monogrÁfico -fotografÍa conceptual-

MONOGRÁFICO FOTOGRAFÍA CONCEPTUAL | 1

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HISTORIA DE LA FOTOGRAFÍA CONCEPTUAL

ANACLETA PALMER

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FOTO DE PORTADA: SERGIO BELINCHÓN / MONOGRÁFICO NUMERO 2 / AÑO 2015

Anacleta Palmer

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André Varela PAG 20

Anyta Madrazo

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PEDRO DÍAZ MOLINS

SERGIO BELINCHÓN

RUBÉN CHASE

74ELENA LÓPEZ

20ANDRÉ VARELA

100CLAUDIA MÉNDEZ

46ANYTA MADRAZO


CONCEPTUAL

Entrevista a Sergio Belinchón

PAG 30

CLAUDIA MÉNDEZ

PAG 100

Pedro Díaz Molins PAG 60

PAG 74

Elena López

Rubén “Chase”

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Directora: Mónica Munera [email protected] Redacción: David Roch @davidrochwm / Esther Casares @ecasvalen/ Yashira Romo [email protected] / Alfonso Sampedro www.alfonsosampedro.com / Juan Ollero @juan_ollero / Pascual Serra @neotravis3S / Raquel Temiño @raqueltem / Almudena Plaza [email protected]/ Enrique F. Sicilia [email protected] - @es1973_ / Yolanda Obra [email protected] / Ges Rules [email protected] /Maria Eugenia Espino [email protected]ón: Jorge PozueloPublicidad: [email protected]

Edita:Jorge Pozuelo @jorgepozuelo

Blanco y negro Estudio Madrid:C/ Sáiz de Baranda, 43 Bajo 28009 - [email protected]

Esta revista es una idea original de Blanco y negro Estudio Madrid. Entrecámaras Magazine no se identifica necesariamente con las opiniones y criterios de sus colaboradores, tanto a nivel de redacción como en los mensajes publicitarios. Siendo responsabilidad únicamente de sus autores.


Por Yashira Romo

El pensamiento humano es ex-traordinario, por ello es de ley que el hombre deje constancia de él a través de distintas herramientas: palabras, signos, imágenes. Será en el siglo XX, entre los años 60 e inicios de los 70, cuando nace una forma de representación artís-tica que supondrá lo que la His-toria del arte denominaría Arte conceptual o conceptualismo.Este movimiento artístico intenta favorecer el proceso intelectual evitando cualquier tipo de estímu-lo óptico. La verdadera obra de arte es la idea, y su realización material o sensible queda relega-da a un segundo plano. Aunque la diversidad de las manifesta-ciones conceptuales dificulta a la historiografía delimitar las fronte-ras de este movimiento, la impor-tancia de la idea se alza como elemento común. En 1967, el artista Sol LeWitt defiende que el concepto es el aspecto más im-portante de una obra de arte, y

que toda la planificación y deci-siones son hechas antes del mon-taje y ejecución de la obra. La idea se vuelve la máquina para hacer arte. Marcel Duchamp afir-maba también que el concepto era más importante que el objeto artístico en cuestión. Tras esta aproximación a uno de los movimientos artísticos más destacados del siglo XX, nos pre-guntamos: ¿qué papel ocupa la fotografía en todo esto? A dife-rencia de otras artes plásticas, la fotografía conceptual plasma la idea gráficamente en el papel mediante una imagen fija que es dotada de gran carácter narrati-vo.

En muchos casos el fotógrafo juega con los elementos compo-sitivos y los dobles sentidos, no todo queda explícito en la instan-tánea, y busca poner a trabajar la mente del espectador. En este sentido, los avances tecnológicos en programas de retoque fotográ-fico han contribuido a impulsar el movimiento conceptual en fo-tografía, y han ayudado a crear verdaderas obras maestras.En sus comienzos, inició una re-volución artística y social. Los

fotógrafos modernos dejaban atrás el documentalismo y el for-malismo, y empezaron a trabajar otras metodologías vinculadas más al ámbito publicitario que, de alguna manera, permitía acer-car la fotografía a un público más amplio. Mientras, la historiogra-fía continuaba en su empeño de incluir a la fotografía conceptual dentro del campo artístico que se merecía. Presentar una lista de fotógrafos conceptuales resulta complicado entre tantos profesionales desta-cados. Uno de los más emble-máticos es Duane Michals cuyas instantáneas, con claras influen-cias surrealistas, muestran el in-terés del artista por escenificar las emociones y crear un juego visual gracias a las posibilidades técnicas que ofrece el medio fo-tográfico. En este monográfico, mostramos el trabajo de algunos de estos maravillosos artistas que, amablemente, han querido cola-borar con nosotros. Dejémonos llevar, una vez más, por la imagi-nación de estos artistas que han encontrado un lenguaje visual y un discurso extraordinarios.

