marta alburquerque
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Deconstrucción 1º Gráf ATRANSCRIPT
El diseño del S.XX
El disEño dEl s.XXEl diseño del
S.XX
El diseño
de principios del siglo XX, al igual que las
bellas artes del mismo periodo, fue una reac-
ción contra la decadencia del diseño de finales
del siglo XIX.
El interés por la ornamentación, como sinónimo de
buen diseño, fue una idea que se mantuvo hasta fines del
siglo XIX, como con el Arts and craft. Tras esto el Art Nouveau,
con su clara voluntad estilística fue un movimiento que aportó a
un mayor orden visual en la composición. Si bien mantuvo un alto
nivel de complejidad formal, lo hizo dentro de una fuerte coherencia
visual.
Los movimientos artísticos de la segunda década del siglo XX y la agita-
ción política que los acompañaba, generaron dramáticos cambios en el diseño
gráfico. El Dada, De Stijl, Suprematismo, Cubismo, Constructivismo, Futurismo,
y el Bauhaus crearon una nueva visión que influyó en todas las ramas de las artes
visuales y el diseño. Todos estos movimientos se oponían a las artes decorativas y po-
pulares, así como también el Art Nouveau, que bajo la influencia del nuevo interés por la
geometría evolucionó hacia el Art Decó. Todos estos movimientos aparecieron con un espíritu
revisionista y transgresor en todas las actividades artísticas de la época. En este período también
proliferaron las publicaciones y manifiestos, mediante los cuales los artistas y educadores mostra-
ron sus opiniones.º
Marta alburquErquE MorEno
1º Gráfico a Easd Murcia
Marta Alburquerque Moreno1º Gráfico A
Easd Murcia
5
El diseño
de principios del siglo XX, al igual que las
bellas artes del mismo periodo, fue una reac-
ción contra la decadencia del diseño de finales
del siglo XIX.
El interés por la ornamentación, como sinónimo de
buen diseño, fue una idea que se mantuvo hasta fines del
siglo XIX, como con el Arts and craft. Tras esto el Art Nouveau,
con su clara voluntad estilística fue un movimiento que aportó a
un mayor orden visual en la composición. Si bien mantuvo un alto
nivel de complejidad formal, lo hizo dentro de una fuerte coherencia
visual.
Los movimientos artísticos de la segunda década del siglo XX y la agita-
ción política que los acompañaba, generaron dramáticos cambios en el diseño
gráfico. El Dada, De Stijl, Suprematismo, Cubismo, Constructivismo, Futurismo,
y el Bauhaus crearon una nueva visión que influyó en todas las ramas de las artes
visuales y el diseño. Todos estos movimientos se oponían a las artes decorativas y po-
pulares, así como también el Art Nouveau, que bajo la influencia del nuevo interés por la
geometría evolucionó hacia el Art Decó. Todos estos movimientos aparecieron con un espíritu
revisionista y transgresor en todas las actividades artísticas de la época. En este período también
proliferaron las publicaciones y manifiestos, mediante los cuales los artistas y educadores mostra-
ron sus opiniones.º
Marta alburquErquE MorEno
1º Gráfico a Easd Murcia
Marta Alburquerque Moreno1º Gráfico A
Easd MurciaIntroducción
Durante la tercera década del siglo
XX se desarrollaron aspectos intere-
santes para la composición del diseño
gráfico. El cambio de estilo gráfico fue
trascendental porque muestra una reacción
contra el organicismo y eclecticismo orna-
mentalista de la época y propone un estilo más
despojado y geométrico. Este estilo, conectado con
el constructivismo, el suprematismo, el neoplasticismo,
el De Stijl y el Bauhaus, ejerció una influencia duradera e
ineludible en el desarrollo del diseño gráfico del siglo XX.
Finalmente los movimientos postmodernista y pop se impusieron
en relación a la práctica profesional introduciendo como elemento
importante, el creciente uso de la forma visual como elemento comuni-
cacional.
Arts & crafts
arts and craftsArts and Crafts
Morris al igual que Ruskin no estaba de acuerdo con las modernas for-
mas de producción en masa, pero no eliminaba a la máquina
de manera tan radical; ya que necesitaba ir a la par
con la evolución y hacia uso de ellas para
mayor productividad sin aban-
donar los valores esté-
ticos y signifi-
cati-
“La calidad nunca es un accidente; siempre es el resultado
de un esfuerzo de la inteligencia”
“Cada vez que las facultades humanas alcanzan
su plenitud, se expresan mediante el arte”
“El mayor artista es aquel que en la
suma de sus obras ha incorporado
el mayor número de sus mejo-
res ideas”
John Ruskin
7
Arts & crafts
Arts and Crafts significa literal-
mente, Artes y oficios, fue un movi-
miento artístico que surgió en Inglate-
rra en 1880 y se desarrolló en el Reino
Unido y Estados Unidos en los últimos años
del siglo XIX y comienzos del siglo XX. Inspi-
rado por la obra de John Ruskin, alcanzó su cenit
entre 1880 y 1910.
El Arts & Crafts se asocia sobre todo con la figura
de William Morris, artesano, impresor, diseñador, escritor,
poeta, activista político y, en fin, hombre polifacético, que
se ocupó de la recuperación de los artes y oficios medieva-
les, renegando de las nacientes formas de producción en masa.
Aparte de William Morris, sus principales impulsores fueron Charles
Robert Ashbee, T. J. Cobden Sanderson, Walter Crane, Phoebe Anna
Traquair, Herbert Tudor Buckland, Charles Rennie Mackintosh, Christo-
pher Dresser, Edwin Lutyens, Ernest Gimson, Gustav Stickley, y los artistas
del movimiento prerrafaelita.
El movimiento reivindicó los oficios medievales en plena época victoriana, rei-
vindicando así la primacía del ser humano sobre la máquina, con la filosofía de
utilizar la tecnología industrial al servicio del hombre: potenciando la creatividad y el
arte frente a la producción en serie. Se caracteriza por el uso de líneas serpenteadas y
asimétricas constituyendo sobre todo un arte decorativo.
En Estados Unidos, se usan las denominaciones Arts and Crafts movement, American Crafts-
man, para referirse al estilo arquitectónico y decorativo que predominó entre los períodos del Art
Nouveau (Modernismo) y Art decó, es decir, aproximadamente entre 1910 y 1925. Pretende que cada
objeto deberia tener o retomar algo del pasado pero dandole un sentido elegante.
arts and craftsArts and Crafts
8
ModErnis-Mo
TapizWilliam Morris
8
ModErnis-MoModernismo
Principios del Arts & Crafts
Se encuentran principios filosóficos, éticos y políticos, tanto como estéticos. Destacamos los más importan-
tes:
Rechazo de la separación entre el arte y la artesanía. El diseño de los objetos útiles es considerado una
necesidad funcional y moral.
Rechazo de los métodos industriales de trabajo, que separan al trabajador de la obra que realiza, fragmenta-
do sus tareas.
Propuesta de un regreso al medievalismo, tanto en la arquitectura (con el neogótico) como en las artes
aplicadas.
Propuesta de la arquitectura como centro de todas las actividades de diseño. Una idea que sería recogida
por el racionalismo de principios del siglo XX.
Propuesta de agrupación de los artesanos en guildas y talleres, siguiendo el modelo medieval de trabajo
colectivo.
Propuesta del trabajo bien hecho, bien acabado y satisfactorio para el artista y para el cliente
Modernismo
El modernismo se dio
en distintos países y con
distintos nombres fue re-
conocido, a pesar de ello
todos tenían las mismas
características pero influen-
ciadas con su cultura respec-
tiva.
En Alemania fue reconoci-
do como el Jugendstil, en Italia
como Liberty Style, en Bélgica y
Austria como “Sezession”, en Es-
paña como Modernismo Ruben-
dariano, y finalmente en Francia
se dio el nombre más reconocido
a este movimiento; fue llamado Art
Nouveau.
Así como Morris fue vital pieza
para el surgimiento del modernismo
por su elaboración de espacios interio-
res, utensilios cotidianos, muebles, etc.
acentuando cierto ornamento decora-
tivo pero no tan excesivo, existen otros
representantes de gran importancia que
se dieron después de ya posicionadas las
primeras manifestaciones del movimiento;
entre ellos: Mackmurdo, Emile Gallé, Louis
Tiffany, René Lalique.
