JUGUETES Y VANGUARDIAS

JUGUETES Y ARTISTAS CONTEMPORANEOS

1. EXPERIMENTACIÓN

Es una estrategia creativa básica y fundamental de la modernidadque pone el foco de atención en el proceso creativo .La experimentación siendo inherente a todo desarrollo de las capacidades creativas del individuo no se consideraba un valor relevante hasta el s. XX. Las vanguardias artísticas de principios del s. XX en su búsqueda por la novedad y la ruptura con las convenciones del pasado otorgó a la experimentación la máxima consideración convirtiéndola en la estrategia y valor predominantePor experimentación podemos entender: la capacidad de r ealizar ensayos para probar cosas conocidas o desconocidas con la f inalidad de para probar cosas conocidas o desconocidas con la f inalidad de comprobar o descubrir efectos que, en ocasiones, pu eden ser nuevos. La experimentación se entiende como un proceso abierto que permite explorar posibilidades.La experimentación implica: buscar, encontrar, probar, valorar posibilidades, asumir el azar, lo imprevisto y el riesgo ante lo de sconocido.

En la experimentación:

- El esfuerzo se concentra más en el proceso que en el resultado final- No podemos saber como será elresultado final sin haber trabajado.- Se prueban técnicas y recursos que nunca se hayan utilizado antes- Se deja de lado los criterios estéticos conocidos-La base es el sistema: prueba-error- Fluye la asociación de ideas, o acciones de forma inconsciente-Se intenta extraer conclusiones que puedan servir para nuevos experimentos.

Las formas tradicionales de la experimentación son: el boceto, la prueba, el ensayo, la maqueta, el prototipo. Como forma de arte el arte experimental se aboca al rechazo de todas las formas, modelos y lenguajes de las artes.

2. JUEGO

“la asunción libre de unas convenciones, durante un periodo del proceso creativo que permite provocar una ruptura de las reglas convencionales para potenciar la experimentación y la invención, sin la presión de obtener un resultado productivo”. Roger Callois

“El juego es un automovimiento que no tiende a un final o una meta, sino al movimiento en cuanto movimiento, que indica, por así decirlo, un fenómeno de exceso, de auto-representación del ser viviente”. Hans Gadamerexceso, de auto-representación del ser viviente”. Hans Gadamer

El juego creativo conlleva en muchos casos una participación grupal. De ahí que se considere una de las estrategias básicas de la creación colec tiva para generar ideas nuevas, así como para crear un ambiente de comunicación más fluido y agradable. El juego establece unas reglas dentro de las cuales todo es posible y en donde es necesaria la respuesta creativa del otro para seguir

EL JUEGO EN EL ARTE MODERNO

El “Cadáver Exquisito”.

Andre Breton Man Ray, Yves Tanguy, Joan Miro, Max Morise(circ. 1920)

Andre Breton , Valentine Hugo , Greta Knutson and Tristan Tzara “ Cadáver exquisito” 1933

André Breton, Man Ray, Max Morise and Yves Tanguy"Cadavre Exquis“1927

Poemas-collage

"Para hacer un poema dadaístaTome un periódico.Tome unas tijeras.Elija en ese periódico un artículo que tenga la extensión que usted quiere dar a su poema.Corte el artículo.Corte enseguida con cuidado cada una de las palabras que constituyen ese artículo y póngalas en una bolsa.Agite suavemente.Extraiga luego cada trozo uno tras otro en el orden en que salen de la Extraiga luego cada trozo uno tras otro en el orden en que salen de la bolsa.Copie concienzudamente.El poema será la viva imagen de usted.Y usted será 'un escritor infinitamente original y de una exquisita sensibilidad, aunque el vulgo no lo comprenda'."