HISTORIA DE LA FOTOGRAFÍA CONCEPTUAL


www.anacletapalmer.blogspot.com.eswww.facebook.com/anacletapalmerphotography

Foto: Anacleta Palmer


Anacleta Palmer es una diseñadora gráfica y fotógrafa española que vive actualmente en Chile. “De cuerpo ausente” es una serie fotográfica de gran valor conceptual en donde nos muestra el desnudo descontextualizado. Este proyecto nace de la necesidad de transmitir un cúmulo de sensaciones vividas en este último año a 10.682 kilómetros de casa. Pensé en todas aquellas personas que, pese haberlas dejado atrás, están presentes de alguna manera en mí. Del mismo modo, parte de mí quedó con ellos. Esto provoca que cada día ande por las calles de Santiago de Chile sin una parte de mi persona. Unos días cojeo por falta de una de mis piernas, otros me desplazo como flotando por falta de las dos. Hay días en que soy incapaz de alcanzar aquello que está frente a mí e incluso hay otros días que me muevo sin cabeza pero sin perderme en el camino. Es una serie de autorretratos en blanco y negro, formato cuadrado y uso de luz natural, de ven-tana. Las imágenes han sido realizadas en interiores, aprovechando al máximo las posibilidades que ofrece un espacio limitado por sus cuatro blancas paredes. Siempre he querido aportar un toque de surrealismo y descontextualización a la imagen final, pero sin ningún tipo de manipulación de la toma principal. Nunca quise mezclar mis capacidades de diseñadora con las de fotógrafa hasta la fecha actual, cuando comprendí que más que enemigos son una alianza que me permite obtener nuevos registros.

Anacleta Palmer


Anacleta Palmer


www.andrevarela.comFoto: The Lifeline


André Varela realiza fotografía conceptual y retratos. Le gusta crear imágenes tristes, nostálgicas y frági-les, así como acercarse a los conceptos de la muerte y la soledad en su obra.Sus fotografías han sido publicadas en revistas en papel y digitales, y ha realizado varias exposiciones.Vive en Oporto, Portugal.

André Varela

Foto: Guardián


André Varela

Foto: Rebirth


André Varela

Foto: Infinitus


André Varela

Foto: Symbiosis


André Varela

Foto: The Nest


André Varela

Foto: Personal purgatory


André Varela

Foto: A broken past


André Varela

Foto: For those we fear


André Varela

Foto: Nascor Nasci Natus


FOTOGRAFÍA CONCEPTUALpor Sergio Belinchón

Foto: Esther Casares

ENTREVISTA

Sergio Belinchón es un fotógrafo nacido en Valencia en 1971. Considerado uno de los mejores artistas conceptuales españoles y galardonado con prestigiosos premios, él se ve más como un documentalista que intenta contar aquello que le rodea. Su obra ha sido mostrada internacionalmente en innumerables exposiciones tanto colectivas como in-dividuales, y forma parte de importantes colecciones como la del Museo Nacional Reina Sofía, Fisher Gallery, Fonds Nationale d´Art Contemporaine, Fundación Coca-Cola, Obra Social Caja Madrid y un largo etcétera.

www.sergiobelinchon.com


Sergio, cuéntanos por fa-vor cómo te iniciaste en el mundo de la fotografía.

Aburrido a las puertas del de-partamento de cemento en la Ingeniería de caminos, canales y puertos, decidí que aquello no era lo mío. Bajo la influencia de amigos, me metí en la Escuela de Imagen y Sonido de Valencia. Por primera vez, empezaron a lle-gar buenas notas y, sobre todo, descubrir que todo aquello era lo que me interesaba. Al terminar, hice el módulo de fotografía en la Escuela de Artes y Oficios.

