestrales culturas nómadas

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el mundo del espectáculo teatralinfantil


compañías

Daniel Pérez, autor y director de “El primer perro del mundo”, explica

el origen de este montaje que verá la luz entre los días 4 y 7 de octubre en el teatro Principal de Zamora: “Siempre me conta-ron que el perro desciende del lobo pero nunca, hasta hace poco, supe cómo se había producido ese proceso por el cual un animal salvaje se podría convertir en un leal compañero en la vida. Un amigo alegre y generoso siempre dispuesto a querer-nos. Una vieja leyenda, tan antigua como el mundo, cayó en mis manos. En ella se cuenta cómo se crió el que fue el primer perro del mundo”. Esta obra producida y distribuida por Es.Arte continuará sus re-presentaciones entre este mes de octubre y el próximo enero en el teatro Infanta Isa-bel de Madrid. Además, el 9 de noviembre

hará escala en Alicante con motivo de su Muestra de Autores Contemporáneos. Dirigido a niños de entre 6 y 12 años, se trata de una obra luminosa, dinámica e impactante cuya trama se sitúa en la Prehistoria. Un texto atractivo, un lenguaje directo y una música original y pegadiza, acompañada de divertidas coreografías, hacen que este montaje sea ideal para el público infantil y familiar. Seis actores en escena –Antonio Martín, Marta Mardó, Miguel Jerez, Martín Puñal, Yashmín Zamani y Queta Herrero– darán vida a los nueve personajes que aparecerán en escena. A destacar también el brillante trabajo de creación del espacio escénico y el vestuario realizado por Andrea Valero.

El primer perro del mundo

El teatro Principal de Zamora acoge el estreno de esta obra infantil de Es.ArteFoto de los ensayos de “El primer perro del mundo”, que se estrenará en Zamora entre los días 4 y 7 de octubre.

Daniel Pérez, autor y director de “El primer perro del mundo”. Más información en la edición digital

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equipamiento

Empresas como la firma valenciana Dodinuf, y las barcelonesas Fresnel,

Transcasting Events y Accialt han sido pio-neras en abrir el espectro de expositores de una feria que hasta ahora sólo ofrecía espectáculos terminados, y que tiene un gran potencial de crecimiento en este ám-bito, que engloba la fabricación o alquiler de sonido e iluminación, el transporte de equipos o los efectos especialesLa trayectoria de la empresa barcelonesa Fresnel es bien conocida en el sector, en el que destaca como fabricante de todo tipo de equipamiento de iluminación espectacular. Su marca Strong visita ferias internacionales como Plasa (Londres), Siel (París), SIB (Rímini) o Musik Messe (Frankfurt) y en Tàrrega ocupó la mayor superficie de todos los expositores con un stand en el que presentaban su gama de productos: proyectores fijos y robotizados, etapas de potencia, mesas, controladores, generadores de efectos, y todo tipo de accesorios para la iluminación espectacular. Dodinuf, por su parte, es la empresa que desde 1997 gana el concurso para suministrar toda la infraestructura técnica de FiraTàrrega y en esta ocasión acudía por primera vez como empresa expositora para ofrecer sus servicios de alquiler de sonido profesional, iluminación espectacular y estructuras. La nueva Llotja en la que se ha desarrollado la presencia de stands de empresas –situada en el pabellón del Club Natació– ha permitido también que una empresa como Accialt pudiera mostrar sus sistemas de seguridad para efectos especiales escénicos en altura, aplicables

en circo, teatro y danza.Según su responsable, Josep María Pruna, la FiraTàrrega está muy unida a Accialt. “Estamos en este mundo gracias a Comediants –explica–. Empezamos con ellos en 1999 y desde entonces trabajamos en España con diferentes teatros y directores técnicos con los que hemos trabajado”. En su opinión, el hecho de haber trasladado la feria a este nuevo recinto ha favorecido la presencia de su empresa en el certamen. “Antes no había una estructura fija en la que pudiéramos instalar nuestros sistemas de vuelo para hacer demostraciones en vivo. Y ahora sí. Lo curioso es que se acercaban programadores a preguntarnos quienes éramos. No sabían si éramos una compañía de teatro o no… Había que explicarles que somos una empresa de servicios para compañías y festivales. Ofrecemos la técnica para la coreografía de vuelo, al servicio de la imaginación del creador”.La misma estrecha relación entre una empresa y el certamen se establece en el caso de la firma valenciana Dodinuf que, según explica Pilar Junoy, “es la empresa que desde 1997 suministra el material técnico y personal de la feria. Esto supone la organización y el montaje de cada espacio: escenarios, sonido, iluminación, estructuras. En esta ocasión