Tristán Tzara en: Siete manifiestos Dadá, 1924. 1Escritura automática

CALIGRAMAS Guillaume Apollinaire “La paloma

apuñalada y la fuente” “ El caballo”

MONTAJE O COLLAGE

•Rompe con el espacio plástico tradicional, •Rechaza la idea de arte como representación de la realidad. El arte ya no tiene como fin último la reproducción. •Artista aparece como operador (MONTAJE) , no como genio creador.•Incorpora nuevos materiales y procesos. Experimentación con las técnicas y los límites de las disciplinas.

"El montaje es en realidad más cercano a los hechos de la percepción "El montaje es en realidad más cercano a los hechos de la percepción que la pintura figurativa. Tomen un paseo por una calle de la ciudad y plasmen lo que acaban de ver en el lienzo. Ustedes han visto una persona sin piernas, cortada en dos por un coche, los pedazos y piezas de muestras de la calle y los anuncios, los reflejos de las ventanas de la tienda - un montaje de fragmentos ... la conciencia es un recorte. Cada vez que usted camina por la calle o mira por la ventana, su corriente de conciencia está fragmentada por factores aleatorios. ".Automatismo y Azar, según el escritor William Burroughs

León Ferrari. La civilización occidental y

cristiana, 1965. Yeso, madera y óleo.

200 x 120 x 60 cm. Col. Alicia y León

Ferrari, Buenos Aires. Fotografía:

Ramiro Larraín.

Dora Maar, Sans Titre , 1934,

Andre Steiner ~Surrealist photomontage,1935

Man RAY- Vénus Restaurée, ready-made : assemblage de plâtre et de

corde, Objeto indestructible Regalo (1921)

El Collage, Fotomontaje, el Assemblage y la fabricación de objetos herencia del Dadaísmo.

Salvador Dalí.Teléfono-langosta, 1938. Assemblage

Meret Oppenheim, desayuno en piel, 1936

Meret Oppenheim. Mi enfermera, 1936.

Técnicas SurrealistasEn el Frottage los dibujos son logrados por el roce de superficies texturadas contra el papel o el lienzo.

Max Ernst. Bosque y sol. 1925.Frottage en sobre papel.

“

Los juguetes no son inocentes. La cultura los moldea según costumbres, modos de pensar y de trabajar, convirtiéndolos en un recurso repetitivo y tenaz con que una sociedad busca hacernos un lugar en ella. Los juguetes produci dos por los artistas de las vanguardias estéticas de inicios de siglo XX se podrían considerar como la manifestación de un proyecto pedagógico – político insubordinado a las industrias de la cultura. En una significativa confluencia de aportes al patrimoni o cultural tangible de la cultura occidental, artistas como Paul Klee, AlexanderCalder y Joaquín Torres García –entre otros- han elaborado juguetes. Sus pretensiones no se remitían necesariamente a la proyección del conformismo adulto, de sus cánones y sus parámetros, hacia los niños. Por el contrario, apuntaban a realzar las potencialidades y las virtudes infantiles, su inherente insatisfacción, plena de deseo, y su concepción inherentemente antiburguesainherente insatisfacción, plena de deseo, y su concepción inherentemente antiburguesadel mundo.

Klee se dedicó a hacer títeres y teatros de títeres y de marionetas. Calder construyó juguetes de animales y un circo en miniatura, a partir de la recolección de materiales y objetos de desecho. Joaquín Torres García confeccionó juguetes que él mismo denominaría como “transformables”, pues se prestaban para ser desarmados y rearmados bajo otras formas. Vale apuntar que, más allá de que los artistas mencionados fueran unidos -según nuestra interpretación -en lo que podría apreciarse interpretación -en lo que podría apreciarse como un proyecto común, no habría entre ellos coincidencias plenas ni una homogeneidad inquebrantable.

Bruno Taut (1880 – 1938) fue un prolífico arquitecto y publicista alemán, líder del movimiento expresionista, activo durante el período de la República de Weimar. Taut se ha distinguido por su trabajo teórico, escritos especulativos, y numerosos edificios de exposiciones.