El diseño toma gran importancia en esta
época ya que revela un significado, un mensa-
je y una función; se considera entonces como
un lenguaje y una forma de comunicación.
Victor Horta:
Unifica el diseño con la decoración, usa lineas curvas, ondulaciones asi-métricas, ritmos, lenguajes dinámicos de módulos en distintas dimensiones, superficies curvas, colores, transparencias y distintos planos.
La decoración es plasmada por él en el espacio exterior e interior fusionando elementos dinámicos por tamaño, ubica-ción, forma, material, etc. que se configuran para adoptar un lenguaje totalizado del espacio.
Henry Van de Velde:
Logra un perfeccionamiento del espacio gracias a un dinamismo continuo de formas geométricas y ortogonales y no usa la decora-ción de manera sobrepuesta o descontextualizada, sino que más bien la usa con sobriedad y en relación con el entorno total del espacio.
Antoni Gaudí:
Usa formas geométricas y orgánicas bajo una estructuración jerárquica y funcional, tiene un estilo naturalista y no maneja simetría en sus diseños, pues está mas preocupado por factores ergonómicos y por crear piezas únicas que no son idénticas a las demás.
Con el modernismo se despierta un espíritu optimista y con an-helos de cambio, es por eso un movimiento nuevo, joven y flo-ral, además se integran las artes como el diseño con la decoración.
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Modernismo
Con el modernismo se despierta un espíritu optimista y con an-helos de cambio, es por eso un movimiento nuevo, joven y flo-ral, además se integran las artes como el diseño con la decoración.
dEutschEr WErkbund
En la escuela se in-tegraban los oficios tradicionales con las técnicas industriales de la producción en masa que en la época se usaban para poner a Alemanía a un nivel competitivo con otras potencias del mundo.
Lampara de mesa Peter Behrens
Deutscher Werkbund
dEutschEr WErkbund
13
La Deutscher Werkbund (DWB) era una asociación mixta de
arquitectos, artistas e industriales, fundada en 1907 en Mú-
nich, por Hermann Muthesius. Fue una organización importan-
te en la historia de la Arquitectura moderna, del diseño moderno
y precursora de la Bauhaus.
El Werkbund más que un movimiento artístico era una acción sufra-
gada por el estado para integrar los oficios tradicionales con las técnicas
industriales de producción en masa a fin de poner a Alemania en un lugar
competitivo con otras potencias tales como Gran Bretaña o los Estados Uni-
dos. Su lema era “Vom Sofakissen zum Städtebau” (desde los cojines de los
sofás a la construcción de ciudades) indica su amplio abanico de intereses.
Buscaba una nueva expresión artística en la era de la máquina, con una componen-
te importante de teoría, como todos los movimientos de principios del siglo XX. Entre
estos, tres claves hacen destacar estéticamente a este movimiento: por un lado separar la
estética de la calidad material, frente a las ideas anteriores que las vinculaban; por otro lado,
imponer la normalización del formato DIN; y finalmente, la adopción de la forma abstracta como
base estética del diseño industrial, sustituyendo al ornamento.
Otros arquitectos afiliados al proyecto incluyen a Heinrich Tessenow y al belga Henry van de Velde.
El Werkbund comisionó a van de Velde la construcción de un teatro para la exhibición de 1914 en Colo-
nia, que fue un momento álgido de su historia antes de la primera guerra mundial. Este teatro fue su mejor
trabajo, pero que solo estuvo en pie un año al ser destruido en la guerra. Van de Velde tuvo de dejar Alema-
nia por ser ciudadano de un país enemigo. Hay que destacar que, durante la exhibición de 1914 en Colonia,
se evidenció la clara disidencia entre el sector más individualista (encabezado por van de Velde) y el sector más
funcionalista (encabezado por Muthesius).
Deutscher Werkbund
Deutscher Werkbund
14
Hermann Muthesius (1861 - 1967)
Es un arquitécto alemán racionalista que se oponía por
completo al Art Nouveau, oponiéndose a lo artesanal y
apoyando la tipificación de los productos. Fue inspector de
la Junta Superior Prusiana para las escuelas de artes y
oficios; mejor conocido como un espía del gusto que hoy
en dia son conocidos como cool hunters.
Henry Van de Velde (1863 - 1957)
Van de Velde estudió pintura, pero influenciado por Rus-
kin, Morris y Voysey dirigió todos sus esfuerzos al diseño.
Perteneció al movimiento Art Nouveau por eso llegó a la
Deutscher como mediador por decirlo de alguna manera,
entre el pensamiento de Muthesius de apoyar totalmente
la producción industrial y la intención de recuperar valores
estéticos de los productos que la artes y oficios otorgaban.
Peter Behrens (1868 - 1940)
Es claramente una de las figuras del diseño más reconoci-
das, no solo por sus diseños, sino por la multiplicidad de
cargos que desempeñó. Behrens fue miembro fundador de
la Secesión de Munich, trabajó para AEG en Berlín como
asesor artístico, fue director de arquitectura de la Acade-
mía de Arte de Viena y profesor de la escuela Bauhaus.
Entre sus principios más destacados están; la modulación
como concepto para aprovechamiento del espacio, las for-
mas ortogonales y la implantación del concepto arquitec-
tónico de Urbanismo.
Hermann Muthesius (1861 - 1967)
Es un arquitécto alemán racionalista que se oponía por
completo al Art Nouveau, oponiéndose a lo artesanal y
apoyando la tipificación de los productos. Fue inspector de
la Junta Superior Prusiana para las escuelas de artes y
oficios; mejor conocido como un espía del gusto que hoy
en dia son conocidos como cool hunters.
Henry Van de Velde (1863 - 1957)
Van de Velde estudió pintura, pero influenciado por Rus-
kin, Morris y Voysey dirigió todos sus esfuerzos al diseño.
Perteneció al movimiento Art Nouveau por eso llegó a la
Deutscher como mediador por decirlo de alguna manera,
entre el pensamiento de Muthesius de apoyar totalmente
la producción industrial y la intención de recuperar valores
estéticos de los productos que la artes y oficios otorgaban.
Peter Behrens (1868 - 1940)
Es claramente una de las figuras del diseño más reconoci-
das, no solo por sus diseños, sino por la multiplicidad de
cargos que desempeñó. Behrens fue miembro fundador de
la Secesión de Munich, trabajó para AEG en Berlín como
asesor artístico, fue director de arquitectura de la Acade-
mía de Arte de Viena y profesor de la escuela Bauhaus.
Entre sus principios más destacados están; la modulación
como concepto para aprovechamiento del espacio, las for-
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El término Construction Art fue utilizado por primera vez en forma
despectiva por Kasimir Malevich para describir el trabajo de Alexander
Rodchenko.
La base de enseñanza para el nuevo movimiento fue puesta por el Comi-
sariado del Pueblo para la Educación del gobierno bolchevique
constructivis-
mo
El constructivisMo fuE un MoviMiEnto artístico y arqui-tEctónico quE surGió En rusia En 1914 y sE hizo EspEcial-MEntE prEsEntE dEspués dE la rEvolución dE octubrE. Es un térMino dE uso frEcuEntE hoy En El artE ModErno, quE sEpara El artE “puro” dEl artE usado coMo instruMEnto
para propósitos socialEs
adElantE quE la EnsEñanza En la EscuEla fuE oriEntada Más En la discusión política E idEolóGica quE En la crEa-
ción artística.así coMo EstuviEron EnvuEltos En trabajos dE disEños in-dustrialEs, los constructivistas trabajaron En fEstivalEs públicos y disEños dE cartElEs callEjEros para El GobiErno dE la rEvolución bolchEviquE post-octubrE. quizás El Más faMoso dE Esos sE dio En vitEbsk, dondE El Grupo unovis
dE MalEvich pintó placas dE propaGandas y Edificios.
17
stijlStijl
17
Obras d e Rietvel Ambas obras presentan todas las características del mo-vimiento.
aplicación arquitectonica y de in-teriorismo del que fue mayor exponen Rietvel
The white stripes
El grupo cogió la temá-t ica
Para Mondrían la superposición de planos, or-togonales, y los colores primarios: amarillo, azul y rojo con los co-l o r e s n e u -t r o s : blanco y ne-g r o f o r -man la estruc-t u r a b á s i c a p a r a real i zar una obra de arte.