hemos montado diecinueve espacios y escenarios”. Esta era, sin embargo, la primera vez que acudían como expositores al certamen. “Nos parecía que era muy interesante darnos a conocer ante los visitantes profesionales y remarcar que nosotros somos la empresa que se encarga de organizar los espacios y escenarios”“Hemos podido hacer muchos contactos –añade–. Aunque la primera reacción de los visitantes era de sorpresa por la presencia de empresas de este tipo, nos han transmitido que les parecía muy positivo que estuviéramos ahí”. La misma sensación de sorpresa dice haber visto en sus visitantes Cristina Yuste, de la empresa

A la izda. Josep María Pruna, director general de la empresa Accialt. Junto a él, uno de sus técnicos, Xavi Tapias.

FiraTárrega El certamen abre su Llotja a las empresas de equipamiento escénico

Una de las grandes novedades de la trigésimo primera edición de FiraTàrrega ha sido la presencia de empresas de servicios para el espectáculo. La situación económica actual ha expulsado casi por completo a la, hasta ahora, nutrida representación institucional que solía contratar superficie en el área de negocio de la Llotja de Tàrrega. Su espacio lo ha ocupado en esta ocasión una pequeña representación del sector de equipamiento profesional para las artes escénicas, circunstancia que ha sorprendido con agrado a las compañías teatrales que acuden tradicionalmente al encuntro que abre la temporada ferial en España.

Un instante de las demostraciones de vuelo escénico que se realizaron en el stand de la firma barcelonesa Accialt.

reportaje

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equipamientofamiliar de transportes especializados Transcasting Events. “Somos una empresa conocida: desde hace veinticinco años trabajamos transportando material escénico para empresas de Barcelona como La Cubana, Dagoll Dagom, Teatre Liure, Vania, o T de Teatre, pero sí es cierto que las compañías presentes en Tárrega se sentían sorprendidas, pero gratamente y nos han pedido varios presupuestos. Todavía es pronto para analizar los resultados, pero creo que el objetivo que nos habíamos planteado, buscar nuevos clientes, se va a ver cumplido”.Para el responsable de Accialt, que desde 1999 distribuye en España los productos de la empresa norteamericana líder del sector, Hall Associates Flying Effects, esta primera experiencia como expositor también “ha sido positiva. Ahora queda el trabajo más duro, que es el de concretar y trabajar los contactos realizados, pero creo que va a ser muy positivo nuestro paso por Tàrrega, porque hemos demostrado a posibles clientes el avance técnico que les podemos ofrecer”.

Miguel Yuste, propietario de la empresa de transporte escénico Transcasting Events.

El stand de Fresnel S.A. era el más grande de la feria. En el interior vemos a su responsable comercial, Rafael Mallo.

reportaje

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equipamiento

En su opinión, ha sido un gran avance que en este tipo de ferias “se hayan podido presentar este tipo de servicios. Y cuantas más empresas de servicios haya, más contactos habrá y se podrán ver más propuestas para la creación. Si sólo hay espectáculos todo se decanta hacia los festivales y los programadores y el aspecto ferial se queda cojo. Creo que es positivo que las empresas de servicios estemos aquí para ofrecer ideas a las compañías”.Una visión diferente, más crítica, es la que ofrece Rafael Mallo, responsable comercial de Fresnel. Acostumbrada a participar en los más grandes certámenes comerciales del mundo, no era de extrañar que el suyo fuera el stand más grande en Tàrrega. Rafael Mallo, su responsable comercial, valora positivamente, aunque con reservas, su participación en Tàrrega. “Strong es una marca muy conocida en el sector: nuestros productos se ven en teatros de toda España y aquí acudíamos por primera vez para darnos a conocer un poco más. Pienso, sinceramente, que la feria ha tenido menos repercusión de la que pensábamos y esperábamos pero, aún así, la experiencia

ha sido buena: hemos realizado dos o tres contactos buenos, a los que tenemos que visitar y ofrecer presupuestos”.“Ha habido mucho movimiento de visitantes, eso sí –continúa– y hemos visto a mucha gente, pero hemos echado en falta a representantes de ayuntamientos e instituciones. Por otra parte, a la otra pata del negocio, las compañías de teatro, creo que les falta profesionalizarse: esperan que se les contrate en los teatros con

todo puesto y no tienen en cuenta que si su propuesta es más completa, contando con un mínimo de infraestructura, quizá les podrían contratar más fácilmente. En cualquier caso, pienso que en otras circunstancias económicas nuestra presencia habría resultado mucho más productiva: mucha gente nos decía que no hay dinero y esto es culpa de la crisis. Por mucho que hagas, ¡si no hay dinero para invertir…!”.