En 1919 realizó una maqueta de un palacio de cristal con el nombre de Dandanah, palabra turca también usada por los romanos para expresar algún grado de problema, o alboroto. En este juguete, Bruno introduce por primera vez piezas de vidrio de color para construir la arquitectura. Los juguetes, puzzles y maquetas de piezas de vidrio fueron, debido a su fragilidad, realizados en muy pocas ocasiones, y por la misma razón, muy pocos ejemplos se han conservado, sobre todo en conjuntos completos.

Picasso realizó varios juguetes para sus hijos, incluyendo dibujos de niños y animales sobre la superficie de cajas de cerillas o recortes de diversos animales de papel. Una vez en que Picasso, que desde edad muy precoz manifestó su extraordinario talento, visitó una exposición de dibujos infantiles dijo: “Cuando yo tenía la edad de estos niños, podía dibujar como Rafael. Pasaron muchos años

Pablo Picasso – Juguete de madera pintado por él (1920)

Rafael. Pasaron muchos años hasta que pude dibujar como estos niños”.

En 1920, Picasso pintó de azul un coche de madera para su hijo Paul, mientras que en 1960 crearía para su nieto Bernard, un caballito reciclado hecho con tubos y ruedas. Bernard tenía cuatro años cuando su abuelo Pablo le regaló un caballo de latón pintado de blanco aupado sobre cuatro ruedas y con un enorme ojo pintado en el lateral de la cabeza.

Pablo Picasso – Figura (1935), Caballo (1960)

Pablo Picasso – Muñecas (1935), Bustos(1953)

Peter Bürger sostiene que “los vanguardistas no se oponenal esteticismo creando obras de gran relevancia social, sino mediante el principio de la superación del arte en la praxis vital” (Bürger, 1997: 106). La esfera estética no se encuentra apartada de la vida cotidiana, ni de otras esferas que podrían abarcar la ciencia o la técnica. La vanguardia convierte la mediación artística en agente crítico de la realidad, no discutiendo sus fundamentos con argumentos que el arte se limita a expresar o a transmitir, sino construyendo otra realidad, irreductible a la existencia y, a la vez, impensable al margen de ella . Se contraponían a las premisas de la restrictiva educación burguesa y sus esfuerzos por producir ciudadanos recatados, circunspectos y de una restringida sensibilidad. La propuesta pedagógica implícita en las presentaciones del teatro de títeres de Klee –al igual que las de otros artistas- podría contribuir con la del teatro de títeres de Klee –al igual que las de otros artistas- podría contribuir con la crítica de ciertas definiciones de educación en términos positivistas o en líneas como las de Émile Durkheim –cuyos escritos son, en parte, contemporáneos a las expresiones artísticas de Klee- Durkheim señala que toda educación consiste en un esfuerzo por imponer a los niños modos de ver, de sentir y de actuar a los que no habrían llegado espontáneamente. (...) Si con el tiempo deja de sentirse esta imposición, es porque paulatinamente origina hábitos, tendencias internas que determinan que sea inútil, pero que pueden reemplazarla sólo porque de rivan de ella. (...) El fin de la educación es crear el ser social. (Durkheim, 2002: 37).

Cabría decir que el fin de la educación, desde las miradas vanguardistas, sería, por el contrario, la creación de un ser inconforme con la sociedad establecida. Se vislumbra en sus piezas y en el montaje de sus obras, no tanto la pesquisa por generar un etretenimiento en los momentos de tiempo libre como la intención de transformar el tiempo libre en una instancia de ocio que no se encontraría aislada de los procesos formativos.

Paul Klee:"The great chess game", 1937Location: Kunsthaus, Zurich, Switzerland

formativos.

El ocio se presenta así, no como la continuidad de la rutina ni como el intervalo de descanso del trabajo, sino como la detención e interrupción del curso aparentemente irrecusable de lo dado .

