IMPRESIONISMO vs.

EXPRESIONISMO

Kim C. Figueroa Guzmán2º Bachillerato Humanidades

ÍNDICE IMPRESIONISMO: definición y antecedentesCaracterísticas del impresionismoTécnica

EXPRESIONISMO: definición y antecedentes Características del expresionismo

EDUARD MANET: biografíaAnálisis del “bar folies-bergère”Otras obras de Manet

EDVARD MUNCH: biografíaAnálisis de la “madonna” Otras obras de Munch

Bibliografía

IMPRESIONISMO ******************** El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la segunda

mitad del siglo XIX en Europa —principalmente en Francia— caracterizado, a grandes rasgos, por el intento de plasmar la luz (la «impresión» visual) y el instante, sin reparar en la identidad de aquello que la proyectaba. Es decir, si sus antecesores pintaban formas con identidad, los impresionistas pintarán el momento de luz, más allá de las formas que subyacen bajo éste. El movimiento fue bautizado por la crítica como Impresionismo con ironía y escepticismo respecto al cuadro de Monet Impresión: sol naciente; su importancia es clave en el desarrollo del arte posterior, especialmente del postimpresionismo y las vanguardias.

Como antecedente tomaron la captación de la luz que se proyecta sobre el objeto, y se realiza mediante toques fragmentados de color de los que pueden hallarse indicios enVelázquez. La temática paisajística fue insuflada por los pintores paisajísticos ingleses como Turner y sus sus superficies borrosas y vaporosas y el difuminado y mezcla de colores intensos.El pintor clave de este movimiento fue sin duda ÈDOUAR MANET.

En su Almuerzo sobre la hierba Manet presenta un bodegón. Pese a que las figuras representadas son humanas, el autor trabaja el cuadro como si fuera una naturaleza muerta. Esto se evidencia por la ausencia de conexión de unos personajes con otros, dos personajes van vestidos mientras que los otros dos están desnudos; las miradas nunca se encuentran.

Por otra parte El bar del Folies-Bergère evidenciará el deseo de tratar los fenómenos lumínicos al introducir un espejo al fondo que refleja toda la profundidad de la sala y las grandes lámparas de araña, iluminación artificial que crea una luz difusa y menos directa y, por tanto, más difícil de pintar.

Características

Representación de paisajes y naturalezas muertas Planos y ángulos de influencia fotográfica Cobra importancia la luz que cae sobre el objeto Pretende captar el instante, la fugacidad, el movimiento y

para eso pintan al aire libre (plen air) Cada obra tiene una paleta de colores limitada, que se logran

por yuxtaposición de trazos en donde no se utiliza el negro. Tienden a usar con frecuencia colores puros y sin mezcla,

sobre todo los tres colores primarios y sus complementarios. Manejan la pintura más libre y sueltamente, sin ocultar sus

pinceladas fragmentadas y la luz se fue convirtiendo en el gran factor unificador de la figura y el paisaje.

no muestran las cosas tal y como son, sino tal y como lo ven.

TécnicaClaude Monet, Catedral de Ruán. En la entrada principal de la catedral distinguimos azul ultramar y violeta para las sombras (colores más saturados que la parte superior, más iluminada) al igual que naranja dentro de la misma zona de sombra para definir los reflejos en la oscuridad.

A partir del uso de colores puros o saturados, los artistas dieron lugar a la ley del contraste cromático y la ley de colores complementarios enriqueciendo el uso de colores puros bajo contrastes, generalmente de fríos y cálidos.

Para definir la forma, su riqueza de color les permitió afinar el volumen mediante más matices lumínicos, creando luces dentro de las zonas de sombra y sombras dentro de las zonas iluminadas recurriendo únicamente al uso del color.

