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Índice
1. INTRODUCCIÓN
1.1. Planteamiento del problema
2. HIPOTÉSIS
3. DESARROLLO
3.1. Art Nouveau
3.1.1. Antecedentes
3.1.2. Características
3.2. La escuela de Glasgow
3.2.1. Charles Rennie Mackintosh
3.2.2. Mackintosh vs. Estilos tradicionales
3.2.3. “Los Cuatro”
3.2.4. “Los Glasgow Boys”
3.2.5. “Las Glasgow Girls”
3.3. La secesión vienesa
3.3.1. Michael Thonet
3.3.2. Silla 214
3.4. Louis Tiffany – Art Nouveau en Estados Unidos
3.5. Art Nouveau en Argentina
3.5.1. Contexto histórico
3.5.2. El Art Nouveau y sus manifestaciones en Buenos Aires
3.5.3. Aportes británicos en la ciudad
4. CONCLUSIONES
4.1. Comprobación de la hipótesis
5. BIBLIOGRAFIA
1. Introducción
Llevaremos a cabo una tesina acerca de la corriente artística surgida a
finales del siglo XIX y principios del siglo XX. La misma recibió diversas
nominaciones según los distintos países:
Art Nouveau en Bélgica y Francia, Modern Style en Inglaterra,
Sezession en Austria, Jugendstil en Alemania y los Países Nórdicos,
Liberty en Estados unidos, Floreale en Italia y Modernismo en España e
Hispanoamérica.
También estudiaremos la herencia que nos dejaron los principales
exponentes de este movimiento: Thonet, Mackintosh y Tiffany, entre
otros.
1.1. Planteamiento del problema
Si bien nos referimos al mismo movimiento, el Art Nouveau no
fue adoptado de igual manera en todos los países, es decir, no en
todos se logro el mismo nivel de aceptación.
2. Hipótesis
Lo que nosotras queremos demostrar en esta investigación es que las
principales causas por las cuales el movimiento no fue aceptado de
igual forma en los distintos países, están relacionadas con la situación
económica, social y/o política en la cual estaban inmersos en ese
momento.
3. Desarrollo
3.1. Art Nouveau
3.1.1. Antecedentes
El antecedente al Art Nouveau fue el movimiento “Arts and Crafts”
(Artes y Oficios). Este movimiento surgió en las últimas décadas del
siglo XIX y fue la reacción contra el estilo victoriano.
Fue un enorme movimiento de ambición intelectual y con frecuencia
habilidad artística superlativa.
Esta reacción se denomino Arts and Crafts ya que pretendió elevar la
dignidad social y estética del diseño y de todas las artes aplicadas,
integrándolas en un entorno arquitectónico armonioso y bello.
El movimiento quería que la gente trabajase en un entorno feliz, sano, y
que disfrutaran de lo que hacen.
Una de las consecuencias fundamentales de este enfoque en el medio
ambiente era una nueva preocupación con lo doméstico y lo cotidiano.
Aunque hay artes y oficios importantes como iglesias y edificios
públicos, eran casas y sus contenidos los espacios que más importaban.
Los artistas de Arts and Crafts otorgan un nuevo valor a las artes
decorativas y aplicadas e insistieron en que éstas se convierten en una
parte integral de cualquier diseño más grande.
El movimiento revalorizó los oficios medievales, en plena época
victoriana, con lo cual reivindicó la superioridad del ser humano sobre la
máquina, con la filosofía de utilizar la tecnología industrial al servicio del
hombre, pero potenciando la creatividad y el arte frente a la producción
en serie.
En lo expresivo se caracteriza por el uso de líneas serpenteadas y
asimétricas, y constituyó sobre todo un arte decorativo.
El Arts & Crafts se asocia sobre todo con la figura de William
Morris, artesano, impresor, diseñador, escritor, poeta, activista político y,
en fin, hombre polifacético que se ocupó de la recuperación de artes y
oficios medievales, renegando de las nacientes formas de producción en
masa. Aparte de William Morris, sus principales impulsores
fueron Charles Robert Ashbee, T. J. Cobden Sanderson, Walter Crane,
Phoebe Anna Traquair, Herbert Tudor Buckland, Charles Rennie
Mackintosh, Christopher Dresser, Edwin Lutyens, Ernest Gimson, Gustav
Stickley, y los artistas del movimiento prerrafaelita.