PAUL KLEE1879-1940

Casa giratoria (1921)

Senecio (1922)

Entre 1916 y 1925, Paul Klee creó los personajes y el decorado de un teatro de guiñol para satisfacer el deseo de su hijo Félix por uno de estos teatrillos. El telón de fondo era una construcción hecha con parte de una tela vieja, en parte pintada, que representaba una iglesia con un gran reloj. Los distintos personajes son una mezcla de títeres entre divertidos y aterradores

Paul Klee – Sin Título (Payaso de grandes orejas) (1925)

Los distintos materiales que utilizó en la fabricación de las marionetas, al igual que los que empleó en algunas de sus esculturas, son materiales de desecho de poco valor, aunque hay que considerar que estos muñecos de guiñol, son para un niño, tampoco hay que olvidar que su investigación de distintos materiales fue constante y cercana a la de los dadaístas, con los que tenía cierta afinidad. Entre ellos se encuentran botones, brochas, cajas de

Sin título (Poeta coronado). Original de 1919 (réplica de 2006-2008).

se encuentran botones, brochas, cajas de cerillas, enchufes, trozos de tela, alambre, metal, cuero, seda, etc.

Bruno Taut – Dandanah (El palacio de hadas) (1919)

- Sophie Taeuber-Arp – Rey Ciervo (1918)

Museo Xul Solar. el museo en Laprida 1214, la que fue la casa del artista (1887-1963), diseñado como reintrepretación de su original espacio pictórico. Pan-ajedrez, pan-juego, o

ajedrez criollo

Cuando el poeta y artista plástico argentino XulSolar presenta hacia 1930 su tablero de ajedrez modificado, cambia las reglas del juego, relativiza los lugares y las jerarquías preestablecidas. El Pan-juego (juego universal), es una suerte de ajedrez modificado que se caracteriza porque cada una de sus piezas, de madera coloreada, está marcada con una consonante o un símbolo particular (salvo los peones que son números). Cada casilla en el tablero se distingue, a su vez, por una combinación de vocales. De esta manera, cada movimiento de las piezas sobre el tablero produce diferentes palabras. Xul asocia la noción de signo -entendido desde un punto de vista

juego de cartas de panlengua

de signo -entendido desde un punto de vista lingüístico (diccionario, lengua, escritura)- a la noción de juego. La similitud está dada por las posibilidades de permutación y transformación implícitas en las propias reglas del lenguaje. Como cada pieza del Pan-juego representará, a su vez, un planeta y cada posición referirá a diferentes posibles efemérides relacionadas con diferentes posibles avatares en la historia de un individuo, un país, etc.

Las casillas figuran el paso del tiempo y las piezas los signos del zodíaco y las constelaciones. El panjuegoestaba basado así en una serie de correspondencias lingüísticas, astrológicas, numéricas, etcétera, de forma que el mismo podía ser utilizado para desarrollar ideas, estructurar poemas, componer música o pintar cuadros. Una de las características más destacadas de este juego, la cual el mismo Xul se encargaba de recalcar, era que en el mismo nadie perdía. No existía aquí el duelo clásico que enfrentaba a los jugadores de ajedrez en tanto rivales. Al igual que en la carrera de los conjurados de Alicia a través del espejo, no se trata aquí de ganar ni de perder. Este tipo de juego se presenta como una crítica a la noción misma de agon, presente en una mentalidad occidental, tendiente al éxito y al progreso, y que ha subyacido a la ciencia, a la economía y hasta a la filosofía desde sus comienzos.

National Gallery

La industria no da lugar para la aparición de lo nuevo, sino a la constante renovación aparentemente embellecida de lo existente. La máquina rueda sur place. Cuando llega al punto de determinar el consumo, descarta como riesgo inútil lo que aun no ha sido experimentado. De ese modo, la inmanencia del juego, que queda en los márgenes o por fuera de las reglas ya dadas, no tiene lugar, a menos que se encuadre en los parámetros del consumo. La propuesta de artistas como Calder tendría como presupuesto la pretensión, tanto vanguardista como lúdica, de establecer una suerte de ruptura

. Los juguetes producidos por Calder (desde caballos hasta triciclos), así como su circo de juguetes, expresaban la naturaleza plenamente DE ACONTECIMIENTO propia del juego (y, añadimos de la del juego (y, añadimos de la educación). la instancia de juego se despliega bajo reglas inmanentes: ninguna presentación del circo en miniatura era igual a la otra, no se configuraban rutinas soporíferas con ellas).

