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1 DOSSIER PÉDAGOGIQUE La Joconde est dans lʼescalier Le corps à lʼœuvre de la Renaissance à lʼArt Contemporain 4 MODULES THÉMATIQUES Une exposition sensorielle et ludique destinée aux enfants et adultes voyants et non voyants ARTESENS Aix-en-Provence – tél: 04 42 27 05 94 Directrice artistique Françoise REYNETTE Coordination tournée: Annabelle IBGHI – portable: 06 17 02 93 75 Email: [email protected] - Site internet : www.artesens.org

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DOSSIER PÉDAGOGIQUE

 

La Joconde est dans lʼescalier Le corps à lʼœuvre

de la Renaissance à lʼArt Contemporain

4 MODULES THÉMATIQUES

Une exposition sensorielle et ludique destinée aux enfants et adultes voyants et non voyants

  ARTESENS Aix-en-Provence – tél: 04 42 27 05 94

Directrice artistique Françoise REYNETTE Coordination tournée: Annabelle IBGHI – portable: 06 17 02 93 75

Email: [email protected] - Site internet : www.artesens.org

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DESCRIPTIF DE L’EXPOSITION Lʼassociation Artesens poursuit le développement de son concept « dʼéveil artistique par les sens ». Lʼobjectif de l'exposition LA JOCONDE EST DANS L'ESCALIER est de sensibiliser le public à lʼart contemporain à partir de notre patrimoine pictural, de lʼaider à comprendre les passages, dans la démarche artistique, depuis la Renaissance jusquʼà lʼart dʼaujourdʼhui. La thématique abordée porte principalement sur le corps humain : le corps à lʼœuvre.

11 œuvres sont regroupées autour de 4 modules thématiques Le mythe de la Joconde LEONARD DE VINCI La Joconde MARCEL DUCHAMP La Joconde, L.H.O.O.Q. ROBERT FILLIOU La Joconde est dans les escaliers JEAN-MICHEL BASQUIAT Mona Lisa VIK MUNIZ Double Mona Lisa Le corps dans la couleur RAPHAEL Sainte Catherine dʼAlexandrie MARC ROTHKO Saffron Le corps en élévation LE GRECO Lʼouverture du cinquième sceau de lʼApocalypse GÉRARD GAROUSTE Le vol du fou Le corps matière LAUSSEL - DORDOGNE Vénus à la corne JEAN DUBUFFET Corps de dame jaspé

Des ateliers complémentaires sont prévus

Avec une scénographie sobre et attractive, le parcours muséographique intègre des installations comprenant des dispositifs tactiles, sonores, olfactifs, à la fois pédagogiques et ludiques, invitant le visiteur à une découverte active. Chaque mobilier est équipé dʼun système audio diffusant des commentaires autour des œuvres.

CONSEILS AUX ENSEIGNANTS Il est fortement recommandé de découvrir lʼexposition avant de venir avec la classe afin de sensibiliser les élèves au contenu abordé et de les préparer à cette visite où le toucher et les autres sens sont sollicités.

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Le mythe de la Joconde

LÉONARD DE VINCI La Joconde, 1503 à 1506 Huile sur bois, H. 77 cm; L. 53 cm Paris, Musée du Louvre Léonard de Vinci, est un peintre italien né en Toscane en 1452 et mort en France en 1519. Tout le monde connait la Joconde, joyau de la Renaissance, devenu un mythe célèbre dans le monde entier. Ce tableau a été peint à lʼhuile sur un bois de peuplier vers 1503. Il représente un portrait en buste dʼune jeune femme, assise dans un fauteuil sur un balcon, avec au fond un paysage étrange et brumeux. Il sʼagit dʼun portrait de Lisa Maria, commandé par son mari Francesco del Giocondo dʼoù son nom la Joconde. Les couleurs du tableau sont assez sombres, une dominante de

