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Historia del Arte – Sofía Lanchas Pablo Picasso – Pág.: 1
HISTORIA DEL ARTE 2º BAC
TEMAS 21
PABLO RUIZ PICASSO
VIDA Y OBRAS:
La vida (etapa azul, 1903-04).
Las señoritas de Avignon (cubismo inicial 1907).
La chica de la mandolina (cubismo analítico MOMA 1910)
Mujer con mandolina (cubismo sintético MOMA. Donación de Mr. And Mrs. David Rockefeller,
Tres mujeres en una fuente (clasicista MOMA), 1914)
Pablo vestido de Arlequín. (clasicista, 1921)
Los tres músicos (cubismo sintético 1919-21).
El Guernica (1937, expresionismo, surrealismo cubista, Museo Reina Sofía).
Las Meninas (serie, años 50, Museo Picasso de Barcelona)
Pintor español, nacido el 25 de octubre de 1881 en Málaga, y uno de los mayores creadores artísticos
del siglo XX. Hijo de un profesor de dibujo, don José Ruiz Blasco, y de doña María Picasso, el joven
Pablo ingresa en 1895 en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona y en 1897 en la Academia de San Fer-
nando en Madrid. De regreso a Barcelona, recibe la influencia del Modernismo, y funda “Arte Joven”.
Dos viajes a París, contribuyen a hacerle más sensible a la pintura de los impresionistas y
postimpresionistas (Toulouse Lautrec, Degas) que mantendrá a lo largo de toda su vida, y dará origen a
su época “azul” haciendo una pintura austera, influenciada por El Greco, con gamas frías y una fuerte
carga simbólica, llenando sus cuadros de figuras escuálidas y desvalidas (La vida, etc.).
En abril de 1904, Picasso que usa ya el apellido de su madre se instala en el Bateau-Lavoir. Muy
pronto su estudio se convierte en activo centro de intercambios ideológicos entre pintores, poetas, críticos,
comerciantes de arte y coleccionistas.
Desde finales de 1904 hasta 1906 es la época “rosa”, más sosegada que la anterior y en la que se
advierte el interés del pintor por el circo y los saltimbanquis (El saltimbanqui). Hacia 1906, Picasso
experimenta la necesidad de crear un arte menos superficial y se abre a numerosas influencias, primitivas
(arte negro, arte arcaico ibérico, románico catalán, etc.) o modernas (Cézanne, Gauguin y Seurat).
Viene entonces la obra decisiva que es Las señoritas de Avignon, aunque no es todavía un cuadro
plenamente cubista.
El tema que representa según los dibujos preparatorios, es el interior de un burdel en el que las
prostitutas están acompañadas de un estudiante y un marinero, estas dos figuras desaparecen en la obra
definitiva, dentro de un espacio convencional.
En la versión definitiva aparecen cinco mujeres desnudas (el rostro de dos del centro evidencian el
influjo ibérico, y las de la derecha, el de las máscaras africanas). El espacio queda definido por los
propios cuerpos, el bodegón y los cortinajes. Se ha suprimido la profundidad, todo aparece en un primer
plano.
Picasso entra a partir de ahora en una fase de su pintura mucho más grave y cuyas repercusiones
serán capitales en la historia del arte moderno. Conoce a Braque, que será el compañero necesario y
brillante que le permitirá hacer del cubismo una aventura coherente y rica en realizaciones de primera
categoría.
El período «cezanniano», que dura hasta principios de 1910, abarca, tratándose de Picasso, lo que se
llama su período “negro”, que anuncia ya ciertos aspectos expresionistas que se desarrollarán luego en su
obra postcubista, y una invención lírica que le lleva a los confines de la abstracción, apareciendo el primer
ejemplo de collages, del que Picasso hará mucho uso, así como de los “papiers colléss” inventados por
Braque. En esta época pintará La chica de la mandolina, (1909).
Este cuadro lo encuadraríamos en el llamado Cubismo analítico ya que es una pintura que “analiza”
un objeto descomponiéndolo en distintos planos.
