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Índice
Índice de figuras ………………………………………………………..……………………….. 4
Introducción …………………………………………………………………………….……… 6
Capitulo 1. Inicios de la fotografía ………………………………………….…………….. 11
1.1 Introducción y nacimiento de la fotografía …………………………………… 11
1.1.1 La cámara oscura y sus experimentos ………………………… 12
1.1.2 Niépce y los primeros experimentos con la fotografía …….…. 15
1.1.3 Daguerre y su invento el daguerrotipo ……………………..….. 16
1.1.4 Talbot y el calotipo ………………………………………….…… 18
1.1.5 Archer y Le Garay: el colodión húmedo ………………..…….. 20
1.1.6 Maddox y Bernnett: la placa seca ………………………..…….. 21
1.2 Géneros Fotográficos ……………………………………………….…………. 22
1.2.1 Fotografía de paisaje ………………………………….…………. 23
1.2.2 Fotografía de naturaleza muerta ……………………….………. 24
1.2.3 El retrato fotográfico …………………………………….……….. 25
1.2.4 El reportaje fotográfico ………………………………….……….. 27
1.2.5 Fotografía artística ………………………………………..……… 29
1.2.6 Fotografía de modas …………………………………….………. 29
Capitulo 2. Fotografía documental ……………………………………………………….. 31
2.1 Fotografía documental: un documento social ……………………….………. 31
2.2 Historia y evolución de la fotografía documental ………………..………….. 32
2.3 El fotoperiodismo ………………………………………………..……………… 37
2.3.1 La cámara Leica ………………………………….………………. 41
2.3.2 La revista Life …………………………………………………..…. 43
1
2.4 El Ensayo fotográfico …………………………………………………………... 43
2.4.1 William Eugene Smith ……………………………………………. 44
2.5 La Agencia Magnum ……………………………………………………………. 45
2.5.1 Robert Capa ………………………………………………………. 46
2.5.2 Henri Cartier Bresson ……………………………………………. 48
2.5.3 David Seymour …………………………………………………… 50
Capitulo 3. Fotografía analógica y digital ………………………………….……………. 52
3.1 Fotografía analógica ……………………………………………………………. 52
3.1.2 La cámara fotográfica analógica ………………………………… 54
3.1.3 Ventajas y desventajas de la fotografía analógica …………….. 58
3.1.3.1 Ventajas …………………………………………………….……… 58
3.1.3.2 Desventajas ……………………………………………..…………. 59
3.2 Fotografía digital ………………………………………………………..……….. 59
3.2.1 La cámara fotográfica digital ……………………………….……. 60
3.2.2 Ventajas y desventajas de la fotografía digital ………..……….. 65
3.2.2.1 Ventajas ………………………………………………………….… 65
3.2.2.2 Desventajas …………………………………………………..……. 67
3.3 Noción de realidad de una fotografía …………………………………………. 67
Capitulo 4. Cultura Wayuu …………………………………………………………………. 70
4.1 Historia ……………………………………………………………………….…… 70
4.2 Geografía ………………………………………………………………………… 74
4.2.1 La Guajira ……………………………………………………….….. 75
4.3 Organización social …………………………………………………………...… 76
4.4 Idioma ………………………………………………………………………….…. 79
2
4.5 Economía ……………………………………………………………………..….. 80
4.6 Etnografía y antropología ………………………………………………….…… 83
4.6.1 Fotografía en la etnografía y antropología ………….…………... 85
Capitulo 5. Recursos del lenguaje fotográfico para el ensayo sobre la cultura
Wayúu ………………………………………………………………………………………….... 87
5.1 Recursos del lenguaje fotográfico ………………..…………………………… 87
5.1.1 La composición fotográfica ……………….……………………...……. 87
5.1.2 El encuadre fotográfico …………………….………………………...... 88
5.1.3 Perspectiva, ángulos de toma y planos fotográficos ……….………. 91
5.1.4 El movimiento en la fotografía ………………………………………… 93
5.1.5 Iluminación y color en la fotografía ..…………………………………. 93
Conclusión ………………………………………………………………………..………….… 96
Referencias Bibliográficas ………………………………………………………………….. 99
Bibliografía ………………………………………………………………………………….… 102
Índice de figuras.
Figura 1: La cámara oscura y el ojo humano ……………………………………………...… 13
3
Figura 2: Basílica de los santos Giovanni e Paolo, en Venecia ……………..…………….. 14
Figura 3: Vista desde la ventana en Le Gras ………………………………………….…….. 16
Figura 4: Boulevard du Temple ……………………………………………………………….. 18
Figura 5: Schreiner in Lacock ……………………………………………………...………….. 19
Figura 6: Tetons and the Snake River …………………………………………………….….. 24
Figura 7: The kiss of peace ……………………………………………………………………. 27
Figura 8: Great-Britain …………………………………………………………………….……. 28
Figura 9: Dovima con elefantes, Cirque d’Hiver …………….………………………………. 30
Figura 10: Minding the Baby, Cherry Hill …………...…………………………..……………. 33
Figura 11: Una niña trabajando en una hilandería en Carolina del Norte …….………….. 34
Figura 12: The Construction of the Empire State Building ……………………………...….. 35
Figura 13: Migrant Mother ………………………………………………………………….….. 37
Figura 14: The Hotel Excelsior, Rome ……………………………….………………………. 39
Figura 15: Retrato de Adolf Hitler ………………………………………………...…………… 40
Figura 16: Leica I ……………………………………………………………………………..… 42
Figura 17: El baño de Tomoko ……………………………………….……………………….. 45
Figura 18: Muerte de un Miliciano ………………………………………….…………………. 47
Figura 19: The var department ………………………………………...……………………… 50
Figura 20: One child of a large family with a homemade doll ……...………………………. 51
Figura 21: Diafragma y longitud focal ……………………….….…….……………………… 56
Figura 22: Mosaico de Bayer ………………………………………………………………..… 63
Figura 23: Mapa de La Guajira en Virrey Guirio ……………………………………..……… 71
Figura 24: La Guajira, mapa detallado ……………………………………………………….. 74
Figura 25: La regla de los tres tercios ……………………………………………………...… 89
Figura 26: La regla del horizonte ……………………………………………………………… 90
Figura 27: La regla de la mirada ………………………………………………………………. 90
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Figura 28: Perspectivas paralela, oblicua y aérea ………………………………….………. 91
Introducción
Este Proyecto de Grado está fundamentado en la importancia de las imágenes
fotográficas documentales, sobre la cultura Wayúu, que habitan la árida península de La
Guajira al norte de Colombia en la zona costera del mar Caribe. La investigación, se
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desarrolla desde lo general hasta lo particular, haciendo una reseña completa de la
fotografía y sus diferentes ramas, con énfasis en la fotografía documental.
El Proyecto de Grado se encuentra dentro de la categoría de Creación y Expresión, ya
que hace énfasis en plasmar en medios, lenguajes, imágenes y técnicas, propuestas
creativas, novedosas y originales, cuyo objetivo es que la autora exprese personalmente
como creadora. Para ello se realizaron fotografías con una propuesta personal e
innovadora, en el cual los objetivos se constituyen a partir de un aporte creativo, un
tratamiento estético de las imágenes y el estilo propio definido por la autora.
Aunque el Proyecto de Grado, se presenta dentro de la categoría mencionada, se
muestra una investigación sobre la importancia y el estilo de las fotografías, que son de
tipo documental, porque dan un testimonio de una realidad actual. El Proyecto de Grado
manifiesta por medio de la fotografía la importancia de quienes por diferentes motivos,
están en un olvido relativo con respecto al resto de la población colombiana.
El objetivo principal consiste en mostrar por medio de imágenes fotográficas la cultura,
costumbres, alimentación, formas de subsistir y otras características étnicas de los
Wayúu, mediante una observación directa y participativa, documentando de manera real
cada detalle y momento de la vida de esta comunidad.
Los objetivos secundarios son exponer la trascendencia que tiene la fotografía
documental y como la fotografía digital ha transformado la fotografía analógica; ambas
muestran la realidad de una escena, pero la fotografía digital permite la manipulación de
las imágenes, lo cual pone en duda su exclusividad y credibilidad, sin dejar de mencionar
que con la fotografía digital, se puede hacer una elección al instante con una
previsualización de las imágenes, resultando más económica que la fotografía analógica.
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La fotografía documental, en primer lugar da testimonio de una realidad y luego pasa a
recordar la existencia de dicha realidad. La fotografía proporciona un testimonio particular,
ya que es mucho más creíble que un texto escrito. Es un instrumento que informa
visualmente al espectador y además contribuye a la comprensión de acontecimientos en
el contexto de prensa, en el que partió y en el cual se realizó el reportaje fotográfico. Se
establece una relación entre la fotografía y la realidad, la fotografía certifica la existencia
de lo que se muestra, tiene una connotación de realidad de documento y registro de que
algo ocurrió en que para el observador es la prueba de que aquello realmente existió.
Pero con el paso del tiempo, ya en la era digital, las dudas y el cuestionamiento respecto
a la realidad y credibilidad de una fotografía han cambiado, esta irrealidad parte del hecho
de que las imágenes pueden ser manipuladas con el uso de herramientas digitales tales
como el Photoshop. La relevancia de este tema está dada por la polémica a la que hoy se
asiste en cuanto a la representación de la verdad, asociada a la fotografía con película
(analógica), oponiéndose a la irrealidad de la fotografía con cámara digital.
El proyecto está basado en una investigación, para realizar el ensayo fotográfico de la
cultura Wayúu, a través de fotografías que registran y muestran una imagen real y fiel del
grupo estudiado. Para lograr el objetivo fundamental, fue necesario convivir con ellos
durante dos semanas para la obtención de las imágenes relacionadas con todas sus
costumbres.
Los Wayúu son un grupo de indígenas que habitan en el departamento colombiano de La
Guajira, (al norte de Colombia y al noroeste de Venezuela), es una región con clima cálido
y seco. Los Wayúu son el pueblo originario más numeroso de Colombia. Todo lo
relacionado con esta etnia está dentro de un enfoque documental etnográfico, el cual se
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define como un método de investigación de antropología social y cultural, es decir el
estudio directo de personas o un cierto grupo, utilizando la observación participante, en
este caso el trabajo de campo y las fotografías, para conocer su comportamiento
cotidiano. Los datos recopilados y las fotografías se basan en sus costumbres, creencias,
mitos, organización, cultura, historia, población y demás aspectos importantes, en el cual
las imágenes hablan por sí mismas y permiten percibir y transmitir lo que se investigó y
servirán para un futuro como conservación y comprensión de esta cultura, ya que con el
paso de los años y como resultado de la globalización; (la cual es un proceso económico,
tecnológico, social y cultural que consiste en la interrelación de los diferentes países
unificando sus mercados, sociedades y culturas), esta cultura cambiará, modificando sus
costumbres.
La metodología se basó en la búsqueda bibliográfica, entrevistas personalizadas,
recursos electrónicos, videos, revistas y otros medios de documentación. Contribuye con
todo lo anterior la fotografía documental histórica de la cultura Wayúu y la relación que
tiene la etnografía y el análisis antropológico, además de las fotografías que fueron
tomadas como registros inéditos permanentes, incluyendo otros documentos, anotaciones
analíticas, memorias y diarios de campo.
Durante el desarrollo del ensayo fotográfico, se fueron evaluando todos los resultados y
se hicieron los ajustes necesarios, estudiando toda la información disponible con el fin de
obtener la mejor descripción tanto de la bibliografía como de las vivencias de campo.
Las imágenes fotográficas son de carácter descriptivo, ya que muestran las diferentes
características de la cultura Wayúu, y el estilo fotográfico que sustenta las imágenes se
establece dentro del marco de una fotografía documental, transmitiendo información y
juicio auténtico de estas imágenes.
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El ensayo fotográfico es la máxima expresión de la fotografía documental, y se basa en
momentos relevantes de la vida del ser humano describiendo familia, vivienda, trabajo,
educación, salud y otros aspectos de gran importancia de los grupos étnicos que están
asentados en el país. Este documental fotográfico cuenta una historia de un determinado
grupo, donde se refiere al ángulo de toma de las fotografías e implica una investigación
del tema, la búsqueda de objetivos y conceptos, la elección de la técnica adecuada, el
género fotográfico, el lenguaje visual y la composición. La elección de los recursos del
lenguaje fotográfico que se emplean, incluyen los diferentes planos, ángulos y encuadres
en el que se determina la cantidad de información que proporcionarán las fotografías. La
composición se basa en organizar las formas dentro del espacio visual disponible de
manera que el resultado sea armonioso y estéticamente equilibrado. La luz, es el recurso
más importante, se usó adecuadamente para componer la intención creativa de la
fotógrafa, buscando una iluminación que resalte la forma de la imagen. En el desarrollo
fotográfico se establecen diferentes propuestas estéticas, en que la cámara que se utiliza
es una cámara digital, con climas de luz día natural, resaltando los diferentes contrastes,
contraluces y sombras.
El marco teórico de este Proyecto de Grado, tiene el propósito de dar a la investigación un
sistema coordinado y coherente de conceptos y proposiciones que permitan abordar el
problema. Es decir, se trata de integrar al problema dentro de un ámbito donde este cobre
sentido, incorporando los conocimientos previos relativos de modo tal que resulten útiles.
Se empieza la investigación con el planteamiento de cinco capítulos, el primer capítulo es
una descripción de la fotografía en general, desde el punto de vista histórico. Se indicarán
los diferentes tipos y géneros de la fotografía, el objetivo del capítulo dos es enfocarse en
la fotografía documental y sus diferentes exponentes. En el capítulo tres se realiza una
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investigación de las ventajas y desventajas de la fotografía analógica y la fotografía digital.
Luego de abarcar toda la parte investigativa de la fotografía, se dispone y se le da paso al
capítulo cuatro en el cual se realiza la investigación antropológica de la cultura Wayúu,
abarcando desde la historia y demás aspectos indicados anteriormente. En el capítulo
cinco se explicaran los diferentes recursos del lenguaje fotográfico que se utilizaron para
el desarrollo del ensayo fotográfico sobre la cultura Wayúu.
Por último, se realiza el ensayo fotográfico sobre la cultura Wayúu, en un libro en el cual
las fotografías son colocadas en un orden específico, con sus respectivos títulos,
contando mediante una historia la manera de vivir de esta cultura.
Capitulo 1. Inicios de la fotografía
En este primer capítulo, se plantean los diferentes temas de los inicios de la fotografía,
empezando desde lo general hasta lo particular, describiendo el desarrollo histórico de la
fotografía, desde su origen, los diferentes procedimientos más importantes y relevantes
que se dieron en el siglo XIX, tomando en primera instancia a Nièpce, inventor de la
fotografía quien ayudó a resolver los principales problemas que planteaba fijar una
imagen, siguiendo con Louis-Jacques Mandé Daguerre y el daguerrotipo, continuando con
la invención del calotipo por William Henry Fox Talbot, quien logró las imágenes negativas
superponiendo objetos sobre papel sensibilizado. Se tratará la etapa del colodión, esto en
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la utilización de la albumina (materia transparente y viscosa que constituye la clara de
huevo).
Por último, se hace referencia a la invención de la placa seca, que mejora al colodión
prolongando su sensibilidad, haciendo diferentes experimentos para la mejora de la
fotografía en blanco y negro.
Se plantean los diferentes procesos del siglo XIX en la fotografía, y se hace la descripción
de los diferentes géneros fotográficos, explicando cada uno de estos con sus respectivas
características.
1.1 Introducción y nacimiento de la fotografía
La fotografía es un procedimiento por el que se consiguen imágenes permanentes sobre
un material fotosensible, esta sustancia química fotosensible se modifica con la acción de
luz. Se basa en el principio de la cámara oscura, que consiste en una caja estanca a la luz
agregándole componentes que hacen posible una imagen. El termino fotografía proviene
del dos palabras griegas que combinó John Herschel –pothós que se significa luz y
grapho que significa dibujo, es decir dibujar con la luz.
El nacimiento de la fotografía se da cuando después de muchos esfuerzos se logra grabar
y fijar en una superficie una imagen tomada a partir de una cámara oscura o caja de luz.
La historia de la fotografía comienza en Francia en 1839 con la difusión del procedimiento
del daguerrotipo desarrollado y perfeccionado por Louis- Jacques Mandé Daguerre (1787-
1851) a partir de los experimentos que ya había realizado Joseph Nicéphore Nièpce
(1765-1833).
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1.1.1 La cámara oscura y sus experimentos
La cámara oscura es un instrumento óptico con el cual se puede “dibujar” con la luz sobre
papel con di ferentes matices de color, este fenómeno óptico ya había sido utilizado
por Aristóteles (384-322 a.C.) en su obra Problemata en la que hace una descripción
de este fenómeno en un eclipse parcial de sol. En este caso Aristóteles vio la imagen
proyectada en el suelo, en forma de media luna al pasar los rayos por medio de un
cedazo y unas hojas de plátano. Sin embargo al finalizar el siglo V el árabe Abu Ali al-
Hasan ibn al-Haytham conocido como Alhazen (965-1040) aplicando el principio de la
cámara oscura para explicar la formación de la imagen visual del ojo. Leonardo Da
Vinci (1680) experimentó con el principio de la cámara oscura y escribió:
Un experimento que muestra como los objetos transmiten imágenes o simulacros
que se intersecan dentro del ojo en el humor cristalino. Esto queda demostrado
cuando por un pequeño orificio circular penetran en una habitación muy oscura
imágenes de objetos muy iluminados. Si recibes esas imágenes en un papel blanco
situado dentro de tal habitación y muy cerca de tal orificio, veras en ese papel esos
objetos con sus cabales formas y colores, aunque, por culpa de la intersección, a
menor tamaño y cabeza abajo. Si dichas imágenes proceden de un lugar iluminado
por el sol, parecerán como pintadas en el papel que habrá de ser sutilísimo y visto
del revés. El orificio se abrirá en una placa de hierro muy delgada. (…) así ocurre
dentro de la pupila. (p. 130).
