Los Ismos

El arte del siglo XX se caracteriza al configurarse múltiples corrientes que se denominan ismos.

Las vanguardias no se pueden entender intentando establecer un orden cronológico. Muchas surgieron al mismo tiempo.

El año 1863 se puede tomar como fecha de inicio de la pintura moderna, cuando el arte rompe con todo lo establecido anteriormente.

El Impresionismo y luego el Postimpresionismo constituyen el punto de partida para las corrientes del siglo XX.

Fauvismo

El Fauvismo se desarrolla en Francia durante los años 1903 a 1907.

La primera exposición tiene lugar en París en el Salón de Otoño de 1905 y alcanza su climax en 1906 en el "Salon des Indépendants".

La denominación deriva de la palabra "fauves" (fieras), término con el que el crítico Louis Vauxcelles denominó a un grupo de pintores, encabezado por Matisse, que practicaban un estilo vigoroso de pintura alejado de todo principio académico.

CARACTERÍSTICAS

• Uso del color fuerte, violento, agresivo y fiero.

• Las formas, el espacio y el volumen se crean a través del color.

• Énfasis cromático mediante colores puros, saturados, principalmente planos, realzados por la línea de los contornos y sin referencia al tema o a su figura.

• Eliminación de la perspectiva espacial.

• Referencias formales de las culturas primitivas y exóticas (árabe y africana).

• Predominio de colores complementarios.

• Creación de espacios pictóricos de carácter ornamental basados en motivos decorativos tomados de papeles de pared o piezas de artesanía.

Maurice Vlaminck, Restaurante de la Machine a Bougival. (1905)

Henri Matisse. La raya verde, 1905, óleo sobre lienzo, 60 x 41 cm.

Henri Matisse Autorretrato, 1906,

óleo sobre lienzo, 55 x 46 cm, Statens

Museum for Kunst, Copenhagen.

André Derain, El puente de Londres. (1906)

Expresionismo

El expresionismo surge en Alemania en la primera década del siglo XX, como oposición al positivismo materialista imperante en la época.

El expresionismo es un movimiento que no sólo atañe a las artes plásticas sino también a la música, el cine y las demás artes.

El régimen nazi alemán definió al expresionismo como "arte degenerado", los artistas de esta tendencia fueron proscritos y muchas de sus obras destruidas.

CARACTERÍSTICAS

• La pintura es concebida como una manifestación directa, espontánea y libre de convenciones de la subjetividad del artista basada en una necesidad interior

• las imágenes son creadas, no copiadas para así expresar el mundo interior, subjetivo, del artista.

• Utilización del color y el trazo para expresar simbólicamente estados de ánimo.

• Destrucción del espacio tridimensional.

• Aglomeración de formas y figuras.

• Ausencia de carácter decorativo.

Edvard Munch, El grito, 1893, ceras, pastel y témpera sobre papel cartón, 83´5 x 66 cm, Munch Museet, Oslo.

Edvard Munch, Madonna, 1893-1894, óleo sobre lienzo, 90 x 68´5 cm, Munch Museet, Oslo.

Oskar Kokoschka. La Tempestad (1914). Óleo sobre lienzo. 181 x 220 cm. Öffentliche Kunstsammlung. Basilea

Emile Nolde. La última Cena (1909)

El Cubismo

Término creado por un crítico de arte (el crítico francés Louis Vauxcelles), que al ver las obras de este movimiento de principios del siglo XX, afirmó que "desprecian la forma y lo reducen todo, paisajes, figuras y casas, a esquemas geométricos, a cubos".

El cubismo tiene sus bases en Cézanne.

La pintura cubista quedó formalmente fundada en 1907 con la obra de Picasso, "Las Señoritas de Aviñón".

Picasso y Braque, junto a Juan Gris, llevaron a cabo un análisis objetivo de la realidad de la pintura, que para ellos, necesariamente debía fundarse en la realidad bidimensional del lienzo.

Por eso, junto con eliminar la perspectiva y la ilusión de profundidad, limitaron los colores a los tonos grises, verdes y marrones, para que el análisis temático de la estructura corpórea fijada en el espacio, se expresara con mayor énfasis.

Con el collage, buscaron la liberación formal del color de su tradicional carácter descriptivo.