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El Cubismo supone romper con la concepción del cuadro establecida en el Renacimiento, según la
cual ésta se asemejaba a una ventana a la que el espectador se asomaba. Ahora el cuadro ya no
responde a un solo punto de vista, ni pretende hacernos ver una tercera dimensión que en realidad no
tiene – desaparece así la perspectiva y la profundidad -, ni quiere reproducir la realidad. Ahora el
cuadro tiene “vida” por sí mismo, es una realidad en la que frecuentemente aparecen objetos vistos en
distintos momentos –factor tiempo – y desde distintos ángulos, pintados por planos, descompuestos en la
superficie del lienzo y reducidos a sus formas geométricas esenciales.
Los críticos consideraron que era un insulto a su inteligencia querer hacerles creer que un “objeto” es
así. Pero tal insulto no existe; antes al contrario, el pintor supone que saben como es el objeto y que no
tienen que ir a ver su cuadro para recibir esta información tan elemental. Por eso les invita a participar
con él en este artificioso juego de elaborar la idea de un objeto sólido tangible con unos cuantos de sus
fragmentos planos sobre el lienzo.
En este caso analiza a una mujer con una mandolina a base de planos superpuestos intentando
mostrar la imagen desde todos los puntos de vista, mostrando lo más posible en la figuración: lo esencial
y lo anecdótico. La gama de color es en amarillos ocres y grises.
El cuadro se encuentra en el MOMA de Nueva York
Posteriormente cambiará su forma de representar los objetos con el llamado cubismo “sintético”, en
el que se anula todo efecto de volumen. Picasso vuelve a hallar su sentido del color y una fantasía que la
austeridad de las obras realizadas en los años anteriores había disimulado. La movilización de Braque
para la guerra, le deja solo, y no parece sino que desde entonces pierda su fe en el cubismo como solución
única del problema pictórico.
A partir de 1915 Picasso llevará de frente la ejecución de obras cubistas y, a la vez, la de otras obras
de estilo naturalista, o bien los dos estilos juntos. Diríamos que combina de manera genial todas las
propuestas que están en la vanguardia sin ningún problema.
En 1914. Pintará de nuevo el mismo tema “Mujer con mandolina” desde esta nueva perspectiva
cubismo sintético donde hay un interés mayor por mostrar las imágenes con planos más amplios y un
colorido más variado y rico que permite sintetizar los elementos más relevantes de las figuras.
Este cuadro también se encuentra en el MOMA de Nueva York
Otra de las aportaciones de Picasso en este periodo fue el collage, técnica en la que se utilizan
diversos materiales cotidianos como, papeles de periódico, maderas, telas etc. pegados a la pintura
En los años 20 Picasso vuelve de nuevo a un periodo clasicista donde las figuras adquieren un
volumen escultórico figurativo y realista (“Tres mujeres en una fuente”, “Pablo vestido de arlequín”)
El trampolín lírico que le venía faltando desde hacía diez años lo descubrirá, en la época de su
famosa pintura Guernica (1937), en ella utiliza las formulas expresionistas y surrealistas. Pero la lección
cubista no se ha perdido y eso le lleva a resolver la representación técnica del bombardeo bajo ese prima
TÍTULO: El Guernica (1937)
AUTOR: Pablo Picasso
FECHA: 1937
ESTILO: Expresionismo, Surrealismo, Cubismo
MATERIAL: Oleo sobre lienzo;
LOCALIZACIÓN: Museo Reina Sofía de Madrid
DIMENSIONES: 3,50 X 7,82 metro
Este gran lienzo de Picasso constituye toda una protesta, cargada de acentos trágicos, contra la
violencia y la muerte. Es por ello una obra llena de un fuerte sentido político y social.
Picasso, que estaba plenamente identificada con la causa republicana española en la Guerra Civil que
se había iniciado en 1936, eligió este tema para el cuadro que el Gobierno Republicano le había
encargado para figurar en la Exposición de París de 1937. Una vez recibido el encargo, que había de ser
"una composición de gran formato", tardó algunos meses en decidir lo que habría de pintar. Cuando
tuvo conocimiento, en París donde vivía, del atroz bombardeo realizado por la aviación alemana
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sobre la población vasca de Guernica el día 26 de Abril de 1937, decidió reflejar esta tragedia en el
lienzo encargado.