Este tratado de la pintura fue publicado doscientos años después de que, Leonardo Da
Vinci impulsó el desarrollo de la cámara oscura, mostrando el funcionamiento de la visión
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y el comportamiento de la luz, Leonardo fue el primero en poner una lente en el orificio de
la luz para lograr una imagen más nítida.
Figura 1La cámara oscura y el ojo humano. Leonardo Da Vinci, 1498Fuente: http://www.torretavira.com/es/pdf/camaras_oscuras.pdf
Durante la Edad Media el británico Roger Bacon (1214-1294) continuó con los estudios de
Alhazen de la reflexión y refracción de la luz y en su Ciencia Perspectiva, propuso poner
detrás del agujero de la caja de luz un espejo inclinado a 45º logrando que las imágenes
se proyectaran de manera horizontal. En 1550 Gerolamo Cardano (1501-1576) en la obra
De Subtilitate, explicó cómo poner un cristal biconvexo, en el orificio para lograr una
imagen más brillante, pero Giambattista Della Porta (1540-1602), en 1558 describió en su
obra Magiae Naturalis, una cámara oscura más perfeccionada con espejos que lograba
poner las imágenes en su posición correcta y su aplicación para el dibujo. Esta
publicación tuvo éxito y fue traducida a árabe y varias lenguas europeas, siendo
considerado su autor como el inventor de la cámara oscura.
Si no sabéis pintar, con este procedimiento podéis dibujar con un lápiz. Entonces
no tenéis más que aplicar los colores. Esto se consigue proyectando la imagen
sobre una mesa de dibujo con papel. Y para una persona que sea habilidosa la
cosa resulta muy sencilla... (Della Porta, 1558).
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Figura 2Basílica de los santos Giovanni e Paolo, en Venecia. Bocetos obtenidos mediante una cámara oscura.Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Canaletto4fogli.jpg
Robert Hoke (1653-1703) en el siglo XVII construyó cámaras oscuras dándole la forma
curva de la retina con pantallas cóncavas de proyección en el fondo de la cámara,
mostrando así el mecanismo de la visión humana. Daniello Barbaro (1513-1570) propuso
en 1568 su obra La Practica della Prospecttiva introducir un diafragma que regula el
tamaño del agujero por donde pasa la luz, así mismo Daniel Schwenter en 1936 en su
obra Deliciae Physico-matematicae invento un objetivo de varias lentes para lograr varias
distancias focales. A partir de esto se construyeron cámaras oscuras portátiles, el
astrónomo alemán Johannes Kepler (1571-1630) fue uno de los fundadores de estas en
1620 para llevarlas de viaje, dibujar paisajes y dibujos topográficos. La frase camera
obscura fue ideada en 1604 por Kepler en su tratado Ad Vitellionem Paralipomena.
1.1.2 Nièpce y los primeros experimentos con la fotografía
El francés Joseph Nicéphore Nièpce (1765-1833) miembro de una familia de Borgoña fue
el primero que resolvió los problemas que planteaba fijar una imagen en la placa seca. En
1813 Nièpce instala un taller dedicándose a la litografía un procedimiento de impresión
que consiste en dibujar sobre una piedra especial con una tinta grasa, creado en 1796
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por Aloys Senefelder (1771-1834). En este taller Isodore el hijo de Nièpce era quien
dibujaba pero luego Isodore dejo el taller para internarse en el ejército. En ese entonces
Nièpce al no saber dibujar pensó la manera de cómo aplicar la cámara oscura en la piedra
litográfica.
En 1816 empleando acido nítrico sobre papel con cloruro de plata logró hacerlo,
desarrollando un procedimiento de impresión que lo llamó la heliografía, era parecido a la
litografía solo que en vez de usar la piedra litográfica se basaba en planchas de estaño,
papel y cristal, aplicándoles a estas planchas un betún de Judea, un asfalto sensible a la
luz, luego se le aplicaba encima el grabado impreso sobre papel translucido,
exponiéndose a la luz por varias horas, se agregaba aceite de lavanda y aparecía la
imagen.
Nièpce aplicó este procedimiento para obtener fotografías a las cuales llamo “puntos de
vista”, las cuales exponía las placas en una cámara oscura con un lente diminuto. Punto
de vista desde la ventana de Gras fue la primera fotografía hecha por Nièpce en 1826,
donde se conserva actualmente en la Universidad de Texas, la cual fue tomada desde la
ventana de su casa de campo Saint Loup de Varennes en la que la exposición a la luz
duro aproximadamente ocho horas.
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Figura 3Vista desde la ventana en Le Gras. Joseph Nicèphore Nièpce, 1927Fuente: La fotografía, un invento con historia. Incorvaia, Monica
Otra imagen conocida de Nièpce fue la “mesa puesta” (naturaleza muerta) realizada sobre
vidrio, esta imagen se conserva en el Museo Nicéphore Nièpce, la cual también duro ocho
horas de exposición a la luz.
1.1.3 Daguerre y su invento el daguerrotipo
Los experimentos de Nièpce llegaron a Louis-Jacques Mandé Daguerre (1787-1851),
quien era famoso por ser propietario de un espectáculo que se llamaba Diorama,
instalación que se daba sensación de profundidad. Este espectáculo se trataba de crearle
una sensación al espectador de que se encontraba en otro lugar a través de imágenes
enormes que se movían combinándolas con sonidos y luz natural regulada con telones y
pantallas. Daguerre empezó a hacer dibujos en perspectiva y a trazar planos a partir de
esto creo una instalación escenográfica con planos recortados en la cual Daguerre
empleaba la cámara oscura para realizar estas creaciones. Daguerre se puso en contacto
con Nièpce, y se asociaron en 1829 en el que se firmó un contrato que establecía que
Nièpce aportaba un “nuevo medio para fijar las vistas que brinda la naturaleza sin tener
que recurrir a un dibujante” y Daguerre “un nuevo sistema de cámara oscura, su talento y
su industria”.
En 1833 Nièpce muere y su hijo Isodore hereda la parte en la sociedad comercial, aunque
Daguerre fue el único que continuó con los experimentos, haciendo algunos ensayos con
sustancias fosforescentes pero la imagen solo era visible en la oscuridad. En 1835
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Daguerre hizo un descubrimiento por accidente, puso una placa expuesta en su armario
químico y luego de unos días esta se convirtió en una imagen latente, en ese mismo año
Daguerre se aprovecha de los problemas económicos de Isodore para así modificar el
contrato, y en 1837 consigue desarrollar por completo la invención del daguerrotipo,
cambiando el nombre de Nièpce en el contrato por el de Daguerrèotype. El daguerrotipo
era un positivo único al cual no se le podían hacer copias de buena calidad por el
mercurio que se encontraba esparcido en gotas finísimas muy parecido a lo que hoy es el
grano en fotografía solo que con mejor calidad, registrando detalles, Daguerre utilizó
placas de cobre plateado, sensibilizadas con vapores de yodo y revelados con vapores de
mercurio, fijando las imágenes con agua salada caliente obteniendo imágenes de buena
calidad y nitidez. Daguerre no tenia prestigio académico para presentar su invento
entonces se puso en contacto con el astrónomo físico Domingo Francisco Arago (1786-
1853) para presentarlo en la Academia de Ciencias, esto se dio en 1839 logrando la
aprobación por el Congreso de una ley por la cual el Estado francés le da a Daguerre los
derechos del ingenioso invento, así la nación lo podía difundir por todo el mundo.
Figura 4Boulevard du Temple. Louis-Jacques Mandé Daguerre, 1838.Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Louis_Daguerre.
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Arago realizó una exposición explicando los procedimientos del invento el 19 de agosto de
1839 en la Academia de Ciencias y esa fue la fecha que se considero como el nacimiento
de la fotografía. Otra variante del daguerrotipo fue la estereoscopia la creación de una
apariencia de relieve con figuras planas, usando una cámara con la que se obtenía dos
daguerrotipos al mismo objeto.
1.1.4 Talbot y el calotipo
El matemático, fotógrafo e inventor William Henry Fox Talbot (1800-1881) patentó el
calotipo en 1843, realizó sus primeras investigaciones al mismo tiempo que Nièpce y
Daguerre en 1834, en Gran Bretaña al poner hojas, flores y telas por contacto de los
objetos con una superficie sensibilizada, con una sustancia química, hiposulfito de sodio,
y exponiéndolas al sol por una hora, logró imágenes negativas sin usar la cámara oscura
a las que llamo dibujos fotogénicos. Talbot presentó su invento en la Royal Institution de
Londres pero no tuvo éxito, después uso cámaras oscuras pequeñas, logrando imágenes
de buena calidad y buen tamaño. Este sistema consistía en la producción de imágenes
por negativo y positivo, con la ventaja sobre el daguerrotipo de lograr varias copias de un
solo negativo.
Se llama calotipo (calotype) que viene del griego kalos que significa bello, este método
estuvo basado en papel sensibilizado con nitrato de plata y acido gálico que al ser
expuesto a la luz era revelado con estas sustancias químicas y fijado con hiposulfito de
sodio. Talbot en la época de 1844 y 1846 expone un libro con seis series de calotipos de
naturaleza muerta y objetos cotidianos, libro que estaba dedicado a los descubrimientos
que había hecho y al que llamó Pencil of Nature.
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Figura 5Schreiner in Lacock. William Henry Fox Talbot, 1842/43.Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Talbot_foto.jpg
1.1.5 Archer y Le Gray: el colodión húmedo
El inglés sir Frederick Scott Archer (1813-1857) fue escultor, descubrió y aplicó el colodión
húmedo en 1851, esto es a lo que hoy se conoce como piroxilina o nitrato de celulosa
común en los pegamentos, el investigador y fotógrafo francés Gustave Le Gray (1820-
1884) utilizó en el procedimiento fotográfico colodión húmedo, lo que anunció en 1849 en
su tratado de la fotografía, consiguiendo imágenes mediante el revelado con sulfato de
protóxido de hierro. El procedimiento fue creado por el descubrimiento de la albumina,
materia transparente y viscosa que constituye la clara de huevo, esta sustancia era fácil
de conseguir y servía como fijador de elementos sensibles para la placa que hicieron
posible la producción de imágenes. Esta sustancia era transparente e insoluble
soportando varios lavados y manipulaciones.
El procedimiento obtenía mejores imágenes que las del daguerrotipo, y el tiempo de
exposición era menor, se calculaba que duraba tan solo segundos, pero tenía la
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desventaja de ser un proceso complejo, ya que se secaba muy rápido y perdía
sensibilidad a la luz. El colodión húmedo era una placa que duraba húmeda durante el
procedimiento de toma y revelado de la imagen, para ello los fotógrafos debían llevar
consigo un laboratorio en el cual después de tomar la fotografía debían revelarla en el
menor tiempo posible antes de que se secara la placa, estas placas eran utilizadas como
soportes eran frágiles ya que eran de vidrio y podrían rayarse fácilmente, se exponían por
un lapso menor del necesario y por ellos los contornos de las figuras quedaban
indefinidos. En 1880 este procedimiento desaparece y es reemplazado por la placa seca
de vidrio al gelatino-bromuro.
1.1.6 Maddox y Bernnett: la placa seca
Siga adelante hasta que termine su pegajosa senda. Y gelatina habrás de usar si
quieres que las cosas funcionen. Colodión – lento y antiguo vejete! – tus días felices
han terminado. Deberás hacer sitio en el futuro a las placas de Gelatina… (Vogel,
1876).
Los fotógrafos se vieron obligados a buscar la manera de obtener una placa que pudiera
preparase con anticipación y pudiera ser revelada tiempo después y no de inmediato
como se debía hacerse con el colodión húmedo. La solución fue sustituir el colodión por
una materia que mantuviera la placa seca y activas las sustancias fotosensibles que iban
a tener contacto con la luz. Esta materia fue la gelatina una sustancia fluida en la que se
encuentran en suspensión otras sustancias divididas en finísimas partículas que están en
permanente movimiento porque se cargan electrónicamente y son repelidas por el medio.
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Las soluciones de gelatina se espesan a medida que pasa el tiempo y si se mantienen en
reposo adquieren rigidez. En 1871 Richard Leach Maddox (1816-1902) publica una
revista con la descripción del procedimiento al que llamó gelatino-bromuro, consistía en
una emulsión compuesta de bromuro de cadmio y gelatina, sensibilizada con nitrato de
plata; estas soluciones se mezclaban y formaban bromuro de plata (usado hoy en
películas y papeles fotográficos) y se aplicaba en un cristal el cual se dejaba secar, era un
procedimiento lento por eso el carpintero canadiense Charles E. Bennett (1843-1908) en
1878 mejora el procedimiento al ver que se podía optimizar la sensibilidad del gelatino-
bromuro dejándolo secar durante 10 días a una temperatura de 32º C, logrando reducir el
tiempo de exposición a un cuarto de segundo desplazando así totalmente al colodión
húmedo en 1882.
El vidrio de las placas era muy pesado y frágil, para ello se idearon la manera de
encontrar un material mejor, entonces el vidrio fue reemplazado por el celuloide derivado
de la celulosa, este fue tratado con químicos como el acido nítrico, acido sulfúrico, agua y
alcohol dando como resultado un material transparente y flexible logrando una película
delgada y en 1888 John Carbutt empieza a fabricar con el celuloide una película flexible
para negativo, George Eastman (1854-1832) investiga sobre esta aplicación y la
construcción de cámaras ligeras, su empresa Eastman Kodak fue la primera en fabricar y
comercializar películas con celuloide. Durante esa época la gelatina fue usada para la
fabricación de papeles fotográficos para copias usando la misma tecnología de la placa
seca pero puesta en una delgada capa de sulfato de barita, una sustancia inerte y blanca
sirviéndole de fondo a las imágenes.
1.2 Géneros fotográficos
21
Los géneros fotográficos son aquellos temas tratados en las fotografías, el concepto
género se utiliza para categorizar las fotografías dentro de grupos que se basen en un
mismo contenido. Los géneros son tipos de imágenes que poseen cualidades comunes y
una categoría mental según la percepción de las imágenes. Con el surgimiento de la
fotografía, la demanda social y la forma de expresarse de las personas determinaron los
temas que se iban a tratar de allí surgen los géneros, en un principio solo existían pocos
géneros que fueron llamados: retrato, paisaje y naturaleza muerta (bodegones) Estos tres
géneros provienen de la pintura y tienen continuidad en la fotografía. El reportaje fue otro
género con el que se empezó a clasificar la fotografía, y tiene características que permiten
registrar imágenes para guardar un testimonio de la realidad o de un entorno social
determinado. El surgimiento de nuevos géneros fotográficos, se dio gracias a los nuevos
materiales sensibles que lograron fijar las imágenes en un menor tiempo, logrando
fotografías hasta en ese entonces imposibles, en las que predominaba el movimiento y
otros recursos como nuevos elementos expresivos. Se tienen diferentes criterios para la
clasificación de estos grupos de imágenes que conforman los géneros fotográficos.
1.2.1 Fotografía de paisaje
La fotografía de paisaje se refiere a escenas de la naturaleza o urbanas, el paisaje
representa una porción de la naturaleza, elegida por el fotógrafo (encuadre), estas
fotografías deben ser limpias y simples, en ellas debe haber un centro de interés, para
conseguir esto se debe tener en cuenta las líneas diagonales o líneas de horizonte que
deben estar situadas en el tercio inferior o superior de la fotografía, evitando situaciones
de especular simetría ya que la asimetría es la que le proporciona el ritmo a las imágenes.
El encuadre y la composición tienen que ver con los objetivos que se vayan a utilizar, gran
angular para paisajes amplios y teleobjetivo para detalles, para reforzar se puede usar
22
filtros. La luz depende de la estética, pero no es bueno usar la luz natural del sol ya que
es una luz dura y produce muchas sombras.
La fotografía de paisaje ha sido una de las más influyentes dentro de la historia de la
fotografía ya que a partir de ella Nièpce inventor de la fotografía, tomó la primera a un
paisaje al frente de su casa que lo llamo Punto de vista desde la ventana de Gras en
1826. En un principio la fotografía de paisaje se conocía como los puntos de vista y tenían
la ventaja de la inmovilidad de las cosas, pero la desventaja de tener que desplazar la
cámara y el laboratorio que entonces eran muy grandes y pesados. Entre 1840 y 1844 el
fotógrafo Lerebours expuso una colección de fotografías llamada Excursiones
daguerrianas de imágenes del mundo tomadas por diferentes fotógrafos. Después de los
avances tecnológicos en cuanto a técnica en la fotografía se desarrolla este género con
diferentes aspectos como valores memorísticos, curiosidad científica o cuestiones
relacionadas con la creatividad. La fotografía de paisaje influenció en el realismo y el
idealismo, dando un paisaje más tamizado, así lo demostró Ansel Adams (1902-1984) con
sus fotografías, empleando en sus producciones el sistema zonal o graduación de grises y
se convirtió en un maestro en el uso de la luz.
23
Figura 6Tetons and the Snake River. Ansel Adams, 1942.Fuente: http://www.anseladams.com/Tetons_and_the_Snake_River_p/1701186102.htm
1.2.2 Fotografía de naturaleza muerta
Este género como también es llamado bodegón fotográfico, se suele hacer en interiores a
elementos que están en las cocinas o despensas (frutas, pan, botellas de vino, etc…).
Este género se clasifica en dos: bodegón seco que son los que admiten sombras, texturas
y el color es cálido, se usan elementos como: maderas, cereales, barro, flores secas,
botellas de vino, para generar contraste se pone un elemento que se destaque de los
demás, y el bodegón húmedo que es más luminoso y brillante, no tiene sombras y sus
texturas deben ser suaves, se usan elementos como frutas, verduras, acero, porcelana.
Este género es aplicado en la fotografía publicitaria y las imágenes deben ser limpias y
cuidadas para ello los elementos son “maquillados” logrando brillos o texturas. Es
importante que en las fotografías se respete la ley de los tercios y conseguir mayor
profundidad de campo, al igual que en la fotografía de paisajes son importantes los
objetivos y la posición de la cámara, la luz dependerá del bodegón que se realice.
1.2.3 El retrato fotográfico
El retrato fotográfico nace con el Daguerrotipo, el problema de esos retratos fotográficos
era que para entonces se necesitaba mucho tiempo de exposición y por esta razón
muchas de las personas que eran fotografiadas salían movidas, luego de numerosos
inventos y al lograr un tiempo de exposición menor, los pintores de retratos se vieron
amenazados por el nuevo invento y muchos de ellos dejaron su profesión como pintores y
24
se pusieron a trabajar con la fotografía dentro de lo cual terminaron siendo grandes
retratistas. Los principales estudios se encontraban en París, Londres y Boston, estos
eran construcciones con estructuras de hierro con techo de cristal y grandes ventanas
aprovechando al máximo la luz solar y en los que se hacían miles de retratos al año, para
las personas cuando tenían una ceremonia, se realizaban con un telón de fondo el cual
podía ser un paisaje de bosques, cascadas o jardines, muchas veces para evitar que las
fotografías salieran movidas tenían que sujetar la cabeza de la persona con un dispositivo
similar al que usaban los dentistas para mantener inmóvil a los pacientes, pero para 1850
con las innovaciones tecnológicas se logro acelerar el tiempo de toma. En esa época los
fotógrafos recomendaban a las personas cómo debían vestirse para el retrato, los
hombres debían vestir de negro, las mujeres no podían usar colores claros, y los niños
debían usar vestidos de cuadros, como las fotografías salían invertidas.
Los militares debían cambiarse las condecoraciones al lado opuesto al que lo debían
llevar. El tamaño del daguerrotipo variaba de acuerdo al status social de cada persona,
habían daguerrotipos coloreados a mano en los que se pintaban de rojo las mejillas de las
mujeres y los vestidos de color azul, estos retratos eran entregados con un marco, se
usaba este marco para proteger la imagen ya que se dañaban con facilidad La idea del
retrato fotográfico era y es mostrar las cualidades físicas o morales de las personas, quien
hizo uso de esto fue uno de los retratistas más importantes Nadar, quien tenía la
capacidad de expresar la personalidad de sus personajes por medio de sus fotografías. El
utilizaba la luz como elemento fundamental para la realización de sus imágenes, y la
forma de iluminar al modelo, más los gestos y la mirada de cada personaje. Cuando nació
la fotografía el retrato pintado dejó de ser importante ya que el retrato fotográfico era
mucho más económico y se demoraba menos tiempo en ser realizado. Por esta razón
muchos pintores de la época decidieron volverse fotógrafos retratistas es el caso de Félix
25
Tournachon, Gustave Le Gray quienes, lucharon para lograr que la fotografía fuera vista
como un arte.
Julia Margaret Cameron realiza retratos con planos cortos, sus fotografías tenían un
efecto desenfocado y un efecto flou, sus retratos trataban de imitar la pintura usando
modelos sentados con mucha iluminación. Esto cambió con el desarrollo de las
fotografías, el retrato pictórico el cual dependía del modelo, lo hacía sentirse cómodo y
existía una comunicación entre el fotógrafo y el modelo.
Figura 7The kiss of peace. Julia Margaret Cameron, 1869.Fuente: http://poeticoneirism.blogspot.com/2009_05_01_archive.html
1.2.4 El reportaje fotográfico
El reportaje fotográfico es un conjunto de fotografías que van acompañadas de un texto
escrito con el cual tiene una unidad temática agrupada bajo un titulo. El reportaje
26
fotográfico es un género del fotoperiodismo es decir que la imagen debe estar dentro de
contexto de un hecho reciente. Se pueden plantear el reportaje de dos maneras,
realizando un enfoque objetivo y realista o un enfoque implicándose emocionalmente en
los hechos que están ocurriendo. El reportaje fotográfico requiere un orden de las
fotografías para ser leídas coherentemente. El reportaje fotográfico se inició en Alemania,
en la década de 1920 bajo el impulso de la República de Weimar en el que aparecieron
varios periódicos ilustrados en los que inició la fotografía de prensa. Roger Fenton y su
equipo se dedicaron a tomar fotografías de la Guerra de Crimea para una revista,
fotografías que reflejan la crudeza de la guerra de manera que nunca se había visto.
Mathew Brady se dedica a fotografiar, junto a su equipo, la Guerra de Secesión
norteamericana.
El ensayo fotográfico nace del reportaje fotográfico, uno de los mayores exponentes de la
realización de historias por medio de fotografías fue W. Eguene Smith (1918-1978) quien
se hizo colaborador de algunos diarios de su ciudad y años después fue trasladado a
Nueva York para trabajar en Newsweek, colaboró con la revista Life y se incorporó en la
agencia Black Star hasta 1943, y por último en la agencia Magnum en la que trabajó hasta
1959, realizó un reportaje en Japón de la empresa Hitachi, pero su ensayo más
importante fue el que realizó en un pueblo pesquero de Japón contaminado con desechos
de mercurio.
27
Figura 8Great-Britain. W. Eugene Smith, 1950Fuente: http://www.magnumphotos.com/
1.2.5 Fotografía artística
La fotografía artística tiene un carácter subjetivo, y no siempre fue considerada como arte.
El impresionismo en la pintura influyó en la fotografía artística en ese momento se
desarrolló la manipulación de imágenes que se convirtió en una herramienta para la
expresión artística de cada fotógrafo. El lenguaje artístico fotográfico partió de la herencia
de la pintura, como la captura del movimiento con largos tiempos de exposición y la
decisión de toma. Los pintores como Manet, Delacroix y Corto utilizaron la fotografía para
obtener modelos y realizar sus cuadros. La fotografía de arte tal como la describieron
Cameron y Rejlander en la que exponían paisajes románticos, alegorías y retratos flou. La
fotografía artística se desarrolla a mitad del siglo XIX, surge con las críticas que negaban
el valor artístico de la fotografía.
1.2.6 Fotografía de modas
La fotografía de modas es un género fotográfico destinado a mostrar ropa y otros artículos
relacionados con la moda, que luego se justifican en avisos publicitarios o revistas de
moda. La fotografía de modas ha desarrollado su propia estética, en las que las prendas
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de vestir y los accesorios van con historias y se realizan en lugares escogidos por los
fotógrafos ya sea interior (estudio fotográfico) o exterior (paisajes). La fotografía de modas
aparece en el siglo XX, las imágenes aparecieron por primera vez en publicaciones
francesas como La Mode Practique. Vogue y Harper’s Bazaar, fueron revistas de moda
importantes para el desarrollo de este género. Fotógrafos como Edward Steichen, Horst
P. Horst y Cecil Beaton en la década de 1920 y 1930 fueron los primeros en experimentar
y desarrollar este género como una forma de arte. Irving Penn desarrolló sus fotografías
en interiores bajo determinadas condiciones de luz y dándole protagonismo a la modelo,
Richard Avedon se caracterizó por sus retratos y sus fotografías de moda en exteriores y
esto contribuyó a hacerlo famoso y reconocido.
Figura 9Dovima con elefantes, Cirque d’Hiver. Richad Avedon, 1955. Fuente: http://www.richardavedon.com/#mi=1&pt=0&pi=3&p=-1&a=-1&at=-1.
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Los retratos de Avedon eran sencillos, retrataba personajes famosos y realizaba fotografía
de modas creando escenarios nunca antes vistos por otros fotógrafos convirtiéndose en el
fotógrafo de moda más influyente en el siglo XX.
Capitulo 2. Fotografía documental
En este capítulo se plantea uno de los aspectos más importantes de este Proyecto de
Grado, la fotografía documental. Se detalla su historia y evolución en el transcurso de los
años hasta llegar a la época actual.
El fotoperiodismo y su relación con la fotografía documental será uno de los temas a
desarrollar en este capítulo. La cámara Leica de pequeño formato inventada por Oskar
Barnack, será descrita, ya que marca un antes y un después en el mundo periodístico.
Como último tema de esta parte, se hace mención a las revistas internacionales que han
marcado la historia del fotoperiodismo, principalmente sobre la Agencia Magnum que es
la más importante en este desarrollo y sus diferentes exponentes.
2.1 Fotografía documental: un documento social
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La fotografía documental es un género de la fotografía el cual evidencia sucesos o
momentos de la realidad, este concepto se refiere a una fotografía social y testimonial, no
obstante es considerada fotografía documental a todas aquellas imágenes que se refieran
a algo o a alguien que pueden ser creaciones artísticas o imágenes manipuladas. Al ser
un género las fotografías son documentaciones de las condiciones y el contexto en el que
vive el hombre. Como lo citaba Joan Fontcuberta a Aaron Siskind en su libro, Fotografía:
Conceptos y Procedimientos, una Propuesta Metodológica:
Para mí, la fotografía documental consiste tomar una fotografía de tal modo que el
espectador no piense en la persona que la tomó. En su núcleo estético hay una
tradición muy antigua: el naturalismo. Y su propósito es el de registrar todas las facetas
de las relaciones sociales. (Siskind, p. 181)
Los objetivos de la fotografía documental es generar conciencia social, en la que puede
tener un carácter de denuncia con la intención de producir un cambio, también tiene como
finalidad la comprensión de la humanidad.
2.2 Historia y evolución de la fotografía documental
Los inicios de la fotografía documental se inician con el daguerrotipo, el cual se utilizaba
para hacer fotografías de expediciones de las clases burguesas, al inventarse la placa
seca se empezaron a sacar fotografías de la Guerra de Secesión.
A partir de 1870 empezaron a popularizarse las cámaras pequeñas en las que el tiempo
de exposición era más corto, gracias a ello se dieron las primeras fotografías
consideradas como documentales por el fotógrafo danés Jacob August Riss (1849-1914)
31
quien quiso denunciar algunos aspectos de la sociedad, fue un inmigrante en la ciudad de
Nueva York y es allí donde decidió sacar fotografías mostrando las condiciones
inhumanas en las que vivía la gente inmigrante en los barrios bajos, todo este material lo
reunió en su libro How the Other Half Lifes (1890).
Riss trabajó para la prensa de Nueva York y a través de sus imágenes y testimonios los
lectores, conocieron las miserias en las que vivían los inmigrantes, por la falta de higiene,
cantidad de personas viviendo en un mismo lugar sin ventilación, en la que no disponían
de agua corriente.
Figura 10Minding the Baby, Cherry Hill. Jacob August Riis, 1887-1897Fuente: http://gigantesquedesaparecen.blogspot.com/2009/04/jacob-august-riis-cuidando-al-bebe.html
Estas fotografías luego fueron usadas en exposiciones y conferencias, como resultado de
esto el estado de Nueva York aprobó en 1901 una ley estableciendo condiciones de
habitabilidad en las nuevas viviendas que construyeran para ellos.
32
Otro fotógrafo social que continuaría en esta tradición documental, fue el sociólogo Lewis
Hickes Hine (1874-1940), quien empezó a tomar fotografías en 1905 con el mismo
propósito de Riss, denunciar las injusticias sociales que el percibía, y realizar una
investigación sociológica, basándose en su experiencia, ya que él había trabajado en una
fábrica cuando era niño. Hine cursó estudios de esta disciplina en la Universidad de
Chicago en 1900 continuando sus estudios en Columbia y Nueva York. Realizó trabajos
de inmigrantes que llegaban a la isla Ellis, y a la ciudad. Entre los años 1908 y 1914
realizó fotografías en las fábricas mostrando las malas condiciones de trabajo a las que
estaban expuestos los inmigrantes, y de la vida de los mineros las cuales fueron
publicadas en la revista Charities and the Commons.
Joan Fontcuberta cita al fotógrafo Lewis Wickes Hine (1932) que afrima: “Si hoy pudiera
contar una historia con palabras no tendría que cargar con una cámara”. Hine planteaba
que por medio de las imágenes se podía cambiar la realidad en la que vivía. Uno de los
trabajos que más tuvo repercusión fue cuando Hine saca una serie de fotografías sobre
los niños, los cuales eran obligados a trabajar en las factorías textiles, doce horas diarias.
Estas imágenes fueron publicadas y así mismo fue contratado por el National Child Labor
Comitee (Comité Nacional de Trabajo Infantil) en 1911, con la misión de terminar con esa
práctica y conseguir un cambio en la legalización laboral de los menores de edad.
33
Figura 11Una niña trabajando en una hilandería en Carolina del Norte. Lewis Wickes Hine, 1907.Fuente: http://www.rleggat.com/photohistory/history/hine.htm.
Durante la primera guerra mundial, La Cruz Roja envía a Hine a Europa para que
fotografiara las condiciones en las que vivían los refugiados. Para los años 20 Hine realiza
fotografías del hombre con las maquinas, en 1931 se convierte en el fotógrafo oficial de la
construcción del Empire Satate Building de Nueva York.
Figura 12The Construction of the Empire State Building. Lewis Wickes Hine, 1930-1931.Fuente: http://www.electricedge.com/greymatter/archives/archive-05262002-06012002.htm.
El fotógrafo francés W. Eugene Smith (1856-1927) realizaba fotografía social y fotografía
artística, con una cámara de fuelle realizó un documental de la ciudad fotografiando
calles, detalles arquitectónicos, edificios y todo aquello que hiciera parte del paisaje
urbano, tenía una excelente composición y expresión de la visión personal mas allá que
34
un simple testimonio, su fotografía se caracteriza por la sensibilidad y humanidad con la
que trabajaba el fotógrafo, alcanzó a reunir una gran cantidad de placas, que los pintores
usaron para realizar sus obras.
Durante la gran depresión en 1929 , la política del New Deal propugnada por Frankil D.
Rooselvelt, indujo en 1935 una entidad llamada Ressettlement Administration que se
encargaba de estudiar y remediar los problemas que afectaban al sector rural de la
población, en 1937 la Ressettlement se convirtió en la Farm Security Administration (FSA)
(La Administración de la Seguridad Agraria), este organismo dirigido por Rexford Tugwell
quien contrató a Roy Stryker para coordinar a un grupo de fotógrafos para que
proporcionaran testimonios gráficos sobre las condiciones de las zonas rurales afectadas
por la pobreza en los Estados Unidos, durante un periodo de ocho años (1935-1943), la
labor de la denuncia social de la Farm Security Administration fue fundamental, dentro de
este grupo de fotógrafos estaban Walker Evans, Russell Lee, Arthur Rothstein, Ben
Shahn, Jack Delano, John Collier Jr, Dorothea Lange entre otros. Durante esos ocho años
se tomaron 270.000 fotografías que fueron utilizadas en la prensa y en libros.
Te cuelgas la cámara en el cuello así como te calzas los zapatos y ahí está, un
accesorio del cuerpo que comparte la vida contigo. La cámara es un instrumento
que enseña a la gente cómo ver sin la cámara. (Lange, 1964)
Por medio de estas imágenes se pretendía informar a los habitantes de las ciudades
industriales y comerciales las condiciones en las que se desarrollaba la vida en el campo,
las cuales sirvieron para que el gobierno se hiciera cargo de la situación y la remediara,
enviando alimentos y abriendo campamentos de ayuda.
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La imagen de Migrant Mother fue una fotografía sacada por Dorothea Lange en marzo de
1936, la protagonista de la foto fue Florence Thompson una viuda de 32 años y madre de
seis hijos. Florence se encontraba en un campamento de campesinos, donde la fotógrafa
realizó la producción realizando seis tomas escogiendo como ultima la mejor a su criterio
y fue una imagen usada como emblema de problemas sociales.
Figura 13Migrant Mother. Dorothea Lange, 1936Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Lange-MigrantMother02.jpg
2.3 El fotoperiodismo
El fotoperiodismo hace parte de la fotografía documental y es un género del periodismo, el
cual consiste en presentar material noticioso a través de imágenes o videos que cuenten
una historia. A diferencia de la fotografía documental, el fotoperiodismo son aquellas
situaciones en las cuales los hechos y los personajes son noticia.
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La prensa ilustrada fue un sistema complicado que comienza a darse a mitad del siglo
XIX, el primer documento gráfico apareció el 30 de mayo de 1842 en un periódico
londinense, este documento era un grabado de la reina Victoria y el príncipe Alberto. El
grabado lo hacia un dibujante el cual se trasladaba en el lugar de los hechos, haciendo un
croquis, luego se hacia un dibujo en el cual se subrayaban líneas y contornos y las
sombras se representaban con puntos minúsculos. El dibujante volvía a copiar el dibujo
en una madera de boj, en el cual un grabador lo profundizaba hasta quedar en relieve, se
obtenía una placa que era pasada por una prensa de impresión. Cuando la fotografía se
volvió más práctica se evitó este sistema complejo y los dibujos fueron sustituidos por
imágenes sacadas con cámaras fotográficas. En 1880 en Norteamérica se descubre la
técnica de halftone (medio tono o técnica de punteado), en el cual los valores de gris eran
traducidos a puntos de blanco y negro, que el ojo mezclaba restituyendo la sensación del
tono original. En ese mismo año, el 4 de marzo el periódico Daily Herald de Nueva York
publicó la primera fotografía de periodismo bajo el titulo de Shantytown. Esta técnica fue
importante para el reportaje gráfico y el fotoperiodismo al poder reproducirse y
multiplicarse todas las veces posibles, pero para 1904 el Daily Mirror de Inglaterra ilustró
sus páginas únicamente con fotografías. Uno de los reporteros más importantes fue
Roger Fenton (1819-1869) realizó en 1855 las fotografías de la Guerra de Crimea, por
encargo de la firma Agnew & Sons de Manchester, para la publicación en laminas. En
menos de tres meses Fenton reunió más de 300 negativos, esta ilustración gráfica se
caracterizó por los grabados a partir de fotografías y dibujos, permitiendo manipular y
dramatizar las escenas, estas imágenes fueron publicadas en el Illustrated London News.
Otro reportero fue Mathew B. Brady (1823-1896) quien se esforzó para documentar la
Guerra de Secesión, invirtiendo una gran suma de dinero para conformar un equipo,
contratando 20 fotógrafos, que recorrieran el país con el propósito de vender las
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fotografías después de la guerra. La venta de las fotografías fue todo un fracaso y Brady
perdió toda su fortuna, y tuvo que ceder las fotografías a la firma de productos fotográficos
que le había suministrado el material.
El reportaje gráfico como se conoce en la actualidad, se inició en Alemania en la década
de 1920 impulsado bajo la República de Weimar, en el cual aparecieron varios periódicos
ilustrados, y el nazismo motivo a los reporteros alemanes a realizar documentales. El
representante más importante fue el alemán Erich Salomon (1886-1945), su carrera se da
entre los años 1928 y 1933, fue uno de los primeros fotógrafos en usar cámara de formato
pequeño (Ermanox) y en fotografiar interiores sin flash ni lámparas, usando placas
fotográficas rápidas. Logró fotografiar de manera espontanea y natural a políticos y
diplomados, en la Sociedad de Naciones en la conferencia de la Haya, a este tipo de
fotografía se le llamó fotografía cándida.
Figura 14The Hotel Excelsior, Rome. Erich Salomon, 1931Fuente: http://oneartworld.com/artists/E/Erich+Solomon.html?atab=works&image=1462
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Salomon realizó su mayor producción para el periódico Berlinier Illustriete A partir de los
años treinta, viaja por Europa y los Estados Unidos y empieza a usar la cámara Leica, en
1934 emigra hacia los países bajos huyendo de su país ya que Hitler había llegado al
poder, a pesar de ello fue localizado, deportado al campo de concentración de Auschwitz
donde muere.
Durante el nazismo el líder del partido Adolf Hitler (1889-1945), escogió su fotógrafo
personal Heinrich Hoffmann (1885-1957) quien era amigo personal del líder. Hoffamnn
fotografiaba a Hitler de manera permanente en todos sus discursos. Las fotografías
debían ser analizadas por el propio Hitler y el mismo determinaba cuales fotografías
quería hacer públicas. Las fotografías fueron publicadas como estampas, postales,
posters y en libros de fotos.
Figura 15Retrato de Adolf Hitler. Heinrich Hoffmann, 1936Fuente: http://www.preussen-chronik.de/bild_jsp/key=bild_189.html
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La fotógrafa y cineasta Leni Riefenstahl (1904-2004) se caracterizó por las propagandas
del nazismo en los años de gloria del movimiento. Leni se intereso por el movimiento Nazi
y en una entrevista que tuvo con Hitler le ofreció sus servicios, así Hitler le permitió filmar
la concentración del Partido Nazi, en el Campo Zeppelín en 1933. Leni realizó El Triunfo
de la Voluntad (1934) un documental propagandístico, mostrando una visión triunfalista
del movimiento Nazi. Al finalizar la guerra Leni fue detenida y enjuiciada, al estar
vinculada con el régimen Nazi, luego de negaciones en 1948 fue eximida de culpabilidad,
y en 1956 Leni se dedica a la fotografía, para los años 60 realiza una serie de fotografías
de tribus africanas.
2.3.1 La cámara Leica
La Leica fue la primera cámara de 35 mm, fue inventada por el ingeniero alemán Oskar
Barnack (1879-1936), sus primeros intentos se dan en 1914 construyendo un prototipo,
que tenía una óptica fija y un obturador de cortina puesto en el plano focal y construido en
la casa E. Leitz Optische Werke de Wetzlar (Alemania), esta cámara requería una película
pequeña y estaba pensada en un principio para el cine y exposiciones fotográficas.
En 1923 Barnack construye la cámara en serie, usando película de cine, el paso universal
(formato de 24 x 36 mm), correspondiente a la superficie de dos fotogramas en cine (18 x
24 mm) y una relación de aspecto de 2:3 (se expresa por la anchura de la pantalla en
relación a la altura), este modelo se empezó a comercializar, y Barnack logró hacer 30
prototipos de esta cámara.
40
En 1925 la cámara era un éxito y fue presentada en la Feria Internacional de Liepzig y se
dio a conocer por la denominación Leica I (de Leitz Camera), contaba con un objetivo de
50mm, un diafragma de f/3.5 y el obturador tenía un rango de 1/20 a 1/1500 segundos.
Figura 16Leica I. Oskar Barnack, 1925Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Leica-I-1.jpg
Se empezaron a construir otras cámaras y en 1930 sale al mercado la Leica I
Schraubgewinde, con un objetivo intercambiable, a partir de una montura de 39mm en la
que se le podía poner un objetivo normal de 50mm un gran angular de 35mm y un
teleobjetivo de 135mm, en ese mismo año el flash reemplazó al polvo de magnesio
generando una fuente de luz.
En 1954 la casa Leitz sacó un modelo con montura de bayoneta, también se produjeron
cámaras SLR (Single Lens Reflex o Cámaras Fotográficas Réflex), dentro de las que se
encontraban leicaflex, SL, SL2, R3 a la R7, que fueron fabricadas junto con Minolta
(compañía japonesa fabricante de materiales fotográficos y cámaras réflex). No solo
tuvieron innovaciones en cuanto a cámaras si no también se produjeron lentes asféricas y
multicapa. Durante los años 30 hasta los 50 la Leica tuvo competencia con las cámaras
Contax, al ser una cámara compleja pero mejor construida.
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Esta cámara fue importante dentro del ámbito periodístico, por su manejo ya que era una
cámara con una apariencia simple, era fácil de manipular y poseía velocidad de acción.
2.3.2 La revista Life
La revista norteamericana Life tuvo varias etapas de desarrollo, nació el 4 de enero de
1883 en un estudio fotográfico, en Nueva York. Life tuvo las publicaciones gráficas más
importantes del mundo y los mejores reporteros fotográficos, en la primera etapa de 1883
a 1936 el ilustrador Joan Ames Mitchell fue el fundador de una revista de humor, el primer
rotulo de Life estaba hecho con una ilustración de cupidos y mascotas, Mitchell mejoró la
reproducción de sus ilustraciones con la impresión de planchas de cinc, el primer editor
literario de la revista fue Edward Sanford Martin.
En el año 1936 el periodista y fundador de la revista Time, Henry R. Luce, compra los
derechos de la revista Life y la convierte en una revista de fotoperiodismo, en la que a
través de las fotografías permitió que muchos lectores conocieran la realidad del mundo
acercándolos a los grandes acontecimientos que ocurrían en la época. Fue una revolución
para la prensa ya que ninguna otra revista se había destacado en publicaciones
periodísticas. El primer número aparece el 23 de noviembre de 1936, con una tirada inicial
de 446.000 ejemplares.
2.4 El ensayo fotográfico
Un ensayo fotográfico es una selección de imágenes colocadas en un orden específico el
cual cuenta, una progresión de acontecimientos que son relatados por medio de una
historia. Es una herramienta usada por los reporteros gráficos, que usa la misma forma de
42
narración de un ensayo literario solo que convertidos en imágenes visuales. Aunque es un
estilo usado dentro de los reporteros, también es usado por cualquier fotógrafo aficionado,
que capta imágenes y quiere contar una historia por medio de ellas.
2.4.1 William Eugene Smith
William Eugene Smith (1918-1978) es uno de los mayores exponentes en la realización
de ensayos fotográficos, fue un reportero fotográfico el cual empezó a trabajar realizando
fotografías para dos periódicos The Eagle y The Bacon en Kansas. Se mudó a Nueva
York para trabajar en la revista Newsweek. En 1937 Smith trabaja como corresponsal en
la publicación Ziff-Davis, y para otras revistas gráficas, tomó fotografías de la Segunda
Guerra Mundial desde las fronteras de las islas americanas, en la cual fue herido. En
1939 hace parte del grupo de reporteros para la revista Life hasta 1954, durante esa
época Smith también trabaja para la agencia Black Star hasta 1943. Durante el periodo de
1946 y 1954 Smith realiza una serie de reportajes para la revista Life entre los cuales se
destacan Barrio Español (1951), Chaplin trabajando (1952), Mi hija Juanita (1953), y Un
hombre compasivo (1954). Smith realiza un ensayo fotográfico sobre el médico Albert
Schweitzer en Labarené, África. En 1955 realiza un documental sobre Pittsbrugh, como
ciudad industrial en decadencia, para ese mismo momento se une a la Agencia Magnum,
en la que trabajó hasta 1959. En los años 60 realiza un reportaje en Japón de la empresa
industrial Hitachi, en 1970 ya instalado en Japón, se dirige al pueblo Minamata un pueblo
pesquero, en el cual estuvo aproximadamente cuatro años, trabajando en uno de sus
mejores reportajes, fotografiando las consecuencias que ocasionaban en la población los
desechos de mercurio que se producían por una empresa industrial. De esta serie de
fotografías, la imagen más interesante, es la de una madre bañando a su hija victima de la
contaminación la cual le dio el título de El baño de Tomoko.
43
Figura 17El baño de Tomoko. William Eugene Smith, 1972Fuente: La Fotografía un Invento con Historia, Mónica Incorvaia.
2.5 La Agencia Magnum
La agencia Magnum, es una agencia internacional de fotografía, fundada en marzo de
1947 en Nueva York por un grupo de fotógrafos Henri Cartier Bresson, Robert Capa,
David Seygmour (Chim) y George Rodger, formando la primera cooperativa en el mundo
de la fotografía con la idea de independizarse de las empresas editoras, controlando la
producción fotográfica que ellos realizaban, evitando el uso descontextualizado de sus
fotografías imponiendo precios y condiciones, cada uno de los fundadores aporto 400
dólares, la agencia se reservaba con un 40% de ganancias que se usaban para que los
fotógrafos pudieran hacer sus proyectos. Por primera vez los fotógrafos cobraban por sus
derechos, ya que en esa época, las empresas compraban las fotografías y las usaban
cuantas veces quisieran sin pagar los derechos a los fotógrafos. Magnum permitía que los
fotógrafos tuvieran una elección de los temas que querían documentar, una edición y una
publicación de estos, procesos que en la prensa no sucedía. Magnum se convirtió
44
entonces en una marca de lujo que facilitó que los fotoperiodistas documentaran los
hechos más importantes del siglo XX.
2.5.1 Robert Capa
Robert Capa (seudónimo de Erno o Ernest Andrei Friedman) es reconocido mundialmente
por haber sido reportero de guerra, nació en la ciudad de Budapest, Hungría en 1913,
durante la depresión económica de 1929, a los 17 años conoce a Lajos Kassak quien se
decidió a ayudarle con apoyo económico, contactos y sugerencias sobre su trabajo, inició
trabajando para la agencia Dephot a la que ingreso a los 18 años, abandonando Hungría,
emigrando a Alemania por razones políticas, luego de su estadía en Alemania, Capa viaja
a París donde conoce a los fotógrafos Henri Cartier Bresson y David Seymour que le
ofrece un trabajo para la revista Regards. En 1931 en Copenhague obtiene una fotografía
de primer plano de León Trotsky un político y revolucionario soviético, organizador de la
Revolución de Octubre que dio inicio al primer Estado Socialista del mundo. Entre 1932 y
1936 Ernest Friedman conoce a la fotógrafa alemana Gerda Taro el amor de su vida, con
ella inventan el seudónimo de Robert Capa utilizándolo para la cotización de sus trabajos.
En 1936 Capa y Taro se trasladan a España para cubrir la Guerra Civil Española,
fotografiando los principales acontecimientos en los frentes de combate. Capa fue un
activo reportero y trabajaba bajo el compromiso ideológico que lo llevaba a denunciar el
ataque contra la legalidad republicana, es mundialmente reconocido por su fotografía más
famosa Muerte de un Miliciano un miliciano herido a muerte la cual fue tomada en el
frente de Córdoba de 1936, expresando la lucha del pueblo, aunque su autenticidad se
pone en duda por algunos expertos, afirmando muchas veces que la fotografía no fue
tomada por el si no por Gerda Taro.
45
Figura 18Muerte de un Miliciano. Robert Capa, 1936Fuente: http://usuarios.multimania.es/luniorni/newpage10.html
En el año 2008 la CNN revela que se encontró una maleta con una gran cantidad de
negativos de tomas que realizó Capa en la Guerra Civil Española. En 1937 Gerda Taro
muere en Brunete en un accidente aplastada por un tanque de guerra, en el momento en
que Capa se encontraba fotografiando la invasión japonesa de China. Después de la
derrota republicana Capa se trasladó a Nueva York, donde la revista Life lo envía con las
tropas aliadas a los campamentos de Inglaterra. Durante 1941 a 1945 Capa está presente
en los principales escenarios bélicos, viajando por Italia, Londres y Norte de África, en el
cual tomó fotografías de los soldados que desembarcaban en la playa Omaha (1944),
estableciendo su frase más conocida: “Si tu foto no es buena, es que no estabas lo
suficientemente cerca”.
En 1947 Capa funda la agencia Magnum, realizó un gran trabajo fotográfico de escenarios
de guerra y de retratos de gente importante como de Pablo Picasso, Ernest Hemingway y
John Steinbeck. En 1954 fue llamado por la revista Life para fotografiar la Primera Guerra
Mundial de Indochina, mientras acompañaba al ejército francés por una expedición en la
46
cual pisa una mina y muere, siendo el primer corresponsal americano que muere en esta
guerra.
2.5.2 Henri Cartier-Bresson
Henri Cartier Bresson (1908-2004) fue un fotógrafo francés, considerado como el padre
del fotorreportaje, Cartier-Bresson empezó su vida vinculándose a la pintura, que aprendió
con el artista Andre Lothe en Montparnasse y de estar rodeado de círculos sociales de
surrealistas parisinos, después viaja a Costa de Marfil donde contrajo fiebres. En 1931
empieza a usar una cámara Brownie que usaba como pasatiempo, y desde entonces se
inicia su carrera fotográfica.
En 1932 adquiere una cámara Leica de formato 35 mm permitiéndole captar imágenes
que él deseaba como sus primeras instantáneas de barriadas parisinas llamando la
atención de los surrealistas, de esta manera nace lo que Cartier-Bresson llama “instante
decisivo” que significaba para el que la vida era una sucesión de instantes que podían ser
captados o plasmados mediante la fotografía, en ese mismo año aparece su primer
trabajo fotográfico en la revista Vu. Inicia viajes a Europa, donde expone en el saloncillo
del Ateneo de Madrid, España, expone en Nueva York en la galería Julien Levy, en 1934
viaja a México para realizar un trabajo etnográfico y en 1935 se muda a los Estados
Unidos para estudiar cine. Entre 1936 y 1939 Cartier-Bresson se relaciona con el cine
trabajando como asistente de Jean Renoir, realizando un documental de los hospitales de
campaña republicanos durante la Guerra Civil Española, en 1940 es reclutado por la
Unidad de Filmación y Fotografía de la Armada Francesa y luego fue prisionero de los
alemanes, en 1943 escapa de la prisión de Wuttemberg y filma otro documental sobre los
prisioneros de guerra después de la Segunda Guerra Mundial.
47
En 1947 funda la agencia Magnum junto a Robert Capa, David Seymour y George Rodger
en la que forma parte hasta 1966 durante ese tiempo Cartier-Bresson tomó imágenes de
todos los viajes que realizó definiendo la fotografía humanista y ayudo con las revistas
más importantes de la época. Cartier-Bresson abandona la fotografía en 1970 para
dedicarse al dibujo, nunca publico un portfolio pero tiene numerosos libros entre los
cuales se destaca Images a la sauvette (instante decisivo) (1950) que significa imágenes
a hurtidillas que se trataba de poner la cabeza, el ojo y el corazón en el mismo momento
en que se desarrolla el clímax de la acción. En el libro Fotografía: Conceptos y
Procedimientos, una Propuesta Metodológica de Joan Fontcuberta cita a Henri Cartier-
Bresson quién exponía:
Para mí, la fotografía es el reconocimiento simultáneo, en una fracción de segundo,
del significado de un suceso y de la precisa organización de formas que den a este
suceso y de la precisa organización de formas que den a este suceso su mejor
expresión. (Cartier-Bresson, 1952).
En el año 2000 crea una fundación donde reúne algunas de sus obras situada en el barrio
parisino de Montparnasse.
48
Figura 19The var department. Henri Cartier-Bresson, 1932 Fuente: http://www.magnumphotos.com/
2.5.3 David Seymour
El polaco David Seymour (1911-1956) conocido con el seudónimo de Chim comienza sus
estudios de arte y fotografía en 1929 en la Academia de Artes Gráficas de Leipzig, viaja a
París en 1931 terminando sus estudios en la Sorbona en 1933. Durante la época que
estuvo Seymour en Francia conoció a Robert Capa y a Henri Cartier-Bresson, en la cual
fundaron la agencia Magnum.
Seymour era antifascista y por eso mismo viaja en 1936 a España a fotografiar la guerra
civil, en la que tuvo reconocimiento internacional por las imágenes de los bombardeos
aéreos de Barcelona, en sus fotografías bélicas plasmo la condición de los niños de la
guerra. En 1939 vuelve a París y de allí viaja a México, para luego establecerse en Nueva
york. En 1942 le dan la nacionalidad americana y en ese mismo año sus padres son
asesinados por nazis.
49
Figura 20One child of a large family with a homemade doll. David Seymour, 1948Fuente: http://www.magnumphotos.com/
Durante la Segunda Guerra Mundial se incorpora en el ejército desempeñando sus
labores de fotógrafo hasta 1945, luego viaja a la Unesco donde documenta la guerra en
los niños, publicando en 1949 el libro Children of Europe. Tras la muerte de Robert Capa,
Seymour asume la presidencia de la agencia Magnum en 1954. Luego se dirige a
fotografiar los monumentos de la antigüedad de Grecia y en 1956 se dedica a fotografiar
la crisis del Canal de Suez donde es fusilado por una ametralladora por soldados egipcios
en el cruce fronterizo.
Capítulo 3. Fotografía analógica y digital
En este capítulo se detalla el funcionamiento de la fotografía analógica y la digital, las
ventajas y desventajas de cada una y establece sus principales diferencias en cuanto al
sistema fotográfico teniendo en cuenta los últimos avances de la tecnología en desarrollo
para establecer su uso en la actualidad, describiendo sus aspectos positivos y negativos.
50
Se hará énfasis en la credibilidad de una fotografía, realizando un análisis de cada
procedimiento para definir cómo funciona la exclusividad y autenticidad de una imagen; es
decir el valor testimonial de una fotografía.
3.1 Fotografía analógica
La fotografía analógica o química es la fotografía tradicional, a diferencia de la fotografía
que se maneja ahora, es decir digital. La fotografía analógica es aquella que se basa en
procesos físico-químicos, para la obtención y procesado de imágenes. Para la obtención
de imágenes fotográficas se emplea una cámara fotográfica que cuenta con una película
o material sensible que posee una capa química de emulsión sensible a la luz, es uno de
los elementos fundamentales del dispositivo fotográfico sin el material sensible no es
posible el registro y reproducción de imágenes por procesos fotoquímicos.
Los materiales fotoquímicos actuales están constituidos por haluros de plata que se
descomponen por la acción de la luz, gelatina y un soporte, se clasifican según la
aplicación en materiales negativo-positivo o materiales reversibles.
Los materiales negativo-positivos son aquellos materiales de cámara y materiales de
copia, los materiales reversibles son materiales de cámara que registran una imagen
negativa en la etapa de toma, en el cual a través de una inversión de trazas se obtiene
una imagen positiva en el mismo material. Joan Fontcuberta cita a Ansel Adams en su
libro Fotografia: Conceptos y Procedimientos, una Propuesta Metodologica: “El negativo
es comparable a la partitura de un compositor; la copia es su interpretación” (Adams, p.
75).
51
Los materiales sensibles poseen una determinada sensibilidad, está representa la
cantidad mínima de exposición a la luz que el material necesita para operar un cambio en
su estructura molecular registrando el primer detalle que se diferencie de negro, y se
expresa en normas ASA (American Standard Asociation) norma norteamericana en la cual
al duplicarse el valor, se duplica la sensibilidad y el material necesita la mitad de
exposición para registrar, DIN (Deutsch Institute Normative) norma alemana en la cual la
sensibilidad se duplica cada tres grados, ISO (International Standard Office) fusión de las
normas ASA y DIN, se indican ambos valores. El tamaño y cantidad de cristales de
halogenuro de plata determinan esta sensibilidad, cuando se abre el objetivo o lente por
un instante, la luz entra e incide sobre el material imprimiendo la imagen, en el que recibe
el nombre de imagen latente, que consiste en átomos de plata, creando unos núcleos de
desarrollo de modo que en el revelado la imagen latente se amplifica a depósitos visibles,
es decir que mediante un proceso de oxido reducción ocurre la transformación del
halogenuro de plata en plata metálica negra obteniendo una imagen visible. Existen
materiales de diferente sensibilidad en función al tamaño, forma y tratamiento, como a
mayor tamaño de los haluros mayor la sensibilidad de la emulsión y menor cantidad de
exposición para registrar el primer detalle que se diferencie de negro.
La sensibilidad del material determina el aspecto de grano y contraste y se establece una
relación a mayor sensibilidad, el tamaño del grano aumenta pero disminuye su contraste.
El grano está determinado por diferentes aspectos como el tamaño de los cristales de los
haluros de plata virgen, el tamaño del grano de plata después del revelado, el espacio que
hay entre los cristales revelados, y las condiciones de observación del positivo. La
medición del grano puede ser un factor subjetivo pero existe una evaluación objetiva que
representa la variación de la distribución de un deposito de plata aparentemente uniforme,
se mide en RMS (root mens square - raíz cuadrada media) una medida cuadrática de
52
superficie. El contraste de la emulsión es aquella forma que se reproducen los tonos de la
escena, y se determina a través de las condiciones en que se realizan la emulsificación y
la maduración, cuanto más desparejo sea el tamaño de los cristales mayor es el
contraste.
3.1.2 La cámara fotográfica analógica
La cámara fotográfica es un dispositivo que se usa para capturar imágenes, consta de
una cámara oscura, con una pequeña abertura en un extremo para que pueda entrar la
luz, y una superficie en la cual se va a formar la imagen. La cámara fotográfica se encarga
de recoger un haz de luz proveniente de un objeto y proyectarlo sobre una película
(material sensible) que tenga una sustancia fotosensible formando una imagen real sobre
la película de todos los objetos de su campo de visión. David H. Curl establecía en el libro
de Joan Fontcuberta, Fotografía: Conceptos y Procedimientos, una Porpuesta
Metodológica que:
La cámara no tiene sino un ojo: la lente. Sólo puede registrar un fragmento del
mundo visual. El fotógrafo lleva de él el segundo ojo. Este es el ojo de la selección.
El artista tiene un tercer ojo: el ojo de la imaginación creativa. Este tercer ojo es el
que puede penetrar en nuestro mundo interno. (Curl, 1979).
La cámara fotográfica es una caja estanca de luz, la abertura por donde pasa esta se
llama diafragma, regula la apertura del sistema óptico pudiéndose modificar, y está
formado por un conjunto de laminillas que se abren o se cierran (funcionan como aletas),
determinando la cantidad de luz que va a recibir el soporte o material sensible.
53
El diafragma se representa con la letra “f” y el número que le corresponda es la relación
entre el diámetro de la abertura y la distancia focal del objetivo, una abertura menor
corresponde a un número f mayor y una abertura mayor corresponde a un numero f
menor. La abertura del lente no solamente controla la cantidad de luz que entra en la
cámara, si no también define la profundidad de campo de cada imagen, es decir la
distancia comprendida entre el punto más próximo y el más lejano del sujeto que está
siendo, enfocado cuyos detalles pueden ser reproducidos nítidamente ajustando el
enfoque del objetivo, también depende de la abertura del lente, la distancia enfocada y la
longitud focal del lente.
La abertura más amplia (número f menor) ofrece una menor profundidad de campo, y una
abertura más pequeña (número f mayor) ofrece una profundidad de campo mayor. La
profundidad de campo es menor cuando se toman primeros planos, que cuando el sujeto
está alejado. Cuanto mayor es la distancia focal de un objetivo la profundidad de campo
es menor, también cuando la abertura y la distancia del sujeto es la misma.
Figura 21Diafragma y longitud focal.Fuente: http://www.monografias.com/trabajos15/fotografia/fotografia.shtml#REFLEX
Un obturador de la cámara consiste en una medida mecánica puesta en medio del
objetivo junto a la abertura o en la parte posterior de la cámara delante de la superficie de
la película, controla el tiempo del paso de la luz a la superficie, es decir es el tiempo que
se expone la película a la luz, está compuesto con varias láminas finas y opacas que giran
abriéndose y cerrándose rápidamente frente al haz luminoso, para producir la exposición
54
cuando se acciona el disparador. La escala de velocidades de obturación puede ir desde
b bulbo hasta 1/2000 dependiendo de la cámara fotográfica. Un obturador posterior o de
plano focal tiene que ser más grande para cubrir la zona rectangular de la imagen, este
consiste en dos laminillas próximas una de la otra que son opacas deslizantes, una que
se abre para dar paso a la exposición y otra que se cierra para frenarla. Cuenta con un
visor es una ventanilla, su sistema óptico permite encuadrar la porción de imagen que se
va a fotografiar, el visor determina el encuadre y la composición de cada fotografía.
El objetivo es un conjunto de lentes convergentes o divergentes que forman parte de la
óptica de una cámara con una distancia focal y un plano focal muy próximo al de la
película. Estos lentes enfocan los haces de luz que provienen de los objetos y modifican
su dirección hasta obtener una imagen nítida y luminosa. Los lentes tienen longitudes
focales fijas, la longitud focal es aquella distancia que se encuentra entre el centro óptico
del lente al material sensible, se da en centímetros (cm) o milímetros (mm). Una longitud
focal que es aproximadamente el valor de la diagonal del marco de la película se llama
objetivo normal, una longitud focal más corta que el de una lente normal se llama objetivo
gran angular dando una imagen menor del objeto con un campo de vista más amplio, y
las lentes que poseen una longitud focal más larga que la normal se llama foco largo u
objetivos teleobjetivos, técnicamente se diferencian en que los lentes de foco largo son
aumentadas y dan una imagen más grande del objeto con un campo de visión más
estrecho, y los objetivos teleobjetivos son más compactas y se usan para acercar un
objeto distante. Los lentes de zoom poseen una gama continua de longitudes focales, los
lentes macro y micro están hechos para tomar fotografías de aproximación de objetos, y
por último los lentes ojo de pez son angulares que dan una imagen deformada.
55
Existen diferentes tipos de cámaras fotográficas entre ellas están las cámaras compactas
de 35 mm, que son las cámaras tradicionales, llevan un pentaprisma incorporado sobre la
pantalla que corrige la imagen de izquierda a derecha y la refleja hacia fuera a través de
un ocular situado al posterior de la cámara, su objetivo es fijo y no se puede quitar, son
sencillas y fáciles de usar, las cámaras APS (Advanced Photo System) son el resultado
de la unificación entre el sistema analógico y el sistema digital, en la cual se registra sobre
una película agregándole información digital, que permiten funciones que las cámaras
normales no tienen, entre esas funciones están sacar fotografías de tres formatos y
permitir el cambio de película a medio uso, son cámaras que en la actualidad no se
utilizan. Las cámaras SLR (Sinlge-Lens Reflex) son de objetivos intercambiables, y la
imagen en el visor es producida por el propio objetivo, en el cual no hay error de paralaje
(un visor que no está montado en el mismo eje del objetivo) es decir el paralaje determina
que lo captado por el visor no coincida con la imagen tomada a través del objetivo de la
cámara. Un espejo con una inclinación de 45º refleja la imagen sin inversión alguna en la
pantalla de enfoque, pero desaparece cuando se acciona el obturador de plano focal. La
distancia que hay entre el objetivo y la pantalla de enfoque a través del espejo es la
misma distancia que existe entre el objetivo y la película.
3.1.3 Ventajas y desventajas de la fotografía analógica
3.1.3.1 Ventajas
Las fotografías analógicas ha sido el estándar durante más de un siglo, posee
características y ventajas únicas a diferencia con la fotografía digital. Al ser cámaras y
procesos clásicos a la mayoría de las personas se les facilita usarlas, que usar cámaras
tan tecnológicas. En cuanto a procesos técnicos el rango dinámico (que es la diferencia
56
entre el tono más claro y el tono más oscuro de una imagen), dentro de la fotografía
analógica se puede lograr un mayor rango dinámico que con una fotografía digital, la
cámara digital expone para un solo tono, ya que los sensores tienen un rango dinámico
limitado. Las películas tienen un rango dinámico mucho mayor logrando una
sobreexposición de hasta cuatro diafragmas. Las películas de diapositivas, producen
colores más reales que los colores que produce un sensor CCD (Charge Coupled
Device).
En la calidad de negativos al hacer un escaneo de negativos en un operador, lleva más
tiempo pero cada imagen puede alcanzar hasta 20 o 30 megapíxeles de resolución, las
películas reproducen mejor los colores que las fotografías digitales, con una profundidad
del color mayor, produciendo mayor variedad.
Una fotografía analógica dura más años, se puede observar diferentes fotografías en
museos o álbumes familiares que tienen cantidad de años de estar guardadas y
permanecen en perfecto estado, con la fotografía digital puede que dure más o los
mismos años pero las posibilidades de que el archivo se pierda o dañe es mayor.
3.1.3.2 Desventajas
En la fotografía analógica no se pueden ver las fotografías que se has tomado al instante,
se debe esperar hasta que sean reveladas, y el revelado en cuanto costo sale más caro y
solo se puede obtener por cada revelado 36 fotografías de las cuales no todas las
imágenes serán de buena calidad. Si alguna de las imágenes tiene un error es difícil
hacer retoques en el laboratorio.
57
Es difícil conseguir o comprar películas en todos los lugares, muchas veces estas
películas son vendidas en casas de fotografía, estas películas son materiales sensibles
que poseen hasta 36 exposiciones que es muy poca a diferencia de las cámaras digitales
que pueden llegar a almacenar más de 100 fotografías. Cada película de estas funciona
solo con una sensibilidad ASA determinada.
3.2 Fotografía digital
La fotografía digital consiste en la obtención de imágenes por medio de una cámara
oscura, pero a diferencia con la fotografía analógica el material fotosensible pasa a ser un
sensor electrónico CCD, con células fotoeléctricas que registran una imagen, la cual es
grabada en una memoria.
La resolución en la fotografía digital está dada por ese sensor (un CCD o un sensor
CMOS) que responde a las señales de luz, se mide multiplicando el alto por el ancho de
las fotografías, que permiten obtener las cámaras comenzando con un millón de píxeles.
La cantidad de píxeles generan el tamaño de la imagen por eso las cámaras con más de
dos millones de píxeles generan imágenes más grandes, pero no de mejor calidad, ya que
la calidad la genera la óptica utilizada.
Existen varios factores que afectan la calidad de una imagen entre estos esta el tamaño
del sensor, la calidad del lente y la organización de los píxeles, no influye la cantidad de
píxeles que tiene cada sensor ya que en muchos casos los píxeles excesivos disminuyen
la calidad de la imagen, cada píxel es muy diminuto y recoge pocos fotones generando
poca calidad en las sombras de cada imagen. Una característica de la fotografía digital es
el zoom digital que es por el cual se puede ampliar una fotografía ya tomada
58
disminuyendo la resolución, a diferencia con el efecto que tiene un zoom óptico el cual es
ampliar y acercar lo que se quiere fotografiar.
3.2.1 La cámara fotográfica digital
La primera cámara fotográfica digital fue desarrollada por Kodak en diciembre de 1975
que pesaba 4 kilos y tenía un equivalente a 0.01 megapíxeles, se necesitaba 23 segundos
para guardar la fotografía en un casete y otros segundos para recuperarla. Esta cámara
usaba unos sensores CCD desarrollado por Fairchild Semiconductor en 1973, sacaba
fotografías en blanco y negro. Al igual que la fotografía analógica existen cámaras
digitales con las mismas características ya sean pequeñas, medianas o de uso
profesional, solo que cambia el material sensible por un componente electrónico, un chip
que se encarga de registrar la imagen, estos chips se llaman CCD (Dispositivo de Carga
Acoplada), son un conjunto de sensores alineados sobre su superficie en líneas y
columnas con diminutas células fotoeléctricas que registran una imagen, esta imagen es
procesada hasta llegar a la tarjeta de memoria.
Un CCD puede tener entre 300.000 y 800.000 sensores, cada sensor de los CCD
representa la mínima unidad de información en la que está dividida la imagen, cada punto
de esos se llama píxel y resolución de la imagen dependerá de la cantidad de píxeles que
tenga un CCD así como en el sistema analógico, la resolución depende de la sensibilidad
de la película.
Los sensores CCD se basan en un proceso fotoeléctrico, para la formación de imágenes
electrónicas monocromas, tienen una estructura que se divide en tres capas, la primera
capa es aquella que es sensible a la luz generando una carga eléctrica proporcional a la
59
cantidad de luz que recibe, la segunda capa es la que almacena esa carga eléctrica que
se generó en la primera capa, y la tercera capa transporta la carga a través del chip hasta
un conversor analógico – digital, este convierte el valor de cada uno de los píxeles en un
valor digital midiendo la carga que le llega y depende del número de bits que tenga el
conversor se obtiene una imagen con mayor o menor gama de color. Esta información
queda ordenadamente empezando por la línea 1 pixeles 1, 2, 3, 4, 5 etc, luego línea 2
pixeles 1, 2, 3, 4, 5, etc…hasta completar toda la imagen. La acción de luz genera
electrones es decir una carga eléctrica en la primera capa de los sensores iluminados
(zonas blancas de la imagen) y da una señal con picos de electricidad, en los sensores
donde no llega luz es decir en las zonas negras de la imagen, la señal es nula, esta señal
se llama analógica, muchas veces esa información analógica se convierte en numérica
digital, en sistema binario en el cual cero es señal nula y uno es la señal que corresponde
al blanco. Para los chips CMOS (Complementary Metal-Oxide-Semiconductor) contienen
varios transistores en cada píxel y el proceso de conversión digital se produce en la
estructura del sensor y no necesita un conversor añadido.
Para la reproducción de colores electrónico al igual que el anterior se diferencia del
sistema analógico el material sensible, el principio del funcionamiento de los colores es de
forma aditiva, el material multicapa se reemplaza en la cámara por uno o tres CCD que se
encargan de hacer la respectiva selección de colores registrando los colores azul, verde y
rojo. Se realiza una selección de colores con un solo CCD, los sensores se dividen en tres
clases en las cuales cada una lleva el contendido de cada color (azul, verde, rojo) estas
clases están distribuidas uniformemente en la superficie del CCD. Cada uno de los
píxeles tiene el contenido de color y la luminosidad de la imagen, a estas señales se les
llama RGB (Red, Green, Blue o Rojo, Verde y Azul) en este sistema la definición de la
imagen es baja ya que para formar un punto blanco se necesitan de cuatro píxeles (A + V
60
+ R). El sistema de tres CCD, la luz entra por el objetivo y es dividida en espejos dicroicos
de tres haces una con la información de luz azul, otra con luz verde y otra con luz roja
estos tres haces se dirigen al CCD registrando el contenido de luz que llega y los colores
son registrados individualmente. La calidad de la imagen en este sistema es mejor ya que
las señales RGB se entregan individualmente, en esas señales se encuentra la
información de crominancia es decir el tono del color y de luminancia es decir que tan
clara u oscura es la imagen.
El mosaico de Bayer, un filtro inventado por Bryce Bayer de Eastman Kodak, es una malla
cuadriculada de filtros rojos, verdes y azules que está sobre el sensor digital de la imagen
(CCD), este mosaico se forma por un 50% de filtros verdes, un 25% de filtros rojos y un
25% de filtros azules interpolando dos muestras verdes, una roja y una azul se obtiene un
píxel de color, la razón de que el porcentaje del verde sea mayor es porque el ojo humano
es más sensible a ese color.
Figura 22Mosaico de Bayer.Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Bayer_pattern_on_sensor.svg
61
Para el almacenamiento de imágenes, las cámaras digitales utilizan tarjetas de memoria
incorporadas o memoria flash, las tarjetas de memoria son la CompactFlash (CF), Secure
Digital (SD), y las tarjetas Memroy Stick, antes se usaban discos. Los formatos
estándares en los que se almacenan las imágenes son JPEG (Joint Photographic Experts
Group), TIFF (Tagged Image File Format) o RAW (Formato de Imagen sin Compresión o
Crudo) para tener una mayor calidad de la imagen, los videos se almacenan en formatos
AVI (Audio Video Interleave), DV (Digital Video), MPEG (Moving Picture Experts Group),
WMV (Windows Media Video), etc.
Las primeras cámaras digitales fueron cámaras electrónicas analógicas que aparecieron
en 1981 con una demostración de Sony Mavica una cámara de vídeo magnética que
registraba imágenes fijas en un diskette de vídeo, estas cámaras se basaron en la
tecnología de la televisión. Estas cámaras salieron en el mercado en 1986, al igual que
una Canon RC-701 pero la calidad de estas cámaras no superaba bajo ningún punto de
vista a las cámaras analógicas comunes, además estas cámaras necesitaban para la
captura e impresión el acceso a un equipo y en ese entonces no había mayor demanda
de consumidores. La primera cámara fotográfica digital que salió a la venta para los
consumidores fue la Canon RC-250 Xapshot en 1988 con una competencia de la Nikon
QV-1000C que vendió 100 unidades y registraba las imágenes en escala de grises.
Las cámaras fotográficas digitales registraban las imágenes en un archivo de un
ordenador, el primer modelo de Fuji fue el DS-1P en 1988, que grababa las imágenes en
una memoria interna de 16 MB, pero no estuvo disponible en el mercado, en ese mismo
año salieron los primeros formatos digitales JPEG y MPEG permitiendo que los archivos
se comprimieran al ser almacenados. En 1991 salió al mercado la cámara Dycam Model 1
en 1991, la cual usaba un sensor CCD y luego se podía pasar las imágenes a un
62
ordenador. En ese mismo año Kodak lanzó su modelo DCS-100, que utilizaba un sensor
de 1.3 megapíxeles. En 1995 Casio lanzó su cámara con pantalla de cristal líquido y en
ese mismo año se obtiene una cámara que registra clips de vídeo. En 1996, Kodak usa
las primeras tarjetas de memoria CompactFlash. En 1999 se lanza al mercado la Nikon
D1, una cámara fotográfica que tenía 2,74 megapíxeles y fue una de las primeras
cámaras digitales SLR, esta cámara podía utilizar los lentes de una Nikon F la cual era
una cámara analógica. Para el 2003 ya se habían presentando muchas cámaras digitales
tanto Nikon como de otras marcas, con más de 5 megapíxeles. Para el 2008, se presenta
una cámara Leica de medio formato con 37 megapíxeles.
3.2.2 Ventajas y desventajas de la fotografía digital
3.2.2.1 Ventajas
La fotografía digital permite disponer de las imágenes al instante, ya que están han sido
grabadas en una memoria, sin necesidad de llevar un rollo al laboratorio en el cual es
revelado y luego positivado. Esta ventaja de poder disponer de las imágenes al instante
permite que el fotógrafo realice correcciones de las imágenes obtenidas si es necesario,
también permite borrar las imágenes que no se van a utilizar. Otra ventaja importante en
la fotografía digital es el hecho de poder previsualizar las fotografías en una pantalla LCD
(Liquid Crystal Display), que tiene la cámara digital, esta cámara a su vez se puede
conectar a un ordenador, el cual permite ver las imágenes obtenidas en un monitor. Al
poder tener las fotografías en un ordenador, estas se pueden editar y retocar en un
programa de tratamiento de la imagen, ya sea para reducir o ampliar su tamaño, cambiar
los colores, contraste, tono, saturación e innumerables modificaciones. Las fotografías
pueden ser enviadas por medio de un correo electrónico, se pueden publicar en una
63
página web o incluirlas en una postal digital, en la fotografía analógica también se puede
hacer esto, solo que lleva más tiempo ya que se debe hacerse un escaneo de negativos o
de positivos. La cámara digital guarda información que la cámara analógica no puede
guardar, esa información es la fecha y hora de captura de la imagen, también información
sobre la velocidad de obturación, velocidad del ISO y el diafragma que se usó para cada
una de las fotografías, facilitando el ordenamiento de los archivos, y logrando la debida
edición que cada fotografía lo requiera.
Las fotografías se conservan en archivos y pueden ser utilizadas e impresas las veces
que sea necesario, manteniendo la misma calidad con la que fue tomada, ya que el
formato digital se basa en el almacenamiento de la imagen mediante dígitos (números),
esto no pasa con los negativos de la fotografía analógica, ya que los negativos sufren
cambios o daños debido al modo de almacenamiento y cuidado que se les dé. En la
fotografía digital también es fácil acceder a recursos útiles dentro de la cámara fotográfica,
estos recursos son el histograma de brillo, es decir el gráfico que muestra la distribución
de pixeles de la imagen según el brillo, también el histograma RGB que es el gráfico que
muestra la distribución de los pixeles para los canales RGB. Las cámaras digitales
profesionales, tienen características de la imagen como es la saturación, contraste,
nitidez, color o tono y permite un manejo personalizado del balance de blanco, y el uso de
filtros para cada imagen.
En cuanto a economía el sistema digital es más barato por cada fotografía impresa y se
pueden hacer gran cantidad de imágenes, haciendo una respectiva selección e
imprimiendo solo aquellas que el fotógrafo quiera, la fotografía analógica implica llevar los
negativos al laboratorio en el que deben ser revelados y los costos son más elevados
debido a los materiales de procesado de revelado y copia.
64
La tecnología ha sacado cámaras digitales en los teléfonos móviles los cuales mejoran la
calidad de óptica y resolución de la imagen, últimamente la fotografía digital ha tenido un
papel importante dentro de las redes sociales o sitios especializados que sirven para
almacenar imágenes.
3.2.2.2 Desventajas
En cuanto a calidad, la fotografía analógica supera a la fotografía digital, ya que con una
cámara analógica, un objetivo de buena calidad, un negativo y un pertinente procesado se
puede lograr una fotografía aproximadamente con 40 megapíxeles, no obstante la
tecnología avanza y se puede encontrar en el mercado una cámara fotográfica digital de
160 megapíxeles, de alto costo. Las fotografías digitales presentan un mayor número de
aberraciones cromáticas. Las cámaras profesionales digitales son máquinas más
costosas que las cámaras profesionales analógicas y la mayoría de la población no puede
acceder a ellas. Con el avance tecnológico las cámaras digitales que salen en el mercado,
rápidamente son reemplazadas por cámaras digitales mejores devaluando el precio de
estas. Las cámaras digitales réflex DSLR (Digital Single Lens Reflex) son más delicadas
que las cámaras analógicas réflex, ya que el sensor que digitaliza la imagen es frágil y
puede rayarse con facilidad. Las cámaras digitales requieren baterías, que deben ser
reemplazadas constantemente, también son cámaras con una exposición múltiple más
complicada.
3.3 Noción de realidad de una fotografía
65
La fotografía mantiene una relación con la noción de realidad, esta noción no es más que
un objeto de percepción que puede representarse, sin embargo esto que se percibe no es
necesariamente representable por medio de la fotografía. La representación de la verdad
está asociada con la fotografía analógica, ya que el avance tecnológico logró que por
medio de programas se pudiera retocar y manipular las imágenes, que al ser alteradas
son puestas en duda. La fotografía tiene una connotación de realidad, de documento y
registro de que lo que se observa realmente existió, el objetivo es mostrar esa realidad tal
cual fue, proporcionando un archivo visual que parece detener el instante y quedarse en
la memoria, pero el ser humano de una u otra manera quiso transformar esa realidad,
esta manipulación se remite años atrás con la fotografía analógica, a mediados del siglo
XIX era común retocar los retratos usando pinturas, en 1939 Isenring pintaba las pupilas
de las personas retratadas y también coloreó algunos daguerrotipos. Joan Fontcuberta
cita a Nelly Schnaith en su libro Fotografía: Conceptos y Procedimientos, una Propuesta
Metodológica quien afirmaba:
Sometido a examen, el supuesto corriente de que la imagen fotográfica copia la
realidad revela más un problema que la incuestionable claridad de su
<<evidencia>>. Lo único que se puede afirmar con cierta confianza es que imagen y
realidad constituyen dos órdenes distintos que guardan relación. Las variadas
interpretaciones de esa relación conducen a un concepto básico, el de semejanza.
También estamos acostumbrados a dar por obvia, por evidente, la noción de
semejanza, de parecido, de analogía. Pero la semejanza, desde Platón, ha
constituido un problema más que una solución. (Schnaith, p. 180)
En un principio la fotografía era considerada única y exclusivamente un recurso
fotoperiodístico, no estaba considerada dentro del campo de las artes y se consideraba
66
una buena fotografía cuando la imagen era sacada justo en el instante preciso. Sin
embargo con el pictorialismo en el siglo XIX, algunos artistas como John Heartfield, László
Moholy-Nagy y Man Ray usaron fotomontajes para sus fotografías, cortando trozos de
otras fotografías pegándolos o realizando más de una exposición en un fotograma. Otra
manera de manipulación de imágenes fue el hecho de utilizar filtros produciendo brillos o
desenfoques en las imágenes, y así hay infinidad de procesos que se dieron a lo largo de
los años de cómo manipular las imágenes. Pero esta clase de manipulación analógica es
válida como expresión fotográfica o arte fotográfico al igual que la manipulación digital. A
mediados del siglo XX, el Surrealismo fue un movimiento que apoyó el desarrollo
expresivo de la fotografía, mas tarde la publicidad y el surgimiento del arte pop
reafirmaron el uso de la fotografía como expresión de arte, artistas como Andy Warhol
buscó alternativas de aplicación grafica en la fotografía. En el fotoperiodismo y la
fotografía documental, la fotografía no es más que una simple representación de lo real, y
tiene como objetivo fundamental contar una historia o un hecho que se vivió en el
momento generando conciencia social en la cual puede tener un carácter de denuncia. En
estos dos géneros de la fotografía la manipulación de una imagen no puede ser vista
como una expresión artística fotográfica, ya que la meta del fotoperiodismo y la fotografía
documental es contarle al lector por medio de imágenes una noticia o algo que realmente
existió o sucedió.
67
Capitulo 4. Cultura Wayúu
En este capítulo se plantean los diferentes temas relacionados con la cultura Wayúu, su
historia desde sus inicios, se describe el sitio geográfico donde actualmente se
encuentran ubicados el cual es el Departamento de La Guajira en Colombia y en
diferentes ciudades del mismo. Se muestran los datos estadísticos de población y se
explica su cultura, su manera de vivir, sus normas de convivencia y su relación con otras
etnias que habitan dentro del territorio colombiano.
Algunos elementos de su lenguaje, perteneciente a la lingüística Arawak, serán
explicados para entender su correspondencia con el castellano.
Se plantea la importancia de la fotografía en la etnografía, la antropología social o cultural
del grupo Wayúu indica su posición contemporánea para llegar a una comprensión clara
de sus elementos culturales que forman la etnia.
4.1 Historia
La población indígena Wayúu fue aquella que habitó en el continente americano antes de
la llegada de los españoles. Está población en un principio se desplazaba de un lugar a
otro, desde la selva amazónica hasta el sur del escudo de Guayanés, continuando su
recorrido por el Orinoco pasando por el Meta llegando a las costas Caribeñas para
terminar en la península de La Guajira. En base a datos lingüísticos aproximadamente
hace cuatro o cinco milenios los Wayúu iniciaron esta travesía por el continente. En un
principio los Cocina (quienes eran otros indígenas) ya vivían en la península de La
68
Guajira, por esta razón cuando los Wayúu llegaron tuvieron que convivir un periodo con
ellos. Los españoles (fueron los primeros) en descubrir asentamientos estables en tierra
firme en La Guajira. Las primeras expediciones de los españoles se dieron en 1499 por
Américo Vespucio, Juan de la Cosa y Alonso de Ojeda quienes llegaron a un cabo que
bautizaron La Vela.
Figura 23Mapa de La Guajira en Virrey Guirio, 1769Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Map_of_La_Guajira_1769.png
Los españoles no entraron en el territorio de los Wayúu debido a su localización y las
condiciones del desierto donde viven, sino hasta después de la independencia de
Colombia y de Venezuela, en la cual se vio reflejada la resistencia indígena en ese
momento. A consecuencia de no haber sido conquistados es por eso que hoy en día los
Wayúu todavía mantienen sus costumbres y cultura. Luego de la colonización española el
territorio Wayúu se caracterizó por la explotación de las costas debido a la producción de
perlas en el Cabo de La Vela, fuentes históricas señalan que estos recursos de la
península fueron explotados por los europeos alrededor de 1525.
69
Los españoles fundaron un asentamiento efímero en el Cabo de La Vela donde la
agricultura era imposible por lo cual tuvieron que dejar por la falta de agua y el
agotamiento de los criaderos de ostras. Sin duda esta colonización trajo con ello la
pérdida de tierras agrícolas y lugares de caza de los Wayúu por lo que comenzaron con la
cría de especies introducidas como las cabras conocidos como chivos. En 1749 fue
nombrado como Virrey de Nueva Granada el señor José Alonso Pizarro quien fue el
organizador de las misiones de La Guajira.
En 1694 se fundó una misión capuchina para los Wayúu, en la cual fundaron algunos
asentamientos, la misión estaba compuesta por un padre capuchino llamado Catarrosa,
visitó tierras de Bahía Honda, Macuira, Chimare y Sabana del Valle y dejó en cada sitio un
capuchino para permanecer un año en misión. Estos capuchinos estuvieron un periodo de
tiempo en la península y construyeron hicieron iglesias, convirtiendo a los Wayúu al
catolicismo. Para los conquistadores y los misioneros capuchinos no fue fácil el
sometimiento de los Wayúu y solo lograron terminar con esta resistencia mediante el
establecimiento de orfelinatos que se convirtieron actualmente en escuelas.
Los Wayúu consiguieron ganado de los europeos y la ganadería se convirtió en un medio
de subsistencia para los indígenas permitiendo una nueva forma de uso de las tierras
secas de la península. Fuchs (1971) supone que “…la introducción de nuevas especies y
a los mejores métodos de cultivo que fueron enseñados probablemente por los
misioneros”. Los Wayúu no solo tuvieron contacto con los españoles si no también con los
holandeses e ingleses, intercambiaban pieles y perlas por armas de fuego. La agresividad
de los Wayúu y la relativa marginalidad económica de la península inhibieron el
crecimiento de la población criolla por ello blancos y negros se han infiltrado y han vivido
entre los Wayúu, algunos de estos han tenido relaciones sexuales con las mujeres
70
Wayúu, convirtiéndolas en sus esposas y siguiendo las costumbres indígenas, esto se
debió al predominio demográfico de los Wayúu en gran parte de la península. La historia
de los Wayúu contada por los Wayúu, es un mito en el cual se desarrolla por medio del
nacimiento del Juya la lluvia quien es el personaje de la mitología Wayúu, el cual hizo
parir a la tierra Mma quien dio vida en un principio a esta tribu. Esto se remite al territorio
ancestral conocido hoy como el departamento de La Guajira, a ellos se les ha
correspondido vivir de una forma especial ligada a la naturaleza, el legado de sus
antepasados está dado en el territorio en el que habitan y la distribución de la población.
La población indígena Wayúu es la más numerosa de Colombia, esta etnia habita en la
península de La Guajira al norte de Colombia.
El territorio Wayúu es compartido con el estado de Venezuela, según el censo de 1992.
Sus miembros llegan aproximadamente a 297.454 personas de las cuales el 43% habitan
en Colombia y el 56% en Venezuela. Los indígenas Wayúu viven en conjuntos de
viviendas, llamados rancherías, estos están conformados básicamente por la familia o por
la residencia en común. Muchas veces estos conjuntos de viviendas son desplazados
temporalmente debido al clima, fuertes veranos que amenazan la supervivencia de ellos y
sus animales. Debido a esto el agua es una de las grandes preocupaciones de los
Wayúu, trayendo con ello consecuencias para su economía y subsistencia.
Es por ello que para los Wayúu es tan importante la temporada de lluvias, en la historia
del origen la tierra está relacionada con las lluvias: Mma a la que llaman tierra y Juya la
lluvia se unen y engendran los seres que dan vida a la tierra. Para ellos el tiempo se
interpreta desde el momento en que aparece el sol a lo cual le llaman ka’i el día, el
momento en el que aparece la luna con sus diferentes fases a lo que le llaman kashi y el
momento que se producen lluvias lo llaman juya. Los Wayúu tienen cuatro direcciones en
71
la ocupación territorial la primera se llama Wuimpumuin que corresponde a la región del
norte de la Guajira, la segunda Wopumuin que corresponde a la región del sur de la
Guajira, Palaamuin que corresponde al noreste de la Guajira y por ultimo Uuchimuin que
corresponde a la parte montañosa y este de la Guajira.
4.2 Geografía
La Guajira integra el grupo de departamentos de Colombia ubicado en el centro del mar
Caribe y una pequeña línea de costa al oeste del golfo de Venezuela, con un territorio de
20.848 km2, limita al noroeste con el departamento de San Andrés y Providencia, al oeste
con el mar Caribe, al suroeste con el departamento del Magdalena, al norte con el mar
Caribe, al sur con el departamento del Cesar, al noreste con el Golfo de Venezuela, mar
Caribe e Islas los Monjes, al este y sureste con el estado Zulia (Venezuela).
Figura 24La Guajira, mapa detallado. Ocha Colombia Fuente: http://www.colombiassh.org/site/spip.php?article21 4.2.1 La Guajira
72
La Guajira es identificada por sus tres grupos culturales: criollos, árabes e indígenas. Los
criollos y los árabes se encuentran asentados en la parte urbana del departamento, Los
Wayúu que ocupan un territorio de 15.300 km2 dentro del departamento de La Guajira en
Colombia, y 12.200 en el estado de Zulia, Venezuela. La península de La Guajira es un
departamento que está situado en la parte noroccidental de Sur América, es el
departamento más septentrional por poseer sol, montaña, desierto y playa. Este
departamento se encuentra divido en tres regiones definidas como: La Alta Guajira, La
Media y la Baja Guajira que constan de 15 municipios con una población de 818.695
habitantes. La ruta más visitada por los turistas es la que va para el Cabo de la Vela es
decir la Alta Guajira, donde los Wayúu son los principales habitantes de la zona. En el
Cabo de la Vela se pueden apreciar limpias y extensas playas de arena dorada con
tonalidades de color azul hasta aguamarina en el mar y el cielo. La capital del
departamento de La Guajira es Riohacha, está a 1100 kilómetros de la capital de
Colombia (Bogotá), dentro de la ciudad está la catedral de Nuestra Señora de los
Remedios y el parque Almirante Padilla, dentro de Riohacha funciona el comercio de los
Wayúu es allí donde ellos venden sus artesanías a los turistas; Riohacha es el centro
financiero más importante del departamento.
El clima del departamento de La Guajira se caracteriza por ser seco, la región posee
partes montañosas y la mayoría de los lugares se caracterizan por sus arbustos y cactus,
los promedios de las temperaturas de La Guajira van desde 27º y 30º con máximas en
determinados periodos de 45º. El invierno de este lugar se caracteriza por sus lluvias
constantes que son las que generan las inundaciones y es uno de los problemas más
graves con lo que tiene que convivir la comunidad Wayúu, estas lluvias se dan en la
época de septiembre a diciembre.
73
4.3 Organización social
Dentro de la cultura Wayúu no hay un poder central, simplemente se organizan en clanes
matrilineales es decir que corresponde a un número determinado de personas unidas por
lazos de sangre en línea materna, compartiendo una condición social y un pasado común.
Los Wayúu consideran que en la procreación de un individuo la mujer aporta la carne –e’
irukuu- y la sangre de la menstruación –ashaa- que alimenta al niño durante la gestación.
El hombre aporta el awasain semen que interactúa con la sangre pasiva de la mujer
procreando así al individuo. Dentro de la cultura Wayúu el parentesco se da por la línea
materna y no la paterna las madres son las que dan el apellido a sus hijos, y el padre se
considera como pariente nada más, los parientes del padre son los oupayuu con los que
solo se mantienen lazos de solidaridad. Para los Wayúu es de vital importancia los
cementerios que determinan el territorio de un clan, siempre y cuando estos sean por
parte materna, son su propiedad y se mantienen en contacto con las almas de los
muertos a través de los sueños.
La convivencia y formas de organización de la cultura Wayúu se fundamentan en valores
aprendidos desde temprana edad, que son trasmitidos de generación en generación. A
pesar de que el Wayúu vive en una colectividad es un ser individual, que transmite
saberes y normas de convivencia social expuestas a lo largo de los años. Para lograr este
equilibrio social es necesaria la implementación de métodos que ayudan a los Wayúu en
lo personal y en la colectividad. Dentro de estos métodos se encuentran el respeto que
para el Wayúu significa valorar y apreciar a la otra persona creyendo en la palabra de los
miembros de su comunidad. Para los Wayúu es de vital importancia la reflexión y
encontrar un equilibrio coherente entre lo que se dice y lo que se hace, para ellos la
capacidad oral funciona para corregir situaciones o para evitar conflictos dentro de su
74
comunidad, es fundamental vivir en armonía y para lograr esto tienen establecido un auto
cuidado, a base de consejos que se inculcan desde que son niños hasta que crecen y
tiene la madurez suficiente para manejar cualquier tipo de situación. Así como en la
comunidad occidental los Wayúu tienen normas de educación dentro de las cuales están
las normas de cortesía como el acto de saludar, y recibimientos a la hora de una
ceremonia, ya sea de exhumación de restos, velorios o fiestas. Para los Wayúu es
sumamente importante la espiritualidad que es manifestada en acontecimientos ya sea
para rituales de seres mitológicos, los sueños que determinan el comportamiento de la
persona mediante la interpretación. Por medio de los sueños los Wayúu mantienen su
vida equilibrada en la sociedad y naturaleza.
Hay ciertos valores que se manifiestan en grupo dentro de los cuales está el pedir
solidaridad a amigos o familia, ya sean aportes en especie (animales) o dinero. Los
Wayúu realizan trabajos colectivos cuando hay eventos socioculturales para el beneficio
de la comunidad. Para ellos lo más importante es su comunidad y se ayudan entre sí,
cada persona brinda el apoyo y la colaboración a otra cada vez que esta lo necesite. Para
mantener esta armonía social es necesaria la formación de clanes. La convivencia de los
Wayúu empieza desde el momento de compartir el territorio donde están ubicados con su
familia o amigos, donde se generan alianzas y respeto. Estas reglas son definidas dentro
de la comunidad por el clan ancestral. Si alguna de esta regla no se cumple dentro de su
comunidad se hace una reunión del clan en la cual definen el problema o conflicto, luego
a partir de ello ya sea una mentira o falta de respeto, es pagada por medio de dar tierras o
animales. Con las palabras, hablan muy enserio, no hablan porque si, todo lo piensan
cuidadosamente para no decir alguna imprudencia que luego tengan que pagar.
75
La justicia se orienta en garantizar el equilibrio y bienestar en el desarrollo de la vida, la
justicia integra todos los valores tanto individuales como colectivos. La interacción con
otras culturas, sean o no indígenas, ha generado que estos procesos de formación sean
destruidos, deteriorando la identidad propia del Wayúu. Este deterioro se ha dado dentro
de los valores individuales y colectivos seguidos por la cultura occidental, los cuales no
obedecen al pensamiento Wayúu.
La formación y enseñanza de los Wayúu se da a través del aprendizaje de normas de
cortesía, valores y labores cotidianas. La enseñanza Wayúu no se basa en tiempo,
espacio o contenidos específicos, se basa en la participación directa con el individuo en
las diferentes actividades siguiendo una división por género y edad para el desarrollo de
estas. La idea es orientar al individuo para que aprenda las diferentes labores que va a
realizar a lo largo de su vida, se hacen explicaciones orales y de reflexión. Para las niñas
hay una preparación especial cuando están a poco de desarrollarse como mujeres, se les
encierra en una habitación por meses o un año, donde por medio de la madre o la abuela
son instruidas en procesos de enseñanza y aprendizaje que marcara su vida adulta y la
formara para dirigir y educar a su familia en el contexto de organización matrilineal. Dentro
de estas enseñanzas la abuela y la madre, que son las únicas que tienen la autorización
para entrar en la habitación donde ella se encuentra, le enseñan a tejer, coser, y demás
actividades que son realizadas solo por las mujeres de la comunidad. Luego de este
encierro la niña o mujer cuando se produce su primera menstruación es sacada en la
comunidad, donde organizan una especie de fiesta donde invitan a los diferentes clanes
cercanos y dentro de los cuales está el hombre con el que esta mujer va a casarse y
convivir durante toda su vida.
76
El médico tradicional de la comunidad es escogido por medio de los sueños y es
orientado por otro médico durante una larga trayectoria donde este le enseña a mascar
tabaco y los diferentes ritos de curación con formulas naturales.
La abuela materna es la maestra más importante de la familia, es quién sabe los
fundamentos morales y las normas de conducta que debe tener la comunidad o un
determinado clan, es quien enseña a tejer, coser, cocinar y demás quehaceres de la casa.
El tío materno es la autoridad del núcleo familiar, es quien toma las decisiones del clan,
recibe y da los pagos para las diferentes situaciones, ya sea por ofensas, robo,
matrimonio, etc. El representa a sus sobrinos y es el encargado de orientar y educar a los
hombres resolviendo problemas. Es quien después de morir deja una herencia de bienes.
4.4 Idioma
En Colombia el idioma oficial es el español, pero la comunidad Wayúu forma parte de la
familia lingüística Arawak, su lengua se denomina Wayuunaiki, es una lengua que tiene 6
vocales y 16 consonantes. Los Wayúu se comunican entre ellos mediante esta lengua,
para referirse a la demás comunidad que no hace parte de la cultura de ellos hablan
español, algunos Wayúu que no tienen contacto con la civilización hablan solo en su
lengua. Los dos idiomas son enseñados en las diferentes escuelas donde asisten en la
cual desde pequeños les enseñan los dos idiomas. Hay diferencias dialectales entre los
Wayúu de la Alta Guajira y la Baja Guajira, además la aculturación es más pronunciada
en algunas áreas de la Guajira.
4.5 Economía
77
La mayoría de los Wayúu son relativamente pobres, algunos viven al borde de la
subsistencia, estos son aquellos que viven sin suficientes recursos para subsistir. No
obstante otros Wayúu viven de la ganadería o actividades comerciales las cuales pueden
ser de contrabando. Los bovinos se consideran los de más valor, ya que al ser una región
seca se dificulta la crianza de estos, cada bovino de estos tiene una marca de hierro,
luego siguen los chivos o cabras las cuales son cuidadas en rebaños grandes de 100
hasta 150 animales por comunidad, y son usados para la comida y el abrigo, en años
atrás existió la crianza de caballos y asnos pero las epidemias han sido causa de la
muerte de estos. Tienen pocos caballos y asnos que son usados para el transporte,
durante la época de invierno los Wayúu son obligados a recolectar diferentes tipos de
vegetación y agua para sus animales, ya que no alcanza con la vegetación que poseen en
las rancherías debido a las lluvias y a los cactus del lugar. El agua la sacan de los pozos
impulsados por los molinos de viento, son recursos públicos y de libre acceso para todos.
La Alta Guajira es la menos adecuada para el ganado, ya que posee muchas piedras,
aunque tanto en la Baja como en la Alta se encuentra una planta llamada Prosopis
juliflora es la planta más importante de la zona ya que el ganado se alimenta de ella. Hay
Wayúus que viven de la pesca en la costa y hay puertos pequeños donde se realiza
comercio de contrabando con Aruba y otros lugares del Caribe. Pero para los Wayúu el
hecho de tener chivos es significado de prestigio dentro de las comunidades, y muchas
veces son usados para intercambiarlos de modo no comercial, es decir en una alianza de
matrimonio, solucionar conflictos, pagar deudas. La economía de los Wayúu es mixta
debido a los chivos, la pesca, el comercio, la producción textil, la cerámica y los diversos
trabajos en las haciendas o en las minas de carbón de El Cerrejon, en un pueblo cerca de
Riohacha llamado Manaure, los Wayúu viven de la sal que es sacada del mar y es
exportada a diferentes lugares del país, se afirma que por lo menos 3.000 Wayúu trabajan
78
en las dos cosechas que se hacen anualmente (fuente anónima). Fuchs (1971) calculó
que “Alrededor del 60% de los guajiros venezolanos dependen de salarios, mientras que
el 40% restante dividido el 25% criadores, 10% agricultores, 2% comerciantes, y otro 2%
pescadores” y también afirmo que “Si interpreto la situación correctamente, alrededor de
una quinta parte de la población Guajiro (en Colombia y Venezuela) depende de salarios”
Fuchs no aclaró como estableció la distribución de estos porcentajes. Muchos Wayúu
colombianos viajan a Venezuela para encontrar mejores trabajos, y cuando acumulan el
dinero o llega el invierno deciden volver a su casa para así llevar lo que se han ganado.
Otros Wayúu ganan dinero mediante las minas superficiales de yeso y talco que se
encuentra en la península. Las pieles de los animales también son otra fuente de ingreso
monetario, y otros productos animales como el queso y la leche, los cerdos, las gallinas y
los huevos de estas son vendidos a personas que no sean indígenas. La actividad más
importante de los Wayúu en cuanto economía es el pastoreo los Wayúu son pastores,
muchas veces este ganado es usado para ritos, algunas marcas de ganado son usadas
como tatuajes en la piel de los indígenas, el número de cabezas del ganado que posee
cada comunidad es equivalente a la riqueza y el status social que esta posee, sin
embargo consumen su carne sólo cuando los animales son inútiles, ya sea porque se
parten una pata o en ocasiones especiales, actos fúnebres, matrimonios. Las ovejas son
criadas para el uso de la lana y fabricar diversos objetos domésticos aunque son de mala
calidad y por lo tanto no se venden tanto en el mercado externo. Los Wayúu también
cultivan maíz para su consumo diario, y venden parte de sus cosechas, también comen
grandes cantidades de arroz y plátano, siembran cultivos de yuca, mijo, frijol, lenteja,
patilla, melón, coco y tabaco. Las mejores tierras agrícolas se encuentran en las regiones
elevadas de la Sierra de Macuira y cauces secos que descienden de las montañas. Estos
cauces se llenan de agua con las lluvias generadas en el invierno y se mantienen
húmedas por el resto de tiempo. La Guajira central también es una buena zona para la
79
agricultura, pero para sembrar los Wayúu dependen de la lluvia. Moreno (1950) identificó
cuarenta y cinco especies de frutos silvestres que recolectan los Wayúu. Aunque
recolectan estos frutos también viven de la caza de animales donde Pineda (1950) señala
que “Entre los principales animales que cazan está el venado, el saíno, el conejo, la zorra,
la nutria, el gato montés, el armadillo, la tortuga terrestre, y algunas especies de aves”.
Algunos Wayúu todavía utilizan arcos y flechas para cazar como lo hacían anteriormente,
ya que es un arma más barata que la escopeta. Algunos niños utilizan hondas para cazar
aves, o animales pequeños como lagartijas, pero la caza esta vista más como un deporte
que como una manera de supervivencia entre ellos, ya que existen varios mitos sobre la
caza y la mayoría de los Wayúu temen a esto. En las costas capturan peces, mariscos y
tortugas.
La carne de tortuga se considera un plato de prestigio y es utilizado en las ceremonias
funerarias de personas con mucho poder. Los pueblos de pescadores son de tamaño
limitado, ya que en la costa es difícil encontrar agua potable y los problemas de
transportación restringen la captura de estos animales.
4.6 Antropología y Etnografía
Se denomina Antropología a la ciencia social que estudia al ser humano, los antropólogos
son aquellos que buscan respuestas a variedad de preguntas sobre el ser humano,
estudiando las sociedades del pasado y el presente.
La antropología apunta a un conocimiento global del hombre y abarca el objeto en
toda su extensión geográfica e histórica; aspira a un conocimiento aplicable al
80
conjunto de la evolución del hombre, desde los homínidos hasta las razas modernas
y tiende a conclusiones, positivas o negativas, pero validas para todas las
sociedades humanas, desde la gran ciudad moderna hasta la más pequeña tribu
melanesia (Lévi-Strauss, 1958)
Para este estudio el ser humano se divide en diferentes grupos sociales los cuales cada
grupo tiene una cultura, que se refiere a la forma de vida de una sociedad en diferentes
aspectos, para algunos antropólogos la cultura es una ley o idea que forman la base de
un comportamiento. Para que un pensamiento sea considerado un rasgo cultural debe ser
común para un grupo determinado de personas.
Un grupo con la misma cultura se puede definir por la lengua, y habitar en una misma
región. Sin lugar a duda la cultura es primordial dentro de las ciencias antropológicas y es
el punto de partida para comprender las manifestaciones sociales.
Para este trabajo fue indispensable realizar una experiencia antropológica, la cual develó
la intimidad de esta tribu, esta experiencia como práctica es el conocimiento que se
adquiere en el trabajo de campo. Para realizar esta experiencia antropológica se debe
determinar el espacio, es decir el lugar donde va a ser realizada, la duración qué esta
conlleva y la condición de quien lo va a realizar. Al determinar estos aspectos se debe
llevar consigo un diario de campo, que será la descripción cronológica.
El trabajo de campo se llama Etnografía, es una investigación que se lleva a cabo para el
estudio de un grupo social o etnia, la etnografía implica la observación participante, para
ello es necesario clasificar los niveles de trabajo etnográfico para así lograr fases de
investigación y un ordenamiento del trabajo. Dentro de estos niveles de investigación se
81
debe empezar con una lectura o escritura de los documentos del objeto de estudio, para
tener una versión anticipada del espacio que se va a investigar. Luego se pasa al
siguiente nivel que es llegar al campo, que significa ubicarse en el espacio territorial en el
cual se va a llevar a cabo el estudio del grupo social y es en este nivel donde se debe
llevar un diario de campo que realiza la descripción de temporalidad de la estancia: día,
mes, año, captando los diferentes sucesos que se van presentando en el momento. Al
estar en el espacio determinado el etnógrafo se dispone a realizar acciones discursivas,
es decir establecer diálogos y relaciones con el objeto de estudio, para así poder convivir
con ellos y aprender sus prácticas cotidianas.
Este nivel recibe el nombre de oralidad y es el intercambio de saberes por medio de la
palabra, gracias a ella se obtiene una evidencia y una experiencia propia y única. Para
finalizar este proceso se realiza un escrito, en este Proyecto de Grado es la realización de
un ensayo fotográfico, que concluye todo lo investigado.
4.6.1 Fotografía en la etnografía y antropología
La imagen antropológica es toda aquella que el antropólogo obtiene informaciones
visuales útiles y significativas, por eso se puede decir que la pintura, el grabado y las
imágenes hacen parte del interés antropológico así no hayan sido pensadas para ello. Las
imágenes sirven para comprender mejor una cultura, es un género de comunicación
visual en el cual la fotografía representa las características de una cultura, abordando
diversas perspectivas. Esta representación visual se inicia desde los análisis fílmicos, en
el cual Sergéi Eisenstein en 1934 realiza un análisis ideológico y formal de un fragmento
de la película muda El Acorazado Potemkin.
82
El estudio académico de la fotografía ha sido dominado por los historiadores del
arte [siendo reciente] la emergencia de una aproximación social a la historia de la
fotografía según la cual se considera a las fotos como artefactos socialmente
construidos que nos cuentan algo sobre la cultura reflejada así como la cultura del
que toma dichas imágenes [para concluir que] la fotografía etnográfica es una
práctica sin una teoría o método bien articulados. (Ruby, 1996).
En los orígenes tanto de la fotografía como de la Antropología se puede decir que van
entrelazadas, desde el comienzo cuando Daguerre divulgó sus imágenes positivas fijas,
se fundó la Sociedad de Protección de Aborígenes (1841) y otras sociedades
antropológicas de gran importancia, desde entonces se ha fotografiado documentación
social, y los antropólogos encontraron una metodología adecuada para documentar sus
trabajos etnográficos fusionando ambas disciplinas. Las imágenes que se definen como
antropológicas son aquellas que representan y le dan importancia a la representación
visual de personas en un entorno socio-cultural, mostrando los detalles de su cotidianidad
cultural.
La fotografía ofrece a la antropología una materialidad científica en los estudios
sobre comportamiento humano [incluyendo que] la memoria fotográfica contiene
detalles que ni fueron percibidos en el encuentro original (...) La fotografía sugiere,
pero no explica cómo se ejecutan acciones. (Collier, J. 1967).
La fotografía etnográfica definida así por Joana C. Scherer (1995):
83
Es el uso de fotos para la conservación y comprensión de cultura(s), tanto la de los
sujetos como de los fotógrafos (...) Lo que convierte una foto en etnográfica no es
necesariamente la intención de su producción, sino cómo se usa para informar
etnográficamente a sus espectadores. (p. 201, 216).
La fotografía es usada por los antropólogos como medio de difusión de sus trabajos o
para dar conferencias, ellos las utilizan como medio de investigación, realizan
exposiciones sobre sus fotografías, que incluyen fichas informativas y elementos para
complementar y recrear el ambiente al cual se refieren. Las imágenes, impresiones y
diapositivas se convierten en documentos de consulta. La fotografía contiene mensajes
por lo cual es necesario un método de interpretación que permita leer o interpretar la
imagen, desde una perspectiva ideológica, lo cual critica la objetividad de las imágenes ya
que su producción y divulgación sirven para usos sociales.
Capitulo 5. Recursos del lenguaje fotográfico para el ensayo sobre la Cultura
Wayúu
En este capítulo se explicaran los diferentes recursos del lenguaje fotográfico que se
utilizaron para el desarrollo del ensayo fotográfico sobre la Cultura Wayúu, el cual fue
desarrollado por medio de propuestas estéticas, usando cámara digital, con climas de luz
natural día, resaltando en las imágenes diferentes contrastes, contraluces, y sombras
producidas por el lugar.
En este documental fotográfico se cuenta una historia de gran importancia de quienes por
diferentes motivos, están en un olvido relativo con respecto al resto de la población
84
colombiana y es fundamental la propuesta personal del fotógrafo con relación al tema
propuesto.
5.1 Recursos del lenguaje fotográfico
Los recursos del lenguaje fotográfico son los criterios de composición o diseño que se le
dan a una imagen fotográfica, es la manera en que el fotógrafo captura la imagen, estos
recursos se establecen por la composición, el encuadre, la perspectiva y ángulos de toma,
el movimiento, la iluminación y el color.
5.1.1 La composición fotográfica
Es ordenar los objetos que se encuentran dentro de una imagen, desde la pintura, existen
diferentes elementos que sirven para componer una imagen fotográfica.
La composición en la fotografía es subjetiva, no existen leyes o reglas específicas, que
establezcan una mejor composición de las imágenes, sin embargo algunos recursos
establecidos son utilizados para la composición de estas, dependiendo de lo que el
fotógrafo quiere mostrar, generando sensaciones en el espectador.
Algunos elementos que se deben tener en cuenta para la composición de una imagen
son: el centro o punto de interés, la textura, la forma y el volumen generando sensaciones
de profundidad en las imágenes, el contraste ya sea en cuanto a forma, tono, o color.
5.1.2 El encuadre fotográfico
85
El encuadre fotográfico se refiere a la selección que el fotógrafo hace por medio del visor
de una cámara fotográfica, es decir lo que desea captar en una fotografía estableciendo
que elementos aparecerán en el marco fotográfico. Los seres humanos perciben con los
ojos una escena en su totalidad, pero con la cámara el encuadre está limitado por cuatro
lados y el ojo debe hacer una selección de la realidad, es decir de lo que ve, respecto a la
escena o el mensaje que desea transmitir por medio de una imagen.
Desde los orígenes, nuestra visión de la realidad ha adoptado dos formas
principales; la cognoscitiva, basada en una síntesis de la experiencia visual que
hemos acumulado en nuestras mentes, y la perspectiva, basada en una imagen
percibida desde un punto de vista individual, como a través de la lente de una
cámara. (Hurlburt, 1983).
El encuadre de una imagen fotográfica puede ser de diferentes formas y cada uno
transmite sensaciones diferentes.
1. Horizontal o apaisado: es el formato más común para capturar paisajes, resaltando
los espacios, generando estabilidad.
2. Vertical: este formato es utilizado para los retratos fotográficos, resalta las líneas y
los planos verticales.
3. Cuadrado: este es el formato que se utiliza por las cámaras polaroid (instantáneas)
y materiales sensibles de medio formato en cámaras analógicas. Al ser cuadrado
este formato es más simétrico, generando estabilidad.
Se debe definir cuál es el punto de interés de una imagen fotográfica, en este punto es en
el cual se concentra la mirada del espectador, de esta manera se constituye la regla de
los tres tercios, que es la forma de ordenar los objetos en una imagen. Esta regla surge a
86
partir de la proporción aurea (dividir una recta en dos partes A y B, de tal forma que se
cumpla que la proporción entre B y A sea igual a la proporción entre el total y B) y
establece una división del rectángulo horizontal o vertical en nueve cuadriculas iguales,
los puntos de intersección generados por las líneas paralelas, son los centros de atención
o puntos de interés de la imagen.
Figura 25La regla de los tres terciosFuente: www.decamaras.com
La regla del horizonte, es por la cual se divide la imagen en tres partes horizontales
iguales, situando el horizonte en alguna de esas dos líneas divisorias que separan las
partes. Esa línea de horizonte es colocada 2/3 arriba o debajo de la imagen y sirve como
referente para el espectador, esta línea no debe coincidir con la mitad de la imagen.
Figura 26La regla del horizonte.Fuente: www.buenafoto.es
87
La regla de la mirada, se aplica para las fotografías en las que el motivo principal es una
persona o un animal, esta regla establece que dentro de la imagen fotográfica, el retrato
debe tener más espacio libre hacia su parte frontal que lo que ocupa en la parte posterior.
La ley de la mirada, determina la posición en la que debe encontrarse el retrato en función
de la dirección en la que mira.
Figura 27La regla de la mirada.Fuente: www.fotonostra.com
5.1.3 Perspectiva, ángulos de toma y planos fotográficos
La perspectiva en geometría es simular un efecto visual proyectando el espacio
tridimensional sobre un espacio bidimensional (una superficie plana). Esta proyección
debe permitir una observación de los volúmenes proyectados y su ubicación en el espacio
generando una ilusión óptica. La perspectiva es fundamental en la fotografía, porque da la
sensación de distancia y profundidad. Hay diferentes tipos de perspectiva:
1. La perspectiva frontal o paralela: las rectas paralelas entre sí en el espacio se
transforman en rectas convergentes que confluyen en un punto de fuga ubicado
sobre la línea de horizonte, en la fotografía este punto de fuga puede estar situado
dentro o fuera de la imagen.
88
2. La perspectiva oblicua: las rectas convergentes confluyen en dos puntos de fuga
que se encuentran en la línea de horizonte.
3. La perspectiva aérea: consta de tres puntos de fuga, dos para las rectas y uno
más que va por encima o debajo de la línea de horizonte.
Figura 28Perspectivas paralela, oblicua y aérea.Fuente: www.todacultura.com
“La representación del espacio en imágenes planas (pintura, fotografía, cine) no puede
evidentemente reproducir más que algunos rasgos de la visión del espacio, en particular,
como también hemos visto, los referentes a la profundidad”. (Aumont, 1992, p.224).
Los ángulos de toma son el grado de angulación por el cual el fotógrafo sitúa la cámara
fotográfica del objeto que va a fotografiar. Hay diferentes tipos de ángulos de toma, dentro
de los cuales está el picado, el cual consiste en fotografiar un objeto o motivo desde arriba
hacia abajo, indicando un valor expresivo de inferioridad. El ángulo de toma natural es por
el cual el objeto a fotografiar se encuentra en el mismo nivel que la cámara. El ángulo
cenital se basa en capturar la imagen desde un ángulo perpendicular de 90º de arriba
hacia abajo, con respecto al suelo, el ángulo contrapicado es el inverso al picado y
consiste en fotografiar un objeto o motivo desde abajo hacia arriba generando un valor
89
expresivo de superioridad. El ángulo aberrante consiste en inclinar la cámara hacia un
lado generando que la línea de horizonte quede desequilibrada, logrando inestabilidad y
movimiento en las fotografías.
Los planos fotográficos son la proporción que tiene el objeto, motivo, o personaje dentro
del encuadre, indicando que porción de la imagen aparecerá en la toma fotográfica. Se
pueden clasificar en: planos generales los cuales dan el mayor ángulo de cobertura dentro
de una escena, capturando y mostrando a los personajes dentro del entorno. El plano
general corto reduce el campo visual, dándole más importancia a los personajes que al
entorno, el plano entero que abarca toda la figura humana desde los pies hasta la cabeza
limitando con los bordes superior e inferior de la imagen, el plano americano surge en el
cine western, en la figura humana va desde las rodillas hasta la cabeza, el plano medio
que abarca la figura humana desde la cintura hasta la cabeza, el plano medio corto va
desde las axilas hasta la cabeza, los personajes ocupan un tercio de su cuerpo en la
imagen. El primer plano es el plano por el cual se realizan los retratos fotográficos abarca
la figura humana desde los hombros hasta la cabeza, transmitiendo emociones del
personaje u objeto fotografiado. El primerísimo primer plano abarca el rostro desde el
mentón hasta mitad de la frente, desapareciendo la parte superior de la cabeza. El plano
detalle enfatiza algún elemento de la realidad, destaca un detalle que en un plano normal
estaría desapercibido.
5.1.4 El movimiento en la fotografía
El movimiento es un elemento expresivo de la fotografía, se puede generar la sensación
de movimiento dentro de lo estático en fotografía. Esto se logra combinando la velocidad
de obturación y el diafragma de la cámara.
90
Hay dos efectos de movimiento en la fotografía, uno de ellos es la congelación del
movimiento, que significa conseguir que una imagen que está en movimiento quede
congelada es decir quieta proporcionándole al espectador una visión de un motivo que no
podría captarse estáticamente. El otro efecto de desplazamiento o barrido que consiste en
crear la sensación de movimiento dejando estático el elemento principal o el fondo.
5.1.5 Iluminación y color en la fotografía
La iluminación y el color son recursos expresivos importantes en la composición de una
fotografía, dirigiendo la atención del espectador en los contrastes de tono o en la
saturación de los colores.
La luz es un elemento básico dentro de la fotografía ya que sin ella sería imposible
capturar las imágenes, los diferentes tipos de dirección y de intensidad de la luz generan
sombras y matices formando texturas y volúmenes en las imágenes. Existen factores que
definen la iluminación dentro de los cuales se encuentran: la luz natural (luz día) esta
puede ser luz del mediodía la cual es una luz intensa o dura, que proporciona sombras
más pronunciadas, luz de la mañana o del atardecer es una luz cálida, su temperatura a
color se encuentra debajo de los 3500ºK con tonalidades amarillas y rojas, formando las
sombras que resaltan las texturas de los objetos. La luz fría tiene una temperatura a color
superior de los 5500ºK con tonalidades azules y violetas, se consigue en días nublados o
días de invierno. La luz artificial puede ser continua o discontinua, (flash). El número de
fuentes luminosas es otro factor que influye en la iluminación, este define los contrastes
de la imagen. La dirección de la luz, se establece por: una iluminación frontal la cual
proyecta sombras detrás del motivo a fotografiar, la luz lateral que resalta el volumen y la
91
profundidad de los objetos acentuando su textura, los contraluces que iluminan la parte
superior del objeto o motivo generando sombras hacia la cámara. La iluminación desde
arriba genera sombras en la parte inferior del motivo a fotografiar. La luz puede ser difusa
o puntual, la difusa incide sobre los objetos desde diferentes ángulos, generando una
iluminación más homogénea, simplificando las sombras, disminuyendo los contrastes
entre los colores claros u oscuros, la puntual se origina desde un punto reducido respecto
al objeto que está siendo iluminado, a diferencia de la luz difusa genera sombras más
acentuadas.
El color de las fotografías es otro elemento expresivo que se utiliza en el momento de
componer una imagen, la saturación de los colores genera intensidad y los colores claros
tranquilidad. Los colores primarios luz son el rojo, el azul y el verde, el color tiene tres
características: el tono o matiz, la saturación y luminosidad, el tono es la propia cualidad
que tiene un color, la saturación también conocida como croma es la intensidad o la
pureza que representa un color, o la cantidad de gris que contiene un color. La
luminosidad o brillo describe que tan claro u oscuro es el color.
La armonía cromática se refiere a la relación equilibrada del color, son colores que están
cercanos dentro del círculo cromático. El contraste cromático se establece por los colores
que están alejados dentro del círculo cromático. Los colores pueden generar sensaciones,
sentimientos o simbolismo, por medio de una asociación psicológica.
Estos recursos o elementos expresivos se usaron para la realización de las imágenes
fotográficas del ensayo sobre la cultura Wayúu. Las fotografías fueron tomadas con una
cámara digital Nikon D90.
92
Se establecieron algunos encuadres de primer plano y planos americanos para los
retratos, con distintos puntos de interés. Se utilizaron formatos horizontales para los
paisajes y retratos, y los formatos verticales para retratos de cuerpo entero o paisaje
mostrando elementos importantes que generan un equilibrio en las fotografías.
Todas las fotografías se realizaron con luz natural día, algunas con sombras acentuadas,
contraste alto de tono y una saturación media-alta en cuanto al color.
Conclusión
Después de haber realizado este Proyecto de Graduación, “Ensayo fotográfico sobre la
cultura Wayúu”, se determinan las conclusiones, basadas en el trabajo de campo, la
selección de las fotografías, la investigación y las vivencias compartidas personalmente
con el grupo étnico Wayúu.
Se realizó una investigación y un análisis de los orígenes de la fotografía, estableciendo
los diferentes procedimientos que se dieron durante el siglo XIX. Se describen algunos
géneros fotográficos, llegando a la fotografía documental, la cual da un testimonio y
evidencia sucesos de la realidad. La importancia del fotoperiodismo al ser parte de la
fotografía documental, siendo el medio por el cual los reporteros gráficos o fotoperiodistas
registraron los acontecimientos más importantes de la historia. La importancia de la
cámara Leica dentro del ámbito periodístico inventada por el ingeniero alemán Oskar
Barnack, dadas las características simples en cuanto al manejo. La agencia Magnum,
considerada como la agencia más importante en el ámbito fotoperiodístico, al ser una de
93
las primeras cooperativas fotográficas, en la que los fotógrafos administraban sus
derechos. Este análisis sirvió para un mejor entendimiento de lo que se quería lograr en el
ensayo fotográfico y la relación que se estableció entre estas imágenes con la fotografía
documental.
Se expusieron los procedimientos fotográficos analógicos y digitales, el funcionamiento,
las ventajas y desventajas. Los avances tecnológicos y la llegada de la fotografía digital
que permiten una manipulación de las imágenes poniendo en duda la credibilidad y
autenticidad de estas.
Durante la realización de las fotografías sobre la cultura Wayúu fue indispensable
desplazarle al lugar donde habita esta cultura y tener una interacción con este grupo
étnico, por un periodo de dos semanas en las cuales se llevo a cabo una observación
participante captando cada momento y detalle de sus costumbres, realizando las
imágenes con una propuesta personal y una elección de los recursos del lenguaje
fotográfico que sirvieron como composición de las imágenes. Se detalla la importancia
que tienen estas imágenes para entender la cultura Wayúu, mostrando de forma
descriptiva sus costumbres, alimentación, formas de subsistir y otras características
étnicas.
Al tener esta experiencia antropológica, la cual se basa en el conocimiento que se
adquiere en el trabajo de campo, se estableció la fotografía antropológica como una
disciplina con el fin de fotografiar al ser humano en su cultura o entorno social al que
pertenece. La fotografía y el trabajo de campo permitieron una experiencia profesional y
personal, permitiendo una compresión de la realidad en la que viven estos indígenas, y
como esta realidad es transmitida a los espectadores por medio de las imágenes. Estas
94
fotografías quedaran registradas y servirán de base en un futuro para entender, analizar y
estudiar esta cultura que se ha ido perdiendo con el paso de los años.
Además se investigó y se trabajó sobre la fotografía y las ramas que se usaron como
base de este Proyecto de Grado, en este caso la fotografía documental, el reportaje
fotográfico, una investigación antropológica sobre la cultura Wayúu y la relación de la
fotografía con la antropología y la etnografía.
Por último para este Proyecto de Grado, se realizó un libro con todas las fotografías, en
las que se establece un ensayo fotográfico lo cual se define por una selección de
imágenes colocadas en un orden especifico que cuentan una historia y es la máxima
expresión de la fotografía documental basándose en momentos de la vida de este grupo
étnico, describiendo los aspectos más importantes de su cultura. Las imágenes
fotográficas tienen una mezcla de elementos artísticos y documentales, artísticos en el
sentido de que producen un efecto estético generando sensaciones en el espectador, y
documentales porque informan permitiendo un acercamiento a la identidad de este grupo
étnico.
95
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