Para la construcción de sus juguetes, Calder se valió de una gran variedad de materiales, la mayoría de desecho: alambres, botes, latas de película, cajas o cualquier cosa que tuviera a mano. Tal vez, como diría Walter Benjamin en Calle de dirección única acerca de los niños que crean con los objetos de desecho su propio derredor objetivo,pequeño entre lo grande, Calder también recoge aquellos elementos que, para

el mercado, tendrían que remitirse a lo perimido. En el contexto de consolidación de las industrias culturales, la concepción del tiempo libre como una suerte de instancia de descanso y entretenimiento para rehabilitar la utilidad del ser humano para el trabajo, es rehabilitar la utilidad del ser humano para el trabajo, es aquí rebatida. El circo de Calder protagonizaba el ocio con fines educativos y sin buscar utilidad alguna. Inclusive, el mismo artista afirma que “siempre amé el circo, así que decidí hacer un circo sólo por la diversión de hacerlo” . Los actos de apropiación y dotación de un nuevo uso –fuera de la utilidad que le buscaría conferir el mercado- cobran un singular resplandor, no sólo en la relación con el mundo de los objetos, sino también con el conocimiento.

En cierto modo, Calder abre el espacio para la participación de los niños y de las niñas en el acto lúdico, junto con los adultos. Los infantes, que intrínsecamente pueden instalar y expresar lo nuevo en el mundo, se muestran como lo desconocido para los mayores, quienes buscanConocerlos por las vías de la integración a sus propias costumbres.Ante este cuadro emergen, aunque sea moderadamente, algunas de las pretensiones pedagógicas del arte vanguardista. El circo de Calder, que se inmiscuye en las vanguardias, se cuela así en lo que podría ser considerado como lo Otro del arte, contemplando además la presencia de lo Otro de la Pedagogía.

el niño aprende jugando. Pues el juego, para él, ha de ser ejercicio de múltiples

experiencias y actividades. De creación y descubrimiento. De conocimiento de las

cosas y de sí mismo. De iniciación a futuras empresas y estudios. De revelación

de su personalidad. Y por esto, quien cuide de educarle, jamás deberá privarle

esa constante y libre actividad y, menos que eso, imponerle algo opuesto. Hemos

de querer que llegue a ser un hombre libre. Hombre libre en el pensar y en la

acción. El juguete puede servir de medio educativo” (Torres García, 2005: 11).

Tenía una concepción mística del universo y a partir de la misma desarrolló nuevos métodos educativos empleando las formas geométricas universales: la esfera, el cubo y el cilindro; a estos materiales los denominó «dones» (tenían un significado simbólico-metafísico) y servían para articular el juego y favorecer el desarrollo espontáneo del niño. Fröbel concibió los «dones» para que los niños pudieran construir formas de saber (o didácticas), formas de vida (o arquitectónicas) y formas de belleza (o estéticas) que en el mundo intuitivo de la infancia, a diferencia de lo que sucede en el de los adultos, coexisten en una sola y simple imagen.

Joaquin Torres-García – Figuras- Perro(1925) Tren (1930)

JOAQUIN TORRES GARCIA

(1874 - 1949)

Manuel Espinosa

En los años cuarenta se vinculó con Joaquín Torres García en Montevideo, y el mismo año, en Buenos Aires, con Tomás Maldonado.Uno de los precursores de la pintura geométrica en la Argentina, participó en 1943 de la fundación de la

El juego de la Matusa, piezas de acrílico, medidas variables, c. 1984.

de la fundación de la Asociación Arte Concreto-Invención. En la década del sesenta, luego de sus viajes a Europa, reelaboró sus indagaciones artísticas y se convirtió en uno de los pioneros del arte cinético.