Lo realizó en poco menos de dos meses, y conocemos las diferentes etapas de su composición
gracias a las fotografías que, en sucesivos momentos a lo largo de esos días, fue haciendo la también
pintora Dora Maar.
En junio ya estaba el gran lienzo colocado en el Pabellón Español de la Exposición. Cuando ésta
terminó, el cuadro pasó, en calidad de depósito provisional, al Museo de Arte Moderno de Nueva York.
Hasta 1981 no ha podido llegar a España, después de largas negociaciones con los herederos del pintor.
Por su carga trágica y por su manifiesto antibelicista, se considera este lienzo como un símbolo
del arte y la vida de nuestro tiempo.
2. Descripción.
Se trata de un cuadro figurativo.
Izquierda: Ante un TORO con cuello violentamente vuelto, exhala su dolor una MADRE CON SU
HIJO MUERTO entre los brazos.
Centro: Se desploma un CABALLO con el flanco atravesado por una lanza, la boca abierta, la lengua
acerada como un dardo.
Suelo: Está cuadriculado, yace en dos trozos los restos de un GUERRERO, abierta la gran mano
izquierda y crispada la derecha sobre la espada rota por mitad.
Derecha MUJER TRANSFORMADA EN ANTORCHA viviente cae en el vacío con los brazos
extendidos y la cabeza desencajada. Por debajo de ella, apoyándose en un pie disforme, se estira el cuerpo
de OTRA MUJER, con los brazos colgantes, cuya cabeza y cuello, continuando el movimiento, se alargan
hacia el caballo.
Por una VENTANA ABIERTA, que da no se sabe dónde, surge una APARICIÓN con la cabeza por
delante y senos clavados, crin al viento y una lámpara vengadora en el extremo del brazo.
BOMBILLA ELÉCTRICA domina la escena, como un ojo de cíclope, acuchillando las sombras
alrededor de ella; CUATRO LLAMAS en forma de espadas le dan un eco lúgubre a la derecha.
ENTRE EL CABALLO Y EL TORO se perfila una MESA, sobre la cual un PAJARO, tendido el
cuello y abierto el pico, da su último gorjeo, con el cuerpo atravesado por un fulgor lívido.
NO HAY COLOR: ESTA COMPUESTO A BASE DE BLANCO Y NEGRO.
3. Interpretación.
Se han dado muchas interpretaciones. "No es fácil dilucidar el simbolismo de esta escena, que
evidentemente desborda por todas partes el bombardeo de Guernica y sobre cuyo tema Picasso no ha
dado nunca aclaraciones
En primer lugar puede afirmarse que representa una escena de matanza
EL cuadro nos afecta por el dolor de los seres que están representados en él
NO ES UNA PINTURA DE HISTORIA: Nada alude a Guernica como tal. Escapa a toda referencia
histórica. Es imposible poner una fecha o identificar la escena del bombardeo.
SE SUSTRAE AL LUGAR EN QUE LA ESCENA SE DESARROLLA: ¿Estamos en el interior de
una casa? La puerta entreabierta de la derecha, el techo y la lámpara nos lo podrían hacer creer, pero el
paramento de tejado que se percibe por encima de la aparición nos disuade de ello. ESTAMOS A LA
VEZ DENTRO Y FUERA.
SE SUSTRAE AL TIEMPO: Es imposible determinar el momento del día en que la escena se
desarrolla. La escena escapa al curso del sol, lo mismo que a su fulgor. ¿De dónde viene la luz? ¿De la
ventana? ¿De la lámpara?
ES UNA ALEGORÍA fruto de la imaginación de Picasso. Se trata de un SIMBOLISMO
EXPRESIONISTA o de un EXPRESIONISMO SIMBÓLICO.
Intenta transmitirnos el sentimiento de que la GUERRA es una contra-naturaleza, algo
infernal que, no contenta con mutilar los seres, se complace en desfigurarlos.
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Las figuras son un alegato contra la guerra. Las "deformaciones" tienen su razón de ser y cumplen
una función.