“Solo cuan-do estemos en lo real ab-soluto, el arte no será ya más nece-sario”
Estaban profundamente comprometi-dos con el clima espiritual e intelec-
tual de su tiempo y deseaban “ex-presar la consciencia general de su época”. De Stijl buscaba las leyes universales que gobiernan la realidad visible, pero que se encuentran escondidas por las apariencias externas de las cosas. La teoría científi-ca, la producción mecánica y los ritmos de la ciudad moderna se formaron a partir de estas leyes uni-versales. Estaban profun-damente comprometidos con el clima espiritual e intelectual de su tiempo y deseaban “expresar la consciencia general de su época”. De Stijl buscaba las leyes universales que gobier-nan la realidad visible, pero
que se encuentran escondidas por las apariencias externas
de las cosas. La teoría cientí-fica, la producción mecánica y
los ritmos de la ciudad moderna se formaron a partir de estas leyes
universales.
Cartel del movimientoJunto con lel tipo de arte de Mondrian
El conflicto con Theo Van Doesburg, como ambos fueron los fundadores del neoplas-
ticismo, compartían los mismos criterios de composición, tenían la intención de des-
pojar al arte de todo elemento accesorio para llegar a la esencia de este a partir de un
lenguaje plástico, objetivo y universal; así fue como se plateó la ortogonalidad y el uso
de colores primarios y neutros exclusivamente.
Doesburg, quien publica la revista al inicio de su etapa de abstracción, fue profesor
de la Bauhaus en Weimar y es allí donde se ve influenciado por Mondrián; pero cuan-
do propone incluir en sus obras diagonales, surge un conflicto con su colega por que
según el la diagonalidad daña por completo esa esencia universal que tanto buscaba y
creía haber encontrado. Tras su ruptura con Mondrián, Doesburg publica su manifiesto
sobre el arte elementarista en 1926 y da origen a un nuevo movimiento, el Elementa-
rismo; entre sus características formales está la diagonalidad, el ritmo, la secuencia, lo
positivos y negativos, entre otros similares a los del Neoplasticismo.
En lo abstracto, cabe decir que tanto el Neoplasticismo como el Elementarismo son
corrientes artísticas que se dan en el arte abstracto; éste es un estilo de 1910 que sus-
tituye la representación figurativa con un lenguaje visual autónomo y con significa-
ciones propias. Su lenguaje se desarrolla gracias a los movimientos vanguardistas,
especialmente el fauvismo y el expresionismo.
2021
Kasimir Malevich y Mondrian utilizaron líneas, formas y colores
puros para crear un universo de relaciones puras ordenadas
armoniosamente. Esto fue visto como un prototipo quimérico
para un nuevo orden mundial. Mondrian escribió que el arte
“desaparecería en la misma proporción que la vida gana equi-
librio”.
Cartel del movimientoJunto con lel tipo de arte de Mondrian
Bauhaus
2021
La Bauhaus fue la responsable de establecer las bases normativas y patro-
nes de lo que hoy conocemos cono diseño industrial y gráfico; antes de que
la Bauhaus existiera, se hablaba de una fusión de algunas artes aplicadas
pero no del nombre en concreto de cada una de las profesiones.
”La forma sigue a la función”
Bauhaus
22
BauhausBauhausBauhaus
Bauhaus BauhausBauhaus
BauhausBauhausBauhaus
Universidad Bauhaus Una obra muy reciente la bauhaus, en weimar.
2322
Bauhaus
BauhausBauhaus Bauhaus
Bauhaus Bauhaus
BauhausBauhaus
La Das Staatliches Bauhaus
(Casa de la Construcción Esta-
tal) o simplemente la Bauhaus,
fue la escuela de diseño, arte y ar-
quitectura fundada en 1919 por Walter
Gropius en Weimar (Alemania) y cerrada
por las autoridades prusianas (en manos
del partido nazi) en el año 1933.
El nombre Bauhaus deriva de la unión de las
palabras en alemán Bau, “de la construcción”, y
Haus, “casa”; irónicamente, a pesar de su nombre
y del hecho de que su fundador fue un arquitecto, la
Bauhaus no tuvo un departamento de arquitectura en los
primeros años de su existencia.
Sus propuestas y declaraciones de intenciones participaban
de la idea de una necesaria reforma de las enseñanzas artísticas
como base para una consiguiente transformación de la sociedad
de la época, de acuerdo con la ideología socialista de su fundador.
La primera fase (1919-1923) fue idealista y romántica, la segunda (1923-
1925) mucho más racionalista y en la tercera (1925-1929) alcanzó su ma-
yor reconocimiento, coincidiendo con su traslado de Weimar a Dessau. En
1930, bajo la dirección de Mies van der Rohe, se trasladó a Berlín donde cam-
bió por completo la orientación de su programa de enseñanza.
Primera época (1919-1923)
En el momento de su fundación los objetivos de la escuela, definidos por Walter
Gropius en un manifiesto, fueron: “La recuperación de los métodos artesanales en la
actividad constructiva, elevar la potencia artesana al mismo nivel que las Bellas Artes e
intentar comercializar los productos que, integra-
24
Bahuhaus
Fiestas Bauhaus La Bauhaus fue también un gran experimento vital de una pequeña comunidad de jóvenes (1.400 aproximadamente) que, tras la quiebra del viejo orden y la traumática experiencia de la recién acabada Primera Guerra Mundial, se lanzó llena de entusiasmo a la construcción de una utopía social, de nuevas formas de convivencia.
dos en la producción industrial, se
convertirían en objetos de consumo
asequibles para el gran público” ya que
una de sus metas era la de independi-
zarse y comenzar a vender los productos
elaborados en la Escuela, para dejar de de-
pender del Estado que hasta ese momento era
quien los subsidiaba.
Entre los primeros estudiantes se encontraban
Marcel Lajos Breuer y Joost Schmidt, que alcanza-
ron cierto éxito. Los estudiantes se mostraban flexi-
bles y dispuestos a hacer todo tipo de trabajos, por tan-
to salían de la escuela bien formados, sabiendo dibujar,
modelar, fotografiar o diseñar muebles. La escuela dispo-
nía de talleres de ebanistería, diseño, teatro, cerámica, teji-
do, encuadernación, metalurgia, vidriería. Pero no de pintura
y escultura en el sentido tradicional.
Esta primera etapa culmina con la inminente necesidad del
cambio de sede de la escuela propiciado por la gran depresión. En
1925 se estrena la sede de Dessau; la primera etapa de la Bauhaus
se puede sintetizar como una fase de experimentación de formas, pro-
ductos y diseños y, por lo tanto, también de educadores del diseño. (Pä-
dagogisches Skizzenbuch, 1925); e imparte en la Asociación del Arte de
Jena la conferencia El arte moderno (Über die moderne Kunst). Por su parte,
Kandinsky publica «Punto y línea sobre el plano» (Punkt und Linie zu Fläche,
1926) como el n.º 9 de la serie de la Bauhaus
art dEcóArt decó Segunda época (1923-1925)
En 1923 Theo van Doesburg, fundador en los Países Bajos del neoplasticismo, pintor, arquitecto y teórico, creo en Holanda la revista y el movimiento De
Stijl y al llegar después a Weimar, ejerció una influencia decisiva en los estudiantes y en Gropius que acabaría llevando a la escuela a tomar otro rumbo.
De esta época datan algunos de los más importantes escritos teóricos de la Bauhaus en el ámbito de la pintura. Así, Klee escribe «Vías del estudio de la
naturaleza» (Wege des Naturstudiums, 1923) y «Cuaderno de bocetos pedagógicos»
Tercera época (1925-1933)
En 1925 László Moholy-Nagy tras cinco años de docente, abandona la Bauhaus. Decisión tomada ante la creciente presión que ejerce el grupo de docentes
y alumnos de tendencia comunista.En 1933 el partido nazi decide cerrar la escuela por lo que Ludwig Mies van der Rohe traslada la Bauhaus a Berlín con
fondos ganados de la ilegalidad del cierre de contratos.