1. Independencia y autonomía de planos, estallido del visión tipo caleidoscopio.

2. Perspectiva múltiple

3. Desaparición de gradaciones de sombra y luz

4. Color "Tono Local": Los objetos no tienen un color propio.

5. Geometrismo: Los formas geométricas invaden las composiciones. Las formas observadas en la naturaleza, son traducidas en cilindros, conos, esferas y cubos. La retina capta las formas y la mente del pintor las simplifica.

6. Base filosófica: No se trata de reflejar la realidad misma, sino la idea de realidad que posee el artista.

Las características de un nuevo lenguaje:  En el Cubismo no hay nada de teórico, sino que todo son descubrimientos:

1. Fase analítica

En el primer momento, se partió de la observación de la realidad para proceder después a su "destrucción". Resultaba un conjunto de planos indescifrable, lo que es en definitiva es la obra cubista.

Pablo Picasso. Frutero y pan sobre una mesa (1909)

2. Fase hermética

Picasso y Braque, empiezan a dejar pistas en sus obras. Se empiezan a introducir detalles figurativos y esquematizados para estimular la comprensión. Por ejemplo, las cuerdas o clavijas ayudan a identificar la posible existencia de un instrumento musical.

Pablo Picasso. Retrato de Ambroise Vollard. (1910)

3. Fase sintética, el collage como paso previo a la escultura:

En esta fase se dio un nuevo paso. Ya no hay razón para imitar minuciosamente una etiqueta o un sobre, sino que se toma un ejemplar real y se pega, es la técnica del Papier collé, inventada por Picasso y por Braque .

Es el nacimiento del Collage.      

El collage nos ayuda a recuperar el referente concreto. A partir de este momento ya no interesó el análisis minucioso, sino la imagen global. Sobre la superficie del soporte se pegan papeles, telas y objetos diversos, de ahí que comience a hablarse de la "introducción de intrusos".

Con el collage la técnica cambia,

El pincel es sustituido por las tijeras y la cola, y después los clavos y la soldadura. Los fragmentos de imagen pasan a formar parte de un conjunto estético. Los materiales se descontextualizan, se hacen enigmáticos y adquieren características propias.

Pablo Picasso. Guitarra. (1913)

Pablo Picasso, Guernica, 1937, 349 x 776 cm.óleo sobre lienzo, Museo Nacional Reina Sofía, Madrid.

Pablo Picasso: Las Señoritas de Avignon, 1907Óleo sobre lienzo, Metropolitan Museum of Art, New York City .

Pablo Picasso, Los Pájaros muertos, 1912, 46 x 65 cm., óleo soble lienzo, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía , Madrid.

Pablo Picasso, Instrumentos de música sobre una mesa, 1925, 162 x 204,5 cm., óleo sobre lienzo, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía , Madrid.

Pablo Picasso . El poeta (1910)

Pablo Picasso . Ma Jolie (Woman with Guitar) (1911-12)

Georges Braque. Viaducto en L’estaque.

1908.

Georges Braque, Instrumentos musicales, 1908, óleo sobre lienzo, 50 x 61 cm, colección privada.

Georges BraqueCasas en L´Estaque, 1908óleo sobre lienzo, 73 x 60 cm, Kunstmuseum Bern.

Arte Abstracto

Vasily Kandinsky es el iniciador de la abstracción.

La abstracción es un leguaje no figurativo. De la realidad se toma lo esencial y se abstrae lo secundario. La primera etapa de la abstracción (1900-1914) la representa Kandinsky. Su código es libre e intuitivo, trabaja con formas irregulares y con gran gama cromática. A Kandinsky le importa la mancha de color y la expresión.      

Malevich publica en 1915 Manifiesto del Suprematismo, con él, se inicia en Rusia la abstracción geométrica. Mihail Larionov y Natalia Gontcharova publican en 1909 el Manifiesto Rayonista.

Con Malevich y el Suprematismo se va caminando hacia una plástica pura en las artes figurativas. El uso restringido del color y las formas simples, caracterizan el Suprematismo. Después Rodchenko siguió la misma línea.

Wassily Kandinsky. Composición VII. Óleo sobre lienzo. 195 x 300 cm. Galería Estatal Tretjakov. Moscú.

Wassily Kandinsky. Upwards, 1929.

Cuadro con círculos concéntricos Kandisky

Negro y violeta Kandisky

Suprematismo

• El arte suprematista se reduce el arte a su esencia: a la sensibilidad pura.