******************** EXPRESIONISMOEl expresionismo es un movimiento artístico surgido en Alemania a principios del siglo XX, en concordancia con el fauvismo francés y plasma el deseo de dar al espectador una visión de los sentimientos del artista. Recibió su nombre en 1911 con ocasión de la exposición de la Secesión berlinesa, en la que se expusieron los cuadros fauvistas de Matisse y sus compañeros franceses. El expresionismo usó la deformación de la realidad para conseguir expresar adecuadamente los valores que se pretende poner en evidencia, y se manifestó como una reacción parcial al impresionismo. Los elementos más característicos de las obras de arte expresionistas son el color, el dinamismo y el sentimiento.

Lo fundamental para los pintores no era reflejar el mundo de manera realista y fiel, justo al contrario que los impresionistas, sino romper las formas. El objetivo primordial era transmitir sus emociones y sentimientos más profundos. De hecho, en cualquier reproducción en blanco y negro de un cuadro expresionista se intuye esa energía y esa emotividad que subyacen a todas sus obras.

Los auténticos precursores expresionistas aparecieron a finales del siglo XIX y principios del XX, en especial el pintor holandés Vincent Van Gogh, el francés Paul Gauguin y el noruego Edvard Munch que utilizaron colores violentos y exageraron las líneas para conseguir una expresión más intensa.

El grupo expresionista más importante del siglo XX apareció en Alemania de la mano de los pintores Ernst Ludwig Kirchner, Erich

Heckel y Karl Schmidt Rottluff, quienes en 1905 fundaron un grupo en Dresde denominado Die Brücke (El puente). A ellos se unieron en 1906 Emil Nolde y Max Pechstein, y en 1910 Otto Müller. En 1912 expusieron sus cuadros junto a un grupo de Munich denominado Der Blaue Reiter (El jinete azul), integrado por los pintores alemanes Franz Marc, August Macke y Heinrich Campendonk, el suizo Paul Klee y el ruso Wassily Kandinsky. Esta primera fase del expresionismo alemán estuvo marcada por la visión satírica de la burguesía y el fuerte deseo por representar las emociones subjetivas. Die Brücke se disolvió en 1913, un año antes del comienzo de la I Guerra Mundial (1914-1918). El grupo de los fauves así como el pintor francés Georges Braque y el español Pablo Picasso, influyeron y posteriormente recibieron la influencia del expresionismo alemán

La realidad hay que mirarla desde el interior, con ello se pretende transmitir emociones y mensajes con una carga emocional.

Se le da prioridad a la expresión subjetiva profunda (libertad, instinto) frente al objetivismo impresionista superficial.

Aplicación del color con pasión y violencia. Temas: la soledad, la miseria, lo morboso, lo demoníaco, lo fantástico,

etc. Nuevos medios de expresión para transmitir la esencia del hombre. No

les interesa los formalismos, sino los contenidos.Hay que diferenciar entre las distintas escuelas expresionistas del

momento: Die Brücke (El puente): Se basan en el instinto, el temperamento y la

inspiración.Kirchner, Nolde, Pechstein, Schmitt-Rottluff Der Blaue Reiter (El jinete azul): No buscan reflejar la realidad exterior,

ni la evasión hacia el mundo salvaje y el primitivismo, sino captar la esencia espiritual de la realidad, el Yo interior, el alma. Más que plasmar los instintos violentamente (El puente), buscan la purificación de los instintos.

Características

EDOUARD MANET

BIOGRAFÍANace en París el 23 de enero de 1832, formaba parte de una familia alto burguesa. Sus

primeros pasos artísticos los daría cuando inicia su etapa escolar . Acabados los estudios en el colegio Rollin, se alista en un buque mercante .. De regreso a París frecuenta el taller de Thomas Couture cuyo éxito en el Salón de París era reciente . Introdujo grandes novedades temáticas y técnicas en sus lienzos que le sitúan en el Impresionismo, todo su deseo fue triunfar en el Salón de París, el lugar oficial del momento.

Hacia 1849 Manet se integra en el taller, enfrentándose con su maestro en numerosas ocasiones por considerar anticuadas sus enseñanzas; al mismo tiempo, pudo copiar en el Louvre cuadros no sólo de Tiziano, Rembrandt y Velázquez, sino también de Goya, Delacroix, Courbet y Daumier.