Tras 1933 gran parte de los integrantes de la Bauhaus marcharon hacia los Estados Unidos en donde se desarrolló una especie de continuación de la Bau-
haus hasta la Guerra Fría. En 1951 el arquitecto y escultor suizo Max Bill, siguiendo los lineamientos de la Bauhaus original, funda en Ulm (República Federal
Alemana) la Hochschule für Gestaltung (Escuela Superior de Proyectación), que recupera pronto la denominación de Bauhaus o, para diferenciarla de la ini-
cial, Neues Bauhaus (Nueva Bauhaus), de la cual fue director entre 1954–1966 el pintor y diseñador argentino Tomás Maldonado, quien enfatizó aún más con
el carácter científico y racionalista aplicado en las artes.
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dos en la producción industrial, se
convertirían en objetos de consumo
asequibles para el gran público” ya que
una de sus metas era la de independi-
zarse y comenzar a vender los productos
elaborados en la Escuela, para dejar de de-
pender del Estado que hasta ese momento era
quien los subsidiaba.
Entre los primeros estudiantes se encontraban
Marcel Lajos Breuer y Joost Schmidt, que alcanza-
ron cierto éxito. Los estudiantes se mostraban flexi-
bles y dispuestos a hacer todo tipo de trabajos, por tan-
to salían de la escuela bien formados, sabiendo dibujar,
modelar, fotografiar o diseñar muebles. La escuela dispo-
nía de talleres de ebanistería, diseño, teatro, cerámica, teji-
do, encuadernación, metalurgia, vidriería. Pero no de pintura
y escultura en el sentido tradicional.
Esta primera etapa culmina con la inminente necesidad del
cambio de sede de la escuela propiciado por la gran depresión. En
1925 se estrena la sede de Dessau; la primera etapa de la Bauhaus
se puede sintetizar como una fase de experimentación de formas, pro-
ductos y diseños y, por lo tanto, también de educadores del diseño. (Pä-
dagogisches Skizzenbuch, 1925); e imparte en la Asociación del Arte de
Jena la conferencia El arte moderno (Über die moderne Kunst). Por su parte,
Kandinsky publica «Punto y línea sobre el plano» (Punkt und Linie zu Fläche,
1926) como el n.º 9 de la serie de la Bauhaus
art dEcóArt decó Segunda época (1923-1925)
En 1923 Theo van Doesburg, fundador en los Países Bajos del neoplasticismo, pintor, arquitecto y teórico, creo en Holanda la revista y el movimiento De
Stijl y al llegar después a Weimar, ejerció una influencia decisiva en los estudiantes y en Gropius que acabaría llevando a la escuela a tomar otro rumbo.
De esta época datan algunos de los más importantes escritos teóricos de la Bauhaus en el ámbito de la pintura. Así, Klee escribe «Vías del estudio de la
naturaleza» (Wege des Naturstudiums, 1923) y «Cuaderno de bocetos pedagógicos»
Tercera época (1925-1933)
En 1925 László Moholy-Nagy tras cinco años de docente, abandona la Bauhaus. Decisión tomada ante la creciente presión que ejerce el grupo de docentes
y alumnos de tendencia comunista.En 1933 el partido nazi decide cerrar la escuela por lo que Ludwig Mies van der Rohe traslada la Bauhaus a Berlín con
fondos ganados de la ilegalidad del cierre de contratos.
Tras 1933 gran parte de los integrantes de la Bauhaus marcharon hacia los Estados Unidos en donde se desarrolló una especie de continuación de la Bau-
haus hasta la Guerra Fría. En 1951 el arquitecto y escultor suizo Max Bill, siguiendo los lineamientos de la Bauhaus original, funda en Ulm (República Federal
Alemana) la Hochschule für Gestaltung (Escuela Superior de Proyectación), que recupera pronto la denominación de Bauhaus o, para diferenciarla de la ini-
cial, Neues Bauhaus (Nueva Bauhaus), de la cual fue director entre 1954–1966 el pintor y diseñador argentino Tomás Maldonado, quien enfatizó aún más con
el carácter científico y racionalista aplicado en las artes.
Edificio Chrysler El edificio Chrysler es un rascacielos art decó situado en el lado este de Manhattan
El Art Decó era un estilo opulento, y su exagera-ción se atribuye a una reacción contra la aus-teridad forzada producto de la Primera Guerra Mundial.
Escalera del City hall Escaleras en rotonda en estilo art decó del Burkbank City Hall
En simultáneo a
una creciente depre-
sión económica y al
fantasma del acerca-
miento de la Segun-
da Guerra había un
deseo intenso por el
escapismo. La gente
gozó de los placeres
de la vida y del Art
Decó durante la ‘edad
del jazz’.
El movimiento
pierde patrocinio en
las metrópolis euro-
peas y americanas
mucho después de
haber alcanzado una
introducción masi-
va; al punto de ser
empleado para re-
presentar falsas pre-
tensiones de lujo.
Finalmente, el estilo
cae en decadencia
dadas las austerida-
des impuestas por
la Segunda Guerra
Mundial.
En simultáneo a
una creciente depre-
sión económica y al
fantasma del acerca-
miento de la Segun-
da Guerra había un
deseo intenso por el
escapismo. La gente
gozó de los placeres
de la vida y del Art
Decó durante la ‘edad
del jazz’.
El movimiento
pierde patrocinio en
las metrópolis euro-
peas y americanas
mucho después de
haber alcanzado una
introducción masi-
va; al punto de ser
empleado para re-
presentar falsas pre-
tensiones de lujo.
Finalmente, el estilo
cae en decadencia
dadas las austerida-
des impuestas por
la Segunda Guerra
Mundial.
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Art decó
En simultáneo a
una creciente depre-
sión económica y al
fantasma del acerca-
miento de la Segun-
da Guerra había un
deseo intenso por el
escapismo. La gente
gozó de los placeres
de la vida y del Art
Decó durante la ‘edad
del jazz’.
El movimiento
pierde patrocinio en
las metrópolis euro-
peas y americanas
mucho después de
haber alcanzado una
introducción masi-
va; al punto de ser
empleado para re-
presentar falsas pre-
tensiones de lujo.
Finalmente, el estilo
cae en decadencia
dadas las austerida-
des impuestas por
la Segunda Guerra
Mundial.
En simultáneo a
una creciente depre-
sión económica y al
fantasma del acerca-
miento de la Segun-
da Guerra había un
deseo intenso por el
escapismo. La gente
gozó de los placeres
de la vida y del Art
Decó durante la ‘edad
del jazz’.
El movimiento
pierde patrocinio en
las metrópolis euro-
peas y americanas
mucho después de
haber alcanzado una
introducción masi-
va; al punto de ser
empleado para re-
presentar falsas pre-
tensiones de lujo.
Finalmente, el estilo
cae en decadencia
dadas las austerida-
des impuestas por
la Segunda Guerra
Mundial.
En simultáneo a
una creciente depre-
sión económica y al
fantasma del acerca-
miento de la Segun-
da Guerra había un
deseo intenso por el
escapismo. La gente
gozó de los placeres
de la vida y del Art
Decó durante la ‘edad
del jazz’.
El movimiento
pierde patrocinio en
las metrópolis euro-
peas y americanas
mucho después de
haber alcanzado una
introducción masi-
va; al punto de ser
empleado para re-
presentar falsas pre-
tensiones de lujo.
Finalmente, el estilo
cae en decadencia
dadas las austerida-
des impuestas por
la Segunda Guerra
Mundial.
Este movimiento es, en un sentido, una amalgama de
muchos estilos y movimientos diversos del temprano si-
glo XX, y a diferencia del Art Nouveau se inspira en las
Primeras Vanguardias. Las influencias provienen del Cons-
tructivismo, Cubismo, Futurismo, del propio Art Nouveau del
que evoluciona, y también del estilo racionalista de la escuela
Bauhaus. Los progresivos descubrimientos arqueológicos en el An-
tiguo Egipto marcaron asimismo su impronta en ciertas líneas duras
y la solidez de las formas del Art Decó, afín, a la monumentalidad y
elementos de fuerte presencia en sus composiciones.
Como estilo de la edad de la máquina utilizó las innovaciones de los tiem-
pos para sus formas: las líneas aerodinámicas producto de la aviación mo-
derna, iluminación eléctrica, la radio, el revestimiento marino y los rascacielos.
Estas influencias del diseño fueron expresadas en formas fraccionadas, cristalinas,
con presencia de bloques cubistas o rectángulos y el uso de la simetría. El color se
nutre de las experiencias del Fauvismo. Trapezoides, facetamientos, zigzags; y una im-
portante geometrización de las formas son comunes al Decó.