Dejando a un lado las opiniones de Pia Mazuela, gerente de la compañía de dan-za de Sol Picó, para quien la presencia de empresas de servicios “no molesta”

aunque no la ve “útil”, o de Isaac Casals, distribuidor internacional de Magnética Ma-nagement, que en su calidad de compañía distribuidora afirma que “su presencia no nos ha sido útil; en todo caso, nos gustaría ver empresas de escenografía”, la opinión de las otras compañías consultadas por EL ESPECTÁCULO TEATRAL, presentes habi-tualmente en FiraTàrrega, es favorable a esta apertura del área de negocio a empresas que pueden convertirse en su colaboradoras.Para Iván Alcoba, de la compañía Fadunito de teatro de calle infantil, “las empresas de servicios que han expuesto este año tienen productos que no usamos nosotros pero me parece perfecto que estén. En Fadunito subcontratamos nuestro atrezzo y ya contamos con empresas que nos fabrican el vestuario, los zancos o el resto de útiles que empleamos, pero si expusieran empresas que diseñan vestuario o artesanos de la madera, el hierro o el aluminio, a lo mejor podríamos hacer negocio”.Luisa Bosch, responsable de producción y management de Increpación Danza, de hecho visitó en la feria los stands de Fresnel y Nuyanworks, interesándose por sus productos y afirma que su participación le ha parecido “una buena idea y estaría bien que creciera. No deja de ser una manera de establecer nuevos contactos y ver lo que hacen empresas que pueden ser proveedores nuestros, que contratamos con empresas de vestuario, sonido, iluminación y atrezzo, escenografía básicamente”.De la misma opinión es José Ramón Matínez, de la compañía vasca de teatro de calle Markeliñe. “A mi me parece estupendo –afirma– porque estamos todos en el mismo barco: yo necesito de ellos y ellos de mí. En esta feria hemos tenido contacto con Strong, e incluso echo en falta otro tipo de empresas, como gestorías especializadas en artes escénicas, un tipo de negocio que existe en Francia: asesorías que vienen a dar servicio a muchas pequeñas compañías de teatro y asociaciones culturales que no tienen entidad jurídica ni volumen para facturar por su cuenta y que necesitan este tipo de paraguas legal para poder facturar o contratar actores, etc.”.Lluis Rovira, de la productora barcelonesa Tutatis, asegura que “a las empresas que han venido este año no les he hecho mucho caso, esa es la verdad, pero no le haces caso a nada hasta que lo necesitas. A lo mejor luego necesitas audiovisuales para un espectáculo tuyo y ahí surge la relación. De hecho, vamos a contactar con Nuyanworks para un próximo proyecto. Lo que sí echo en falta son empresas de escenografía y atrezzo. Las ferias tendrían que abrirse más, porque lo normal es que nos veamos siempre los mismos y esta dinámica hay que romperla. Todo influye para que haya más movimiento, más presencia de programadores y compañías”.

La valoración de las compañías teatrales

Pilar Junoy, en el stand de la empresa valenciana Dodinuf.

reportaje

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la técnica, instrucciones de uso