Diseño Arts and Crafts
Casa Roja, Bexley, Londres, Inglaterra.
Ticket para la exhibición Arts and Crafts, por Walter Crane.
William Morris
Mobiliario de William Morris
3.1.2. Características
El Art Nouveau o modernismo es el término con el que se designa a una
corriente de renovación artística desarollada a finales del siglo XIX y
principios del XX.
Se distingue por su creatividad, el gusto por lo refinado, el deseo de
salir de la realidad cotidiana y de conocer otras culturas y costumbres.
Fue una ruptura con los estilos dominantes de la época (historicismo o
eclecticismo). Se diferencia de sus antecesores por su carácter
antiacademicista.
Las características que permiten reconocerlo son:
La inspiración en la naturaleza y el uso de elementos de origen
natural
El uso de la línea curva y la asimetría, tanto en el exterior como
en los interiores de los edificios.
Uso de imágenes femeninas, aprovechando los cabellos y pliegues
de las vestimentas
Tendencia a la sensualidad y a la complacencia de los sentidos
Libertad en el uso de motivos exóticos
Hizo uso de muchas innovaciones tecnológicas de finales del siglo XIX,
especialmente el amplio uso de hierro expuesto, así como el uso de
grandes piezas de cristal de forma irregular en arquitectura.
Se extendió de manera abundante en las artes graficas. Uno de los
autores más influyentes en esta área fue el checo Alfons Mucha, quien
aportaba diseños muy delicados, que ubicaban a la figura femenina de
forma central.
También debemos destacar a Aubrey Beardsley, con ilustraciones en
blanco y negro, y un estilo muy personalizado, controvertido e
irreverente para su época.
Otros diseñadores de las graficas Art Nouveau fueron Mackintosh, T.
Privat –Livemont, Moser y von Stuck.
El arte de la joyería también se vio afectado por el modernismo,
utilizando como temática principal la naturaleza.
En los dos siglos previos, el énfasis de la joyería fina se encontraba en
las gemas. A partir del Art Nouveau, la joyería se enfoco en el diseño
artístico.
En Paris y Bruselas fue donde el estilo gano mejor renombre. El francés
René Lalique glorifico a la naturaleza en la joyería, extendiendo su
repertorio para incluir aspectos nuevos no tan convencionales,
inspirados en el Arte Japonés.
Los joyeros buscaron inspiración en el renacimiento para sus joyas de
oro esmaltado y esculpido, y el joyero pasó de ser un artesano a un
artista.
El modernismo es un arte burgués que intenta integrar en la
arquitectura todo el arte y todas las artes. Es una corriente
esencialmente decorativa. Sus formas son blandas y redondeadas. La
influencia del modernismo arquitectónico se deja sentir aun en la
arquitectura actual.
El modernismo arquitectónico nace en Bélgica de la mano de Henry van
de Velde y Víctor Horta.
Van de Velde es uno de los primeros modernistas. Construye la casa
Bloemenwert, pero lo más interesante es el diseño de su decoración,
con influencias del expresionismo alemán y tejados ondulados.
Horta es el más puro de los modernistas y el más representativo.
También son típicos sus tejados ondulados, así como sus fachadas con
juegos de luces y sombras que recuerdan al barroco.
Puede decirse que tuvo una fugaz existencia, pues se vio debilitado por
la Primera Guerra Mundial en 1914, que obstaculizo la actividad de la
sociedad y el movimiento paso lentamente al olvido.
“Pocas veces un movimiento artístico puede situarse con tanta precisión
cronológica: 1895-1914. Pero bastó ese cuarto de siglo para que dejara
su impronta y su aportación a la renovación del arte, especialmente en
la revaloración del uso del hierro y del vidrio, y en las artes aplicadas”
Buschiazzo, Mario
Alfons Mucha
Aubrey Beardsley
René Lalique
Henry Van de Velde – Casa Bloemenwert
Víctor Horta – Casa Tassel
3.2. La escuela de Glasgow
La Glasgow School of Art (Escuela de arte de Glasgow en lengua
inglesa) fue un importante centro de divulgación de la arquitectura
moderna a finales del siglo XIX e inicios del siglo XX.
En Glasgow se desarrolló un nuevo tipo de planeamiento de los edificios,
que al contrario del Modernismo, huía de la ornamentación y las
volumetrías no racionales. La estructura ortogonal de hierro daba una
mayor resistencia, pero también permitía una mayor organización de las
plantas. Las paredes son lisas, en piedra, y existen grandes superficies
de vidrio.
Esta escuela, como el movimiento Art Nouveau, no muestra ninguna
influencia clasicista. Se distingue por la originalidad de sus obras.
De esta escuela surgieron importantes grupos de arquitectos y
diseñadores vanguardistas, cuyas obras representaron un paso decisivo
en la evolución escocesa de Art Nouveau.
3.2.1. Charles Rennie Mackintosh
Nació en Glasgow el 7 de Junio de 1868 y se educo en la escuela de arte
de la misma ciudad. Renuncio al estilo victoriano para adoptar un estilo
basado en una sencillez personal, caracterizada por las formas
geométricas y las superficies despojadas.
Se destaco por sus obras de carácter sobrio y desnudo, que influyeron
en la evolución de la arquitectura y la decoración durante el siglo XX.
Su consagración se produjo principalmente gracias al proyecto para
construir la escuela de Glasgow, un edificio racionalista con largas y
delicadas curvas, y una potente estructura rectangular.
En su creación se ve reflejada una perfecta integración de todos los
elementos decorativos. Sus muebles combinan la rudeza expresiva de la
tradición medieval escocesa con la delicadeza de la nueva modernidad.
Se caracterizaba por sus suaves curvaturas, motivos geométricos e
hincapié en las líneas verticales, especialmente en los elevados
respaldos de sillas.
Si bien se le considera adscrito al movimiento Art Nouveau, su obra no
concuerda demasiado con la riqueza ornamental de sus contemporáneos
franceses o catalanes. No obstante, ejerció una fuerte influencia en los
diseñadores de la Secesión Vienesa y en el desarrollo del movimiento
moderno, sobre todo gracias a su poética sencilla y racionalista.
Murió olvidado el 10 de diciembre de 1928. Se le ha reconocido como
una de las figuras fundamentales del diseño y la arquitectura del siglo
XX. Actualmente, su casa-estudio en Glasgow alberga un museo sobre
su obra.
Sillas Hill House y Argyle Vitraux
Escuela de Glasgow
Planos
3.2.2. Mackintosh vs. Estilos tradicionales
En Inglaterra las tradiciones son diferentes que en el resto del
continente. El espíritu de conservación y respeto hacia las tradiciones
nacionales es uno de los atributos constantes en la cultura inglesa. Por
ello, el movimiento de la escuela de Glasgow no genera una polémica
contra la tradición y los estilos históricos, sino que recurre en gran parte
a las fuentes antiguas, sea al repertorio neogótico convencional, o bien
a la herencia local de la arquitectura de los barones escoceses.
Esto es una desventaja para los artistas de vanguardia, quienes deben
abrirse camino solos y con grandes esfuerzos, y la sociedad tarda mucho
en darles sitio.
Quizá por eso Mackintosh debió abandonar la arquitectura y no llego a
demostrar todo su potencial, siempre tuvo que conservar un carácter
algo forzado.
3.2.3. Los cuatro
El fruto más interesante de la escuela de Glasgow fue el grupo de los
"Los cuatro", formado por el arquitecto, diseñador y acuarelista Charles
Rennie Mackintosh, al que acompañaban, su esposa, la pintora y artista
del vidrio Margaret MacDonald, su hermana, Frances, y Herbert MacNair.
Participaron en la realización de carteles, metalistería, bordados,
ilustraciones, vidrio estampado, estuco y otras artes decorativas.
3.2.4. Los Glasgow Boys
Entre 1880 y la Primera Guerra Mundial, un colectivo que se complacía
en hacerse llamar los Glasgow Boys desarrolló en dicha metrópoli
escocesa la filosofía plenairista de Barbizon y una política de abierta
oposición a la Royal Academy de Escocia.1
Se ha considerado "chicos de Glasgow" a Joseph Crawhall, Sir James
Guthrie, George Henry, E. A. Hornel, E. A. Walton, William York
Macgregor y Sir John Lavery.