bronze joue avec un subtil mélange de ocre marron vert. Le peintre a mis au point la technique du sfumato qui consiste à superposer de nombreuses couches de peinture de couleur translucide, de la plus sombre à la plus claire en les laissant transparaître. Ce jeu dʼombres et de lumière crée alors le relief du tableau. Insaisissable et intemporelle, la Joconde ne peut laisser indifférent ! DÉCOUVERTE TACTILE : bas-relief en résine et en bois Le portrait de la Joconde a été réalisé en résine, le paysage qui constitue le fond du décor en bois. Le visiteur glisse ses mains sous le voile de soie et découvre tout dʼabord tactilement sans voir ce quʼil touche, guidé par la voix de lʼaudio guide. Le corps de la Joconde est installé de 3/4 vers la droite tandis que son visage et son regard se tournent vers le peintre situé légèrement sur sa gauche. Ce qui entraîne une torsion du haut du buste et crée un mouvement contradictoire appelé contrapposto, cela donne lʼillusion du volume. Un voile translucide recouvre les cheveux de la jeune femme qui porte une robe au plissé très simple et une cape rejetée sur lʼépaule gauche. Selon la mode de lʼépoque, la femme nʼa ni cils ni sourcils. Son regard semble à la fois fixer le spectateur et affronter celui du peintre. Les joues sont pleines, le front large, les lèvres jointes ébauchent un sourire. La main gauche est refermée sur le bras du fauteuil, les doigts écartés de la main droite reposent gracieusement sur le poignet gauche. Le paysage du fond composé de collines escarpés et de lacs rappelle la Toscane. Puis le visiteur découvre visuellement le tableau tactile. Pour la personne aveugle, la visite sʼeffectue sans le voile.

MARCEL DUCHAMP La Joconde, L.H.O.O.Q. , 1919 Mine de plomb sur une reproduction de la Joconde, 19,7 x 12,4 cm Paris, musée national dʼArt moderne - Centre Georges Pompidou Marcel Duchamp est né en 1887 et mort en 1968. Vers 1913, Duchamp sʼéloigne de la peinture. Il invente ses premiers « ready-made »; cʼest à dire Il choisit un objet de la vie courante et le désigne comme œuvre dʼart; il intervient ou non sur lʼobjet et lui donne une nouvelle destination signée par lʼartiste : cʼest ce quʼil nomme un ready made, un objet prêt à lʼemploi. Cʼest ainsi quʼil a réalisé, avec humour et provocation La Joconde, L.H.O.O.Q. en 1919.

Duchamp a dessiné à la mine de plomb sur une carte postale de la Joconde une moustache et un bouc et en bas de la carte il a rajouté L H O O Q. Pour Marcel Duchamp, la Joconde est-elle un homme ou une femme? DÉCOUVERTE TACTILE : bas-relief en bois Le tableau tactile réalisé en bois reprend de façon simplifiée le portrait de la Joconde de Duchamp. On retrouve son beau visage affublé dʼun bouc et dʼune moustache, ses longs cheveux, la cape jetée sur son épaule, ses mains qui se croisent devant et le paysage en arrière plan. En bas on découvre les 5 lettres gravées qui font écho au mot anglais : look. A droite du plateau, en haut on trouve la carte postale à taille originale avec quelques reliefs. Sur le plateau en-dessous chacun peut sʼamuser à choisir et placer dʼautres moustaches, le bouc lui reste en place. On se sert du modèle pour replacer la bonne moustache.

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ROBERT FILLIOU La Joconde est dans lʼescalier, 1969 Carton, balai brosse, seau et serpillière, H 120; L. 30 cm Frac Champagne-Ardenne Robert Filliou est un artiste français né en 1926 , mort en 1987. Filliou cherche à rendre le chef-dʼœuvre accessible à chacun, il cherche à briser la distance entre le chef-dʼœuvre et le spectateur. Il utilise des objets de la vie quotidienne quʼil désigne œuvre dʼart comme le faisait Marcel Duchamp au début du XXème siècle avec ses ready-made. Cet artiste a beaucoup dʼhumour, il aime sʼamuser avec les mots et les objets; il nous aide à réfléchir sur lʼart associé à diverses situations de la vie quotidienne.