LLos equipos deberán realizar dos fun-ciones:

traducción; ajustes durante los ensayos; lanzamiento durante la representación y almacenado)

espectador.Los primeros sistemas de sobretitulado se basaban en la proyección de diapositivas. Los títulos se creaban pacientemente en un ordenador y, una vez impresos en papel, se fotografiaban con película negativa de alto contraste (lith), obteniéndose así caracteres blancos sobre un fondo negro muy denso. Durante la función, los proyectores de diapositivas presentaban dificultades a causa de la lenta cadencia de cambio y la escasa potencia de la proyección. El uso simultáneo de varios proyectores que se repartían el trabajo permitió acelerar el ritmo de presentación de los textos, pero cuantos más proyectores y carros cargados de dispositivas se preparaban, con mayor frecuencia se atascaban. El resultado era a menudo catastrófico, ya que se perdía la sincronía con la escena y era muy laborioso recuperarla. La gestión de la secuencia se hacía de forma manual siguiendo el guión escrito en papel y pulsando el botón de avance de diapositiva según la numeración establecida. ¿Podemos imaginar la dificultad de corregir o alterar una frase cuando se disponía de cientos de diapositivas instaladas en sus respectivos carros?Se hacía necesario encontrar un sistema que permitiera una mejor y más ágil gestión del texto. Aparecieron así los primeros programas informáticos especialmente concebidos para ello, frecuentemente desarrollados a medida para los teatros y empresas que los solicitaban. La idea central es utilizar las ventajas del procesador de textos junto con las de la base de datos, con el añadido de rutinas de llamada y presentación de los títulos. De esta manera se pueden confeccionar y almacenar las distintas “diapositivas” llamándolas a escena a nuestra conveniencia. Los programas profesionales para subtitulado y sobretitulado disponen de presentaciones de pantalla con diversas ventanas en las que podemos seguir el texto original, el texto traducido, el texto proyectado, el siguiente en entrar, el orden de la secuencia etc. Al

mismo tiempo proporcionan herramientas para la edición de la secuencia y el desplazamiento a lo largo de la misma de forma ágil. El texto es almacenado en diversos formatos específicos que permiten el intercambio y edición de ficheros. Al mismo tiempo podemos también contar con ayudas como corrección ortográfica, diccionarios, distintos tipos de letra y formatos (color, cursiva…), contador de caracteres, partición de palabras, etc.En el audiovisual, el subtitulado se sincroniza mediante códigos de tiempo y se ejecuta de forma automática durante del visionado. Sin embargo, en el espectáculo en vivo la sincronización automática no es posible: el operador debe lanzar los textos de forma manual durante la representación. Esta característica, lejos de ser un inconveniente, comporta la ventaja añadida de la facilidad de corrección en caso de variaciones o errores cometidos por los artistas en escena. Los programas más sencillos que podemos utilizar hoy en día para situaciones de poco compromiso, son del tipo PowerPoint o similares. Sin embargo, hay que tener en cuenta que no son programas concebidos para el sobretitulado. En ellos, la gestión de la secuencia no es cómoda ya que al intercalar o suprimir textos se pierde la numeración establecida, haciendo muy compleja la gestión de la secuencia de proyección. Como alternativa, encontraremos en Internet, –además de los programas profesionales–, algunos programas de subtitulado adaptables al sobretitulado, la mayoría de ellos de código libre.La segunda parte del sistema de sobretitulado es la que tiene como función la presentación del texto al espectador. Actualmente se utilizan de forma mayoritaria dos tipos de sistemas de visualización: la proyección del texto proporcionado por el ordenador mediante un videoproyector o la visualización en una pantalla de LEDs (como estamos habituados a ver en los centros comerciales).La ventaja de la videoproyección es la gran calidad de la imagen obtenida y la posibilidad de utilizar distintos tipos de letras y colores. Su punto débil es la luminosidad. Debido a que se trabaja con la luz reflejada por la superficie en la que se proyecta, ésta se ve fácilmente afectada por la luz reverberada del escenario. Contrariamente, al tratarse de luz emitida en lugar de reflejada, la pantalla de LEDs es mucho más brillante pero suele