3.2.5. Las Glasgow Girls
Las Glasgow Girls fueron un grupo de diseñadoras y artistas
encabezadas por Frances MacDonald, hermana de Margaret MacDonald
y cuñada del arquitecto Mackintosh. Figuras destacadas fueron, entre
otras: Norah Nelson Gray, Jessie Wylie Newbery, Bessie MacNicol y Ann
Macbeth.
3.3. La secesión vienesa
La Secesión vienesa (también llamada Secessionsstil,
o Sezessionsstil en Austria) formó parte del muy variado movimiento
actualmente denominado modernismo. Fue fundada en 1897 dentro de
la Vereinigung Bildender Künstler Österreich que es la Asociación de los
artistas de las artes visuales en Austria, por un grupo de 19
artistas vieneses que había abandonado la Asociación. Como proyecto
de renovación artística, trataba de reinterpretar los estilos del pasado
ante las irrupciones de la producción industrial que estaba desnudando
estructural y estéticamente la realidad del arte y la sociedad de la
época. Su primer presidente fue Gustav Klimt, y algunos de sus artistas
destacados fueron Otto Wagner, Koloman Moser, Joseph Hoffman y
Joseph Maria Olbrich.
En esta época, Austria sufre de problemas en todos los sectores: social,
económico, religioso, político y monárquico que contrastan con un
ambiente idealista. Es el periodo más brillante para Austria, siendo su
capital, Viena, la cuna del psicoanálisis.
En la secesión, aunque se busca la elegancia, predomina la sobriedad
formal, e incluso cierta severidad. Los trabajos son muy estructurados,
dándoles mucha importancia al orden, el equilibrio y la geometrización
(el cuadrado y el cubo son repetidos continuamente). Su objetivo
estético final era la "obra de arte total" o Gesamtkunstwerk, término
acuñado por Richard Wagner para denominar a un arte que condensara
las destrezas de todas las demás.
Los artistas vieneses querían dar a su arte una expresión despojada de
sus velos y nada envuelta en accesorios. Un arte propio, sin servilismos
extranjeros. No quieren imitar al arte exterior, pero sí que les sirva de
inspiración y análisis.
En las pinturas de la Secesión se aprecia una ruptura con lo clásico, casi
provocativa.
La decoración es modernista, ni orgánica, ni naturalista sino estilizada y
abstracta.
La tipografía es un elemento determinante, le dan gran importancia a la
letra, esta tiene un valor formal, compositivo y comunicativo.
Gustav Klimt
Joseph María Olbrich
Tipografía
3.3.1. Michael Thonet
Michael Thonet (2 de julio de 1796, Boppard, Alemania – 3 de marzo de 1871, Viena, Imperio austrohúngaro) fue un constructor de muebles e industrial, pionero en el diseño de muebles y creador de las técnicas del curvado de madera.
Era hijo del maestro Franz Anton Thonet, de Boppard. Tras su aprendizajecomo carpintero se estableció como profesional en 1819.
Desde 1830 experimentó nuevas técnicas para laminar y curvar la madera a fin de obtener formas que evitaran los costosos sistemas de modelado a base de cincel y de uniones mediante ensamblajes. Obtuvo más independencia adquiriendo una fábrica de pegamentos para sus diseños.
Su primer éxito fue el Bopparder Schichtholzstuhl ('silla Boppard') en 1836.
Thonet obtuvo una primera patente en 1841 para el doblado en caliente de la madera, patente que le permitió mejorar su organización a escala industrial. El invento consistía en someter láminas de madera embebidas de cola al calor y la humedad producidos por el vapor, con el fin de obtener una masa compacta, elástica y flexible que había de someter seguidamente a presión y al modelado en formas especiales. Una vez alcanzado el grado necesario de enfriamiento, se quitaban los moldes y lamadera se presentaba lista en el tamaño y en el dibujo correspondiente alas piezas de los distintos muebles, que luego se ensamblaban de maneramuy simple, por medio de tornillos.