La Joconde est dans les escaliers est une installation quʼil a créé en 1969. Cette installation est composée d'un balai plongé dans un seau avec une serpillière sur le bord. Lʼensemble est disposé devant un mur blanc sur un sol gris. En haut du balai, sur un carton accroché par une ficelle est griffonné le titre : La Joconde est dans les escaliers. Jouant avec le mythe de la Joconde, Filliou présente Mona Lisa en concierge partie distribuer le courrier dans les étages. Le mur est blanc, vide, on peut se poser la question : mais où est passé la Joconde? INSTALLATION INTERACTIVE On peut déplacer les objets comme le faisait lʼartiste et créer sa propre installation avec le balai, le seau, la serpillière, le carton avec le titre et les placer comme dans lʼœuvre de Robert Filliou.

JEAN-MICHEL BASQUIAT Mona Lisa, 1983 Acrylique, crayon gras sur toile, H. 169,5 cm; L. 154,5 cm Courtesy José Nesa, Genève Dʼorigine portoricaine et haïtienne Basquiat est un peintre noir américain né en 1960, mort en 1988, à 28 ans. Il est lʼun des maitres du graffiti. Mona Lisa de Jean-Michel Basquiat est un tableau de grand format réalisé en 1983 en peinture acrylique et crayons gras. Le tableau est la représentation dʼun billet de banque avec comme effigie, cʼest à dire figure centrale, le portrait de la Joconde. Il est inspiré dʼun billet de 1 dollar américain toujours en circulation

actuellement. Après avoir enduit une toile entière de couleur noire, lʼartiste a appliqué un grand champ de couleur orange vif dans la partie supérieure. Cette vision contemporaine nous montre une Joconde très colorée assez choquante et dʼun graphisme vigoureux empli dʼénergie créative. Lʼartiste cherche à signifier que les chefs-dʼœuvre de lʼart peuvent atteindre une telle valeur quʼils deviennent à leur tour les symboles de lʼargent. DÉCOUVERTE TACTILE : puzzle bas-relief en bois peint En touchant le tableau tactile, se détache au centre le portrait de Mona Lisa griffonné au crayon gras. On reconnaît sa longue chevelure, ses yeux ont été peinturlurés, maquillés de façon grotesque. Le nez est en triangle et une grande bouche esquisse un sourire figé. Les joues sont hachurées de grands traits qui la défigurent. Ses cheveux, sa peau, le bras du côté gauche et une partie du buste sont remplis de coloriages linéaires. Elle porte une robe noire et semble émerger du fond noir en partie basse comme un fantôme. On retrouve comme dans le tableau les traits qui sont gravés. En bas les mains croisées évoquent la quiétude de la Joconde. Tout en haut sur le fond jaune près des bords, de part et dʼautre de la tête de Mona Lisa, on peut percevoir le chiffre 1 gravé, au centre en haut lʼinscription federal reserve note. à hauteur de la bouche à gauche on trouve la lettre B et le N° dʼidentification du billet et à droite à la même hauteur, Basquiat a dessiné avec de la craie blanche les contours dʼune rivière peinte en noir. Puis on peut défaire et refaire le visage et le buste de la Joconde avec le puzzle en 10 pièces.

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VIK MUNIZ Double Mona Lisa, 1999 peanut butter + jelly - after Warhol series beurre de cacahuète et confiture - série d'après Warhol Tirage photo argentique original - exemplaire hors commerce Courtesy : Galerie Xippas Vik Muniz est un artiste brésilien né en 1961. Double Mona-Lisa réalisée en 1999 est lʼune de ses plus célèbres reproductions photographiques :.