Tipos de dolor simbolizados:
- GRITO DE AGONÍA de la madre (izq.); GRITO DE ESPANTO de la mujer-autorcha (derecha);
- GRITO DE RABIA del guerrero vencido; TERROR DEL CABALLO; OJOS-LAGRIMAS de la
madre;- OJOS DISLOCADOS DEL GUERRERO, grandes y abiertos, a pesar de la cabeza cortada, a
pesar del cuerpo seccionado, como si además de la muerte se obstinasen todavía el furor del combate y la
rabia de la impotencia;- OJOS COMO REMACHES DEL CABALLO que en esta batalla de hombres,
pierde hasta su sentido de la animalidad (se desploma como un armazón de hierro).
Picasso hace desaparecer la distinción entre la mano derecha y la izquierda, como en la mujer cuyo
cuerpo se estira a la derecha; modifica el orden de implantación de los dedos, como en la mano que
sostiene la lámpara, donde el meñique está puesto al revés; cambia las proporciones, como las del
guerrero cuya mano izquierda es enorme mientras la derecha se crispa irrisoriamente sobre la espada;
incluso suprime ciertas partes, como los hombros y, en la mujer que cae, todo el tronco. Etc.
4. El espacio
Es de naturaleza compleja
La tercera dimensión no es más que alusiva. Los personajes y animales están desprovistos de
volumen y por consiguiente llevan el lienzo al plano, salvo el caballo, cuyo cuello está articulado por una
media sombra.
5. La luz
- No viene ni de la izquierda, ni de la derecha, ni de arriba, ni de abajo; nada de luz natural.
Las lámparas, una eléctrica y otra de petróleo, no producen claridad.
Sin embargo, se distinguen las zonas claras de las oscuras. Las partes sombrías afectan, sobre todo, a
la DECORACION, fondo, muros, mesa, embaldosado, puerta, es decir, lo que es INANIMADO; mientras
que las partes claras afectan a las criaturas humanas y animales. Significa que ni el sol ni las lámparas son
bastante potentes para iluminar el horror de la visión y, por tanto, queda reducida a la impotencia toda luz
natural o artificial, es la visión misma la que convierte su fuerza en claridad
La luz no proviene de fuera, sino que emana de la misma intensidad de la escena. Se destacan los
sitios de mayor horror: cabezas, brazos, manos, piernas.
6. El color
La ausencia de colores se explica por la misma razón. Los ha omitido voluntariamente. Cualquier
tentativa colorista hubiera debilitado la potencia dramática.
La oposición del blanco y el negro contribuye a causar la sensación de la ruptura en dos de las
formas Dos grises, uno claro y otro oscuro, intervienen. Por su distribución y su cambio de intensidad,
sirven para regular el contraste de blanco y negro y para convertirlo en movimiento
7. La composición
En relación con la disposición del asunto, se manifiesta un primer aspecto de la construcción como
en un TRÍPTICO, el panel central comprende el caballo, la mitad del guerrero, la aparición y la mitad de
la mujer de la derecha; el panel de la izquierda el toro, la madre y la otra mitad del guerrero; el panel de la
derecha la mujer que cae y la otra mitad de la mujer ya mencionada
8. El ritmo
Hecho a base de alternancia de rectas y curvas, de macizos y vacíos, de blancos y negros, de formas-
figuras y de formas geométricas (los triángulos negros, blancos y grises que trinchan el espacio como
espadas).
9. La pincelada
No hay ni una sola huella de pincel. Las formas blancas se recortan a borde limpio y los negros y
grises obedecen a una triangulación no menos cortada. Todo es liso y terso.
El Guernica constituye una de las obras de mayor impacto emocional de todos los tiempos y
supone la recapitualación de todas las vanguardias y de su sentido.