De Couture aprendió que para ser un gran maestro hay que escuchar las enseñanzas de los que lo han sido en el pasado, por ejemplo, pero, por desgracia, el profesor era un antirrealista fanático y convencido.

Enfurecido por las mofas que Manet hacía con respecto al Premio de Roma, Couture le dijo que nunca llegaría a ser otra cosa que el Théodore Rousseau de su época. Después de esto, Manet hizo su propia síntesis personal de la historia de la pintura y de lo que podía aprender viendo grabados japoneses. Y es que el pintor fue siempre un extraño ecléctico. En este sentido, Bownes se muestra bastante convincente al demostrar que, de joven, sin llegar a considerarse un innovador, Manet sí trataba de hacer algo nuevo: Buscaba crear un tipo libre de composición que estaría, sin embargo, tan herméticamente organizada en su superficie como los cuadros de Velázquez.

Desde 1853 hasta 1856 Manet se dedicó a viajar por Italia, los Países Bajos, Alemania y Austria, copiando a los grandes maestros.

En 1859 presentó por primera vez al Salón su Bebedor de ajenjo, un cuadro que permitía sin problemas adivinar su adoración por Frans Hals, pero que provocó una turbulenta reacción en el público y en el jurado, inexplicable sin duda para un Manet que durante toda su vida lo único que buscó fue el éxito dentro de la respetabilidad.En los años sesenta, sin embargo, su pintura de tema español, tan de moda por entonces en Francia, fue bastante bien acogida y en 1861 el Salón acepta por primera vez un cuadro suyo, el Guitarrista español.En realidad, Manet nunca fue un impresionista en el sentido estricto de la palabra. Por ejemplo, jamás expuso con el grupo y nunca dejó de acudir a los Salones oficiales, aunque le rechazaran. Sus objetivos no eran compatibles con los de los impresionistas, por mucho que se respetaran mutuamente.

BAR LES FOLIES BERGERE

Es un óleo sobre lienzo pintado en 1882. Aparece representada una camarera del bar folies-bergère en la barra con todo el resto del bar reflejado en el espejo. El personaje que aparece en el espejo en primer plano es el pintor Gaston Latouche.

No existe la línea para delimitar las figuras, sólo pinceladas de color, sobretodo para las figuras del fondo que apenas se distinguen, son muy borrosas. Aprovecha la luz de las lámparas para crear una luz artificial y reflejar el bullicio del lugar. El Bar del Folies-Bergère supone la culminación de los cuadros dedicados a la temática nocturna que tanto habían atraído a Manet desde la década de 1870, apreciable en obras como La Ciruela o Café concierto.

. En la imagen se recrea un complejo sistema de ilusión y realidad, que mezcla lo artificial con lo natural: el cuadro es en su mayor parte tan sólo el reflejo de un gran espejo tras la camarera, que impide que la mirada del espectador profundice en la escena, y que lo devuelve con fuerza hacia el exterior. El espacio es angosto, oprimido por la presencia de la barra; ante la camarera, de mirada vacía, perdida, agotada y sin ningún interés, se encuentra la figura del cliente, que sólo apreciamos en el reflejo del cuadro. El cliente, igual que el espectador, parece estar entablando una negociación con la camarera, una de las atracciones de la sala.

En primer plano se puede contemplar una magnífica naturaleza muerta, relacionada completamente con la vida moderna. En cuanto a la técnica pictórica, el repertorio del Impresionismo está detallado al máximo: intención de modernidad, fascinación por el mundo urbano, inmediatez de la escena en pro de la objetividad, color fluido en largas pinceladas yuxtapuestas... Lo mejor de Manet se ofrece en esta imagen, emblemática del movimiento impresionista. Cuando la obra fue expuesta en el Salón de 1882 obtuvo un gran éxito, recibiendo numerosas críticas positivas.