Cette œuvre a été effectuée en hommage à Double Joconde, sérigraphie dʼAndy Warhol réalisée en 1963. La sérigraphie permet dʼimprimer à lʼencre des motifs de façon répétitive. Double Mona Lisa de Vik Muniz représente 2 portraits de la Joconde lʼun confectionné avec de la confiture de fraise et lʼautre avec du beurre de cacahuète; puis lʼœuvre a été photographiée pour un tirage grand format. Vik Muniz dessine directement avec la matière sur un fond blanc, sur un petit format proche de ceux que vous allez explorer sous vos doigts. Ensuite lʼimage est “immortalisée” et figée par la prise photographique et le motif est détruit. Lʼœuvre de Muniz fait intervenir plusieurs sens : en plus de la vue il y a lʼidée du toucher, de lʼodorat, du goût. DÉCOUVERTE TACTILE : 2 panneaux aspect fraise et cacahuète lecture en relief – 2 panneaux découpés lecture en creux Sur le panneau tactile du bas on découvre à gauche le visage de Mona-lisa, en relief avec une matière évoquant la confiture de fraise et à droite à nouveau le visage de Mona-lisa, avec un effet beurre de cacahuètes. En palpant ces 2 œuvres de haut en bas, on constate que lʼartiste a mis en matière les cheveux, les yeux, le nez et la bouche, et quʼil a laissé vide comme un négatif le reste: le front les joues et la gorge. De chaque côté, des coupelles à odeur restituent les odeurs de fraise et de cacahuète. Au-dessus de ces 2 tableaux, il y a à nouveau 2 panneaux tactiles mais cette fois les vides et les pleins sont inversés, et on peut percevoir 2 portraits de la Joconde qui ressemblent à Double Joconde réalisée en sérigraphie par Andy Warhol.

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Le corps dans la couleur

RAPHAEL Sainte Catherine dʼAlexandrie, 1508 Huile sur bois, H. 71 cm; L. 56 cm Londres, National Gallery Raphaël est un peintre italien de la Renaissance qui a vécu de 1483 à 1520. En 1504, il sʼinstalle à Florence où il étudie les œuvres de Léonard de Vinci et de Michel-Ange. Le tableau Sainte Catherine dʼAlexandrie a été peint en 1508. Cette œuvre très lumineuse et colorée exprime la grâce et lʼharmonie. Voici lʼhistoire de Sainte Catherine dʼAlexandrie. Ste Catherine refusa dʼépouser lʼempereur romain Maximien, elle subit le supplice de la roue parsemée de clous, mais un miracle la libéra durant l'épreuve. Elle sera finalement décapitée.

DÉCOUVERTE TACTILE : bas relief en résine et en tissu Catherine est debout de face, légèrement déhanchée. La tête penchée tournée vers la gauche, son regard part en haut vers le soleil. Une expression dʼextase illumine le visage de la sainte. Son bras gauche est appuyé sur la roue, la main droite est posée sur sa poitrine. La jeune femme porte une robe bleue avec des manches vertes. Son manteau rouge écarlate au revers jaune dʼor couvre son épaule gauche et retombe du côté droit pour venir envelopper les jambes dont ne voit que le haut. On suit la torsion de son corps perceptible dans les plis de son vêtement. Lʼétoffe du manteau enroulée à la hauteur des hanches, mettant en valeur la doublure jaune clair, contribue au mouvement. Pour prolonger ce mouvement, on a fait déborder le tissu hors du cadre. La rotation en spirale permet de détacher le personnage du fond du paysage , et lui donne un effet de volume; elle est la fois immobile et en mouvement.

MARC ROTHKO Saffron, 1957 Huile sur toile, H.177 cm; L. 137 cm Liechtenstein, Collection particulière Dʼorigine russe Marc Rothko a vécu aux Etats Unis où il meurt en 1970 à lʼâge de 67ans. Saffron est une huile sur toile peinte en 1957 aux couleurs lumineuses, rouge et jaune. Le titre évoque la fleur de safran qui est à la fois un épice et un colorant nommé lʼor rouge. La couleur safran est un jaune soutenu tirant vers lʼorangé. Le tableau vertical est organisé en 4 espaces horizontaux : rouge, jaune, rouge, jaune. Le peintre a superposé des couches de peintures à lʼhuile légères et fines comme de