Correspondiendo a sus influencias maquinistas, el Decó se caracteriza también por los
materiales que prefiere y usa, tales como aluminio, acero inoxidable, laca, madera embutida,
piel de tiburón (shagreen), y piel de cebra. El uso de tipografía en negrilla, sans-serif o palo
seco, el facetado y la línea recta o quebrada o greca (opuesto a las curvas sinuosas y naturalistas
del Art Nouveau), los patrones del galón (chevrón), y el adorno en forma de sunburst son típicos del
Art Decó. Ciertos patrones de ornamento se han visto en aplicaciones bien disímiles desde diseño de
zapatos para señoras, a parrillas de radiadores, diseño de interiores para teatros, y rascacielos como el
Chrysler Building.
El Decó alcanzó su apogeo en los años 1920. Aunque muchos movimientos del diseño tienen raíces o in-
tenciones políticas o filosóficas, el Art Decó era casi puramente decorativo, por lo que se lo considera un estilo
burgués. A pesar del eclecticismo de sus influencias formales y estilísticas, el Decó es sólido y posee una clara
identidad propia. No se trata de un historicismo ni de un anacronismo; es fiel a su época y deja entrever la noción
futurista de la Revolución industrial. Su significación gira en torno al progreso, el ordenamiento, la ciudad y lo urbano,
la maquinaria. Elegante, funcional, y modernista, el Art Decó fue un avance frente al Art Noveau, esta vez, exitoso en
generar un nuevo repertorio de formas acordes a la problemática e imaginería de su tiempo.
En simultáneo a
una creciente depre-
sión económica y al
fantasma del acerca-
miento de la Segun-
da Guerra había un
deseo intenso por el
escapismo. La gente
gozó de los placeres
de la vida y del Art
Decó durante la ‘edad
del jazz’.
El movimiento
pierde patrocinio en
las metrópolis euro-
peas y americanas
mucho después de
haber alcanzado una
introducción masi-
va; al punto de ser
empleado para re-
presentar falsas pre-
tensiones de lujo.
Finalmente, el estilo
cae en decadencia
dadas las austerida-
des impuestas por
la Segunda Guerra
Mundial.
diseño organico
El organicismo abandona uno de los postulados del
racionalismo, creando en cambio, cuando es bien
interpretado, realizaciones más jugosas y huma-
nas. Las obras de los grandes arquitectos orgáni-
cos son mucho más personales y difíciles de imitar
diseño organi-co
29
diseño organico
Diseño organico
diseño organi-coMuebleria organicaDiseño escandinavo en madera de haya
El estilo orgánico es un movimiento arquitectónico que se deri-
va del funcionalismo o racionalismo y que puede considerarse
promovido fundamentalmente por los arquitectos escandina-
vos en la década 1930-40 y por el arquitecto americano Frank
Lloyd Wright. El movimiento o. acepta muchas de las premisas
del racionalismo, como son la libertad de planta, el predominio
de lo útil sobre lo meramente ornamental, la incorporación a la
arquitectura de los adelantos de la era industrial, etc., pero pro-
cura evitar algunos de los errores en que cae el racionalismo y
aportar nuevos valores a la arquitectura.
Pueden considerarse a Erik Gunnar Asplund en Suecia y a Al-
var Aalto en Finlandia como los principales propugnadores de
esta corriente, cuyas ideas fundamentales podrían resumirse
de la forma siguiente:
Una mayor preocupación por la vida del hombre. Se mira
más al hombre, al que ha de servir la arquitectura, que a la
propia arquitectura. La atención del arquitecto no debe limi-
tarse a las estructuras y a la disposición de los ambientes, sino
que debe extenderse a los problemas psicológicos y vitales del
hombre.
Una nueva conciencia de los espacios internos: aunque la
arquitectura racionalista propugna una adaptación de los vo-
lúmenes a las necesidades de planta, esos volúmenes están
dominados por un estilo cubista, de formas tetraédricas, en-
las que se encajan las necesidades, buscando además con ello
una simplificación estructural y constructiva. Asplund, Aalto y
sus escuelas comienzan por el estudio de los ambientes, de los
recorridos, de los movimientos del hombre y llegan a la crea-
ción de los espacios que consideran más indicados, a los que
se les proporciona una envolvente apropiada. Las soluciones
técnicas y estructurales deben ceñirse a esos espacios, dando
lugar normalmente a formas más complicadas, no repetidas,
económicamente más costosas y difíciles de industrializar.
30Lampara flor
Claro ejemplo de como integrar el organicismo a la iluminación, con un
efecto sorprendente.
En 1940 Alvar Aalto expresó la necesidad de que la
arquitectura se centre en aspectos psicológicos, y no
sólo en requisitos funcionales o técnicos:
La arquitectura es un fenómeno sintético que incluye prác-
ticamente todos los campos de la actividad humana.En el último
decenio, la arquitectura moderna ha sido funcional principalmente
bajo el aspecto técnico, subrayando sobre todo el punto de vista econó-
mico de la actividad constructiva. Esto ha sido indudablemente útil para la
producción de alojamientos para el hombre, pero ha constituido un proceso
demasiado costoso, si se considera la necesidad de satisfacer otras exigencias
humanas.
El funcionalismo técnico no puede pretender ser toda la arquitectura. Si se pudiera
desarrollar la arquitectura paso a paso, comenzando por el aspecto económico y técnico, y
continuando después con las funciones humanas más complejas, entonces el planteamiento
del funcionalismo técnico sería aceptable. Pero esto es imposible. La arquitectura no sólo cubre
todos los campos de la actividad humana, sino que debe ser también desarrollada simultáneamente
en todos esos campos. Si no, tendremos sólo resultados unilaterales y superficiales.
En lugar de combatir la mentalidad racionalista, la nueva fase de la arquitectura moderna trata de pro-
yectar los métodos racionales desde el plano técnico al campo humano... La presente fase de la arquitectura es,
sin duda, nueva y tiene la precisa finalidad de resolver problemas en el campo psicológico.
30
aE
ro
din
aM
isM
oA
erodinamismo
Aerodinamismo implica:
Producto superficialmente atractivo, comenta la obsolescencia artificial y esprecio por las formas
racionalistas, en nuestro caso es la aplicación de formas redondeadasa menudo en forma de
lagrima, y acabados suaves
El objeto aerodinámico es:
Industrial, basado en la fabricación en serie, materiales: cromo, acero, aleacionesmetálicas de níquel y cobre, plásticos por inyección,
prometen: lujo y eficacia, acepta la primacía de la máquina como generadora de la forma estética.
sentantes es Raimon Loewy:
Raymond Loewy (5 de noviembre de 1893 - 14 de julio de 1986) fue uno de los diseñadores industriales más conocidos del siglo XX. Nació
en Francia, pero desarrolló casi toda su carrera profesional en los Estados Unidos, donde tuvo una influencia muy importante en incon-
tables aspectos de la vida estadounidense. Adquirió la nacionalidad estadounidense en 1938. Contrajo matrimonio con Jean Thomson en
1931; dicho matrimonio duró hasta 1945. Su segundo matrimonio fue con Viola Erickson en 1948.
Su carrera profesional abarcó siete décadas, entre sus contribuciones a los iconos de la vida moderna se encuentran el logotipo de la em-
presa petrolífera Shell, los autobuses Greyhound, la locomotora S-1, el paquete de cigarrillos de la marca Lucky Strike, los frigoríficos Cold-
spot o el Studebaker Avanti.
Pero unos de los diseños más importantes de Loewy fue el del paquete de la marca de cigarrillos “Lucky Strike”, Todo comenzó en 1940
cuando Loewy dijo que él haría que la marca duplicara sus ventas con un simple rediseño del paquete, ante esta argumentación, el dueño
de “Lucky strike”, invitó al diseñador a realizar el rediseño, es cuando Loewy pone el logo de la marca en las dos partes del paquete de
manera que se deje con forme el paquete se viera la marca, además de otras remodelaciones como quitar el verde que se apoderaba de
todo el paquete.
Loewy comenzó su larga y productiva relación con la compañía automovilística estadounidense Studebaker Corporation de South Bend,
Indiana, en la década de 1930. Sus diseños comenzaron apareciendo en los modelos de Studebaker de finales de la década de 1930.