• La representación objetiva en un lienzo es para los suprematistas algo que ha estado estorbando al arte a lo largo de la historia.

• El suprematismo busca el arte en sí y por sí mismo, obras no disfrazadas que tiendan al mundo de la sensibilidad y no al mundo de la representación.

• El artista ruso Kazimir Maliévich, creador del movimiento suprematista y autor del manifiesto, eliminó de sus pinturas toda referencia externa, creando así obras totalmente subjetivas en las que no hay figuras, ni objetos, ni tema, ni cosas.

Kasimi Malevich: Suprematist Composition, White on White (1918)

Kasimir Malevich Suprematism. 1915Stedelijk Museum, Amsterdam

Neoplasticismo

Surge en Holanda en 1917. El neoplasticismo o movimiento De Stijl (El Estilo) propugna una estética renovadora basada en la depuración formal.

El planteamiento básico de este movimiento queda perfectamente claro en la frase programática de uno de sus creadores, Doesburg, que dijo: "Desnudemos a la naturaleza de todas sus formas y sólo quedará el estilo”.

Sus planteamientos fueron expuestos en 1918 en el "Primer manifiesto" del movimiento.

Piet Mondrian fue quien formuló las bases teóricas de la nueva estética y que posteriormente denominaría "Neoplasticismo".

CARACTERÍSTICAS

• Depuración de las formas hasta llegar a sus componentes fundamentales: líneas, planos y cubos.

• Planteamiento totalmente racionalista.

• Estructuración a base de una armonía de líneas y masas coloreadas rectangulares de diversa proporción, siempre verticales, horizontales o formando ángulos rectos.

• Creación de ritmos asimétricos, pero con gran sentido del equilibrio.

• Colores planos, de carácter saturado (primarios: amarillo, azul, rojo) o tonal (blanco, negro y grises).

Piet Mondrian, Composición en rojo, amarillo y azul, 1921, óleo sobre lienzo, 39 x 35 cm.

Piet Mondrian, Composición 10. 1940, óleo sobre

lienzo, 80 x 73 cm.

Theo van Doesburg

Arithmetic Composition (1930)

Dadaísmo

CARACTERÍSTICAS

• Actitud anti-arte.

• Integración de técnicas distintas con empleo de fragmentos de materiales (collage y décollage) y objetos de desecho cotidiano.

• Niega el Arte, despreciando lo retórico y academicista y cualquier canon impuesto.

• Protesta contra todo convencionalismo volviendo a lo instintivo e irracional (lo absurdo, el sinsentido y el azar establecen la identidad entre el arte y la vida). Feísmo.

• Liberación del subconsciente (se produce una transición al surrealismo y al arte semi-abstracto).

• Motivaciones de disociación.

• Auge del disparate.

El movimiento dada nace en Zurich en 1916 y dura hasta 1922.

La denominación "dada" (caballito) corresponde al primer término que apareció en un diccionario de alemán-francés abierto al azar y fue adoptado por un movimiento literario y artístico que pretendía cambiar la sociedad, la cultura y el arte a través del desconcierto, el inconformismo, el nihilismo, la ironía, la negación de la racionalidad y de todos los valores establecidos hasta entonces.

Sus fundadores fueron el pintor alsaciano Hans Arp y el poeta rumano Tristan Tzara.

• Expresión libre de la forma artística: todas las cosas de la realidad pueden ser objeto artístico (Marcel Duchamp crea sus ready-mades

• Utilización de nuevas técnicas: el fotomontaje, variante nueva del collage introducida por R. Hausmann, realizado a base de imágenes multiplicadas y superpuestas, tomadas de periódicos, revistas y anuncios; y el "merz" o collage dadaísta (desarrollado por K. Schwitters) a base de materiales de desecho de todo tipo y estado.

Marcel Duchamp, Rueda de Bicicleta, Objeto Pronto, 1913

En 1917 Marcel Duchamp fue invitado por la galería Grand Central de Nueva York a formar parte del jurado de una exposición de artistas independientes. Sin informar a nadie, el propio Duchamp envió para exponer en esa exposición este urinario de porcelana blanca firmado con el seudónimo "R. Mutt". Cuando su Fuente fue rechazada para la exhibición, Duchamp renunció al jurado y el incidente causó un escándalo que sacudió al mundo del arte.