lʼaquarelle. Rothko est connu pour ses immenses tableaux de champs colorés, appelés colorfields. La couleur est posée sur la toile en aplats, les bords ne sont jamais nets, les surfaces sont mouvantes, soit monochromes, soit composées de bandes diversement colorées. La forme monumentale en carré ou rectangle, évoque la matière, le champ, la terre, la pesanteur mais lʼon perçoit des sensations de légèreté, fluidité, immatérialité et profondeur. DÉCOUVERTE TACTILE : tissus velours, laine et soie Du bas vers le haut un velours épais évoque la densité du rouge vermillon lumineux une fine bande de satin : le jaune éblouissant une bande plus large de velours : le rouge vermillon lumineux et la soie : le jaune ocre safran plus doux En touchant le pourtour des bandes rouges, les superpositions de tissu indiquent les couches de peinture. LE PÉNÉTRABLE Un pénétrable est une installation dans laquelle le public peut entrer. On va découvrir un pénétrable réalisé en hommage au tableau Saffron de Marc Rothko Dans celui-ci, on va traverser des rideaux de velours, de fil et de soie qui évoquent les couches de couleur du tableau avec au sol un tapis de matières restituant les 4 champs colorés : le rouge – le jaune – le rouge – le jaune. Avant de circuler à lʼintérieur, le visiteur écoute, avec un casque, une composition musicale de 2 minutes spécialement créée pour Saffron. Afin de mieux percevoir les sensations du tableau, au sol, pieds nus, en chaussette, ou muni de protège chaussures, on parcourt le pénétrable.

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Le corps en élévation

LE GRECO Ouverture du cinquième sceau de lʼApocalypse, 1610 Huile sur bois, H. 225 cm; L. 193 cm New York, The Metropolitan Museum of Art Le Greco est un peintre espagnol dʼorigine crétoise qui a vécu de 1541 à 1614. Il est lʼun des représentants du maniérisme, mouvement artistique de la fin de la Renaissance. Le Greco amène un style nouveau : une expression passionnée des gestes et des visages, des contours indistincts, un allongement des personnages, une organisation symbolique, une expression toute spirituelle. Ouverture du cinquième sceau de lʼApocalypse réalisé en 1610 est lʼun des tous derniers tableaux du Greco. La toile représente Saint Jean transfiguré, qui, dans un geste désespéré, lève les yeux et les bras vers le ciel. Sa vision montre des martyrs ressuscités peints sous un ciel nocturne traversé de lueurs irréelles.

DÉCOUVERTE TACTILE : tissus velours, laine et soie Le visiteur suit la description de lʼœuvre en cheminant avec les doigts sur le tableau tactile. Ici les étoffes de différentes couleurs nʼont été pas représentées afin de faciliter la compréhension. Au premier plan à gauche Saint Jean occupe toute la hauteur du tableau. Il est comme un géant, le regard et les bras en direction du ciel, mains ouvertes. Il a un visage jeune. Il porte une combinaison gris-bleu, luisante, trop grande, qui lui couvre tout le corps et plisse notamment au niveau des bras et des pieds. Il ressemble à un pantin désarticulé et disproportionné avec un corps très long. Au second plan, beaucoup plus petites que St Jean, sept formes humaines nues, au teint livide, à la silhouette élancée, se détachent des étoffes aux plis multiples qui les entourent ou bien les enveloppent en partie. Près de St Jean face à nous un homme agenouillé lève ses bras pour les enfouir avec sa tête dans le tissu jaune qui se trouve derrière lui. A côté, un homme et deux femmes à la peau très blanche, de face, se détachent de cette même étoffe jaune avec une gestuelle féminine qui peut faire penser aux 3 grâces. Le cinquième personnage est un homme à genou, lui aussi de face. Il lève son bras droit tandis que le gauche est caché dans le tissu vert derrière lui. Le sixième, est également à genou et montre son dos, bras gauche dans le tissu vert, bras droit vers le ciel. A droite du tableau, le dernier, de face, a le bras gauche caché. Il lève son bras droit vers le ciel dans un mouvement de danseur, soutient une étoffe blanche dans laquelle jouent deux chérubins. Lʼun sʼamuse à plonger dans le tissu vert, lʼautre plus haut écarte les bras et se sert du tissu comme pour se faire des ailes. Le troisième chérubin plus au centre a déjà plongé et se trouve en haut des étoffes jaunes et vertes.