En 1849 fundó la empresa Gebrüder Thonet, cerca de Viena. En 1850 produjo su silla Número 1. La feria internacional de Londres de 1851 le concedió la medalla de bronce por su silla Viena bentwood, lo que
supuso su lanzamiento internacional. En la siguiente Feria internacional en París en 1855, se le concedió la medalla de plata.
Se concedió una medalla de oro a la empresa de Thonet en la feria de París de 1867 por la silla 214.
En 1860 diseña su primera mecedora, a la que se considera su obra maestra y que es la precursora de las actuales mecedoras de todo el mundo.
Silla Boppard
Silla Viena Bentwood Mecedora
3.3.2. Silla 214
Más conocida como la “silla de las sillas”, fue creada por Michael Thonet,
siendo la primera silla producida en serie. Revoluciono la industria del
diseño de muebles y vistió cafés, teatros y millones de hogares de todo el
mundo.
Thonet había descubierto una nueva forma de trabajar la madera:
exponer las laminas de madera impregnadas de cola al vapor, haciéndolas
más flexibles.
Michael Thonet no se imaginaba que su silla sería la primera reproducida
en serie de toda la historia, con una producción continuada, que supera
hoy los 50 millones de ejemplares.
Hasta la aparición de esta silla, la clase acomodada era la única que tenía
el privilegio de sentarse en sillas. La aparición de la 214 marco un antes y
un después en la historia de las clases sociales, al ser la primera silla
específicamente diseñada para atraer a las masas y con un precio
accesible para la pequeña burguesía incipiente de toda Europa.
A la silla 214 se la considera el ejemplo más importante de asiento del
siglo XIX. Como tal, se encuentra en el museo de Arte Moderno de Nueva
York, en el Centro George Pompidu de Paris, en el Museo del Diseño
Victoria y Alberto de Londres, en el museo Vitra de Diseño y en la Alta
Pinacoteca de Arte Moderno de Múnich, Alemania.
Le Corbusier dijo: “Nunca ha sido creado algo más elegante y mejor
concebido, más preciso en su ejecución, y más excelentemente
funcional”.
3.4. Louis Tiffany – Art Nouveau en Estados Unidos
Paralelamente a Mackintosh, un formidable exponente del modernismo en
Estados Unidos fue el reconocido pintor y diseñador de objetos de arte en
cristal: Louis Tiffany (18 de Febrero de 1848, Nueva York, Estados unidos
– 17 de Enero de 1933, Brooklyn, Estados Unidos).
Era hijo de Charles Lewis Tiffany (fundador de Tiffany & Co.) y Olivia
Avery Young.
Su primer entrenamiento artístico fue como pintor, estudiando
con George Inness y Samuel Coleman en la ciudad de Nueva York. Luego
se traslado a Paris para ampliar sus estudios. Durante el tiempo que se
radico en Europa pinto oleos y acuarelas. Uno de los más destacados es
Snake Charmer at Tangiers (Encantador de serpientes en Tanger), que se
encuentra en el MOMA.
A su retorno a los Estados Unidos creó una fábrica de vidrio y
experimento con la técnica de las vidrieras aplicada a objetos decorativos
y de arte. Es recordado en especial por la invención de un proceso de
cristal opalescente, que empleo para decorar, con gran colorido,
ventanas, jarrones, lámparas y otros objetos de arte decorativa. Sus
piezas se caracterizan por las líneas curvas y delicadas del estilo Art
Nouveau.
El enorme telón de cristal del Palacio de Bellas Artes de la ciudad de
México es una de las más famosas obras de este artista. Asimismo diseño
joyas, alfombras y tejidos.
Fue director de arte de los Tifanny Studios y presidente y director de arte
de Tiffany and Company, la famosa joyería fundada por su padre.
Jarrón
Lámpara
Broche para cabello
Oleo “Snake Charmer at Tangiers”
Telón del Palacio de Bellas Artes de México
3.5. Art Nouveau en Argentina
3.5.1. Contexto Histórico
Argentina estaba en plena etapa de organización y consolidación como
Estado; y su clase de dirigente percibió la necesidad de insertarse en el
mercado Europeo. Para llevar a cabo este objetivo era indispensable
cambiar la estructura económica Argentina, y nada mejor para ello que
tomar como ejemplo a los Estados Unidos.