Studebaker también adoptó su nuevo y sencillo logotipo, reemplazando el que había usado desde principios de siglo.
32
El objeto aerodinámico es:Industrial, basado en la fabricación en serie, materiales: cromo, acero, aleacionesmetálicas de níquel y co-bre, plásticos por inyección, prometen: lujo y eficacia, acepta la primacía de la máquina como generadora de la forma estética.
sentantes es Raimon Loewy:Raymond Loewy (5 de noviembre de 1893 - 14 de julio de 1986) fue uno de los diseñadores industriales más conocidos del siglo XX. Nació en Francia, pero desarrolló casi toda su carrera profesional en los Esta-dos Unidos, donde tuvo una influencia muy importante en incontables aspectos de la vida estadounidense. Adquirió la nacionalidad estadounidense en 1938. Contrajo matrimonio con Jean Thomson en 1931; dicho matrimonio duró hasta 1945. Su segundo matrimonio fue con Viola Erickson en 1948.Su carrera profesional abarcó siete décadas, entre sus contribuciones a los iconos de la vida moderna se encuentran el logotipo de la empresa petrolífera Shell, los autobuses Greyhound, la locomotora S-1, el pa-quete de cigarrillos de la marca Lucky Strike, los frigoríficos Coldspot o el Studebaker Avanti.Pero unos de los diseños más importantes de Loewy fue el del paquete de la marca de cigarrillos “Lucky Strike”, Todo comenzó en 1940 cuando Loewy dijo que él haría que la marca duplicara sus ventas con un simple rediseño del paquete, ante esta argumentación, el dueño de “Lucky strike”, invitó al diseñador a rea-lizar el rediseño, es cuando Loewy pone el logo de la marca en las dos partes del paquete de manera que se deje con forme el paquete se viera la marca, además de otras remodelaciones como quitar el verde que se apoderaba de todo el paquete.Loewy comenzó su larga y productiva relación con la compañía automovilística estadounidense Stude-baker Corporation de South Bend, Indiana, en la década de 1930. Sus diseños comenzaron apareciendo en los modelos de Studebaker de finales de la década de 1930. Studebaker también adoptó su nuevo y senci-llo logotipo, reemplazando el que había usado desde principios de siglo.
El objeto aerodinámico es:
Industrial, basado en la fabricación en serie, materiales: cromo, acero, aleacionesmetálicas de níquel y cobre, plásticos por inyección,
prometen: lujo y eficacia, acepta la primacía de la máquina como generadora de la forma estética.
sentantes es Raimon Loewy:
Raymond Loewy (5 de noviembre de 1893 - 14 de julio de 1986) fue uno de los diseñadores industriales más conocidos del siglo XX. Nació
en Francia, pero desarrolló casi toda su carrera profesional en los Estados Unidos, donde tuvo una influencia muy importante en incontables
aspectos de la vida estadounidense. Adquirió la nacionalidad estadounidense en 1938. Contrajo matrimonio con Jean Thomson en 1931;
dicho matrimonio duró hasta 1945. Su segundo matrimonio fue con Viola Erickson en 1948.
Su carrera profesional abarcó siete décadas, entre sus contribuciones a los iconos de la vida moderna se encuentran el logotipo de la
empresa petrolífera Shell, los autobuses Greyhound, la locomotora S-1, el paquete de cigarrillos de la marca Lucky Strike, los frigoríficos
Coldspot o el Studebaker Avanti.
Pero unos de los diseños más importantes de Loewy fue el del paquete de la marca de cigarrillos “Lucky Strike”, Todo comenzó en 1940
cuando Loewy dijo que él haría que la marca duplicara sus ventas con un simple rediseño del paquete, ante esta argumentación, el dueño
de “Lucky strike”, invitó al diseñador a realizar el rediseño, es cuando Loewy pone el logo de la marca en las dos partes del paquete de ma-
nera que se deje con forme el paquete se viera la marca, además de otras remodelaciones como quitar el verde que se apoderaba de todo
el paquete.
Loewy comenzó su larga y productiva relación con la compañía automovilística estadounidense Studebaker Corporation de South Bend,
Indiana, en la década de 1930. Sus diseños comenzaron apareciendo en los modelos de Studebaker de finales de la década de 1930. Stude-
baker también adoptó su nuevo y sencillo logotipo, reemplazando el que había usado desde principios de siglo.
Studebaker El diseño innovador de Loewy en este coche, sigue teniendo a fanaticos y coleccionistas en el punto de mira
Aparece el concepto de diseñador industrial , los mas importantes de estos profesionales;
Dorwin Teague
Raymon Loewy
Henry Dreyffus
Norman Bel Geddes
popPOP
32
Studebaker El diseño innovador de Loewy en este coche, sigue teniendo a fanaticos y coleccionistas en el punto de mira
popPOP
Andy Warhol es considerado el fundador del Pop
Art, sus inicios en el arte popular se dan con las
pinturas que realizaba basándose en comics como
los de superman.
El Arte Pop fue un movimiento artís-
tico surgido a mediados de los años
1950 en el Reino unido y finales de los
años 1950 en los Estados Unidos. El arte
pop desafió la tradición afirmando que el em-
pleo de imágenes de la cultura popular tomadas
de los medios de comunicación es contiguo con
la perspectiva de las Bellas artes dado que el Pop re-
mueve el material de su contexto y aísla al objeto o lo
combina con otros elementos para su contemplación. El
concepto del Arte Pop no hace tanto énfasis al arte en sí,
sino a las actitudes que lo conducen.
El arte pop fue un importante movimiento artístico del siglo
XX que se caracteriza por el uso de temas y técnicas basados en
dibujos proveniente de la «cultura popular», tales como en anuncios
publicitarios, libros de comics y objetos culturales «mundanos». El arte
pop es comúnmente interpretado como una reacción a los entonces domi-
nantes ideales del Expresionismo abstracto. El arte pop, como la música pop,
buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente
en el arte, además que buscaba enfatizar el aspecto banal o kitsch de algún ele-
mento cultural, a menudo a través del uso de la ironía. 34
Estatuas y carteles La juventud también se oponía a esta sociedad de consumo por lo tanto se genera el movi-miento Hippie que tenía como lema principal “haz el amor, no la guerra”
Pop
post-ModErnisMo
Postmodernismo
El Arte Pop fue un movimiento artístico
surgido a mediados de los años 1950 en el
Reino unido y finales de los años 1950 en los
Estados Unidos. El arte pop desafió la tradición
afirmando que el empleo de imágenes de la cultura
popular tomadas de los medios de comunicación es
contiguo con la perspectiva de las Bellas artes dado que
el Pop remueve el material de su contexto y aísla al objeto
o lo combina con otros elementos para su contemplación. El
concepto del Arte Pop no hace tanto énfasis al arte en sí, sino a las
actitudes que lo conducen.
El arte pop fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se
caracteriza por el uso de temas y técnicas basados en dibujos proveniente
de la «cultura popular», tales como en anuncios publicitarios, libros de comics y
objetos culturales «mundanos». El arte pop es comúnmente interpretado como una
reacción a los entonces dominantes ideales del Expresionismo abstracto. El arte pop,
como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura
34
Probablemente el primer desarrollo artístico deliberadamente postmoderno tuvo lugar en la
arquitectura. Los arquitectos vanguardistas de la primera mitad del siglo XX
post-ModErnisMo
Postmodernismo
36
Postmodernismo
El término postmodernismo o postmodernidad
designa generalmente un amplio número de mo-
vimientos artísticos, culturales, literarios y filosóficos
del siglo XX, definidos en diverso grado y manera por su
oposición o superación del moderno. En sociología en cam-
bio, los términos postmoderno y postmodernización se refieren al
proceso cultural observado en muchos países en las últimas dos dé-
cadas, identificado a principios de los 70, esta otra acepción de la palabra
se explica bajo el término postmaterialismo.
Las diferentes corrientes del movimiento postmoderno aparecieron durante la
segunda mitad del siglo XX. Aunque se aplica a corrientes muy diversas, todas ellas
comparten la idea de que el proyecto modernista fracasó en su intento de renovación radi-
cal de las formas tradicionales del arte y la cultura, el pensamiento y la vida social.