Empecé a trabajar en el ya difun-to Diario 16 y, gracias a que no me pagaban las nóminas, salí del mundo de la prensa por piernas. Solicité una beca en el Colegio de España en París y me la die-ron. Aquella experiencia, el estar una temporada a gastos paga-dos y sólo pendiente de realizar el trabajo que me apeteciera, fue definitiva para cambiar el modo de enfocar mi trabajo. Coincidió además con un auge de la foto-grafía en el entorno de las ga-lerías y, de una manera natural, empecé en todo este mundo del arte.

Se te ha definido como fo-tógrafo conceptual. ¿Estás de acuerdo con esta cali-ficación? ¿Cómo definirías tu obra?

Yo defino mi obra como documen-tal. En casi todos mis trabajos me baso en lo que hay para poder contar una historia que veo. Sien-to que lo que vengo haciendo es fotografía de reportaje. Hoy día ya está asumido pero cuando em-pecé, daba la sensación de que si no era en blanco y negro y so-

bre asuntos que tuvieran que ver con la miseria, no era fotografía documental.

Hay también una parte concep-tual en mi obra, si por conceptual entendemos que unas fotografías pueden contar más cosas que lo que explícitamente se muestra, que puede haber más capas de información, de sugestión.

No trabajo con modelos ni mon-to sets para mis trabajos, por lo tanto, mis fotografías tienen una gran parte documental, aunque siempre me gusta dejar espacio entre lo que cuento y lo que pue-de percibir el espectador.

¿Quién o qué te ha influi-do más en tu carrera como fotógrafo ?

En general, he de decir que me influye mucho más el mundo del cine que el de la fotografía. Siem-pre me ha resultado más sugeren-te y más completo. Mi formación empezó tratando con el cine, la publicidad y más tarde con la fo-tografía.

Hubo una serie de fotógrafos que me marcaron, los americanos de los años 70. Bueno, antes vino Walker Evans, pero en mi vida aparecieron Joel Sternfeld, Joel Meyerowitz, Stephen Shore… y para mí fueron impactantes y me marcaron en la forma de hacer fotografías.

Se me ha asociado con la escue-la de Düsseldorf, pero realmente no me influyeron, los conocí mu-cho tiempo después que a los americanos. Es verdad que pue-do compartir mucho con la escue-la alemana, pero no fueron una influencia.

En la actualidad has rea-lizado exposiciones por todo el mundo, has reci-bido importantes premios y tus obras cuelgan en co-lecciones internacionales de gran prestigio. Pero llegar hasta aquí entien-do que no ha sido fácil. ¿Crees que alguna de tus obras marcó un punto de inflexión en tu trayectoria o se trata más bien de una carrera de fondo hasta lo-grar tener un nombre en el mundo de la fotografía?

La verdad es que he sido afor-tunado. Desde el comienzo, mi trabajo fue bien recibido y pude exponerlo en galerías importan-tes, ferias, museos. Creo que la serie Ciudades Efímeras (2001) supuso un cambio: fue mi primer trabajo en el que dejé el blanco y negro a un lado, utilicé formatos mayores para la presentación y, de algún modo, tuvo un buen re-cibimiento en galerías y museos, aportando una mayor visibilidad respecto a la que había tenido hasta ese momento.

La arquitectura tiene un gran protagonismo en tu obra, pero casi siempre se trata de entornos aban-donados y desolados, sin presencia humana ¿Qué es lo que te atrae de estos espacios?

Para mí la arquitectura y el urba-nismo son un reflejo de cómo vi-vimos, de cómo es el mundo que creamos, que utilizamos. Me sirve para hacer un retrato de la gente que allí vive sin tener que fotogra-fiar personas concretas, me sirve para generalizar, para hablar de aspectos humanos. Por lo tanto, mi trabajo suele girar en torno a

ENTREVISTA


ENTREVISTA

Foto: Take1-61

Foto: Take1-38


las personas, pero sin que éstas aparezcan en las imágenes.

En tu serie Público, foto-grafías grandes espacios, escenarios, teatros, salas de estación, sitios por los que habitualmente cir-culan muchas personas, pero los capturas comple-tamente vacíos, como si todos se acabaran de ir o fueran a aparecer de un momento a otro. ¿Nos po-drías explicar qué hay de-trás de esta serie?

En Público, mi intención era la de retratar espacios que estamos acostumbrados a verlos utilizados por mucha gente, espacios públi-cos o de uso masivo (discotecas, aeropuertos, estaciones…) des-de un punto de vista inusual, de modo que las imágenes pudieran sugerir al espectador qué es lo que ahí había ocurrido. Como decía antes, se trata de retratar a la gente sin que esté presente.