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Transición de las influencias de Cezanne al Cubismo analítico Mujer con mandolina(1909-1911)
Del Cubismo Analítico al Cubismo SintéticoMujer con mandolina (1914)
Descomposición de
figura en planos y
distribuirlos en superficiePlasmación simultánea
del mismo plano desde
diferentes puntos de
vistaPequeñas superficies
limitadas por líneas
rectas a las que se aplica
un color del
Selecciona un número
pequeño de planos
(los más significativos)
para que se puedan
reconocer los objetos
Recupera el
colorido
Nª 4
Descomposición de imagen
en múltiples planos
para después reconstruir
una nueva realidad
Estructura ordenada a
partir de líneas verticales,
horizontales y diagonales
a las que se les van
agregando planosAbandono del color
tendencia al monocromatismo
(preferencia por grises,
en menor medida ocres y verdes)
Representación de
elementos simples (retrato,
algún objeto cotidiano, etc.)Construcciones racionalistas
abandono de expresionismo
de otros movimientos de
vanguardia
Estatismo, ausencia
de movimiento
Color y luz
pierden importancia
frente a la forma
El empleo de pinceladas
pequeñas refuerza
la planitud de la tela
Fusión de
fondo y figura
Incidencia de luz
varía en cada plano
Se introducen algunos
elementos realistas en
la laberíntica estructura de
planos para facilitar
identificación (mandolina)
Nª 3
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TÍTULO: Pablo vestido de arlequín
AUTOR: Pablo Picasso
FECHA1925
ESTILO Etapa Clasicista
MATERIAL: Óleo sobre lienzo 130x 97,5 cm
LOCALIZACIÓN: Musée National Picasso de París
Paulo nació en 1921 y fue hijo de Picasso y de la bailarina rusa Olga Koklova , prominente figura de los
ballets rusos, de Serguei Diaghilev , con la que el artista había contraído matrimonio en 1918
El niño contaba con tres años de edad aproximadamente cuando su padre llevó a cabo este sugestivo
retrato , esbozado en gran parte en el que, en términos técnicos ,se aprecian varios arrepentimientos.
El pequeño viste un atuendo circense o de baile de disfraces a mitad de camino entre un elegante arlequín
y un refinado payaso. Se apoya en un sillón inacabado de líneas barrocas a la francesa y se recorta sobre
un doble fondo: el del propio respaldo del mueble y en una aparente pared bosquejada con sencillez. El
amplio cuello y los puños contrastan con las menudas y rosadas manos así como el rostro de facciones
bien construidas en las que resaltan los ojos oscuros y el cabello castaño rojizo
bajo un sombrero que completa la indumentaria.
El ropaje está determinado por una red de rombos amarillos y azules separados por lineas negras muy
marcadas.
Pintado en París, el cuadro pertenece a la primera parte de la tercera década del siglo XX, cuando el
maestro alternaba en su obra el cubismo con su peculiar estilo clásico, prevaleciendo las
maternidades y los retratos de familias y amigos.
Retrato de su hijo Pablo
vestido de arlequín
Sin terminar la parte inferior del cuadro
(silla, pies del niño etc)
Sensualidad de
curvas
Luminosidad
y contrastes de
colores
Simplificación
de formas
Nº 7 Etapa realista 1924
Pablo de Arlequín
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Tras la 2ª Guerra Mundial, serán frecuentes las recreaciones sobre obras del pasado, como la serie
sobre Las Meninas. En los años 60 se inclina por el tema del pintor y su modelo del que, sólo en el año
1963, llegó a pintar unos 50 cuadros.
Cultivó también la escultura, la cerámica, las litografías, los gravados etc.
A pesar de hacer esta clasificación de la obra de Picasso, hay que tener en cuenta que esto no se
ajusta a la realidad, sirve para facilitar su estudio pero enmascara una realidad bastante más compleja, en
la que fueron frecuentes la simultaneidad de obras diversas sobre todo después de la 1ª Guerra Mundial,
aunque sin olvidar que la más trascendente y revolucionaría fue la que estuvo ligada al Cubismo.
BIBLIOGRAFÍA
ARGAN, G.C.: El arte Moderno. Akal, Arte y Estática. Madrid 1991.
BOZAL, V.: Los orígenes del arte del siglo XX. Historia 16, Madrid 1993.
GUASH, A.Mª y SUREDA, J.: La trama de lo moderno. Akal. Madrid.
Nº10 Series de obras famosas:Las meninas
Técnica: Cubismo, Surrealismo, Expresionismo
58 reproducciones con variaciones sobre
el tema
Infinita capacidad
de innovación
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