El plan consistía en poblar el campo para poder desarrollar la industria
agrícola-ganadera. A partir de 1856, comenzaron a llegar a nuestro país
miles de europeos que dejaron sus tierra en búsqueda de una vida mejor,
quienes transformaron la sociedad tradicional con sus nuevas pautas
culturales. La mayoría de ellos se asentaron en las grandes ciudades y no
en el campo, ya que los grandes latifundistas no permitieron la distribución
de las tierras.
La generación del 80 dio comienzo a una nueva etapa en la que pese al
profundo valor de argentinidad de sus personajes más ilustres, tuvo lugar
una fuerte influencia europea en nuestra incipiente cultura nacional.
Gracias a la apertura del país hacia el exterior, se inicio el progreso
material, el auge del capitalismo y el comercio, el liberalismo económico,
el dominio político de la burguesía y de la civilización urbana frente a la
barbarie rural.
El eclecticismo, con mayor predominio del Segundo Imperio, se impuso en
numerosas edificaciones de la ciudad. El estilo colonial español fue dejado
de lado por completo y nuestra cultura se alimento de Francia. Los
edificios públicos adoptaron invariablemente estilos borbónicos y la ciudad
trato de asemejarse a Paris y a Londres. Esta tendencia no se concreto a la
capital sino que se extendió a todo el país.
Casa Rosada
Congreso
Hotel Le Fresque
3.5.2. El Art Nouveau y sus manifestaciones en Buenos
Aires
El Art Nouveau ingreso en Buenos Aires con la importación de mobiliario,
adornos y utensilios domésticos de gran calidad. Había gran cantidad de
cristales, bronces, vidrios y marfiles de Lalique, Cartier, Tiffany, etc. El
modernismo fue una moda para ciertos sectores de la sociedad y fue
resistido por la alta oligarquía. Llego con bastante retraso y sin una
programática definida.
En sus diversas versiones, el Art Nouveau se adhiere a las superficies
exteriores e interiores de los edificios de distinta escala y función: desde la
casa chorizo, pasando por el petit-hôtel, hasta llegar al edificio de renta
para departamentos y oficinas, pero también en tiendas, teatros, hoteles y
cines.
En Buenos Aires la mayoría de las obras se encuentran al oeste de la zona
céntrica, en los barrios de Montserrat, San Cristóbal, y en las áreas de
Congreso y Once, allí donde se asentaron las clases medias y la burguesía
ascendente.
El Art Nouveau fue elegido por distintas colectividades inmigratorias para
expresar su ascendencia a través de formas referenciales pero
innovadoras.
En el mundo Art Nouveau porteño resaltaron cuatro maestros que hicieron
obras particulares de gran originalidad: Julián García Núñez, y los italianos
Virginio Colombo, Francesco Gianotti y Mariano Palanti.
El Art Nouveau porteño se prolonga hasta principios de la década de 1920,
cuando comienzan a despuntar otros expresionismos: el neocolonial y el
Art Déco.
Art Nouveau en Buenos Aires
Hospital Italiano – Julián García Núñez
Confitería del Molino- Francesco Gianotti
Palacio Barolo – Mariano Palanti
3.5.3. Aportes británicos en la ciudad
La expansión urbana de Buenos Aires en la década de 1900 fue
determinada por el desarrollo del comercio exterior, los servicios y la
especulación inmobiliaria. La dispersión hacia la periferia tuvo que ver con
el desarrollo de los tranvías, el auge de la venta de lotes y el aumento de
los salarios producto de la prosperidad económica de los años 1904-1912.
Asimismo, durante esos años llegaron cuantiosas inversiones extranjeras,
principalmente de Gran Bretaña. La mayor parte de ese capital se destino
a la financiación de obras públicas (ferrocarriles, servicios urbanos de
aguas corrientes, gas, luz y tranvías).
Con su rol preponderante dentro de las obras de ingeniería civil, la
presencia británica también fue de importancia en el ámbito de la edilicia
comercial y administrativa, domestica, educacional y recreativa o social.