Has comentado en alguna ocasión que te gusta tratar con lo real y lo artificial de los sitios. ¿Es tu serie Pa-raíso quizá lo más repre-sentativo de ello?

Hay varios temas relacionados entre sí que vengo utilizando en mis trabajos, como la manipula-ción de la naturaleza, la repre-sentación del mundo, la relación entre el espacio natural y el ar-tificial… Paraíso es un trabajo que tiene dos partes, una serie de fotografías y una película de súper 8. En las fotografías, traté de realizar imágenes a modo de postales, de iconos, lugares del mundo muy conocidos pero retra-tados como parques temáticos.

Finalmente nada era real. En la película, utilicé material encon-trado en un rastro, más de 20 horas de películas de una pareja de mujeres que viajaron alrede-dor del mundo en los años 70. Edité el material para hacer un film de unos 16 minutos en el que las viajeras describen el mundo posando ante todos los lugares icónicos que hay que visitar. De algún modo, la intención del turis-ta por el mundo o en un parque temático no difiere en absoluto, el tratamiento del mundo real es tan artificial como el del parque temático, y la experiencia de este último puede tener tanto de reali-dad como la obtenida en el lugar representado.

Una de tus series, Ava-lancha, evoca un drama humano que se vive prác-ticamente a diario en la frontera de Melilla, con los intentos de saltar la valla. ¿Era esa tu intención?

Sí. Aunque este es un asunto que se aleja de mi modo habitual de trabajar, sentí la necesidad de hablar sobre este asunto que nos afecta a diario en un país como España. Estaba viviendo en Berlín y me di cuenta de cómo el tema de las fronteras, del muro, son tratados de manera tan distinta, aunque en el fondo son dramas en todas partes. Se bendice la caída del Muro mientras eleva-mos las vallas de Melilla. Quería hacer un trabajo que mezclase estos asuntos. Así, realicé una representación de lo que ocurría a diario en nuestras fronteras, un grupo de gente que sale al ama-necer de un bosque y corren has-ta alcanzar la valla y superarla con escaleras hechas a mano y pasar al otro lado.En Avalancha, utilicé actores

alemanes y cruzaban uno de los tramos que aún quedan que separan Alemania del este y del oeste. A modo de bucle, la gente salía del bosque, trepaba la valla y se internaba en el bosque del otro lado, para volver a empezar, volver a salir del bosque para al-canzar la valla… Era mi manera de hablar sobre este asunto in-terminable, infinito (no dejan de levantarse muros en el mundo) y de mezclar las dos situaciones cercanas a mí.

¿Crees que el fotógrafo tiene una responsabilidad especial en ser testigo de su tiempo y contar la his-toria?

No creo que haya que hablar de responsabilidad como si de una obligación se tratara. Uno puede hacer fotos de flores y ser algo maravilloso. En mi caso, los asun-tos que suelo retratar tienen que ver con el mundo que me rodea, hablo sobre mi tiempo y mi histo-ria, pero no intento hacerlo con el sentido crítico de querer cambiar las cosas, sólo con intención de señalar aspectos que me impor-tan, que me afectan. A veces sa-len trabajos más críticos, otras ve-ces más contemplativos. No creo en la necesidad de realizar traba-jos con la intención de cambiar las cosas. No creo que tengamos tanta importancia los artistas.

¿Cómo es tu proceso crea-tivo? ¿Piensas un tema y buscas localizaciones, o son las localizaciones las que te dan la idea?

Las dos cosas. Generalmente me surge la idea, la voy desarrollan-do y documentando hasta que tengo claro qué es lo que nece-

ENTREVISTA


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Foto: Vestatrip 05


sito, a dónde he de ir y qué ne-cesito retratar. Pero ocurre muchas veces que por un viaje casual, por una invitación a trabajar en un lugar concreto, surgen ideas y temas nuevos. Aunque siempre haya una intención por mi parte, una ideología, unos intereses, el azar siempre es -menos mal-gran parte del trabajo.

¿Te resulta fácil conseguir esos entornos casi apoca-lípticos? ¿Esta sociedad ha construido tantas ciudades efímeras?

No siento que mis trabajos ver-sen sobre lugares apocalípticos. Ciudades Efímeras es un trabajo sobre la costa levantina, de don-de vengo. Es el paisaje que me ha rodeado toda mi vida, pero que al leerlo como fenómeno es-pecial, aislándome de la cotidia-neidad y viendo cómo es un lugar especial, que nos retrata como sociedad, es cuando se vuelve interesante y atractivo.