El posmodernismo en sentido artístico abarca un gran número de corrientes desde los años 1950
hasta la actualidad; es difícil precisar en general los límites entre las realizaciones más arriesgadas del
modernismo y las primeras obras posmodernas, aunque algunas artes —entre las que destaca la arquitectu-
ra— gozaron de un movimiento posmoderno programático y organizado desde muy temprano.
Los rasgos más notables del arte posmoderno son la valoración de las formas industriales y populares, el debili-
tamiento de las barreras entre géneros y el uso deliberado e insistente de la intertextualidad, expresada frecuentemente
mediante el collage o pastiche. El cine y la televisión son hoy en día algunos de los medios de comunicación más capaces de
manifestar las características de este arte.
Ron Arad, es un diseñador, artista y arquitecto industrial. Fue a la academia de arte de Jerusalén entre 1971-73 y a la asociación
arquitectónica en Londres, de 1974 a 1979. Ha producido los muebles y el diseño de iluminación para muchas compañías (principalmente
italianas) incluyendo Alessi, Vitra, Flos, Artemide y Kartell.
Sus trabajos de diseño industrial más notables incluyen la silla apilable de Tom VAC para Vitra, y la biblioteca gusano para Kartell. Muchos de estos
trabajos están en las colecciones del Museo de Arte Metropolitano de Nueva York, del centro Georges Pompidou en París, del Victoria and Albert Museum
de Londres y del Vitra Design Museum, Alemania.
Sus trabajos arquitectónicos, menos conocidos, incluyen las jefaturas para la tecnología Pasillo de Maserati y de Selfridges en Londres. Es actualmente jefe del
departamento de productos de diseño en la Universidad Real del Arte. Es también el hermano menor del violinista israelí Atar Arad.
El término postmodernismo o post-
modernidad designa generalmente un
amplio número de movimientos artísticos,
culturales, literarios y filosóficos del siglo XX, de-
finidos en diverso grado y manera por su oposición
o superación del moderno. En sociología en cambio, los
términos postmoderno y postmodernización se refieren al
proceso cultural observado en muchos países en las últimas dos
décadas, identificado a principios de los 70, esta otra acepción de la
palabra se explica bajo el término postmaterialismo.
Las diferentes corrientes del movimiento postmoderno aparecieron duran-
te la segunda mitad del siglo XX. Aunque se aplica a corrientes muy diversas,
todas ellas comparten la idea de que el proyecto modernista fracasó en su intento de
renovación radical de las formas tradicionales del arte y la cultura, el pensamiento y la
vida social.
El posmodernismo en sentido artístico abarca un gran número de corrientes desde los años 1950
hasta la actualidad; es difícil precisar en general los límites entre las realizaciones más arriesgadas del
modernismo y las primeras obras posmodernas, aunque algunas artes —entre las que destaca la arquitec-
tura— gozaron de un movimiento posmoderno programático y organizado desde muy temprano.
Los rasgos más notables del arte posmoderno son la valoración de las formas industriales y populares, el debili-
tamiento de las barreras entre géneros y el uso deliberado e insistente de la intertextualidad, expresada frecuentemente
mediante el collage o pastiche. El cine y la televisión son hoy en día algunos de los medios de comunicación más capaces de
manifestar las características de este arte.
Ron Arad, es un diseñador, artista y arquitecto industrial. Fue a la academia de arte de Jerusalén entre 1971-73 y a la asociación
arquitectónica en Londres, de 1974 a 1979. Ha producido los muebles y el diseño de iluminación para muchas compañías (principalmente
italianas) incluyendo Alessi, Vitra, Flos, Artemide y Kartell.
Sus trabajos de diseño industrial más notables incluyen la silla apilable de Tom VAC para Vitra, y la biblioteca gusano para Kartell. Muchos de
estos trabajos están en las colecciones del Museo de Arte Metropolitano de Nueva York, del centro Georges Pompidou en París, del Victoria and Albert
Museum de Londres y del Vitra Design Museum, Alemania.
Sus trabajos arquitectónicos, menos conocidos, incluyen las jefaturas para la tecnología Pasillo de Maserati y de Selfridges en Londres. Es actualmente jefe
del departamento de productos de diseño en la Universidad Real del Arte. Es también el hermano menor del violinista israelí Atar Arad.
El término postmodernismo o post-
modernidad designa generalmente un
amplio número de movimientos artísticos,
culturales, literarios y filosóficos del siglo XX, de-
finidos en diverso grado y manera por su oposición
o superación del moderno. En sociología en cambio, los
términos postmoderno y postmodernización se refieren al
proceso cultural observado en muchos países en las últimas dos
décadas, identificado a principios de los 70, esta otra acepción de la
palabra se explica bajo el término postmaterialismo.
Las diferentes corrientes del movimiento postmoderno aparecieron duran-
te la segunda mitad del siglo XX. Aunque se aplica a corrientes muy diversas,
todas ellas comparten la idea de que el proyecto modernista fracasó en su intento de
renovación radical de las formas tradicionales del arte y la cultura, el pensamiento y la
vida social.
El posmodernismo en sentido artístico abarca un gran número de corrientes desde los años 1950
hasta la actualidad; es difícil precisar en general los límites entre las realizaciones más arriesgadas del
modernismo y las primeras obras posmodernas, aunque algunas artes —entre las que destaca la arquitec-
tura— gozaron de un movimiento posmoderno programático y organizado desde muy temprano.
Los rasgos más notables del arte posmoderno son la valoración de las formas industriales y populares, el debili-
tamiento de las barreras entre géneros y el uso deliberado e insistente de la intertextualidad, expresada frecuentemente
mediante el collage o pastiche. El cine y la televisión son hoy en día algunos de los medios de comunicación más capaces de
manifestar las características de este arte.
Ron Arad, es un diseñador, artista y arquitecto industrial. Fue a la academia de arte de Jerusalén entre 1971-73 y a la asociación
arquitectónica en Londres, de 1974 a 1979. Ha producido los muebles y el diseño de iluminación para muchas compañías (principalmente
italianas) incluyendo Alessi, Vitra, Flos, Artemide y Kartell.
Sus trabajos de diseño industrial más notables incluyen la silla apilable de Tom VAC para Vitra, y la biblioteca gusano para Kartell. Muchos de
estos trabajos están en las colecciones del Museo de Arte Metropolitano de Nueva York, del centro Georges Pompidou en París, del Victoria and Albert
Museum de Londres y del Vitra Design Museum, Alemania.
Sus trabajos arquitectónicos, menos conocidos, incluyen las jefaturas para la tecnología Pasillo de Maserati y de Selfridges en Londres. Es actualmente jefe
del departamento de productos de diseño en la Universidad Real del Arte. Es también el hermano menor del violinista israelí Atar Arad.
Opera de Sidney Uno de los edificios mas repre-sentativos de la arquitectura postmodernista
Ron Arad Diseño e innovación en todo tipo de diseños,
3736
El término postmodernismo o postmodernidad
designa generalmente un amplio número de mo-
vimientos artísticos, culturales, literarios y filosóficos
del siglo XX, definidos en diverso grado y manera por su
oposición o superación del moderno. En sociología en cam-
bio, los términos postmoderno y postmodernización se refieren al
proceso cultural observado en muchos países en las últimas dos dé-
cadas, identificado a principios de los 70, esta otra acepción de la palabra
se explica bajo el término postmaterialismo.
Las diferentes corrientes del movimiento postmoderno aparecieron durante la
segunda mitad del siglo XX. Aunque se aplica a corrientes muy diversas, todas ellas
comparten la idea de que el proyecto modernista fracasó en su intento de renovación radi-
cal de las formas tradicionales del arte y la cultura, el pensamiento y la vida social.
El posmodernismo en sentido artístico abarca un gran número de corrientes desde los años 1950
hasta la actualidad; es difícil precisar en general los límites entre las realizaciones más arriesgadas del
modernismo y las primeras obras posmodernas, aunque algunas artes —entre las que destaca la arquitectu-
ra— gozaron de un movimiento posmoderno programático y organizado desde muy temprano.
Los rasgos más notables del arte posmoderno son la valoración de las formas industriales y populares, el debili-
tamiento de las barreras entre géneros y el uso deliberado e insistente de la intertextualidad, expresada frecuentemente
mediante el collage o pastiche. El cine y la televisión son hoy en día algunos de los medios de comunicación más capaces de
manifestar las características de este arte.