La exhibición Geometría en movimiento de Manuel Espinosa, propuso a los visitantes que participaran de El Juego de la Matusa, creado por el artista para incorporar al espectador en la creación de una obra en base a piezas de acrílico creadas por él.Durante los dos meses que duró la muestra, MACBA dedicó un espacio de sala donde invitaba a los visitantes a jugar, experimentar y crear…solos o en conjunto con otras personas.

Fuji, se hace de los juguetes que fueron traídos de niños que se unieron a su proyecto llamado " Kaekko ( = intercambio ) " . Kaekko es un lugar para los niños donde se produce el intercambio de juguetes. Fujicomenzó en el 2000 en los últimos 13 años reúne cerca de 50.000 juguetes recogidos a través de él .

“Mi proyecto se inicia con la organización de un bazar

donde los niños traen sus juguetes no deseados a

cambio. La población local se involucran en la

producción de una variedad de obras de arte de los

materiales traídos al bazar. Dichas obras están a

continuación, entretejidos con elementos en lugares

clave. … definir las artes como hacer que la gente para

Hiroshi Fuji

clave. … definir las artes como hacer que la gente para

crear una nueva imagen de diversas relaciones

humanas en su propia comunidad, utilizando fuentes

locales "la tecnología que cambia lo que se considera

socialmente sin valor a algo especial." - incluyendo

materiales, personas, sitios y sistemas - y a

continuación, haciendo que la imagen aparezca en

diversos espacios comunes. Esta idea se remite a las

pinturas al fresco del pasado - imágenes pintadas en los

pigmentos extraídos de barro, que sirvió para dar

esperanza a la gente acerca de la vida futura.

No estoy interesado en la imagen que hago por mí

mismo. Yo más bien quiero crear un sistema y el espacio

que genera una imagen entre una amplia gama de

personas.”

Hiroshi FujiHiroshi FujiElephant mountain 2010Giraffe mountain 2010

Hiroshi Fuji “Central Kaeru Sation.” El trabajo de Fuji reúne a más de 50.000 juguetes recogidos durante 13 años de Kaekko, un sistema de intercambio de juguetes que se inició en Japón en 1999.

El objetivo de la artista era unir los objetos recogidos en una exposición con el tema de la ecología, que incluye un paisaje de dinosaurios en medio de una selva multicolor en la estación central de Kaeru en Tokio. (2012)

“Cuando en el 2001 la crisis nos hizo más solidarios, aprendí del

valiente ejemplo de los cartoneros, quienes fueron capaces de

enseñarnos el valor del reciclado. Poner una mirada nueva, creativa,

y aprovechar los objetos desechables, transformándolos. Toda una

metáfora de cómo podemos reciclar actitudes, vínculos, proyectos y

construir un mundo mejor a partir de lo que somos y tenemos. Con

todos los recursos disponibles, podríamos ser una patria fraterna y

compartida.

Con mi arte efímero “Mundo Cartón” quiero expresar este mensaje

con un oficio factible de realizar por todos. Pienso que lo perdurable

será el contenido, el deseo creativo, lo que despierte en cada uno

para crecer.En esta muestra de juguetes, indios y soldaditos de

Roberto Frangella

para crecer.En esta muestra de juguetes, indios y soldaditos de

envases descartables, pienso en cómo los blancos los desplazamos

de sus tierras, no supimos crear la civilización del amor y me

consuelo pensando en que muchos tendremos sangre aborigen que

burbujea cada vez que proclamamos el valor de la inclusión.”