Cuando te planteas algún trabajo, ¿piensas en cómo reaccionará el publico, o en el momento de la rea-lización sólo piensas en lo que tú quieres contar?

Claro que pienso en cómo reac-cionarán los demás. Elaboro se-ries en las que pretendo contar una historia, por lo que tengo en cuenta qué y cómo cuento para que se entienda mi mensaje. Eso no quiere decir que mi intención sea dogmática, siempre trato de dejar espacio para que el es-pectador haga su propia lectura. Pero es muy difícil valorar esto. Yo hago cosas y pienso que el otro

puede ver tales o cuales historias en un trabajo, pero siempre van a aparecer elementos que el ar-tista no puede controlar. Yo no sé quién va a ver mi trabajo, ni sé cómo o dónde se va a mostrar. Y estos elementos van a aportar circunstancias que modifiquen la lectura de un trabajo.

Actualmente vives en Ale-mania. ¿No me digas que eres uno de esos jóvenes con talento que se ha teni-do que ir fuera a trabajar?

Yo llegué a Alemania por una beca en la Künstlerhaus Betha-nien. Era una residencia de un año en Berlín. Una vez terminada y sin mucho que hacer en Valen-cia, decidí quedarme. Me engan-chó la ciudad, su ritmo y la gente a la que conocí. Lo de la crisis y el fenómeno de la inmigración fue posterior.

¿Has notado mucha dife-rencia en la forma en que se entiende y se valora la fotografía en Alemania y España?

Noto que en Berlín (y no digo Alemania, porque no la conoz-co bien) hay un mayor interés y respeto por el arte. Por varios motivos, es una ciudad llena de creativos, llena de pequeños y grandes proyectos, con una crisis permanente que ha hecho apre-ciar por igual cosas modestas o grandes eventos.

¿Nos podrías hablar so-bre el proyecto en el que te embarcaste hace unos años, Invaliden1 Galerie?

Invaliden1 es un proyecto que empezamos seis amigos, portu-

gueses y españoles, que estába-mos viviendo en Berlín. La inten-ción con este espacio ha sido la de poder mostrar, aparte de nuestros trabajos, el de otros artis-tas que nos parecen interesantes. Generalmente hemos tratado de dar visibilidad a artistas que vi-ven en Berlín y no tienen galería, ofreciendo un excelente escapa-rate en el que poder mostrar sus trabajos. Lo interesante de un pro-yecto como este en una ciudad como Berlín es la recepción y el interés mostrado por el público, donde no importa que los artistas sean los galerista. De hecho es un formato bastante común en la ciudad.

Entiendo que con este pro-yecto estás constantemen-te viendo fotografías de otros artistas. ¿Nos po-drías decir qué es para ti una buena fotografía?

En realidad no hemos mostrado demasiada fotografía. Invaliden1 es una plataforma para mostrar todo tipo de disciplinas y proyec-tos, y la fotografía ha sido una más. Lo de qué es una buena fotografía para mí, no sabría res-ponder… En general diría que no me interesa una buena fotografía, me atrae más el desarrollo de una idea, de una serie, de cómo se relacionan un grupo de fotogra-fías o cómo interactúa determina-da fotografía con otros trabajos mostrados conjuntamente, que no tienen por qué ser fotográficos. En fin, que me interesa más un discur-so y su desarrollo que el hecho de conseguir una fotografía aislada.

¿Podrías mencionar algún fotógrafo que te haya im-presionado últimamente?

ENTREVISTA


ENTREVISTA

Foto: Natural history 01

Foto: Metrópolis 10


ENTREVISTA

Foto: Adiós Amigo 06


ENTREVISTA

Foto: Adiós Amigo 10


ENTREVISTA

Foto: Adios Amigo 01


ENTREVISTA

Más que un nombre en concreto, me interesa mucho el fenómeno que está ocurriendo ahora mismo en España, donde hay un auge del foto-libro, muchas veces auto editado, donde ha habido, creo, un gran salto en la forma de mos-trar y de entender lo fotográfico.

El video también forma parte de tu obra. ¿Es un medio para acompañar tu trabajo fotográfico o tiene vida propia?