Otras obras de E.MANET

“Argenteuil”

“Bodegón de brioche y limón”

EDVARD MUNCH

BIOGRAFÍANacido en Loeiten, Noruega, el 12 de diciembre de 1863, en un ambiente infeliz y puritano, su infancia transcurrió de forma trágica, marcada por la muerte de su madre y de su hermana víctimas de la tuberculosis, y al lado de su padre médico, donde conoció la impotencia de los pobres ante la enfermedad.Munch comenzó a pintar a la edad de 17 años. Una beca estatal, concedida en 1885, le permitió proseguir sus estudios durante un breve periodo de tiempo en París, donde estudió a los antiguos maestros, a los impresionistas y experimentó una gran atracción por la obra de Van Gogh y Gauguin. Veinte años después, en las ciudades de París y Berlín, Munch desarrolló la mayor parte de su producción artística.Tras una primera influencia de la pintura impresionista y postimpresionista, derivó hacia un estilo mucho más personal, obsesivamente apegado a la representación de imágenes relacionadas con la enfermedad y la muerte. Inspirado por los dramas de su compatriota Henrik Ibsen, inició una intensa y angustiosa búsqueda ahondando en los dramas de la psique. En sus obras se combina con una inédita eficacia un dibujo cerrado, ondulado, con un color irreal, vivaz y forzado, pero tremendamente expresivo.

La exposición de sus cuadros en Berlín en el año 1892 revolucionó la vida artística de la ciudad e impresionó de tal modo a las autoridades que decidieron cerrar la muestra. Sin inmutarse por la contrariedad, Munch y sus partidarios trabajaron durante toda la década de 1890 en pro del desarrollo del arte expresionista alemán.La tensión de estas obras alcanza su punto culminante en el cuadro titulado El grito (1893, Museo Nacional de Oslo). El hombre, situado en primer plano con la boca abierta y con las manos tapándose los oídos, aparece representado de un modo absolutamente deforme, reducido a una apariencia ondulante en un paisaje de pesadilla.

Ésta es probablemente su obra más conocida junto con el angustioso Niño enfermo (1881-1886, Museo Nacional de Oslo), en el que el uso de un único color dominante y la atmósfera conmovedora prefigura el periodo azul de Picasso. Pinta también tristes y melancólicas escenas, como El puente, con figuras lánguidas, de rasgos y rostros indefinidos, o Tarde en el paseo Karl Johan (1892, Colección Rasmus Meyer, Bergen) donde los paseantes burgueses de Oslo han quedado convertidos en una multitud solitaria, una procesión de “fantasmas” en la que Munch plasma su visión profundamente pesimista de la humanidad. El reflejo de sus ansiedades sexuales puede verse en sus múltiples retratos de mujeres, representadas alternativamente, como frágiles e inocentes víctimas o como vampiresas devoradoras de vida. Tal es el caso, por ejemplo, de un cuadro titulado La Virgen (1894-1895, Museo Nacional de Oslo), en el que la dulce figura femenina de la iconografía tradicional ha sido sustituida por el desnudo de una mujer de belleza depravada.

“Pubertad”“ vampira”

MADONNA En esta obra Munch vuelve a usar el pastel para representar las formas curvas y ondulantes tanto del fondo como de la mujer representada.

El fondo neutro es de colores ocres y las extremidades de la muchacha se pierden en el fondo al difuminarse gracias a las innovaciones técnicas de Munch.

Alarga y deforma la figura de tal manera que la dota de mucha más expresividad e impacto a la obra que recuerda al manierismo.

La mujer está representada demacrada y de manera irreal, deformada, todo esto para causar mayor impacto en el espectador y reflejar los sentimientos del autor, que en este caso guarda en su interior un gran rencor por las mujeres por las malas experiencias, de ahí que se la represente como en una espiral de oscuridad, maldad y dolor.

Otras obras de E. MUNCH

“Autorretrato con cigarrillo”

“Cenizas”

“La voz”

“Muerte en la habitación”

“ EL SOL”

“ El puente”

BIBLIOGRAFÍA

Web: www.artespana.comwww.wikipedia.comwww.artehistoria.jcyl la web de PeterEnciclopedia Encarta 2007