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GÉRARD GAROUSTE Le Vol du fou, autoportrait, 2003 Huile sur toile, H.130 cm; L. 81 cm Courtesy Galerie Daniel Templon, Paris Gérard Garouste est un artiste contemporain français né en 1946 à Paris. Il est à la fois peintre, illustrateur, décorateur et sculpteur. Garouste sʼinspire des artistes du passé comme Le Greco, Velasquez, Goya. Le Vol du Fou, Autoportrait est une huile sur toile, peinte en 2003. Dans cet autoportrait, le peintre conserve fidèlement les traits de son visage, mais il se montre fantaisiste avec le reste du corps. Le personnage, avec son corps déformé, a la volonté de sʼenvoler. En effet Gérard Garouste porte un lourd fardeau : son passé difficile avec son père, un collaborateur qui pendant la guerre pillait les biens des juifs. Cʼest là toute la force de cet autoportrait, sorte de révélation douloureuse de sa vie, un envol de ses propres « ailes » vers la liberté. DÉCOUVERTE TACTILE : bas relief en tissu Sur un fond gris en bas et rouge vif en haut, le personnage, en partie de

dos et de profil, occupe toute la place de lʼœuvre. Il porte un grand pull noir et un pantalon court rouge bordeaux. Son visage, ses mains et ses pieds grisâtres dans le tableau sont ici traduits en rose. En haut à droite, on distingue la petite tête de lʼhomme, son cou, puis un large dos caché par ses mains immenses. Ces mains aux doigts très longs se rejoignent, figurant des ailes qui sʼélancent à la verticale. Les cuisses et les jambes sont fléchies et tordues, les genoux désarticulés. Il a de grands pieds qui jouent, le gauche à faire la pointe, le droit tourné vers lʼintérieur. Sa posture est celle dʼun contorsionniste. On peut déformer certaines parties du corps qui sont articulées : les mains, les pieds.

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Le corps matière Pour le corps matière, nous avons choisi de vous présenter 2 formes féminines réalisées à 2 périodes très éloignées de lʼhistoire.

VENUS DE LAUSSEL Vénus à la corne - 32000 ans haut relief en pierre calcaire, format du bloc H. 54 cm; L. 36 cm Collections Musée dʼAquitaine, Bordeaux La Vénus de Laussel, est une sculpture en haut relief de grande dimension qui a été détachée de la paroi pour être mise à lʼabri. Elle représente un corps de femme dont les formes pleines et rondes mettent en valeur la fécondité féminine. DÉCOUVERTE TACTILE : bas-relief en terre cuite Cette vénus taillée directement dans de la pierre calcaire semble émerger dʼun

bloc à lʼétat brut. Son visage entouré dʼune abondante chevelure regarde la corne quʼelle tient dans sa main droite. On repère ses 2 seins lourds et allongés tombant sur un ventre rebondi entouré de hanches proéminentes, la main gauche qui repose sur le ventre, le nombril en creux, les cuisses bien dodues, le bas des jambes à peine évoqué.

DUBUFFET Corps de dame jaspé - 1950 Huile sur toile, H.101,5 cm; L. 74,5 cm Washington, The National Gallery of Art Lʼartiste français Jean Dubuffet né en 1901 et mort en 1985 Le tableau représente un corps de femme aplati et grotesque : tête de sorcière échevelée à la bouche ricanante, œil globuleux, un cou décharné, des épaules osseuses avec 2 bras longs et anguleux, de petites mains aux doigts écartés. DÉCOUVERTE TACTILE : relief en terre synthétique teinté et patiné

On cherche sa poitrine plate, la courbe des hanches de part et dʼautre des mains, le nombril dont on perçoit le trou à hauteur des doigts. En bas on sent juste le départ des cuisses. Une similitude apparaît lorsque lʼon compare les 2 œuvres. Les 2 dames ont chacune le visage de profil tourné vers leur droite. Le corps de face, les bras forment des angles, la même forme jaillit pour la corne et le nez. Par contre lʼopulence, la générosité des formes de lʼune, contraste avec lʼaspect plat et dénué de féminité de lʼautre. Pour la Vénus lʼartiste de la préhistoire a ôté de la matière dans la roche pour la faire apparaître et polir ses formes. Pour son corps de Dame, Dubuffet a ajouté de la matière sur la toile pour griffer graver et créer cette œuvre de lʼart brut. Avec 34000 ans dʼécart on perçoit le même effet de matière brut pour lʼune comme lʼautre.