El vídeo ha sido una extensión de lo fotográfico en un principio, acompañaba vídeo y fotografía en mis primeros proyectos y cada formato aportaba un elemento al conjunto. Ya últimamente el vídeo ha pasado a no tener relación con la fotografía, a ser un medio independiente que me permite desarrollar ideas que no se po-drían contar con fotografía, o que serían otra cosa.

En tus videos utilizas, a menudo, películas de sú-per 8 o de 16mm. ¿Nos-talgia o forma de expre-sión?

Es una forma de expresión. Utili-zo mucho el súper 8 sobre todo porque empleo material encon-trado en ese formato, películas filmadas por autores amateurs que he ido comprando en ras-tros. Cuando filmé en 16mm, el medio digital no estaba desa-rrollado como ahora, no era tan accesible.

No tengo ningún inconveniente en mezclar técnicas, película, ví-deo digital o lo que me haga fal-ta en cada proyecto. Me encan-tan muchos aspectos que ofrece la película, pero la versatilidad y economía que ofrece el vídeo ha-cen que pueda realizar trabajos que serían inalcanzables en otros formatos.

Y por último, ¿qué con-sejo darías a aquellos de nuestros lectores que quieran dedicarse al mun-do de la fotografía profe-sionalmente?

Lo único que puedo recomendar es el tratar de hacer lo que a uno le apetezca por encima de todo, sin importar los resultados. Trabajar, trabajar y trabajar… y las cosas van saliendo. A veces más lento de lo que uno desea-ría, pero acaban saliendo.

Agradecemos a Sergio que nos haya atendido en estos días en los que inaugura nueva expo-sición en Madrid, en la galería Sociedad Anónima (Gran Vía 15), donde hasta el 31 de julio se puede ver una representación de su serie Venus Grotto.

Foto: Ce 02


ENTREVISTA


ENTREVISTA

Foto: Silhouettes


ENTREVISTA

Foto: VG27


ENTREVISTA

Foto: Western03


Anyta Madrazo“El autorretrato es mi forma de volcar las emociones sin nombre que se hacen nudo en el estómago”


Foto: Autorretrato


Cuando yo era pequeña, mi padre solía hacernos fotos. Luego ponía las peores en un marco y tú tenías que verte encima de la chimenea cada día de tu vida. Le gustaba guardar momentos en papel mate. Y yo le cogí el relevo muy pronto, cuando entendí que el tiempo no era de ida y vuelta, que cada momento está aquí para marcharse y que bueno, hoy estamos aquí pero después de unas cuantas vueltas al sol, nos vamos. Y no hay más chicha, y no es malo. La cámara de mi padre era una herramienta para inmortalizar la belleza de las cosas que no vuelven, la belleza de lo fugaz.

Con el tiempo, pasé de hacer fotos hacia fuera a hacer fotos hacia dentro, donde todo es más compli-cado. Con 13 años empecé a realizar autorretratos y, sin darme cuenta, encontré en la fotografía una manera de canalizar mis estados de ánimo.El autorretrato se convirtió en la forma de volcar las emociones sin nombre que se hacen nudo en el es-tómago: revoluciones, interrogaciones, desorden, “crisis” que hacen ruido mientras tú tratas de entender algo.

Generalmente, mis fotografías no expresan ese sentimiento enredado, sino que lo transforman en fantasía, en irrealidad o en libertad, esa libertad que proporciona el mandar todo a la mierda y bailar en lo absur-do de los días más confusos.Así pues, mi trabajo no se centra en el nudo, sino en el desate, en el soltarse la melena y la imaginación para vivir menos en serio. Crecer es una crisis constante, un juego de mayores, pero un juego al fin y al cabo.

Tengo 28 y nací en Madrid. Aprendí fotografía de manera autodidacta por pura necesidad de enten-derme con la cámara, aunque más adelante estudié algunas nociones de fotografía en la escuela EFTI. Actualmente, además de seguir haciendo autorretratos, tengo otros proyectos como “Camina o revienta”, que recoge fotografías de mis pies en diferentes situaciones. Y “Tour”, mis autorretratos ubicados en dife-rentes partes del mundo (gente que se hace una foto con mi foto en el lugar donde vive); empecé propo-niéndoselo a varios amigos porque me hacía gracia y ahora son ellos los que me escriben o me llaman para participar, haciendo el proyecto más grande.