Ron Arad, es un diseñador, artista y arquitecto industrial. Fue a la academia de arte de Jerusalén entre 1971-73 y a la asociación
arquitectónica en Londres, de 1974 a 1979. Ha producido los muebles y el diseño de iluminación para muchas compañías (principalmente
italianas) incluyendo Alessi, Vitra, Flos, Artemide y Kartell.
Sus trabajos de diseño industrial más notables incluyen la silla apilable de Tom VAC para Vitra, y la biblioteca gusano para Kartell. Muchos de estos
trabajos están en las colecciones del Museo de Arte Metropolitano de Nueva York, del centro Georges Pompidou en París, del Victoria and Albert Museum
de Londres y del Vitra Design Museum, Alemania.
Sus trabajos arquitectónicos, menos conocidos, incluyen las jefaturas para la tecnología Pasillo de Maserati y de Selfridges en Londres. Es actualmente jefe del
departamento de productos de diseño en la Universidad Real del Arte. Es también el hermano menor del violinista israelí Atar Arad.
El término postmodernismo o post-
modernidad designa generalmente un
amplio número de movimientos artísticos,
culturales, literarios y filosóficos del siglo XX, de-
finidos en diverso grado y manera por su oposición
o superación del moderno. En sociología en cambio, los
términos postmoderno y postmodernización se refieren al
proceso cultural observado en muchos países en las últimas dos
décadas, identificado a principios de los 70, esta otra acepción de la
palabra se explica bajo el término postmaterialismo.
Las diferentes corrientes del movimiento postmoderno aparecieron duran-
te la segunda mitad del siglo XX. Aunque se aplica a corrientes muy diversas,
todas ellas comparten la idea de que el proyecto modernista fracasó en su intento de
renovación radical de las formas tradicionales del arte y la cultura, el pensamiento y la
vida social.
El posmodernismo en sentido artístico abarca un gran número de corrientes desde los años 1950
hasta la actualidad; es difícil precisar en general los límites entre las realizaciones más arriesgadas del
modernismo y las primeras obras posmodernas, aunque algunas artes —entre las que destaca la arquitec-
tura— gozaron de un movimiento posmoderno programático y organizado desde muy temprano.
Los rasgos más notables del arte posmoderno son la valoración de las formas industriales y populares, el debili-
tamiento de las barreras entre géneros y el uso deliberado e insistente de la intertextualidad, expresada frecuentemente
mediante el collage o pastiche. El cine y la televisión son hoy en día algunos de los medios de comunicación más capaces de
manifestar las características de este arte.
Ron Arad, es un diseñador, artista y arquitecto industrial. Fue a la academia de arte de Jerusalén entre 1971-73 y a la asociación
arquitectónica en Londres, de 1974 a 1979. Ha producido los muebles y el diseño de iluminación para muchas compañías (principalmente
italianas) incluyendo Alessi, Vitra, Flos, Artemide y Kartell.
Sus trabajos de diseño industrial más notables incluyen la silla apilable de Tom VAC para Vitra, y la biblioteca gusano para Kartell. Muchos de
estos trabajos están en las colecciones del Museo de Arte Metropolitano de Nueva York, del centro Georges Pompidou en París, del Victoria and Albert
Museum de Londres y del Vitra Design Museum, Alemania.
Sus trabajos arquitectónicos, menos conocidos, incluyen las jefaturas para la tecnología Pasillo de Maserati y de Selfridges en Londres. Es actualmente jefe
del departamento de productos de diseño en la Universidad Real del Arte. Es también el hermano menor del violinista israelí Atar Arad.
El término postmodernismo o post-
modernidad designa generalmente un
amplio número de movimientos artísticos,
culturales, literarios y filosóficos del siglo XX, de-
finidos en diverso grado y manera por su oposición
o superación del moderno. En sociología en cambio, los
términos postmoderno y postmodernización se refieren al
proceso cultural observado en muchos países en las últimas dos
décadas, identificado a principios de los 70, esta otra acepción de la
palabra se explica bajo el término postmaterialismo.
Las diferentes corrientes del movimiento postmoderno aparecieron duran-
te la segunda mitad del siglo XX. Aunque se aplica a corrientes muy diversas,
todas ellas comparten la idea de que el proyecto modernista fracasó en su intento de
renovación radical de las formas tradicionales del arte y la cultura, el pensamiento y la
vida social.
El posmodernismo en sentido artístico abarca un gran número de corrientes desde los años 1950
hasta la actualidad; es difícil precisar en general los límites entre las realizaciones más arriesgadas del
modernismo y las primeras obras posmodernas, aunque algunas artes —entre las que destaca la arquitec-
tura— gozaron de un movimiento posmoderno programático y organizado desde muy temprano.
Los rasgos más notables del arte posmoderno son la valoración de las formas industriales y populares, el debili-
tamiento de las barreras entre géneros y el uso deliberado e insistente de la intertextualidad, expresada frecuentemente
mediante el collage o pastiche. El cine y la televisión son hoy en día algunos de los medios de comunicación más capaces de
manifestar las características de este arte.
Ron Arad, es un diseñador, artista y arquitecto industrial. Fue a la academia de arte de Jerusalén entre 1971-73 y a la asociación
arquitectónica en Londres, de 1974 a 1979. Ha producido los muebles y el diseño de iluminación para muchas compañías (principalmente
italianas) incluyendo Alessi, Vitra, Flos, Artemide y Kartell.
Sus trabajos de diseño industrial más notables incluyen la silla apilable de Tom VAC para Vitra, y la biblioteca gusano para Kartell. Muchos de
estos trabajos están en las colecciones del Museo de Arte Metropolitano de Nueva York, del centro Georges Pompidou en París, del Victoria and Albert
Museum de Londres y del Vitra Design Museum, Alemania.
Sus trabajos arquitectónicos, menos conocidos, incluyen las jefaturas para la tecnología Pasillo de Maserati y de Selfridges en Londres. Es actualmente jefe
del departamento de productos de diseño en la Universidad Real del Arte. Es también el hermano menor del violinista israelí Atar Arad.
El término postmodernismo o
postmodernidad designa gene-
ralmente un amplio número de movi-
mientos artísticos, culturales, literarios y
filosóficos del siglo XX, definidos en diverso
grado y manera por su oposición o superación
del moderno. En sociología en cambio, los términos
postmoderno y postmodernización se refieren al proce-
so cultural observado en muchos países en las últimas dos
décadas, identificado a principios de los 70, esta otra acepción
de la palabra se explica bajo el término postmaterialismo.
Las diferentes corrientes del movimiento postmoderno aparecieron
durante la segunda mitad del siglo XX. Aunque se aplica a corrientes muy
diversas, todas ellas comparten la idea de que el proyecto modernista fracasó
en su intento de renovación radical de las formas tradicionales del arte y la cultura,
el pensamiento y la vida social.
El posmodernismo en sentido artístico abarca un gran número de corrientes desde los
años 1950 hasta la actualidad; es difícil precisar en general los límites entre las realizaciones
más arriesgadas del modernismo y las primeras obras posmodernas, aunque algunas artes —entre
las que destaca la arquitectura— gozaron de un movimiento posmoderno programático y organizado
desde muy temprano.
Los rasgos más notables del arte posmoderno son la valoración de las formas industriales y populares, el de-
bilitamiento de las barreras entre géneros y el uso deliberado e insistente de la intertextualidad, expresada frecuen-
temente mediante el collage o pastiche. El cine y la televisión son hoy en día algunos de los medios de comunicación
más capaces de manifestar las características de este arte.
Ron Arad, es un diseñador, artista y arquitecto industrial. Fue a la academia de arte de Jerusalén entre 1971-73 y a la asociación
arquitectónica en Londres, de 1974 a 1979. Ha producido los muebles y el diseño de iluminación para muchas compañías (principal-
mente italianas) incluyendo Alessi, Vitra, Flos, Artemide y Kartell.
Sus trabajos de diseño industrial más notables incluyen la silla apilable de Tom VAC para Vitra, y la biblioteca gusano para Kartell. Muchos
de estos trabajos están en las colecciones del Museo de Arte Metropolitano de Nueva Yvork, del centro Georges Pom-
biblioGrafia
WikipEdi
a
apuntEs dE clasEWWW.historialdEldisEño.coM
WWW.fashio n-Era.coM
BibliografiaWikipedia
Apuntes de clasevv
www.Historialdeldiseño.com
www.fashion-era.com
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