Me interesa trabajar con desechos, para valorar que aún lo más pequeño es importante y que de lo descartable se puede revertir una realidad. Me interesa el arte efímero, poco solemne, pues valora lo que despierta en cada uno más que lo que vale por sí mismo",

—Los juguetes para mí son arquetipos pero también son las

cosas con las que me relacionaba cuando era chica. Nunca

trabajo con algo con lo que nunca jugué. Los juguetes de mi

época tienen esa cara como de no comprender... no sé. Para mi

obra, Mickey es argentino porque así lo sentía cuando era

chica, los íconos no tienen nacionalidad en la infancia. Este es

mi tema: la distancia entre nosotros y las cosas, la

construcción de la realidad.

—¿Y por qué decidió trabajar ese concepto con juguetes?

—Al usar objetos inanimados es obvio que cualquier emoción

que tengamos al respecto la estamos inventando. Es como que

cuanto más queremos definir una cosa, más nos alejamos de

LILIANA PORTER

cuanto más queremos definir una cosa, más nos alejamos de

su esencia: tal vez lo más abstracto sea lo más concreto que

tenemos para decir.

—¿Usted diría que su obra se enmarca en el kitsch?

—Muchos objetos pueden ser percibidos como kitsch pero no

creo que la obra sea kitsch. Para verlo en la lógica de los

juguetes: cuando sos chico, no te importa si jugás con una

barbie de colección de 40.000 dólares o con una muñeca rota.

Te relacionás a un nivel puramente afectivo. Mi relación es

exactamente ésa: algunas cosas me gustan y otras me resultan

raras

Sus primeros collages fueron hechas de ramas, hierbas y piedras que recogió fuera de la puerta de la clínica donde estaba siendo tratada en el año 1953 un par de años más tarde, ella estaba muy impresionado por los bancos de trencadis de Gaudí en el Parque Güell de Barcelona. - Ella incluso hizo una esquina del piso de una de nuestras habitaciones de platos rotos. Ella quería romper los platos y , a diferencia de Gaudí , ella no coincidir las piezas. Ella era exuberante en su trabajo . Niki no era un intelectual. Cuando ella encontró la técnica la absorbió y la devoró ; en lugar de analizar racionalmente , permaneció instintivo y desarrolló sus intuiciones con paciencia y observando . No

Niki de Saint PhalleLa Mariée à cheval 1963–72350 x 3000 x 1200 mm

intuiciones con paciencia y observando . No me acuerdo de las demás normas o costumbres particulares que rigen la recolección de materiales que encontraban . Ella tenía inclinaciones definidas en diferentes momentos - por ejemplo, los juguetes de los niños o herramientas afiladas.

Niki de Saint Phalle Inspirada por el embarazo de la esposa de Larry Rivers'Clarice en 1965, Niki hace sus primeros Nanas, figuras arquetípicas femeninas que se actualizan las versiones de "Todo (a) en funciones." (La palabra "nana" en francés significa "dame" o "chica".)

Niki de Saint Phalle's colorful Three Graces, 1999

Título: Malo Malo y los juguetes perdidos Autor: Laurent Condominas Ilustrador: Niki de Saint PhalleTraducción: Álvaro Marcos Editorial: Gustavo Gili

La “Emperatriz” además de ser impresionante es habitable. En su interior encontrarás un auténtico apartamento con un gran salón, un cuarto de baño y un pequeño dormitorio. Niki Saint Phalle se instaló aquí algunos años para terminar su proyecto.

Entre las esculturas que pueblan este jardín encontramos “El Mundo”, “La Cruz”, “La Justicia”, “La Muerte” o “La Templanza”, El jardín se abrió al público en 1998, tres años antes de la muerte de su creadora. Uno de los últimos deseos de Niki de Saint Phalle fue que no hicieran visitas guiadas en este jardín para que los visitantes pudieran explorar e interpretar las esculturas como quisieran. Para evitar el turismo masivo, sólo abre sus puertas del 1 de abril hasta el 15 de octubre. De Noviembre a Marzo permanece cerrado excepto el primer sábado de cada mes en el que la entrada es gratuita.

The Golem, Kiryat Hayovel, Israel