En la segunda mitad del siglo XIX, bajo la denominación de victoriana, la
edificación del periodo tuvo distintos estadios y tendencias. En el tercer
cuarto de siglo se hizo uso del neorenacimiento. A partir de los años ’80, el
eclecticismo alto victoriano combino fuentes de distintos periodos y áreas
geográficas. En el primer cuarto del siglo XX, el aporte británico estuvo en
sintonía con el desarrollo de la arquitectura eduardiana, que descubría el
clasicismo y contraponía claridad y austeridad a las oscuridades y
complejidades arquitectónicas.
Durante la época de construcción de las líneas férreas, las empresas
debían acoger a sus obreros y empleados. Construían viviendas seriadas
que eran parte de los beneficios que recibía el personal y estaban
directamente relacionadas con la permanencia de aquel en el trabajo.
Estas viviendas tenían aspectos típicamente ingleses como: mobiliario
pesado y de grandes dimensiones, revestimiento de madera oscura, vigas
y pisos de madera, cuadros grandes y oscuros, chimeneas decorativas
además de funcionales, lámparas de pie, colores oscuros (azul, marrón,
bordo y ocre), ladrillo a la vista en los exteriores, ventanas angostas y
altas, la utilización de distintos materiales (hierro, madera y vitraux) para
otorgarle interés a la fachada.
La decoración inglesa tuvo gran aceptación por la confortabilidad de sus
interiores. Innovaron con la ciudad-jardín, e hicieron de la arquitectura de
sus edificaciones una clara demostración del poder económico que
adquirieron gracias a su potencial comercial y banquero.
Mobiliario estilo ingles
Puerto Madero – Buenos Aires
4. Conclusiones
En la mayoría de los países de Europa el Art Nouveau surgió como una
corriente artística que pretendía romper con lo tradicional de esa época,
pero su desarrollo en cada país se expreso con características distintivas.
En países como Bélgica y Francia el sello fue curvas y contracurvas, y un
ablandamiento de las formas, el uso de fuentes naturales y la inspiración
en el arte japonés.
En Glasgow, Escocia, no fue muy polémico ya que la tradición y los estilos
históricos estaban muy arraigados y los artistas de vanguardia no pudieron
terminar de demostrar su talento.
Viena poseía problemas en todos los sectores, y su Sezession se
caracterizo por la severidad, la estructura, el orden, el equilibrio y las
formas geométricas, muy distinto al Art Nouveau francés o belga.
En Argentina existía un impulso hacia la modernidad, por ende se
adoptaba cualquier estilo venido de Europa. No fue el caso del Art
Nouveau, que solo fue tomado por algunos sectores de la burguesía que
querían diferenciarse del resto, ya que la oligarquía prefería lo clásico y
clasificó al Art Nouveau de ridículo y vulgar.
4.1. Comprobación de la hipótesis
Llegamos a la conclusión de que la hipótesis esta acertada. El modernismo
o Art Nouveau no fue aceptado y/o desarrollado igual en todos los países,
siendo la principal causa el contexto social, económico y/o político en el
que se encontraban.
En los países republicanos, el Art Nouveau tiene más libertad, y en los
países represivos y de estructura fuerte podemos apreciar un Art Nouveau
más rígido.
5. Bibliografía
- Apunte de cátedra, “Art Nouveau” en AA VV, 30-03-2015
- Apunte de cátedra, “La escuela Glasgow” en AA VV, 06-04-2015
- Apunte de cátedra, “El primer modelo de silla de madera fabricada
en serie” en AA VV, 6-04-2015
- Apunte de cátedra, “Contexto histórico-social en buenos aires
(1880-1920)”, en AA VV, 6-04-2015
- http://es.wikipedia.org/wiki/Arts_and_Crafts
- http://es.wikipedia.org/wiki/Escuela_de_Glasgow
- http://es.wikipedia.org/wiki/Louis_Comfort_Tiffany
- http://es.wikipedia.org/wiki/Michael_Thonet
- http://es.wikipedia.org/wiki/Modernismo_%28arte%29
- http://es.wikipedia.org/wiki/Secesi%C3%B3n_de_Viena
- https://lacasavictoriana.wordpress.com/2010/03/02/arts-and-
crafts/
- Grementieri, Fabio, “Buenos Aires Art Nouveau”, La Nación, 1-02-
2013
http://www.lanacion.com.ar/1550451-buenos-aires-art-nouveau