Anyta Madrazo

www.anytamadrazof.wix.com/fotografiawww.facebook.com/anytamadrazowww.flickr.com/photos/by_serewenwww.instagram.com/anyta_madrazo


Anyta Madrazo


PEDRO DIAZ MOLINS

Foto: Autorretrato

www.pedrodiazmolins.comwww.facebook.com/pedrodiazmolins


Foto: Sin título


La soledad del ser humano, la sensación de desamparo o el estado anímico de la sociedad actual son algunas de las ideas que me llevan a crear muchas de mis imágenes. Situaciones personales o simplemen-te la dinámica del mundo actual pueden ser el desencadenante perfecto para plasmar un concepto con-creto. Con objetos inanimados o cada vez más con la presencia de la figura humana, procuro distribuir los elementos para obtener composiciones minimalistas que permitan transmitir sensación de aislamiento. El tratamiento en blanco y negro me ayuda a congelar el concepto en el tiempo. Entre mis imágenes me gustaría destacar la serie “Sin rumbo” por haber sido engendrada durante una situación personal con falta de ideas fijas y con la sensación de navegar a la deriva. También me gustaría resaltar uno de mis últimos trabajos, “Somos digitales”, realizado para el grupo de música Gremio DC que estrena su último álbum “Digitales” y cuyo single tiene como línea argumental la pérdida de la esencia humana en un mundo tan digitalizado como en el que vivimos.

Serie Sin Rumbo: Foto: Sin rumbo 1

Pedro Díaz Molins


Foto: Sin rumbo 2

Pedro Díaz Molins


Foto: Sin rumbo 3

Pedro Díaz Molins


Foto: Sin rumbo 4

Pedro Díaz Molins


Pedro Díaz Molins

Foto: Sin rumbo 5


Pedro Díaz Molins

Foto: Esperando buenas noticias. Serie Sin rumbo.


Pedro Díaz Molins

Serie Minimalismo acuático:

Foto: Lluvia colmatante


Pedro Díaz Molins

Foto: Esperando una llamada


Foto: Minimalismo acuático

Pedro Díaz Molins


Foto: Pirámide de la belleza

Pedro Díaz Molins


Pedro Díaz Molins

Foto: Crisis


Pedro Díaz Molins

Foto: Ser un Gentleman

Foto: Somos digitales


“Creer es crear”

Elena Lópezlenafotografía

www.lenafotografia.comwww.facebook.com/pages/lenafotografiacom/333920676650858?fref=tswww.twitter.com/lenafotografia

Foto: South Park


Elena López

Foto: Abrelibros

Elena López “Lena” es una fotógrafa de Reus que llegó por casualidad a la fotografía a los 28 años. Su pasión hasta entonces era la música.Empieza a aprender fotografía de manera autodidacta en el campo conceptual y surrealista. La fantasía de su cabeza, desde niña, le condujo hasta aquí.Crea imágenes de la nada, historias ocultas tras objetos o sentimientos motivados por la música, por el momento vivido o un estado de ánimo.Con ellas muestra lo que hay dentro de su mente, la magia atrapada que quiere enseñar a todo el mundo.


Elena López

Foto: Caracol

Foto: Deseos Alta


Elena López

Foto: Chess


Elena López

Foto: Globo


Elena López

Foto: New story

Foto: Ojo de pez


Elena López

Foto: Náufrago


Elena López

Foto: Resist


Elena López

Foto: Soul


Elena López

Foto: Sueños rotos


FOTOGRAFÍAS DE RUBEN “CHASE” CARBÓ

foto: Never stop creating

www.rubenchasecarbo.wix.com/homewww.facebook.com/RubenChasePhoto

www.flickr.com/photos/freeflyer09www.500px.com/freeflyer09


Rubén “Chase” Carbó (Vigo, 1990) se define como creador de imágenes. Comienza a interesarse por la fotografía a los 16 años, y aprende de forma autodidacta a fotografiar y a editar las imágenes resultantes.Tras licenciarse en Ciencias de la Actividad Física y el Deporte en 2013, comienza sus estudios como Técnico Superior en Fotografía Artística, en la Escuela Superior de Artes Plásticas de Vigo.

Exposiciones:

• Julio 2014: Exposición en solitario en Cúrcuma (Vigo) • Junio 2014: Exposición en solitario en la Casa de la Juventud de Vigo • Abril 2014: Exposición en solitario en El Venus (Nigrán) • Marzo 2014: Exposición en solitario en Bou Eva (Vigo) - Incluido en el festival Grito Rock • Noviembre 2013 a Enero 2014: Exposición en solitario en El Cormorán (Vigo)

Foto: The infinite dreamspace

Rubén “Chase” Carbó


Foto: The hard process of growing




Foto: Awakening

MONOGRÁFICO FOTOGRAFÍA CONCEPTUAL | 91Foto: Nico Martínez


Foto: The After



Foto: My life between two cities



Foto: Dynamic Fate



Foto: Ephemeral armor



Foto: Fire wings in a wood body



Foto:Holy Devil



Foto: Healthy habits


Foto: The death of a Hero

Foto: The Tempest



Foto: Garbag



“La fotografía conceptual me otorga la oportunidad de expresar reflexiones, ilusiones, alegrías, decepciones...”


Claudia Mendez Cordero

Foto: La gota que colmó el vaso

www.claudiamendez.com www.facebook.com/claudiamendezcordero

www.500px.com/claudiamendezcordero



Comencé en el mundo de la fotografía en el año 2006, pero me entusiasma el diseño. Me gusta innovar, experimentar y soy creativa. Desde mis inicios en el campo de la fotografía, me apasionaba la idea de crear cosas distintas. Siempre imaginaba fotografías con una perspectiva o puntos de vista imposibles, me frustraba no ser capaz de captar la realidad como yo imaginaba que sería la toma.

Así que, en el mismo momento en que me compré mi primera cámara reflex, noté que no cumplía del todo mis expectativas. Yo quería crear cosas diferentes, quería llegar a poder expresarme, transmitir mediante la fotografía. Al poco tiempo de comenzar, adquirí un gran angular extremo 10–22 mm, que me dio la oportunidad de exagerar y distorsionar la realidad.

Cuando empecé a tener conocimientos de photoshop, intenté realizar mis primeros fotomontajes, pero no fue hasta el año 2012 cuando lo experimenté de una forma más seria. En esta ocasión, realicé el primer trabajo del que estuve orgullosa.

Mi trabajo consiste en la creación de imágenes imposibles, yuxtaponiendo distintas fotografías y crean-do una «imposible realidad». Se podría decir que es como un puzle: con la unión de distintas piezas se obtiene una imagen final. Me ayudo de situaciones, emociones, inquietudes que me surgen cada día como forma de inspiración. Además de ello, continuamente estoy mirando e investigando referentes tanto emergentes como veteranos, no solo en fotografía, sino en pintura, cine, música... Todo ello me ayuda a inspirarme y conseguir distintas formas de expresión.

Utilizo la herramienta photoshop para realizar todo esto. Primero surge la idea, realizo bocetos que deben de ser lo más exhaustivos posibles, incluyendo anotaciones tanto de iluminación, atrezo, color, posición de cámara... Una vez realizado esto, comienza la fase de producción, realizar las fotografías necesarias para posteriormente incluirlas en el fotomontaje.Me apasiona crear mundos imposibles que, por muy increíbles que estos sean, parezcan realidad a través de una imagen: «me gusta hacer una fantasía, realidad».

La fotografía conceptual me otorga la oportunidad de expresar reflexiones, ilusiones, alegrías, decepcio-nes... como no lo había conseguido con ningún otro medio de expresión, ya que a veces no encuentro las palabras correctas que me ayuden a definir esas distintas situaciones. De esta forma, era como ciertos de mis secretos podían viajar libremente sin que nadie los juzgara, poder poner en pie mundos imaginarios, ver un sueño hecho realidad…

La mayoría de mis fotografías están tomadas en estudio con luz artificial de un par de flashes externos, pero no quiero comenzar y terminar aquí. Me gusta experimentar, proponerme nuevos retos aunque fra-case. Por ello quiero llevar mi trabajo mucho más allá, probar con paisajes naturales, luz natural, hacer trabajos manuales…

Soy muy perfeccionista con mi trabajo, siempre digo que no existe mejor crítico que uno mismo. A veces esto me resta, ya que no me siento orgullosa de todo lo que hago y siento miedo a decepcionar y a mostrar todas mis obras.



Foto: Amar



Foto: Crecer



Foto: Rivales



Foto: Marionetas



Foto: Prototipos



Foto: Reflejo



Foto: Las islas libélulas

Foto: El corazón sobre el cerebro



Foto: Estados



Foto: Un cuento jamás contado

monogrÁfico -fotografÍa conceptual-

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