Francis PicabiaParada Amorosa, 1917, Acuarela

Kurt SchwittersMerz 199-2, 1921

Jean Arp, Overturned Blue Shoe with Two Heels Under a Black Vault, 1925, Madera Pintada

Hannah Hoch, Pretty Maiden, 1920

Surrealismo

El movimiento surrealista nace en Francia finalizada la primera guerra mundial. Surge en el ámbito literario, pero pronto lo abarca todo, pensamiento, artes plásticas, cine y teatro.

La producción surrealista se caracterizó por la exaltación de los procesos oníricos, el humor corrosivo y el erotismo, concebido todo ello como armas de lucha contra la tradición, la moral y la cultura burguesa.

En el campo de las artes plásticas, los pintores surrealistas se manifiestan de dos maneras diferentes, los surrealistas figurativos, interesados por la vía onírica (Magritte, Delvaux y Dalí, entre otros) y que se sirven del realismo y de las técnicas y recursos pictóricos tradicionales; y los surrealistas abstractos, que practican el automatismo psíquico puro (Masson, Miró) e inventan universos grafico-plásticos propios.

CARACTERÍSTICAS

• Figuración con temática subjetiva de carácter onírico basada en las técnicas del inconsciente de Freud .

• Interpretación de la realidad desde el sueño, el inconsciente, la magia y la irracionalidad.

• Conjunción de imágenes dispares en el tiempo como en el espacio.

• Los objetos y formas son despejados de su significación tradicional (principio de la "desorientación"), el observador queda desorientado, sin saber a qué atenerse.

• Creación de imágenes equívocas de manera que una misma cosa puede ser interpretada de varias maneras (principio de la "discordancia"), por ejemplo, una nube puede parecer la cabeza de un animal o bien otra cosa.

• Da importancia a lo paradójico, lo absurdo, la caducidad, la destrucción y lo misterioso.

• Toca todos los estilos: clásico, barroco, ingenuismo, futurismo, etc.

• Utilización espectacular de la perspectiva cónica, exagerando la sensación de profundidad (creación de grandes espacios y lejanías).

• Creación en el cuadro de juegos perceptivos e ilusionísticos.

• Ejecución pictórica minuciosa, con gran cuidado del dibujo y la figura (Dalí).

• Utilización del claroscuro y del color modelado.

• Pintura automática. Pintura realizada mediante el método del automatismo psíquico. Los surrealistas utilizarán ese método con la intención de transformar directamente el estado psíquico del artista en una expresión pictórica, en la que el acto creador no sea influido estilísticamente por el pensamiento organizativo racional.

• Frottage. Técnica inventada por Max Ernst en 1925. Consiste en transferir al papel o al lienzo mediante fricción o frotamiento, una superficie rugosa, por ejemplo, la de un trozo de madera. Las dibujos y texturas que resultan se utilizan como punto de partida de la pintura automática para la realización posterior de imágenes fantásticas.

• Grattage. Técnica consistente en pintar colores repartiéndolos arbitrariamente sobre una tabla de madera. Una vez secos, son rascados o grabados con una cuchilla o un punzón afilado creando dibujos o graffitis sobre la superficie coloreada. Esta técnica también se utilizó como punto de partida de la pintura automática.

Salvador Dalí, El Gran Masturbador, 1929, 110 x 150 cm., óleo sobre lienzo, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.

Salvador Dalí, La Persistencia de la Memoria, 1931, 24 x 33 cm., óleo sobre lienzo, Museum of Modern Art. New York.

Salvador Dalí.Sueño Causado por el Vuelo de una Abeja en Torno a una Granada un Segundo antes de Despertar, 1931, 51 x 41 cm., óleo sobre lienzo, Foundación Thyssen-Bornemisza, Thyssen Museum, Madrid.

Salvador Dalí, Crucifixión o Corpus Hipercubicus, 1954, 194.5 x 124 cm., óleo sobre lienzo, Metropolitan Museum, New York.

René Magritte. El castillo de los Pirineos (1959)

René Magritte. La condición humana (1933)

National Gallery of Art, Washington

René Magritte. El imperio de las luces (1954)

Museo Peggy Guggenheim. Venecia.

René Magritte El dominio de Arnheim (1949)

Joan Miró. Nocturno (1940).