estar limitada en cuanto a tipos de letras y colores. Además, la pantalla de LEDs se presenta como un elemento con estética propia que puede entrar en colisión con el dispositivo escénico.Ambos sistemas presentan el problema del emplazamiento. En el caso del videoproyector, éste puede situarse en cabinas de proyección o control, e incluso en los mismos soportes que los focos de sala. Las pantallas de LEDs, aunque son más pesadas que una simple pantalla de proyección, tienen mayor facilidad de colocación al no tener que ir emparejadas con un proyector. En la disposición de las pantallas es preciso cuidar el confort de lectura de todos los espectadores sea cual sea su ubicación en el patio de butacas. Si los títulos se proyectan en el interior de la escena, integrados en la escenografía, el espectador los seguirá con comodidad y no se verá forzado a apartar la vista de la acción. Si los títulos se encuentran en la parte superior de la embocadura, la facilidad de lectura dependerá mucho de la posición en platea. Para el espectador de las primeras filas, levantar la vista para seguir el texto, aparte de representar una continua distracción del desarrollo del espectáculo, resulta francamente incómodo (no en vano, una de las empresas pioneras en el sobretitulado de teatro vinculada al Festival de Teatro de Aviñón, bautizó su sistema con el adecuado nombre de “Torticoli”). Si el presupuesto y el dispositivo escénico lo permiten, emplazar varias pantallas cubriendo todos los ángulos de visión del espectador puede ser la solución.No quisiera concluir sin hacer mención a otros sistemas de uso individual como las pequeñas pantallas situadas en el respaldo del asiento delantero. Se están realizando también algunos experimentos de difusión a través de teléfonos móviles, tabletas, etc. que, como las pantallas en el asiento delantero, presentan el problema de la ubicación fuera del campo visual del escenario y la contaminación luminosa entre espectadores. Sin embargo abren un enorme campo de posibilidades al dar acceso al espectador a mucha más información, sustituir al programa de mano y abrir el camino hacia la interactividad.Veremos que desarrollos nos depara el futuro de la mano de las nuevas tecnologías.

Jordi Planas

Sobretitulado, surtitres, supertitles,

Übertitel, sopratitoli… (parte 2)Hablábamos, en la anterior entrega, acerca del papel del sobretitulado en la circulación de la obra dramática en la Europa de las mil lenguas. Además de las dificultades de dramaturgia que vimos entonces (estructuración en frases cortas, sinopsis de contenidos, aspectos plásticos relacionados con el dispositivo escénico…), para el éxito de la representación deberemos abordar otros aspectos de tipo técnico y determinar qué dispositivo nos permitirá hacer llegar al espectador el texto en mejores condiciones.

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la última

Hay una sugerente y reconocible frase del asesinado presidente norteamericano

John F. Kennedy que últimamente viene recurrente a mi memoria fruto de lecturas veraniegas. La proclamó en su discurso inaugural, y si la desnudamos de afanes demagógicos, viene al pelo para plantear una reflexión acorde al momento histórico que vivimos en occidente. Decía Kennedy: “No preguntes lo que tu país puede hacer por ti; pregunta lo que tú puedes hacer por tu país”. Porque, es bien cierto que quienes nos dedicamos a la cultura y las artes tenemos mucho de lo que quejarnos, mucho que exigir a los gobiernos, consideradores históricos de la cultura como adorno y por lo tanto prescindible en tiempos de penuria; pero también es el momento para pensar y definir lo que podemos y debemos hacer por mejorar las cosas en nuestro entorno, en nuestro trabajo cotidiano, en nuestra actividad diaria. En suma, definir nuestra responsabilidad en la marcha del común cultural. Esto, aplicado a nuestro sector, se traduce en definir y afrontar algunos desafíos específicos, sobre todo aquellos que no dependen de decisiones externas, aquellos cuya ejecución recae sobre nuestros propios hombros.

Si me preguntaran cuáles de esos desafíos de las organizaciones culturales me parecen los más importantes y prioritarios, pondría en primer plano dos de ellos, que son en sí mismos, oportunidades para el sector: hacer del arte algo relevante en la vida de los ciudadanos, y, por otro lado, devolver a estos el protagonismo en la cultura y en su relación con el arte. Y de verdad que no es andar por las ramas.

Y es que, en primer lugar, por encima de otras necesidades incluso urgentes que el sector cultural tiene, está la de trabajar para que las artes tengan importancia en la vida de los ciudadanos. No es baladí, sino estratégicamente decisivo para las artes y la cultura. El viejo argumento de que la cultura hace mejores ciudadanos tiene como condición necesaria para su logro que la cultura interese y esté muy presente en su “cesta de la compra” emocional. En esa necesidad se produce un encuentro de intereses entre quienes defienden que la cultura convierte a los ciudadanos en agentes

¿Qué puedes hacer por la Cultura de tu país…? (1)La celebración de la I Conferencia de Marketing de las Artes, promovida por ASIMETRICA, es una oportunidad que las gentes de la cultura no pueden desaprovechar para reflexionar sobre su papel y el papel de las artes en el todo social. Una oportunidad de poner el foco sobre algunos de los desafíos más relevantes que tienen las artes y cuantos trabajan en ellas, sea en teatros, galerías de arte, museos, editoriales, compañías escénicas, orquestas…

de la mejora del ser humano y del mundo, y quienes consideran el arte y la cultura como una actividad profesional, e incluso empresarial de la que obtener ingresos y beneficios. Para el éxito de ambos, la clave es lograr que arte y cultura sean para los ciudadanos algo relevante y necesario en su experiencia vital. Y la herramienta fundamental para lograrlo, al margen de políticas culturales, es que lo que se ofrece interese y sea del más alto y exquisito nivel de calidad. Que el contacto con el arte y la cultura constituya un elemento de satisfacción personal cotidiana. Y eso, es obvio, depende en buena medida del propio sector.

Puede que el marketing, la comunicación, un hábil empleo de las redes sociales… puedan llenar teatros, museos, galerías, auditorios… pero no lo harán indefinidamente, porque los ciudadanos distinguen en las ofertas culturales aquellas que ponen en primer plano la calidad artística, de aquellas que solamente persiguen cobrar la entrada y entretener sin las mínimas auto-exigencias. Y hoy las herramientas técnicas, instrumentales, consumen demasiada energía, en detrimento de la aplicación de criterios de calidad y exigencia artística sobre los que construir el arte seductor que necesitamos.

Para atraer a nuevos públicos y particularmente para renovar a los públicos del arte en España es preciso interesarles en lo que se les ofrece y en cómo se les ofrece; e interesarles mucho. Ello pone a las organizaciones culturales ante un desafío estratégico cuya solución pasa por la exigencia de máxima y constante calidad de sus creaciones en una oferta que busque la conexión constante con sus audiencias.El segundo eje pasa por situar a los públicos en el horizonte de la actividad diaria de teatros, auditorios, museos... Los usuarios tratados como ciudadanos a quienes consultar y a quienes satisfacer. Los ciudadanos como compañeros necesarios de un hermoso viaje común al enriquecimiento artístico. El viejo entramado basado en el paternalismo y en políticas culturales ancianas que otorgaba a políticos y profesionales el derecho a decidir lo que consumen los ciudadanos, reclama su arrumbe al desván de la historia. Hoy, la función esencial de creadores, productores y exhibidores

en relación a los públicos es intermediar, organizar, proponer, facilitar su acercamiento a la actividad cultural como protagonistas imprescindibles del acontecimiento artístico. Un nuevo modelo de relación con los públicos que exige a las organizaciones esfuerzos concretos para conocerlos, escucharlos, atenderlos, satisfacerlos. Los sistemas de venta de entradas y la recogida de datos, los responsables de relación con los clientes, la comunicación –bidireccional-, los sistemas de precios favorables y segmentados… toda la organización al servicio de un reto: proporcionar a los públicos el mejor de los artes posible, y también experiencias emocionales. Que su viaje por la experiencia artística busque lo inolvidable.

Nuestro amigo Josep Chias titulaba sabiamente uno de sus libros de marketing, “El mercado son personas”. Y esa realidad elemental, primaria, obvia, está en el trasfondo del marketing de las artes. Lo entendemos, fundamentalmente, desde la perspectiva de la satisfacción mutua en las transacciones: satisfacción de las instituciones, empresas y organizaciones, que se deben a sus objetivos de política cultural o a sus fines económicos, creativos o sociales; y satisfacción, sobre todo, de los usuarios y clientes, de los públicos. Ellos son el centro y guía de la actividad de las organizaciones, y el marketing que estas empleen debe estar al servicio de esa idea movilizadora. En este sentido, la aspiración de las organizaciones debe ser proporcionar experiencias a los usuarios que pasen a formar parte de sus vidas.

Estos desafíos, y los caminos para afrontarlos, son temas relevantes que se tratan en la I Conferencia de Marketing de las Artes, en la que tantas voces expertas de fuera y dentro de España aportan reflexión y valor sobre cómo mejorar la relación de las organizaciones artísticas y culturales con sus públicos. Volveremos sobre este tema en el futuro.Y en el próximo artículo, coincidiendo con las elecciones generales, abordaré en una nueva entrega, lo que a mi modo de ver el país, el gobierno futuro, debe hacer por la cultura. Por todos.

Robert Murowww.robertmuro.wordpress.com

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nº66 oct 2011 el espectraculo teatra

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