Joan Miró - The Skiing Lesson - 1966

Op Art

Surge en EE.UU. hacia 1958.

La primera exposición oficial tiene lugar en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1965 y se tituló "The Responsive Eye" (El ojo sensible). Ese mismo año, Vasarely, cuyos experimentos ópticos se remontan al año 1932, recibió el primer premio de la Bienal de São Paulo.

En Europa, el Op-art surgió a mediados de los años sesenta como un movimiento denominado nueva tendencia en el que se engloban varios grupos diferentes de artistas.

El Op-art tuvo una gran aceptación popular, aunque muchos críticos lo calificaron como "poco inteligente". Muchos de los diseños de las obras "op" fueron explotados con fines comerciales por la industria de la moda, de los tejidos y de la publicidad. Esta saturación del diseño "op" contribuyó a la banalización y rápido envejecimiento de este estilo artístico.

CARACTERÍSTICAS

• Ausencia de figuración o de referencias subjetivas de carácter emocional.

• Creación de efectos visuales combinaciones de formas y figuras ambiguas .

• Composiciones estructuradas mediante espacios geométricamente ordenados de diferente tamaño o mediante módulos repetitivos y en variación.

• Participación del observador: en muchos casos el observador necesita moverse delante de la obra para apreciar toda la gama de efectos ópticos.

• Empleo frecuente de pintura acrílica para conseguir colores impecablemente lisos y uniformes.

Victor VasarelyCheyt M.

Victor VasarelyK- Tridem

Victor Vasarely Vonal Ksz

Pop Art

Surge en EE.UU. e Inglaterra hacia 1955 y se convierte en el estilo característico de los años sesenta.

El término de “Pop art" (abreviación de "popular art") fue utilizado por primera vez en 1954 por el crítico Lawrence Alloway para denominar al arte popular que estaba creando la publicidad, el diseño industrial, el cartelismo y las revistas ilustradas.

La vanguardia artística de mediados de los años cincuenta se inspira en este arte popular de la sociedad de consumo para crear obras figurativas con una temática absolutamente directa que las haga accesibles al público en general.

Surge como reacción contra el expresionismo abstracto tan alejado de la realidad y de la comprensión del público.

CARACTERÍSTICAS

• Lenguaje figurativo y realista referido a las costumbres, ideas y apariencias del mundo contemporáneo.

• Temática extraída del medio ambiente urbano de las grandes ciudades, de sus aspectos sociales y culturales: comics, revistas, periódicos sensacionalistas, fotografías, anuncios publicitarios, cine, radio, televisión, música, espectáculos populares, elementos de la sociedad de consumo y del bienestar (alimentos enlatados, neveras, coches, autopistas, gasolineras, etc.).

• Ausencia de planteamiento crítico: los temas son concebidos como simples "motivos" que justifican el hecho de la pintura.

• Representación de carácter inexpresivo, preferentemente frontal o repetitiva.

• Combinación de la pintura con objetos reales integrados en la composición de la obra ,flores de plástico, botellas, etc., en un nuevo planteamiento dadaísta acorde con los nuevos tiempos

• Preferencia por las referencias al "status" social, la fama, la violencia y los desastres (Warhol), la sexualidad y el erotismo (Wesselmann, Ramos), los signos de la tecnología industrial y la sociedad de consumo (Ruscha, Hamilton, etc.).

• Formas y figuras a escala natural y ampliada (los grandes formatos de las imágenes del comic de Lichtenstein).

• Colores puros, brillantes y fluorescentes, inspirados en los empleados en la industria y los objetos de consumo.

Andy Warhol, Lata de sopa Campbell.

Andy Warhol, Elvis, 1964.

Andy Warhol, Marilyn.

Robert Rauschenberg. Trophy II (for Teeny and Marcel Duchamp), 1960oil, charcoal, paper, fabric, metal on canvas, drinking glass (not original), metal chain, spoon

90 x 118 in.

Robert RauschenbergRétroactive 2. 1964Sérigraphie et peinture à l'huileGalerie LLena Sonabend, Paris

Tom Wesselmann: Great American Nude No. 98, 1967

Jasper Johns. Flag (1954)

Roy Lichtenstein,El beso.

Roy Lichtenstein Woman in Bath, 1963Oil on canvas171 x 171 cm

Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid