guía del museo virtual del barroco

Institución Educativa Privada Peruano – Español Alumno: Carmen Reyes Inoñan Tercer Año de Secundaria

Autor: Guido di Pietro da

Mugello (FRA ANGELICO) Cronología: 1430-1435. Medidas: 194 cm x 194 cm. Técnica: Temple sobre tabla. Localización: Museo del Prado, Madrid – España.

La anunciación del Arcángel, es una pintura muy importante de Guido di Pietro da Mugello. Esta obra presenta parte del arte gótico y renacentista; ya que el autor busca la perfección en su pintura. Fue pintada para la Iglesia del Convento de Santo Domingo de Fiesole en Italia. En esta pintura se puede apreciar dos escenas importantes dentro de la historia de la salvación: La anunciación del arcángel Gabriel a la Virgen María, en el lado derecho. En la parte izquierda se observa el destierro de Adán y Eva del paraíso, después del pecado original. En la parte superior izquierda hay rayo de luz dorada por el cual viaja una paloma blanca, que representa al Espíritu Santo. La composición de la obra es perfecta, el arcángel Gabriel pintado de tez clara, cabellera rubia, colores vívidos entra en escena en un gesto de permiso frente a la Virgen que se encuentra reposando

con un libro en la mano, presumiblemente las Sagradas Escrituras. El compartimiento es la estancia de una casa, mas afuera se aprecia otra escena un jardín espeso, verde hace contraste con la pulcritud de la sala, en donde Adán y Eva en actitud triste son desterrados del Jardín del Edén. Esta pintura muestra propiamente una catequesis teológica, la salvación prometida en el Protoevangelio del primer libro del Génesis a toda la humanidad. Después de la caída de nuestros primeros padres y las consecuencias para el género humano, hay una promesa de salvación que será cumplida en María quién quedará encinta por influjo del Espíritu Santo, de quien nacerá el Salvador que libraría a todos los hombres del pecado y la muerte. Se cumple así la palabras de San Pablo: «Si por un hombre entré el pecado en el mundo, por otro hombre nos viene la salvación».

En la parte inferior de la pintura en pequeños cuadritos se aprecia detalles de la vida de la Virgen, en la que el artista pone toda su maestría y minuciosidad. Estas escenas son: La visita de María a su prima Isabel, el nacimiento de Jesús, la dormición, etc.

Autor: Michelangelo Merisi da Caravaggio Nació: 27 de setiembre de 1573 en Milán - Italia. Falleció: 18 de julio de 1610 en Ércole - Italia. Posición: Pintor destacado en óleo sobre lienzo.

Michelangelo Merisi más conocido por su apellido como Caravaggio, fue un gran pintor italiano activo en varias ciudades italianas como en Roma, Nápoles, Malta, Sicilia. Es considerado como el primer y máximo exponente de la pintura en la época del Barroco; la mayoría de sus obras son de carácter religioso. El pintor siempre se caracterizó por ser un espíritu rebelde, radical y convulsionado tanto en su faceta artística como en su vida personal, por lo cual tuvo muchos y serios problemas, en una ocasión tuvo que huir porque le habían puesto precio a su cabeza, porqué había asesinado a un hombre en una pelea, tal hecho lo marcó como persona, dándole una fama de un «genio del mal» por dejar una influencia perniciosa. Posteriormente fue reconocido, apreciado y famoso y el iniciador de la pintura moderna. Murió contagiado de malaria en el camino de regreso a Roma al estar huyendo por distintos problemas.

OBRAS DESTACADAS: • La vocación de San Mateo. Cronología: 1599 hasta 1600. Localización: Capilla Contarelli, San Luis de los Frenceses, Roma-Italia. • La Crucifixión de San Pedro. Cronología: 1601 Localización: Cappella Cerasi, Santa María del Popolo, Roma-Italia. • Los jugadores de cartas. Cronología: 1594 Localización: Museo de Arte Kimbell, Fort Worth, Texas. • La flagelación de Cristo. Cronología: 1607 Localización: Museo de Capodimonte, Nápoles – Italia. Caravaggio creó una nueva forma llamada: Naturalismo, porque creía que el verdadero modelo para el arte no era la estatuaria clásica, sino la propia naturaleza. Para él, un cuadro de flores o frutas estaba a la altura de uno con motivos bíblicos, idea que rompía con la jerarquía de temas de la época.

Muchacho con una cesta

de frutas. Cronología: 1593 Técnica: Óleo sobre lienzo Medidas: 67cm x 53cm. Localización: Galería Borghese, Roma-Italia. Esta obra de su primer período experimental, presenta a un joven con una fuerte carga erótica y homosexual sosteniendo un bodegón, tema repetido de este periodo y mostrado en su famoso «Baco de joven».

Institución Educativa Privada Peruano – Español Alumno: Angie Veronica Quispe Regalado Tercer Año de Secundaria

Caravaggio

Autor: Caravaggio

Cronología: Tuvo un periodo de 1596-1597

Medidas: 98cm x 84 cm

Técnica: Al óleo transferido al lienzo

Localización: Galería Uffizi, Florencia-Italia

El Baco fue pintado por Caravaggio el cual tuvo un periodo de 1596 hasta 1597 y situándolos otros hacia 1598. La pintura representa a un joven dios Baco, reclinado a la manera clásica con uvas y hojas de parra en el pelo, manoseando el cordel de la floja toga que le cubre. Sobre una mesa de piedra enfrente de él hay un bol de fruta y una jarra grande de cristal con vino tinto; con su mano izquierda ofrece al espectador un cáliz o copa de vino llana y ancha, aparentemente invitando al espectador a unirse a él. El vino se ha servido hace poco, como indican la espumilla en la jarra, mientras que Baco sostiene en la mano el cáliz con poca seguridad como muestran las vibraciones...

las mejillas, como las manos, están sonrojadas y contrastan con la palidez de la piel, indicando un estado de ligera ebriedad. Mauricio Calvesi ha propuesto que se interprete éste y los otros cuadros de género alegórico-mitológico como las verdaderas y auténticas «Metamorfosis poéticas del tema sagrado», de acuerdo con la contemporánea concepción esotérico-religiosa. En este cuadro, la androginia del sujeto debe entenderse como unión de los contrarios y por lo tanto armonía, propia de lo divino, mientras que Baco, Dios muerto y resucitado, preanuncia simbólicamente la venida y el sacrificio de Cristo, que ofrece el cáliz de la salvación, como Baco que aquí ofrece el cáliz.

Parece que el cardenal lo encargó para regalarlo a Fernando I de Médicis con ocasión de las celebraciones de las bodas del hijo Cosme II. La imagen aludiría irónicamente a la conocida frugalidad del Gran Duque, que era incluso abstemio

Caravaggio

Autor: Caravaggio


Medidas: 93cm x 131cm


Localización: Museo de Louvre París

Este cuadro también es pintado por Caravaggio en el cual tuvo un periodo de 1594 hasta 1595. Este cuadro tiene una medida de 93cm de alto por 131 cm de ancho. Esta obra fue trabajada con la técnica del óleo transferido al lienzo. El cuadro muestra a un joven vestido como un petimetre (en la segunda versión se cree que el modelo era el compañero de Caravaggio, el pintor siciliano Mario Minniti), al que una chica gitana lee la palma de la mano. El chico parece encantado al mirarle a la cara; no se da cuenta de que ella está quitándole poco a poco el anillo al tiempo que acaricia su montículo de Venus; a esta ufana mirada masculina ella responde con su propia mirada astuta y silenciosa. La atención del espectador se centra precisamente en esas miradas que permiten adivinar lo que cada uno de los personajes piensan, en lugar de lo que ocurre en las dos manos de los personajes.

Esta escena requiere una lectura a varios niveles: contiene en efecto connotaciones moralizadoras, por lo que se refiere a las falsas profecías y la seducción interesada. Se trata pues de una clase de escena de género alegórica sobre el fraude, y la ingenuidad, próxima a la literatura y el teatro contemporáneos. En esta pintura se ve reflejada la astucia de aquella gitana al engañar al joven petimetre cuando esta esta leyéndole la palma a la vez esta robándole las joyas que tenia en aquella palma. Se ve aquí como éramos tan ingenuos que necesitábamos que alguien nos diga a través de la magia que somos buenos en algo cuando nosotros debemos saberlos.

El biógrafo de Caravaggio, Giovan Petro Bellori, sostiene que el artista escogió a la chica gitana entre los viandantes de la calle para demostrar que no necesitaba copiar las obras de los maestros de la antigüedad: «Cuando se le mostraban las más famosas estatuas de Fidias o Glykon para que pudiera usarlas como modelo, su única respuesta era señalar a una grupo de personas diciendo que la naturaleza le había dado abundancia de maestros.»


http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Supper_at_Emmaus_by_Caravaggio.jpg

Michelangelo Merisi da Caravaggio

Autor: Michelangelo Merisi da Caravaggio Cronología: 1596-1602 Medidas: 140cm x 197cm. Técnica: Óleo sobre lienzo Localización: National Gallery de Londres, Londres – Reino Unido.

Se dice que esta pintura, fue reconocida como un encargo de un noble romano llamado Ciriaco Mattei. Esta obra causó grandes controversias debido al tema religioso, por el cual es autor se vio obligado a hacer otra versión. Muchas pinturas de Caravaggio fueron alteradas ya que los clérigos no estaban de acuerdo porque en algunas ocasiones a los apóstoles los pintaba con ropajes tan míseros, rotos y es por ello que las alteraban.

Caravaggio, rompe la técnica del manierismo y empieza a trabajar con el CLAROSCURO; tiempo después con esa técnica el Barroco alcanzaría su total madurez. Esta obra presenta un cesto de frutas; cada fruta tiene distinto significado, también la postura de los discípulos que se encuentra con Emaús. En esta escena podemos apreciar en el momento justo cuando bendice a los alimentos . Los dos hombres que están sentados son sus discípulos y se encuentran muy sorprendidos , cuando este parte el pan lo reconocen y luego desaparece; el hombre que esta de pie es su sirviente. Aprecio mucho a esta pintura por las características religiosas, ya que en esta pintura cada objeto tiene un significado específico. También porque nos muestra la unión, amor y solidaridad de las personas de esa época.

Significado de los objetos presentes: -Las manzanas señalan el pecado original.

-La granada señalan la pasión de Cristo.

-La uva negra señala la

muerte. -La uva blanca señala la resurrección. -La sombra del cesto forma la imagen de un pez; y este pez es un signo cristológico más

http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Supper_at_Emmaus_by_Caravaggio.jpg

Caravaggio

Autor: Caravaggio



Técnica: Barroco Italiano

Localización: Galería Borghese

Esta pintura esta diseñada por Caravaggio teniendo un periodo de 1593 hasta 1594. El cuadro ofrece algo que podría tomarse como una instantánea fotográfica, dado el realismo y la espontaneidad del modelo. Éste sería un joven muy apuesto y con una expresión provocadora y sensual. La boca carnosa y entreabierta se acompaña de unos cabellos negros y ensortijados, además de unos ojos negros y aterciopelados. La armonía del rostro y los hombros torneados se corresponden con la exuberancia suave y colorida del cesto de frutas que el muchacho ofrece.

La sensualidad de las frutas parece anticipar la del propio personaje, que ha desatado todo tipo de especulaciones acerca de las inclinaciones del pintor. Lejos de esas hueras discusiones, se ha de alabar del artista su habilidad a la hora de retratar la aspereza del cesto, el blanco sucio de la camisa, la piel suavísima del joven características que le convierten en maestro de un naturalismo que va más allá de la propia realidad, algo que aprendió de su estilo un pintor como Zurbarán. Se ve en la pintura a un joven muy apuesto en esos tiempos que por el gesto se dice que es un gesto sensual, lleva una cesta de frutas entonces de esta descripción sacamos que el pintor quiere mostrar la sensualidad de la fruta, la imagen tiene un fondo de dos tonalidades uno muy oscuro y otro mucho más claro.

Este tipo de obras es conocido como énfasis, parangón o remedo, muy de moda en esta época. Así aquí se dan diferentes niveles de interpretación, siendo no sólo imitación de la realidad, sino teniendo también connotaciones eruditas y morales.

Caravaggio

Autor: Caravaggio




Localización: Galería Nacional de Arte antiguo, Roma-Italia

Narciso es el último cuadro de la segunda etapa de Caravaggio, que data de 1597 - 1599 y se conserva en Roma. Si bien el tema de Narciso tuvo mucho auge en la literatura italiana, no fue así en la pintura. Es pues, ésta la representación más famosa del vanidoso joven enamorado de sí mismo que muere ahogado, pero es convertido en una flor. El modelo tiene una complexión mediana y es bastante atractivo, lo que reitera el gusto de Caravaggio por la belleza masculina. Aunque si se mira el reflejo, el joven ya no es el mismo, al contrario, es un hombre menos atractivo. Caravaggio emplea una composición sencilla para plasmar el tema, con esas típicas figuras enormes que parecen desbordar los propios límites del marco del cuadro.

Esta técnica proporciona una gran cercanía al personaje así como un aspecto espontáneo, como de fotografía, que corta a veces el cuerpo retratado por estar demasiado próximo el espectador. Esta pintura esta divida prácticamente en dos ,en la parte superior se ve a un joven bello hermoso en otras palabras atractivo ,mientras que en la parte inferior se ve a un hombre ya no atractivo si no todo lo contrario. Esto demuestra que el joven tenia una auto contemplación llegándolo a ver en la pintura lo que es exteriormente y internamente. Con un fondo medio oscuro para poder estar nuestros ojos mas en el espejismo que hay en esta pintura.

Desde entonces Narciso es una flor con una corola brillante y roja, los dioses le otorgaron el privilegio de ser contemplado por toda la eternidad. Le otorgaron el goce de la naturaleza después de que él renegara de la cultura, del ser-que-habla y que es hablado por el lenguaje.

Institución Educativa Privada Peruano – Español Alumno: Andrea Carolina Castillo Toro Tercer Año de Secundaria

Nacimiento: 1541, Creta (República de Venecia). Fallecimiento: 7 de abril de 1614, Toledo- España. Nacionalidad: Griega

Doménikos Theotokópoulos más conocido como “EL GRECO”, fue un pintor que desarrolló un estilo muy personal en las obras que realizó. Se creía de él que estaba loco o que padecía astigmatismo por su extraño lenguaje pictórico pero lo cierto es que tuvo una pintura excéntrica, producto de las tendencias de la época. Se formó en su isla natal como pintor de iconos, luego se trasladó a Venecia – Italia, donde residió diez años, allí conoció la obra de Tiziano (de quién se dice fue su discípulo) Tintoretto, artistas que junto con Miguel Ángel, fueron los que más influyeron en su trayectoria artística. Posteriormente viajó a Toledo llamado por Diego de Castilla, deán de la catedral, para realizar un retablo de más de cuatro metros de alto, fue en esta ciudad dónde perfeccionaría su arte y viviría hasta su muerte.

Considerado el primer gran genio de la pintura española. El Greco pinta la expresividad de los rostros, los cuales con la combinación de colores transmiten serenidad, tristeza o piedad. Sus obras están compuestas de grandes lienzos de iglesias, numerosos cuadros de devoción, etc., en los que mayormente participó su taller. Su obra fue tan personal que tuvo muy pocos seguidores, los más notables fueron sus hijos. A finales del siglo XIX renació el interés por su arte y con el desarrollo del expresionismo, se revalorizó su pintura. Obras Pintorescas: - El retablo mayor de Santo

Domingo el Antiguo. - El expolio. - El entierro del Señor de Orgaz. - El retablo de doña María de

Aragón. - Capilla mayor del Hospital de la

Caridad de Illescas.

El Greco también sobresalió como retratista de hidalgos y eclesiásticos, aunque su más bello retrato es el de una dama identificada como Jerónima de Cuevas. También pintó dos vista de Toledo, ambas en una fase tardía, y una obra mitológica llamada «Laocoonte». Éstas siguen su estilo singular y exagerado.

Institución Educativa Privada Peruano – Español Alumno: Andrea Carolina Castillo Toro Tercer Año de Secundaria

Autor: El Greco( Doménikos Theotokopoulos)

Cronología: 1577- 1599 Medidas: 285 cm x 173 cm Técnica: Óleo sobre lienzo. Localización: Catedral de Santa María de Toledo, España.

Poco tiempo después de su llegada a Toledo en 1577, El Greco recibió como encargo la realización de un lienzo destinado al vestuario de la sacristía de la Catedral de Toledo. Para este proyecto, el pintor tomó como fuente de inspiración dos historias bíblicas: El prendimiento y los escarnios. Según Cossío, “El Expolio” es el cuadro más poético y de expresión mas elevada del artista, es el momento preciso donde Cristo es despojado de sus vestiduras. El pintor también se inspiró en un texto de san Buenaventura y la composición no satisfizo al cabildo. El cabildo no aprobó la composición, considerándolo que tenía impropiedades que oscurecían la historia y desvalorizaban a Cristo.

En el centro Cristo aparece envuelto en un manto rojo que simboliza su martirio. La potencia del rojo contrasta con los amarillos y azules de las mujeres, cuyas miradas están fijas en el clavo que se coloca en la cruz. A su derecha se presenta una figura vestida con armadura, que podría ser San Longinos, Pilatos o un centurión. A la izquierda, un verdugo que hace los agujeros para que después Cristo sea crucificado, ello contribuye a dotar de profundidad a la obra creando espacio alrededor de Cristo. En el primer plano del lienzo se encuentran las santas mujeres. Las Marías acompañan a Cristo en todo el camino de dolor que llevará. Aunque el cuadro aparece abigarrado, el estudio cromático es perfecto y le da una percepción integra y visual de todo el conjunto.

La pintura conocida como “El Expolio” así a

secas, tiene como verdadero nombre ”El

despojo de las vestiduras de Cristo sobre el

Calvario”

El cuadro se realiza en torno a la imagen de Cristo, la única que resulta visible en su

totalidad y que parece describir lo que nos daría a conocer a las pinturas y

relieves de la época románica o gótica.

Autor: Domenikos Theotokopoulos (EL GRECO) Cronología: 1612 – 1614. Medidas: 320 cm x 180 cm. Técnica: Óleo sobre lienzo. Localización: Museo del Prado, Madrid – España.

La obra nos muestra en la parte inferior a unos pastores que están adorando al niño Jesús junto están María y José, y en la parte superior unos ángeles que están ascendiendo. Como podemos observar el niño Jesús se encuentra en un pesebre con un pequeño manto de color blanco, que resalta por la fuerza del color blanco e ilumina toda la escena. Fue pintada en piso subterráneo donde se acostumbraba a enterrar muertos en la Iglesia de Santo Domingo el Antiguo de Toledo, trabajó en ella hasta el última día de su vida, tiempo después la pintura fue llevada al altar mayor del mismo monasterio. Esta pintura fue traslada a otro lugar de la Iglesia, sufriendo así algunos daños.

Esta obra barroca nos describe un tema religioso, a través del cual se pueden apreciar distintos valores claramente religiosos; tales como: pobreza, caridad , unión de la familia y por sobre todo LA ADORACION A DIOS, que es un valor fundamental de todo religioso. Me causa mucha admiración la expresión de regocijo de los ángeles y pastores al acercarse a adorar a Nuestro Salvador, se muestran más felices y alegres que en otras pinturas; ya que en otras pinturas los ángeles y los pastores se ven más reverentes y sumisos. El Greco nos quiere dar a conocer con esta pintura que para él era muy importante el Nacimiento de Jesús, tanto como en el aspecto religioso y cultural, es por eso que el pintó muchas obras con carácter religioso .

El Greco la pintó hasta sus últimos días de vida con la intensión de que la colgasen en su tumba. Lo curioso en esta pintura es la posición de los ángeles y de los pastores ya que tiene una forma espirada o como bailando o festejando el nacimiento del niño Jesús.

Institución Educativa Privada Peruano – Español Alumno: John Adrian Llauce Solano Tercer año de Secundaria

José de Rivera

Autor: José de Rivera y Cucó Nació: 12 de Enero de 1591 (España) Muerte: 2 de septiembre de 1652 (Italia) Posición: Pintor en oleo sobre lienzo y grabador español

Pintor y grabador español del siglo XVII desarrollo todo su carrera en Nápoles-Italia. Se le conoció también con el nombre de Giuseppe Ribera o con el apodo Lo Spagnoletto debido a su baja estatura y firmaba sus pinturas con sus orígenes de nacimiento ya sea poniendo “El Italiano” o “El español”. Cultivo un estilo natural que evoluciono del tenebrismo de Caravaggio y hacia una estética mas colorida y luminosa, la cual estaba con el apoyo de Van Dyck y otros maestros. El apoyo de los virreyes y de otros altos cargos de origen español explicaba que sus obras llegase en abundancia a Madrid. Su gama de colores se declaro en la década 1630 Hallazgos recientes han ayudado a reconstruir su primera producción en Italia, etapa en la que el Museo del Prado dedico una exposición en el 2011. Sus restos se encuentran sepultados en la Iglesia “Santa María del Parto” donde también se encuentra una de sus pinturas “la Inmaculada Concepción”

OBRAS DESTACADAS *San Pedro: fue pintado sobre el primer arzobispo de Roma. *La Inmaculada Concepción: representación grafica de la virgen María. *La Trinidad: Combina sus años tenebristas de su juventud. *El sueño de Jacob: Se baso en el relato Bíblico del Génesis. José de Rivera era un pintor que representaba todas sus pinturas después de una lectura ya sea de la biblia o a un libro; también lo que veía, incluso hay representaciones en la cuales ponía su rostro y me llamo la atención el alto aprecio de su propia imagen, la cual representaba continuamente en sus obras, ya sea en personajes masculinoso o femenisnos, siempre con una mirada fija. Sus obras encierran cierto enigma en los ojos de sus personajes, pues se dice que la mirada retratada en ellos parece seguir el movimiento del observador se cree que lo realizo de esa manera para sorprender y asustar a las personas, tenia una excelente técnica en el pincelado.

Década 1620 sobresale la pintura “Martillo de San Andrés” En la década de 1630 tenemos a su pintura “Arquímedes” Y en la década de los años 1640 hasta la actualidad su Pintura mas resaltante es “La Mujer Barbuda”

Institución Educativa Privada Peruano – Español Alumno: John Adrian Llauce Solano Tercer Año de Secundaria

José de Ribera

Autor: José de Rivera Cronología: 1630 Medidas: 125 x 81 Técnica: Óleo sobre Lienzo Localización: Museo del Prado

La siguiente obra es una de las mas destacadas creaciones de Ribera, en la que se busca emplear una naturalidad, trata de atraer al espectador con una imagen que sea lo mas real posible. Este modelo es lo que ayuda a sobresalir a Ribera en el Barroco o Siglo XVII. Una temática que halló acogida entre los hombres de las letras y el barroco, fue el retrato de filósofos antiguos. Tradicionalmente este personaje a sido identificado como “Arquímedes” por que como se puede observar en la pintura en su mano derecha sostiene un compás, pero las criticas señal que es “Demócrito” el filosofo griego fundador del antónimo; se le ubica también como “Demócrito” fundamental por la sonrisa en la cara por que en el siglo XVII es tradicional en los filósofos.

El filosofo va vestido como un mendigo, como ya se menciono en su mano derecha lleva el compás y en la otra unos papeles en el que se esta realizando unos diagramas, unos dibujos matemáticos, geométricos y se ve con el dedo y la uña sucia; junto con el bodegón complementan toda la zona izquierda del lienzo. Ribera hace pobre a los filósofos y señala con ellos que su actividad es sin ánimos de su lucro de su tarea de filosofo. Mi atención de la figura se centra en la manos y en el excelente rostro, cargado de naturalismo, gracias a la iluminación que cubre a la pintura por la parte izquierda que baña toda la pintura. Por ultimo los tonos pardos contrastan con el marfil de los papeles es otro de lo elementos al estilo de Caravaggio, al que Rivera sigue sus primeros años.

Según una tradición se dice que el sonreía por que se burlaba de la absurdidades del hombre por eso la sonrisa en su rostro. También es característico de las pinturas de Ribera hacer a los filósofos pobres y sin ánimos.

Institución Educativa Privada Peruano – Español Alumno: John Adrian Llauce Solano Tercer año de Secundaria

Autor: José de Rivera

Cronología: 1639

Medidas: 179 x 127 cm.

Técnica: Óleo sobre lienzo

Localización: Museo del Prado.

Madrid-España

Esta pintura pertenece a la Escuela Española del siglo XVII. Son frecuentes los episodios de la escalera o rayo de luz por donde se dirigen los ángeles pero Rivera insiste en la humanidad del pastor. La representación es muy natural al querer dar a conocer al personaje pero usa un poco de su imaginación a la hora de graficar la subida y bajada de los ángeles lo hizo mas débil y suave los trazos. Seguro por este detalle y la escala de colores del color dorado, el cuadro se atribuía antiguamente y por lo cual se le adquirió a la Reina Isabel de Forneció. En la composición del cuadro se narra el sueño misterioso del patriarca Jacob, según relata el Génesis, quien aparece dormido, recostado sobre el brazo izquierdo. Detrás de él se encuentra un árbol y al otro lado la escala de luz por la que suben y bajan los ángeles.

El asunto muestra la capacidad técnica de Ribera para construir un discurso metafórico. A través de la representación de un pastor tendido a descansar en el campo describe uno de los episodios bíblicos más conocidos. La visión en primer plano del personaje sólidamente construido y los rasgos realistas de la escena sirven para hacer verídico el sueño milagroso, que se describe en un haz de luz bajo un cielo azul y gris. Ribera da aquí una de sus numerosas pruebas de su delicado sentido del color y su exquisita capacidad para la composición, al contraponer en diagonal los volúmenes del primer plano.

El significado que muchos pintores e historiadores le dan a este cuadro es que esa escalera se suele entender como un símbolo de la vida contemplativa.

Institución Educativa Privada Peruano – Español Alumno: Juan José Chicoma Manay Tercer Año de Secundaria

Nació: 7 de noviembre de 1598 en Fuente de Cantos. Padres: Luis de Zurbarán y Isabel Márquez Muerte: 27 de agosto de 1664 Profesión: Pintor Siglo: Siglo de Oro Español

Hijo de un comerciante, nació en Fuente de Cantos en 1598. hizo 198 obras. Aunque pintó un tiempo en su ciudad natal realizó la mayor parte de su obra en Sevilla. En 1630 llegó a ser el primer pintor de esa ciudad y pronto fue llamado a Madrid para decorar el Salón de Reinos. Contemporáneo y amigo de Velázquez, Zurbarán destacó en la pintura religiosa, en la que su arte revela una gran fuerza visual y un profundo misticismo. Fue un artista representativo de la Contrarreforma. Su gran debilidad fue el manejo de espacios; pero estuvo maravillosamente contrarrestada por la iluminación tenebrosa que usaba en sus obras y el realismo para plasmar cabellos, pieles, telas y otras texturas, como si pudieran palparse. Zurbarán se entregó por completo a su estilo naturalista.

Sus obras captaron fielmente el silencio característico de la vida conventual y realizó una gran producción al servicio de intereses religiosos, trabajando para mercenarios, franciscanos, jerónimos, jesuitas y cartujos. En esta serie se encuentran monjes y santos orando, con una apariencia serena e intensa espiritualidad. Sus versiones de San Francisco y su serie de vírgenes fueron rebosantes de recato y modestia. Entre sus obras más famosas tenemos: • San Francisco en éxtasis. • La Virgen de la Misericordia. • La defensa de Cádiz. • La Batalla de Jerez. • Huida a Egipto. • Los santos de Carduja. • Santa Margarita. • Los miembros de la orden

de los mercedarios.

Cordero de Dios, obra expuesta en el Museo de Prado. Zurbarán realizó varias pinturas con un estilo que no evolucionaba como los de los demás artistas y es gracias a este que tuvo mucho éxito. Tuvo una marcada voluntad por señalar la belleza de las cosas humildes y el encanto de los pequeños objetos domésticos.

Institución Educativa Privada Peruano – Español Alumno: Juan José Chicoma Manay Tercer Año de Secundaria

Autor: Francisco de Zurbarán Cronología: 1650 Medidas: 46 cm x 84 cm Técnica: Óleo sobre lienzo Localización: Museo del Prado. Madrid - España

Cuatro recipientes, uno metálico y tres de barro, de diferentes formas y terminación aparecen alineados sobre una repisa frente a un fondo neutro y acompañados de dos bandejas metálicas sobre las que reposan los cacharros de los extremos.

La composición, extraordinariamente sencilla, otorga a la luz el protagonismo absoluto ya que es ella quien individualiza cada objeto. La ausencia de sombras de unos cacharros en otros indica que el pintor fue realizándolos de uno en uno y en orden, tratando la obra por partes, individualizando cada recipiente, y no como un todo. Podría en conclusión decirse que la verdadera protagonista de la composición es la luz que hace surgir los cacharros del fondo oscuro, modelándolos con la característica atención de Zurbarán al volumen escultórico.

Desde mi punto de vista Lo que busca el pintor es resaltar cada imagen de manera muy sencilla pero extraordinaria. Con esta pintura Zurbarán hace uso de sus magníficos dotes como pintor. Zurbarán pintó escasos bodegones, destaca en las texturas y efectos oscuros y que resaltan su magnifica pintura. Es probable que el artista escogiera estos recipientes por su neutralidad narrativa y por la posibilidad que le daban el transformar motivos ordinarios en algo

extraordinario. Se conserva una versión casi idéntica en el Museo de Arte de Cataluña.

Este bodegón de cacharros es uno de los más hermosos de de la pintura española, su sencillez extrema va ligada a la perfección por plasmar la naturaleza de los objetos, hasta en sus mínimos detalles, como es el reflejo de luz sobre sus superficies o la diversas textura que expresan su naturaleza.

Institución Educativa Privada Peruano – Español Alumno: Leslyn Yakory Cabrera Alarcón Tercer Año de Secundaria

Francisco de Zurbarán

Autor: Francisco de Zurbarán Cronología: 1634 Medidas: 302 x 323 cm Técnica: Oleo Sobre Lienzo Localización: Museo Del Prado

Esta pintura es también conocida como “La Defensa de Cádiz contra los Ingleses”. Es una obra importante y singular dentro de la carrera de Zurbarán no sólo porque fue un encargo de la corte, sino también porque se trata de una de las escasas ocasiones en las que se acercó a un tema de la “historia civil”. El artista muestra algunas de las virtudes que le convierten en un punto de referencia de la historia de la pintura española de su tiempo, como su precisión retratística o su capacidad para reproducir de manera exacta y detallada una gran variedad de texturas.

Es un cuadro muy importante en la carrera del autor Francisco de Zurbarán ya que fue una obra encargada por la corte para decorar el Salón de Reinos Del Palacio Del Buen Retiro en Madrid -España . La escena pintada representa lo que las fuerzas españolas hicieron de la ciudad de Cádiz en 1625 ante el ataque de la flota conjunta anglo - holandesa. Lo primero que aparece en la pintura es el gobernador de Cádiz donde se encuentra sentado dando ordenes a los subordinados. Luego podemos apreciar que se encuentra frente a él, el teniente de maestre de Campo Diego Ruiz. También apreciaremos como fondo el desembarco de las tropas que atacan frente al fuerte EL PUNTAL Ubicado en la Bahía Gaditana.

Zurbarán destacó la figura de Girón dando ordenes a sus generales . Esta escena tiene un defecto de teatralidad que resulta artificiosa por la agrupación convencional de los personajes donde se nota que apenas se comunican entre sí , y por su falta de relación con el fondo concebido como un telón .

Institución Educativa Privada Peruano – Español Alumno: Chicoma Manay Juan José Tercer Año de Secundaria


Autor: Francisco de Zurbarán Cronología: 1630-1634 Medidas: 163 cm × 105 cm Técnica: Óleo sobre lienzo Localización: National Gallery de Londres

Es una pintura realizada en un lienzo obra del magnífico pintor Francisco de Zurbarán. Esta pintura pertenece al conjunto de lienzos nombrados como Santas de Zurbarán, pertenece a la primera época de Zurbarán con destino a conventos de España o Hispanoamérica. El taller del pintor era famoso por realizar numerosos cuadros de este tipo. Esta pintura resulta inusual en el sentido de que parece ser totalmente autógrafa del pintor. Margarita de Antioquía está incluida entre las santas mártires cristianas. Cuidaba del rebaño de ovejas de su niñera y fue encarcelada y torturada por defender su virginidad frente a los intentos de un prefecto romano.

A la Santa en cuestión se le pinta como una elegante pastora, con un atuendo muy refinado. El bastón que sostiene en la mano, que está terminado en un gancho podrías representar las torturas que padeció.

El dragón que se aprecia abajo representa al diablo bajo la forma de un dragón que buscó tentarla cuando estuvo en prisión, sin poder lograrlo. Zurbarán trabajó con gran detalle la vestimenta, las pintorescas alforjas que cuelgan del brazo izquierdo, así como el sombrero de paja y alas curvadas con el que va tocada. El rostro es rígido y frío.

Zurbarán lo que resaltó en esta obra fue las características De esta santa y sobre todo su entrega hacia Dios ya que hay una leyenda que dice que fue tentada por el diablo mientras estuvo en prisión y a pesar de todo siguió creyendo y teniendo fe en Dios. Se dice que por los rasgos de sus rostros pensaron que era la misma modelo que se utilizó para realizar a Santa Áqueda.

Institución Educativa Privada Peruano – Español Alumno: Juan José Chicoma Manay Tercer año de Secundaria


Autor: Francisco de Zurbarán Cronología: 1635 - 40 Medidas:152 x 99 cm. Técnica: Oleo sobre lienzo Localización: National Gallery de Londres

La dedicación de Zurbarán a la hora de pintar al santo que le da nombre es excepcional. Son abundantes las representaciones que de este personaje realizó el artista a lo largo de su vida, y todas ellas están llenas de una cercanía casi cariñosa y fraternal. San Francisco fue el fundador de la Orden de los "hermanos menores", llamados así por la pobreza y humildad con que buscaban reformar el mundo.

Esta Obra llamada San francisco en éxtasis representa con gran claridad y precisión los rasgos mas resaltantes de este santo.

. Uno de ellos es la Humildad que se puede apreciar en los codos rasgados y descocidos. Se puede ver el arte de este pintor en la representación de su rostro, ya que pertenecía a la orden de los «Hermanos Menores» , debido a esto debía demostrar humildad y sencillez.

Con estas características logro representar al santo en un estado de concentración que le ha permitido transportar al éxtasis místico y por su expresión podemos imaginar que se halla ante la presencia de Dios. Hoy en día esta pintura se encuentra en el Museo National Gallery de Londres.

Zurbarán realizó varias representaciones de este

santo a lo largo de su vida ya que se

identificaba con la sencillez y humildad de

este santo

Institución Educativa Privada Peruano – Español Alumno: Mariafé Castro Céspedes

Tercer Año de Secundaria

Fecha de Nacimiento: 31 de Diciembre de 1617 Fecha de fallecimiento: 3 de abril de 1682 Periodo: Barroco

Bartolomé Murillo nació en el año de 1617, siendo el benjamín entre los 14 hermanos. A muy corta edad queda huérfano de padre y a los pocos meses fallece su madre, quedando bajo la responsabilidad de su hermana Ana quien le accedía ir al taller de un hermano pintor, Juan del Castillo. En 1645 le dan su primer encargo, una pieza compuesta por 13 lienzos comprendiendo “La cocina de lo Ángeles”, obra más admirada debido a la minuciosidad y realismo que esta presenta, pintura que le asegura la fama, construyendo una vida en la cual pudo sustentar sin preocupaciones a los nuevos hijos que había tenido con su esposa Beatriz. Varios años después tras un suceso de exitosas pinturas, se le confía la decoración de la Iglesia del Convento de los Capuchinos de Cádiz, aunque no logro culminar con toda la obra , ya que falleció mientras que laboraba en ella causa de la caída de un andamio.

Murillo es reconocido no sólo por sus pinturas idealizadas sino también por los retratos de vírgenes que realizó. Según mi criterio Murillo destaca en cuanto al uso de colores brillantes y vaporosas superposiciones. Pero durante toda su carrera su pintado ha ido transformándose, siendo al inicio un corte tenebrista, con el que retrataba los barrios sevillanos; y representando encantadoras inmaculadas en sus últimos cuadros. Distinguidos son sus cuadros con temas religiosos, en los que muestra lo extraordinario de una forma simple, empleando imágenes de lo cotidiano, como sucede en: La Sagrada Familia del pajarito, e innumerables son sus Inmaculadas, hermosas, bellas, tiernas y armoniosas, lo mismo que sucede con sus producciones de Vírgenes con el niño Jesús.

“La Sagrada Familia del Pajarito”

Una de las más famosas obras de Murillo, realizada hacia el año 1650, donde se muestra a la Sagrada Familia en una medio doméstico y colmado de ternura. En la actualidad podemos apreciar esta pintura en el Museo Nacional del Prado.

Institución Educativa Privada Peruano – Español Alumno: Milagros Blas Pizarro Tercer Año de Secundaria

Autor: Bartolomé Esteban Murillo Cronología: 1678 Medidas: 274 x 190 cm Técnica: Oleo sobre lienzo Localización: Museo Del Prado. Madrid – España.

Autor de numerosas Inmaculadas, en los últimos años de su vida Murillo crea una fórmula ideal en la que aparece la Virgen vestida de blanco y azul, con las manos cruzadas sobre el pecho, pisando la luna y con la mirada dirigida al cielo, con un claro impulso ascensional, muy barroco, que coloca a la figura de María en el espacio empíreo habitado de luz, nubes y ángeles, y que sirve para aunar dos tradiciones iconográficas: la de la Inmaculada propiamente dicha y la de la Asunción.

La pincelada suelta y enérgica, la composición helicoidal, el uso de la luz y la sensación de movimiento que emana de la obra, hacen de ella un extraordinario ejemplo del arte barroco.

Encargada por Justino de Neve (1625-1685) para el Hospital de los Venerables Sacerdotes de Sevilla, fue llevada en 1813 a Francia durante la Guerra de la Independencia por el mariscal Soult y, tras exponerse durante casi un siglo en el Museo del Louvre, en 1941 ingresa en el Museo del Prado. Murillo muestra en esta obra el dinamismo y movimiento característico del Barroco. En esta obra se muestra a una Virgen con actitud triunfante, apoyada sobre una nube sostenida por querubines. La virgen esta vestida con una túnica blanca y un manto azul. Murillo tomo mucho en cuenta la visión de abajo hacia arriba, y en oblicuo del cuadro.

La Inmaculada de Soult se caracteriza por mostrar una belleza serena y elegante. Las manos de la Virgen aparecen cruzadas y en su rostro se observa rasgos dulces y delicados.

Institución Educativa Privada Peruano – Español Alumno: Milagros Blas Pizarro Tercer Año de Secundaria

Autor: Bartolomé Esteban Murillo Cronología: 1662-1665 Medidas: 2,32 x 5,22 cm Técnica: Oleo sobre lienzo Localización: Museo Nacional Del Prado. Madrid - España

La presente obra es una de las más reconocidas creaciones de Murillo, uno de los grandes representantes del barroco español, el artista originalmente quiso narrar en dos pinturas: «El sueño del Patricio Juan» – que nos ocupa la presente - como «El patricio revela su sueño al papa Liberio», la fundación de Santa Maria de Maggiore de Roma, una de las principales iglesias de la cristiandad, dichas obras estaban encargadas para la decoración pictórica de Santa María la Blanca de Sevilla. En esta pintura se puede observar a la Virgen como se le aparece en sueños a Juan, un patricio romano del siglo IV, y a su esposa, y les recomienda que edifiquen una iglesia en el monte Esquilino, en el que encontrarán la planta del edificio dibujada en la nieve. La placidez y el abandono impregnan la estancia, que se ilumina

con la luz misteriosa que desprende la serena aparición de la Virgen, pintada con la pincelada ligerísima y esponjosa. La composición del cuadro encierra un canto a la familia, que esta simbolizado por el patricio y su esposa. Se observa un descanso de la pareja luego de una gran jornada en casa. El patricio apoya su brazo sobre una mesa, la cual esta vestida de un manto de color guinda. Se refleja una gran serenidad en el rostro del patricio, este se encuentra vestido con un traje sencillo, color pardo claro y todo abotonado. Cubre sus piernas con unas medias largas de color blanco. Se observa además la imagen de la esposa del patricio bajo los pies de este. La dama esta sentada sobre un cojín e inclina su cabeza sobre una escabel. Estila una indumentaria propia del siglo XVII con una combinación intrépida de colores.

El patricio revela su sueño al papa Liberio es la pintura compañera que acompaña a la anterior, en ella se observa la acción después de la aparición de la Virgen, el cómo los esposos se presentan ante el papa Liberio y le comunican los deseos y planes de la Madre de Dios, y luego se dirigen al lugar y comprueba el trazado de la planta de la futura iglesia.

Institución Educativa Privada Peruano – Español Alumno: Milagros Blas Pizarro

Tercer Año de Secundaria

Autor: Bartolomé Esteban Murillo Cronología: 1650 Medidas: 144 x 188 cm Técnica: Oleo sobre Lienzo Localización: Museo Nacional del Prado, Madrid- España.

La presente obra es una de las creaciones más importantes de Murillo, en la que se emplea el estilo naturalista. Este estilo fue puesto de moda por Zurbarán o Velázquez en Sevilla. En la pintura se aprecia una escena de ambiente doméstico y llena de ternura que muestra a la Virgen María devanando una madeja de hilo mientras observa como el Niño Jesús, apoyado en San José, juega con un pajarito y un perro. La composición del cuadro, aparentemente intrascendente, encierra un canto a la vida doméstica, a la familia y al trabajo, que está simbolizado por medio del banco de carpintero de San José y del costurero de la Virgen.

Personalmente el cuadro de Murillo me despierta mucha ternura y familiaridad, de sólo pensar que el cuadro representa a la Sagrada Familia, la familia de la dignidad humana por excelencia, haciendo tareas domésticas y compartiendo un tiempo en casa, me hace dar cuenta de la grandeza y la humildad que vivió en realidad. A la vez, valoro la grandeza del pintor para evocar tal escena basándose en las pocas citas bíblicas y seguro una recta tradición teológica. La técnica del pintor es limpia, diáfana quien valiéndose de los medios expresivos del barroco, el juego de luz y color, la composición del primer plano, el uso del pincel apretado y bien delineado.

Es una escena dulce e intima de familia. Murillo convierte una escena religiosa en un cuadro de genero. Se muestra a José como una imagen admirable, mientras que María ha parado sus labores de hilado para comer una manzana y observar a su pequeño hijo. El pintor le da a José una posición central en el cuadro, representando a la imagen del padre ideal.

Institución Educativa Privada Peruano – Español Alumna: Dominique Barrueto Profesora: Aleyda A. Leyva Chévez Tercer año – Integración 2012

Diego Velásquez

Autor: Diego Velásquez Cronología: 1656 - 1657 Medidas: 318 x 276 cm. Técnica: Óleo sobre tela. Localización: Museo del Prado (Madrid - España)

En el cuadro de Diego Velásquez se nota claramente la idea que intenta transmitir el autor. Se ve a la infanta Margarita María siendo atendida por dos damas de honor o también llamadas meninas, una de ellas llamada María Agustina Sarmiento y otra es Isabel de Velasco. La pintura nos quiere dar a entender el modo de vida que llevaba las personas de alto nivel económico en este caso la familia de Felipe IV . Está es considerada la obra maestra del autor u “obra de obras”. Claramente se observa a la niña como personaje “estrella” y a su alrededor los personajes secundarios como por ejemplo en el ángulo derecho, los enanos Mari Bárbola y Nicolás Pertusato, mientras que el plano medio está ocupado por Marcela Ulloa y aun guardadamas aun sin identificar, otro aspecto a destacar de esta obra es la presencia del propio Velásquez como personaje retratado en la obra de tal forma que esta pintura es también autorretrato.

Claramente se observa a la niña como personaje “estrella” y a su alrededor los personajes secundarios como por ejemplo en el ángulo derecho, los enanos Mari Bárbola y Nicolás Pertusato, mientras que el plano medio está ocupado por Marcela Ulloa y aun guardadamas aun sin identificar, otro aspecto a destacar de esta obra es la presencia del propio Velásquez como personaje retratado en la obra de tal forma que esta pintura es también autorretrato.

Parodia del cuadro las meninas, realizada por Nicomedes en el año 1954 .

Institución Educativa Privada Peruano – Español Alumno: Mariafé Castro Céspedes Tercer Año de Secundaria

Autor: Diego Rodríguez de Silva y Velázquez

Cronología: 1628 - 1629 Medidas: 165 cm x 225cm Técnica: Óleo sobre lienzo Localización: Museo del Prado, Madrid –

España.

“El Triunfo de Baco” o también conocido como «Los borrachos», es el nombre con el que se le conoce a una de las más famosas obras del artista Diego Rodríguez de Silva y Velázquez. Este cuadro representa a Baco, dios del vino, coronando a un soldado y a su vez rodeado por un conjunto de hombres.. Esta es una de sus primeras pinturas mitológicas, por la cual en el año de 1629, Velázquez acepta cien ducados por dicha creación. En la que se desenvuelve gráficamente la consolación que brinda el vino a los hombres frente a las angustias de su vida diaria. Viendo al cuadro desde su forma y fondo se puede apreciar que a pesar del color sobrio que presenta la pintura, se destaca al dios con un color más iluminado, rompiendo de esto modo la monotonía en cuanto a la tonalidad que se muestra.

Baco es diferenciado del resto de los personajes por el color de piel que posee, blanca y suave, representando que como dios no se expone a las inflexibilidades de la vida y mostrando la raza como símbolo de distinción entre clases sociales. En contraste a esto se manifiestan los campesinos, quienes están vestidos rústicamente y con el rostro curtido exhibiendo la dureza del trabajo y la vida. Estos diseños conjuntamente forman la gran obra de arte nombrada “El Triunfo de Baco”, que en la actualidad se encuentra en el museo nacional del Prado, llevada ahí en 1819 el mismo día de su inauguración.

En la ilustración se puede observar una contraposición de ideas, pues por el lado izquierdo nos presentan una escena casi ceremonial y en el extremo derecho una situación más cercana al realismo de la vida cotidiana de ese entonces.

Institución Educativa Privada Peruano – Español Alumno: Mariafé Castro Céspedes Tercer año de Secundaria

Autor: Diego Velásquez Cronología: 1950 Medidas: 81,3 cm x 69,9 cm Técnica: Óleo sobre lienzo Localización: Museo Metropolitano de Arte ,Nueva York, Estados Unidos

El nombre que lleva la pintura hace referencia al personaje de quien es el retrato, “Juan de Pareja”, quien fue esclavo del artista Diego Velázquez, el mismo que realizó el cuadro. Juan de pareja nació en el año 1610 en Antequera, en ese entonces parte del reino de Sevilla. Siendo ayudante de Diego Velázquez en su taller, mencionado anteriormente, aprende el arte de la pintura, desarrollando ciertas habilidades en esta disciplina. En sus retratos siguió las técnicas de su preceptor, con excepción de sus cuadros religiosos donde se muestra extraño al estilo velazqueño acercandose al modelo de otro pintores , tales como Francisco Rizi o Juan Carreño. Siendo prototipo de esto sus composiciones “Vocación de San Mateo”, inicial obra fachada, y “El bautismo de Cristo”.

Diego Velásquez

Juan de Pareja aprende este oficio de pintor a escondidas de su dueño, Diego Velázquez. Esta pintura fue hecha el mismo año, 1950, que Velázquez le otorgaría su libertad.

Respecto a mi opinión lo que destaca en esta pintura es la intensidad de la mirada, con cierto toque de arrogancia a pesar de la posición social en la que se encontraba. Más aún la postura en la que se encuentran los brazos acentuando la impresión de la realidad. El contraste entre los tonos usados en la vestimenta y rostro del personaje y el fondo son de resaltar pues son estos los que nos dan una perspectiva más concreta. El brillo y la luz que el pintor le ha dado a su retrato, conjuntamente con los rasgos del traje crean una ilusión para que el espectador visualice al individuo como si estuviera presenciándolo directamente. La luz entra desde la izquierda, característica frecuente del Barroco, concibiendo una combinación de luces y sombras. Actualmente podemos apreciar esta producción artística en el museo de Arte de Nueva York.

Institución Educativa Privada Peruano – Español Alumno: Mariafé Castro Céspedes Tercer año de Secundaria

Autor: Diego Velásquez Cronología: 1 618 Medidas: 99 cm × 169 cm Técnica: Óleo sobre lienzo Localización: National Gallery of Scotland, Edinburgo

“La vieja friendo huevos” es una de las más famosas obras de Diego Velázquez realizada en su juventud, a poco tiempo de haber dado su examen como pintor. En este cuadro se puede apreciar un hecho de la vida cotidiana, al parecer una escena desarrollada en una cocina donde se encuentra una señora de avanzada edad friendo huevos, dirigiéndole la mirada a un joven, quien tenia un melón en la mano.

Diego Velásquez

En lo que en mi opinión concierne sobre esta obra de arte es que a pesar de ser a sencilla y de sólo dos personajes, está muy elaborada, debido a las curvas que presenta y a la técnica empleada en algunos de los utensilios para dar la impresión de que estos se encuentran cerca del espectador. Los objetos de condición inanimada se proyectan muy reales debido a la utilización de colores contrastes, brindando textura, brillo y dimensión. Los colores son sobrios, en tintes ocres y pardos; pero la proyección de luz le da cierta singularidad y realismo. El fondo es oscuro dejando destacar los personajes o objetos propios del ambiente en el que se encuentran. Todas estas características que presenta la composición son propias de un estilo barroco.

A simple impresión muestra tan solo una escena habitual, pero puede referirse a una reflexión gráfica sobre los sentidos del tacto y de la vista, como mecanismo de compresión sobre la realidad.

Institución Educativa Privada Peruano – Español Alumno: Leslyn Yakory Cabrera Alarcón Tercer Año de Secundaria

Autor: Diego Velázquez Cronología: 1657 Medidas: 222,5 x 293 cm Técnica: Oleo Sobre Lienzo Localización: Museo Del Prado

Las hilanderas o la fábula de Aracne es la presente obra considerada como uno de los mas grandes ejemplos de la maestría de Velázquez, pintada en el año 1637. En este cuadro se puede observar como Velázquez va detallando la pintura a su modo. En este primer plano observamos una sala con cinco mujeres que preparan las lanas. Después nos damos cuenta que al fondo hay una especie de estancia que aparece mas elevada, también aparecen otras tres mujeres muy bien vestidas que parecen completar un tapiz representando una escena mitológica. Durante mucho tiempo se pensó que esta obra era sólo un cuadro de género, una representación de gran verismo de la labor de unas hilanderas en la Real Fábrica de Tapices de Santa Isabel de Madrid. Esto se debió a que Velázquez dispuso delante lo secundario y detrás, y a menor escala, lo principal.

Es allí donde se encuentra el motivo central del cuadro, una escena mitológica que transcurre ante tres damas en pie delante de un tapiz: Minerva, diosa protectora de las artes, convierte en araña a Aracne, una simple mortal que había osado desafiarla en su habilidad manual, ante el tapiz que esta última había tejido supuestamente con tanta maestría como la diosa. El tapiz tejido reproduce la obra de Tiziano: El rapto de Europa, que a su vez fue copiado por Rubens, con lo cual Velázquez intenta expresar que es el continuador de la gran obra artística de estos maestros que también figuran en la Colección Real y del propio Prado. La obra en sí es muy hermosa, esmerada y bien pensada en sus detalles y composición. Despierta en uno, la admiración por el trabajo humilde y realza el valor del mismo en la historia del arte.

Un dato curioso es que a este cuadro lo denotaron como asunto único, debido a la causa de la propia entidad del cuadro y por su ambigüedad de significados presente en algunos lienzos de Velázquez. Las hilanderas es un homenaje al trabajo manual del hombre y como este puede aspirar a la grandeza propia de la mano de los dioses.

Institución Educativa Privada Peruano – Español Alumno: Leslyn Yakory Cabrera Alarcón Tercer año de Secundaria

Diego Velázquez

Autor: Diego Velázquez Cronología: 1599-1660 Medidas: 122 cm x 177 cm Técnica: Oleo Sobre Lienzo Localización: National Gallery de Londres

La presente obra es una de los pocos desnudos de la pintura española que plasmo Velázquez y que tiene ya una raíz clásica. Es una pintura barroca española de 1648, trabajado con oleo sobre lienzo. Es un cuadro mitológico e histórico tema indicado por la pintura veneciana del siglo XVI en la que Velázquez aborda con prodigiosidad naturalidad y originalidad. La pintura de Velázquez representa un momento de privacidad y un alejamiento dramático de las representaciones clásicas de sueño e intimidad que se encuentran en las obras de antigüedad y en la escuela veneciana cuando retratan a Venus.

Personalmente la pintura de Velázquez me despierta curiosidad al querer saber si era verdad una diosa, una mujer común y corriente o tal ves sea una amante. Así como también la posición del espejo , si una mujer esta a cierta distancia de un espejo , su imagen estará generalmente a mayor distancia del observados que ella y, por razones de perspectiva se vera de menor tamaño. A la vez pienso que es una reflexión sobre la belleza y la forma de representar la belleza en la pintura. El dibujo que exhibe el maestro Velázquez a mi modo de ver es de gran belleza ya que le agrego un efecto atmosférico a la composición que parece difumar los contornos

Este cuadro es la representación de la diosa Venus completamente desnuda, con cierta pose erótica tumbada en una cama mirándose al espejo el cual lo sostiene el dios del amor sensual, hijo de Venus a cual lo llama Cupido

Institución Educativa Privada Peruano – Español Alumno: Karotzzy Aguinaga Zorrilla Profesora: Aleyda A. Leyva Chévez Tercer año – Integración 2012

Diego Velásquez

Autor: Diego Rodríguez de Silva Cronología: 1635 Medidas: 307 cm x 367 cm Técnica: Óleo Localización: Museo Del Prado (Madrid)

_ El cuadro se pintó para la decoración del denominado Salón De Reinos del Palacio Del Buen Retiro. _Formado por diversos pabellones entre amplios jardines, se construyó anexo al monasterio de San Jerónimo El Real , cuya iglesia aún subsiste a espaldas del Museo Del Prado. _ El Salón de Reinos era la estancia más relevante del conjunto, pues era donde Felipe IV recibía a los embajadores y demás autoridades extranjeras. _ Velázquez representa con realismo al general Spínola

El cuadro se pintó (junto con otros doce) para la decoración del denominado Salón De Reinos del Palacio Del Buen Retiro.

erigida por orden de Felipe IV España al estilo de las existentes en Roma.

Formado por diversos pabellones entre amplios jardines, se construyó anexo al monasterio de San Jerónimo Real, cuya iglesia aún subsiste a espaldas del Museo De Prado.

El Salón de Reinos era la estancia más relevante del conjunto, pues era donde Felipe IV recibía a los embajadores y demás autoridades extranjeras.

Realizaron los cuadros actualmente más valorados por los críticos.

Velázquez deja una hoja en blanco, para poner su firma y fecha. Sin embargo, nunca lo hizo.

Institución Educativa Privada Peruano – Español Alumno: Karla Jacinto Aquino Tercer Año de Secundaria

Nació el 19 de Mayo de 1593 en Amberes – Países Bajos. Falleció el 18 de octubre de 1678 en Amberes – Países Bajos. Profesión: Pintor Periodo: Barroco

Fue un relevante pintor que vivió en Amberes, su obra es amplia y diversa, entre sus pinturas tenemos: La derrota de los titanes(1636 - 1638). Meleagro y Atalanta (1620 - 1650). La piedad (1650 - 1660). Tres músicos ambulantes. La familia del pintor (1621 - 1622) entre otras; abordó temas: mitológicos, donde uso con frecuencia el denudo, religiosos y cotidianos. Recibió bastantes e importantes pedidos (tanto pinturas como tapices )de nobles ganando gran prestigio por la buena calidad de sus pinturas. Su familia gozo de una economía prospera lo que favoreció su formación y desarrollo como pintor sus progenitores fueron Jacob Jordaens (mercader de lino) y Bárbara van Wolschaten. Fue alumno de Adam van Noort del cual su taller se convirtió en uno de los más destacados de Amberes, se casó en 1616 con Catharina , primogénita (al igual que él) de su maestro; tuvo tres hijos.

Recibió influencia por parte de Rubens en el desarrollo de su obra, un aspecto a resaltar es que nunca viajó a Italia lo que era muy común entre los artistas de esa época . Con el pasar de los años sus pinturas se fueron opacando y no mostraron su antigua calidad, así en 1678 dió su último respiro atacado por una epidemia de su época. Lo que más me gusta de su obra son sus representaciones mostrando las creencias y costumbres de su época, los colores que usa son los apropiados para cada escena resaltando en ellas en el ambiente que le corresponde, a la vez de la gran fama que tuvo lo cual no debe ser fácil con la calidad de pintores que fueron contemporáneos a él, que no saliera de su tierra natal muestra el amor que le tenia lo cual es algo que habla bien de él pues se esforzó para destacar.

La presente es una pintura de Jordaens Jacob donde presenta a su familia mostrando su posición relevante y acomodada me gusta mucho esta pintura por los colores y posiciones de los personajes ayudándome a entender un poco más la vida y el sentir de Jordaens: él se sentía como una persona importante y amaba a su familia .

Institución Educativa Privada Peruano – Español Alumno: Arnold Anaya Torres Tercer Año de Secundaria

http://www.museodelprado.es/coleccion/galeria-on-line/galeria-on-line/zoom/1/obra/la-familia-del-pintor/oimg/0/

Autor: Jacob Jordaens

Cronología: 1621-1622

Medidas: 181 cm x 187 cm


Localización: Museo del Prado

Madrid - España

En la pintura se representa la familia del destacado pintor, el cual vendría a ser el mismo Jacob Jordaens, él se autorretrata como un excelente caballero, con garbo y orgullo, haciendo lo mismo con su esposa y su pequeña, vestidos como personas aristocráticas y de buen linaje. Se ve también como el artista diseña la obra con la intensión de dar a conocer la profesión que ocupa en el mundo, mostrándose también como miembro relevante de la sociedad junto con su familia, siendo esta la acción que destaca y la razón de porque me fascina la delicadeza e ingenio que utiliza el artista para representar lo que siente o piensa. En este cuadro, podemos observar que la familia se encuentra en un ambiente ajardinado, donde se ven un pequeño zorro y una especie de ave muy colorida; a la izquierda de estos animales se ve una escultura de una mujer desnuda cubierta por sabanas.

En cuanto a la familia se tiene al pintor vestido finamente, apoyando su pie izquierdo en un sillón de madera y agarrando con su mano derecha un laúd representando su afición por la música. Detrás de las piernas del pintor se muestra un perro de pelaje blanco con cabeza agachada; luego tenemos a su esposa Catalina Van Noort vestida finamente, reposando en una silla, y a la ves agarrando tiernamente a su pequeña hija, quien tiene un tipo de velo color turquesa y un vestido blanco, llevando consigo un pequeño canasto de flores. Finalmente vemos a la sirvienta, vestida popularmente y sujetando con las dos manos un cesto de uvas, que refleja la prosperidad familiar.

Esta pintura la realiza Jordaens cuando alcanza su máximo esplendor en su actividad más destacable; la pintura. Está documentada en 1746 en el Palacio de la Granja entre las pinturas de Felipe V.

http://www.museodelprado.es/coleccion/galeria-on-line/galeria-on-line/zoom/1/obra/la-familia-del-pintor/oimg/0/

Autor: Jacob Jordaens

Cronología: 1620-165

Medidas: 152,3 cm x 240,5 cm



Madrid - España

Jordaens crea esta pintura con una magnífica imaginación cultural; al remontarse a un hecho ocurrido en la antigua Grecia, y relatado en las Metamorfosis de Ovidio. Meleagro tras cazar el enorme jabalí que asolaba el reino de Calidonia, entregó la cabeza del animal a su amada Atalanta. Los tíos de él, creyéndose con más derecho al trofeo, se lo arrebataron, lo que provocó la ira del héroe, que los mató. El pintor, coloca las figuras en primer plano, a modo de un gran friso corrido. En el grupo de la derecha, Meleagro lleva la mano a la espada, dispuesto a iniciar su ataque contra sus propios tíos quienes han arrebatado la cabeza del jabalí, mientras Atalanta, con un gesto de miedo, intenta detener al héroe, quién en su rostro denota furor, rabia.

A la izquierda, están un grupo de cazadores unos montados a caballo y otros con perros; acompañantes utilizados para marcar el ritmo de la composición, pues conducen la mirada del espectador hacia el asunto principal a través de la posición de las armas, el brazo o el movimiento de los perros. Esta obra despierta los sentidos, cautiva por su composición dinámica que incita al espectador a preguntarse: ¿qué es lo que realmente sucede?, ¿qué historia nos estará contando el artista? Los colores usados son vivos, llamativos y los detalles en el trazado y pintado son perfectos, un ejemplo es el perro que coloca su pata sobre el muslo de Atalanta con una intención de defender a su dueño que se presta para el enfrentamiento.

Meleagro y Atalanta es una de las obras más famosas de Jordaens, en dónde se puede apreciar las influencias de Rubens sobre todo en el modelado de las figuras monumentales que presenta la pintura. Los colores y la composición son característicos de las obras del pintor de Amberes y propios de la pintura de holandesa.

Nacimiento: En 1579 en Amberes

Fallecimiento: En 1657 en Amberes

Aportes: Creación de dos nuevos

tipos de pintura, la naturaleza

muerta de caza y las despensas.

Fue un pintor selecto, inspirado en muchas obras por bodegones y animales. Estudiante de Pieter Brueghel el Joven en 1592 - 1593, fue amigo de un reconocido pintor; Van Dick, quien le pinto un retrato junto a su esposa. Entró en la cofradía de Amberes en 1602; en 1611 se casa con Margaretha hermana de Cornelis de Vos y Paúl de Vos, otro pintor de animales. Al principio pintaba flores y bodegones; pero después se va por el camino imaginario y creativo de los animales, lo cual impresiona a Rubens y ayuda a otros magníficos pintores en sus obras.

Lo que me fascina de este importante pintor es su finesa al confeccionar diferentes texturas para impregnarlas en simples cuadros convirtiéndolos en maravillas, especialmente la pintura que más me impresiona y que me gusta es LA CAZA DEL CIERVO, porque se da en un ambiente libre, paisajístico, con un poco de suspenso en cuanto a la cacería del ciervo por los perros agregando drama y vivencia en la pintura. Snyders pinta cuadros de animales, siendo esto otro punto para mi gusto con respecto a este profesional, que a confeccionado en mi, un amante a la pintura y a la creatividad.

La caza del ciervo fue un regalo por parte de Snyders al rey Felipe III de España, quien junto con su asesor, Felipe IV pidieron al artista que realizara pinturas de casa , que aún se conserven en España

Franz Snyders

Autor: Frans Snyders

Cronología: Hacia 1633

Medidas: 153 cm x 214 cm



Madrid - España

La capacidad en el género de la naturaleza muerta que poseía Frans Snyders se manifiesta de manera extraordinaria en este cuadro. El artista incluyó la figura de una sirvienta, lo que ha dado nombre al cuadro. Snyders solía incluir figuras en sus óleos de mayor formato, que en ocasiones eran realizadas por Rubens, siendo habitual la colaboración entre ambos. Estas figuras se sitúan generalmente en uno de los extremos de la composición, dejando el espacio sobrante a la representación de los elementos naturales, como pescados, caza o frutas.

La perfecta captación de las texturas de los objetos representados, la inclusión de animales vivos, como el loro que picotea la fruta del cesto o el mono que huele la flor, son elementos frecuentes en la obra de Snyders.

Como también lo son la exuberancia de los elementos, su diversidad y la variedad cromática empleada. Esta obra de arte es realizada con una fina textura artística, dada en cada objeto dibujado, representando a una especie de naturaleza muerta, que destaca claramente por el color opaco que impregna el pintor en el fondo; ahora el personaje resaltante del título, la sirvienta quien abre paso a lo que se quiere en si representar, en otras palabras; la diversidad natural puesta en la mesa sobre un mantel rojo, el cual yo pienso que es el indicado para dar viveza a la pintura y resaltar las frutas puestas, de ahí mi gusto por la pintura. Se puede observar también la participación de dos animales; un mono en la parte derecha queriéndose comer las cerezas y un loro picoteando las frutas de la gran canasta

Este cuadro entró en la Colección Real hacia 1636, al ser regalada a Felipe IV por el marqués de Leganés. ¡Qué impresionante y precioso obsequio! ¿Qué opinan ustedes?

Institución Educativa Privada Peruano – Español Alumno: Gustavo E. Grosso Salazar Tercer Año de Secundaria

Peter Paul Rubens

Autor: Peter Pal Rubens Cronología: 1609;1628-1629 Medidas: 355,5 cm × 493 cm Técnica: Óleo sobre lienzo Localización: Museo del Prado (Madrid-España)

La adoración de los reyes magos es del pintor flamenco del barroco Peter Paul Rubens y es considerada una de sus obras maestras. Ejecutada en 1609 , pero Rubens la volvió a pintar y amplió entre 1628 y 1629. La pintura, la mayor de Rubens que posee el Prado y una de las de mayores dimensiones de toda la colección del Museo, se caracteriza por su colorido —en el que destacan los amarillos, rojos y violetas—, movimiento y fastuosidad. A pesar de ser una de las más aparatosas y desbordadas de su autor, está nítidamente organizada, con un eje diagonal que parte simbólicamente del Niño Jesús y llega hasta el ángulo opuesto, en el extremo superior derecho. También con un claro simbolismo el pintor sitúa en la figura del Niño el foco de luz que ilumina toda la escena.

En la franja añadida a la derecha Rubens incluyó su autorretrato. Se representó montado a caballo, con espada y cadena de oro, reflejando con ello la condición nobiliaria que le había concedido en 1624 Felipe IV. Fue además la única vez que incluyó un autorretrato suyo inequívoco en una pintura narrativa. Respecto a mi opinión lo que destaca en esta pintura son los colores que resaltan en este caso el amarillo, el rojo y violeta. En la pintura se nota como toda la gente se amontona para ver al Hijo de Dios. Si ven desde mi punto de vista, Rubens dibujo su retrato cabalgando a un caballo , con una cadena y espada de oro . Se ve que Rubens quiso enfocar al Hijo de Dios , reflejando como un foco de luz que ilumina todo el escenario.

Esta pintura es la mayor obra de Rubens y que posee el museo del Prado ;a pesar que la pintura este desbordada, esta nítidamente organizada. Se dice que Rubens realizó diferentes versiones de este tema , una que se dio entre 1616 y 1617 y se conserva en el Museo de Bellas Artes de Lyon. Actualmente esta majestuosa obra de arte se encuentra en el Museo del Prado, Madrid-España.

Autor: Peter Paul Rubens Cronología: 1615 - 1616 Medidas: 2,48 x 3,21m Técnica: Óleo sobre lienzo Localización: Alte Pinakothek de Múnich(Alemania).

La caza del hipopótamo es un cuadro del pintor Peter Paul Rubens, un distinguido pintor barroco de la escuela flamenca. La tela, fue un encargo del príncipe Maximiliano I, para que Rubens le pintara 4 escenarios de caza, con un paisaje extravagante, destinadas a decorar el Palacio de Schleissheim; con motivo de las guerras. En 1880, los franceses se las llevaron a Paris como botín y sólo volvió a Munich «La caza del hipopótamo», descrita por Joachim von Sandrart en su Teustsche Academie como «La cruel caza de los monstruos cocodrilos». Lo que Rubens quiere dar a conocer del cuadro es la lucha entre el hombre y la bestia, en el cual, cada uno tiene sus ventajas.

Lejos de ser una escena real de cacería, Rubens retrata la alegoría de la lucha entre el hombre y la bestia, tan común y despiadada durante los primeros siglos del Imperio Romano. Parece sugerir que ambos están en igualdad de condiciones de lucha. Los torsos desnudos de algunos personajes, la firmeza de los moros, la rabia que manifiestan el hipopótamo y el cocodrilo y los ágiles movimientos de los caballos dotan al cuadro del dinamismo propio del barroco, donde la angustia y el placer se enfrentan en un mundo pródigo de contrastes. Se aprecia en el cuadro que cada uno tiene oportunidad , en este caso 5 cazadores, pero uno de ellos esta boca abajo, desvanecido y la bestia seria el hipopótamo, el cocodrilo y los dos perros de caza El estilo exuberante enfatiza el movimiento, el color y la justicia que hay entre el humano y el animal.

En la parte central del cuadro, se nota al hipopótamo haciendo bramidos (gritos) para alejar a los cazadores. Debajo del hipopótamo se denota un cocodrilo acechando a una presa. A los costados, hay 2 perros de caza, uno de color blanco y otro negro, y hay 2 hombres en el suelo, uno asustado con un cuchillo en la mano y otro desvanecido.

Peter Paul Rubens

Autor: Peter Paul Rubens Cronología: 1636-1639 Medidas: 221x181 cm Técnica: Óleo sobre tabla Localización: Museo del Prado (Madrid-España)

En este cuadro, Rubens quiere dar a conocer la ampulosidad de las tres mujeres, en sus contornos. Como en otros cuadros de tema mitológico, Rubens lo plantea de modo muy distinto al de los artistas que le precedieron. Las Gracias representan las hijas de Zeus y pueden citarse como tipo de belleza sensual ideal. Aglaya, Talia, y Eufrósine - las gracias - no fueron para Rubens más que una excusa para pintar tres academias femeninas, reproducción de las exuberantes formas de sus habituales modelos. La composición respeta el modelo clásico que representa a las Gracias completamente desnudas y reunidas, pero cambia la relación entre las tres figuras que están conectadas entre sí a través de los brazos, el velo transparente que las cubre, y sus miradas, es decir, psicológicamente, dando así nueva unidad al grupo. La disposición de las Gracias forma un triángulo, estando la de en medio de espaldas, con la cabeza vuelta y apoyada en sus compañeras.

Respecto a mi opinión lo que destaca en esta pintura es la enfatización en el movimiento, el color y la sensualidad que se da en las tres mujeres . En esta pintura , Rubens quiso centrarse en la parte sensual donde resalta, la composición, la elegancia donde están estas tres mujeres en los cuales demuestra un moldeado de las carnes: se denota la suavidad y frescura palpitantes en esta obra. Si ven desde un punto de vista al paisaje se une a la esplendidez de los colores brillantes ,cálidos y luminosos con algo de sutileza y se ven pequeños animales pastando. Este cuadro fue adquirido por el rey Felipe IV , subastados tras su fallecimiento y llevados al museo del Prado , donde se encuentra actualmente esta obra de arte , en Madrid-España.

El trío en la parte izquierda esta conformado por un árbol y a la derecha por una cornucopia dorada de la que cae agua, con una guirnalda de flores por encima de ello.

Institución Educativa Privada Peruano – Español Alumno: Anthony Cierto G. Profesora: Aleyda A. Leyva Chévez Tercer año – Integración 2012

Pedro Paul Rubens

Autor: Pedro Paul Rubens Cronología: 1635 Medidas: 73cm X 106cm Técnica: Óleo sobre tabla Localización: Museo del Prado (Madrid, España)

En el cuadro de Pedro Rubens se puede apreciar un baile combinado con vestimentas muy coloridas y alegres , en lo cual los aldeanos bailan al son de la música del flautista que esta subido en el árbol Los aldeanos están animados también por el sol y danzan en corro y agarrados de la mano.

El tema del cuadro es costumbrista con mezcla de mitología. Otro hecho fue que Felipe IV de España consiguió que algunos embajadores compraran algunos cuadros de Paul Rubens en los cuadros en venta se consiguió este por lo cual se pago 800 florines.

Entre los danzantes se puede llegar a apreciar al dios Baco, coronado de hiedra y vestido con su tradicional piel de leopardo. El dios Baco es patrón de la agricultura y el teatro.

Institución Educativa Privada Peruano – Español Alumno: Grace Andonaire Villegas. Tercer Año de Secundaria

REMBRANDT

Autor: Rembrandt. Cronología: 1652. Medidas:112.1 cm x 81 cm. Técnica: Óleo sobre lienzo. Localización: Museo de historia del arte de Viena.

Son bien conocidos y famosos los autorretratos que Rembrandt pintó lo largo de su vida, en ellos se aprecia su evolución y maestría como pintor pero a la vez, la honda profundidad psicológica al retratarse, todo un arte en sus manos. Este cuadro es aproximadamente uno de los cuarenta autorretratos pintados por Rembrandt, quién dejó de pintar para que esta obra marcara el inicio de una nueva serie de pinturas de esta temática . En el cuadro se aprecia el dibujo de Rembrandt, donde se le ve con una postura frontal, sencilla, con ropas simples, más su mirada se muestra desafiante como retando al espectador, su ceño fruncido y las marcas en el rostro denotan su edad madura. En la actualidad la obra se en el Museo de Historia del Arte de Viena.

En este cuadro se aprecia el dibujo de Rembrandt donde se observa con una boina negra, con una bata marrón que posiblemente era su traje de trabajo que esta atado con una faja negra . En el retrato se muestra a Rembrandt con un aire de confianza en sí mismo y con sus brazos puesto en su cintura. El rostro del artista se ve mas viejo y tiene una mirada muy profunda. A mi parecer la técnica empleada del claroscuro es algo original por lo que se ve como el autor trata de resaltar el rostro del dibujo y deja que las sombras jueguen con tonos en el resto del cuadro llevando un gran enfoque del autorretrato.

El historiador Christopher White lo ha calificado este cuadro como “una de sus obras más magistrales y sombrías del periodo tardío”.

REMBRANDT

Autor: Rembrandt. Cronología: 1662. Medidas: 262 cm x 205 cm. Técnica: Óleo sobre lienzo. Localización: Museo del Hermitage – San Petersburgo.

Este cuadro famoso se inspira en la muy conocida parábola del Hijo Pródigo narrada en el evangelio de San Lucas. Según se narra en la parábola, el hijo pródigo es el hijo menor de una familia, de la cual se desliga pidiendo herencia al padre para desperdigarla en una vida liberal, fácil y llena de placeres. Tras despilfarrar toda la fortuna y afrontar las consecuencias de su mala vida, hace mea culpa y decide regresar al hogar. El padre que ha salido a esperar su regreso lo divisa en el horizonte, corre, lo abraza y sin dejar que se disculpe lo admite de nuevo al hogar y por la alegría de la vuelta le celebra un banquete con una fiesta, porque su hijo estaba perdido y ha sido encontrado. En el cuadro se aprecia exactamente la escena de ternura donde el hijo llega al padre y arrodillado le pide perdón, se muestra arrepentido ante su padre . Y el padre con amor solícito le acoge con una abrazo fraternal.

Este cuadro puedo rescatar la escena de amor en donde se ve al hijo arrepentido de su propia conducta arrodillado frente a su padre que es un anciano que lo acoge de una manera muy amorosa y protectora, al costado se ve al hijo mayor observando la escena de amor entre su hermano menor y su padre . Se puede observar como el pintor trata de resaltar a los personajes mas importantes dandoles una mayor iluminación y dejando el fondo oscuro . El autor ha utilizado una técnica de claroscuro y tenebrismo porque se aprecia como si los personajes tuvieran polvo y no fuera una pintura natural.

El autor pinta este cuadro después de haber pasado muchos problemas familiares y profesionales por que ansiaba tener ante sus ojos la esperanza de esta misericordia. El pintor trata de resaltar más a los personajes principales para evocar la escena de amor.

Institución Educativa Privada Peruano – Español Alumno: Andrea Carolina del Rosario Castillo Toro Tercer Año de Secundaria

Rembrandt Harmensz ,Van Rijn

Autor: Rembrandt Harmensz ,Van Rijn. Cronología: 1634 Medidas:143cmx154,7cmx2,5cm Técnica: Óleo sobre lienzo Localización: Museo del Prado , Madrid-España

En esta ocasión les presentaré la pintura de Rembrandt , la cual se llama Judit en el banquete de Holofernes. Se dice que este cuadro tiene una especial importancia en las obras españolas , por ser la única pintura de Rembrandt en el país. En la pintura se aprecia a una mujer que esta sentada perteneciente a la realeza por sus ropas lujosas, tiene perlas y una tela la cual solo los reyes y esposas tenían en esta época. A su costado arrodillada de espalda al espectador aparece una criada que le ofrece una copa en una concha de spondilus con filos dorados, una pieza de gran valor. Al fondo del cuadro casi en la oscuridad se logra apreciar también otra sirvienta que sujeta una bolsa. Mucho tiempo se consideró que el personaje de la obra era…

Artemisa, diosa griega de la sabiduría, luego estudios posteriores de la obra, revelaron que el fondo oscuro no siempre fue así y la radiografía arrojó que la persona en cuestión se encontraba en una tienda de campaña. Estudios siguientes pudieron determinar que se trataba de Judith, la heroína del pueblo de Israel, quien según las Sagradas Escrituras, cautivó y sedujo a Holofernes, rey persa enemigo de Israel y en luego de emborracharlo lo decapitó. La bolsa que sostiene la criada servirá para trasladar la cabeza del rey en medio de los guerreros de su bando. La obra es muy detallada y rica en colores y sobretodo en el maneja de claros y oscuros que le dan un realismo muy atractivo. Todo un lujo para los espectadores.

La firma del autor , en este caso Rembrandt se nota en la mano izquierda de esta mujer alado de una biblia. En la escena el pintor presenta a Judith preparándose para la presentación ante el Rey, ese el motivo de las alhajas y el abrigo de armiño usado sólo por la realeza.

REMBRANDT

Autor: Rembrandt. Cronología: 1632. Medidas: 169,5 cm x 216,5 cm. Técnica: Óleo sobre lienzo. Localización: Mauritshuis – La Haya.

Es el primer retrato en grupo pintado por Rembrandt el cual

realizó este cuadro cuando tenia 26 años. En el siglo XVII estos tipos de cuadros eran muy populares en Países Bajos transformándose en un símbolo para la clase media. El cuadro fue restaurado varias veces y sufrió varios cambios , actualmente se encuentra en el museo de Mauritshuis. Este cuadro representa una lección de anatomía donde se ve al cirujano Tulp con su sombrero, sosteniendo una pinza con su mano derecha y enseñándole a sus alumnos la división de los músculos y tendones del cadáver que se encuentra en el centro del cuadro pero la mirada de los alumnos va en varias direcciones.

Las figuras apiñadas en torno al cadáver suponen una novedad, ya que en los retratos de grupo anteriores, se pintaba a las personas en fila; al colocarlas así, Rembrandt ofrece una mayor sensación de realismo. El pintor está interesado en los contrastes lumínicos que provoca una luz potente y clara, que ilumina unas zonas y deja en profunda sombra el resto del espacio, según indicaba la teoría tenebrista que trabajaba por estas fechas. El colorido oscuro también es característico de la técnica tenebrista, pero además hay que destacar la austeridad cromática de los trajes de aquella época, animada por los cuellos y puños blancos. Los detalles de los cuellos y los ropajes o los libros demuestran la altísima calidad del artista, que triunfa en Amsterdam gracias a estos trabajos.

Algunos especialistas comentaron la exactitud de los músculos y tendones por lo que muchos creen que los habría sacado de un libro de texto de anatomía. El cadáver es del criminal Aris Kindt (Adriaan Adriaanszoon), de 41 años, ahorcado ese mismo día por robo a mano armada. Algunos de los espectadores son varios patrones que pagaban comisiones por ser incluidos en la pintura.

REMBRANDT

Autor: Rembrandt. Cronología:1640 - 1642. Medidas:359 cm x 438 cm. Técnica: Óleo sobre lienzo. Localización: Rijksmuseum -Ámsterdam.

Es una de las obras más famosas de pintor Rembrandt, quien basó la ubicación de los personajes en razones plásticas. Su titulo original es: «La compañía del capitán Frans Banning Cocq y el teniente Willem van Ruytenburg». Durante mucho tiempo estuvo oculta en la capital de Limburgo hasta que regreso a Ámsterdam donde se ubico en el museo de Rijksmuseum. Esta escena se desarrollo al aire libre, donde utiliza el tenebrismo y el claroscuro, al fondo de la imagen los personajes dan una sensación que en ellos existe aire y polvo, sus rostros y actitudes de los representantes son con una sensación de movimiento, donde el autor trata de resaltar todos los detalles para dar realismo, en estas resaltan personajes el capitán Frans Banning Cocq, el teniente Willem Van y la niña aunque se critica mucho ese personaje porque es el retrato de su esposa que había muerto el mismo año en el que se realizo el lienzo.

Rembrandt se apartó de lo convencional, evitando una escena estática y formal, y generando, en cambio, una de acción, más del gusto del Barroco imperante. Muestra a los soldados apurados para embarcarse en una misión (que tipo de misión, o si se trataba de un patrullaje ordinario es todavía motivo de discusión). Este ordenamiento es completamente original y constituye un nuevo modo de concebir el retrato colectivo. Su estilo causó la contrariedad de algunos miembros de la milicia, que por su ubicación en el fondo de la escena son difícilmente distinguibles. A diferencia de cuadros de la misma temática, en que la disposición de las figuras siguen un orden jerárquico preciso, el pintor basó la colocación de los personajes únicamente en razones plásticas. Los rígidos cánones de los retratos corporativos sólo traducían rutina y convencionalismo e imposibilitaban la expresión personal y dramática.

Fue muy popular en su época lo cual dio

oportunidad para que se realizaran muchas

copias y inspirara a numerosas obras

posteriores.

Institución Educativa Privada Peruano – Español Alumno: Francisco Oswaldo Carbonel Paiva Profesora: Aleyda A. Leyva Chévez Tercer año – Integración 2012

Rembrandt Van Rjin

Autor:Rembrandt Van Rjin Cronología:1606 - 1669 Medidas:Altura: 191,5 cm (75,4 in). Ancho: 279 cm (109,8 pulgadas). Técnica:Pintada al oleo sobre lienzo Localización:Ansterdam

La escena eta bañada por una luz calida y un poderoso colorido con fuertes contrastes . El fuego de las caras,los cuellos y los sombreros le da una gran coherencia a la obra .

Pues los personajes aparecen en tamaño natural en un estrado y nos miran desde arriba y les permite establecer un dialogo directo y cercano con los personajes ,lo cual subraya su importancia como sindicos de tan poderoso gremio,encargados de supervisar la calidad de los trabajos El personaje del centro es,tiene delante el libro de contabilidad de la corporacion . Como miembros electos de la misma representan diferentes clases sociales y los grupos religiosos que habian en amsterdam

Rembrandt eligió para esta obra una perspectiva con un punto de vista bajo, de manera que se mira directamente a la parte baja de la mesa, sin que sea claramente visible el libro que están manejando. Se coloca a los cinco personajes aproximadamente formando una fila: cinco volúmenes oscuros, con cuellos blancos, representados frontalmente y mirando seriamente, conscientes de la importancia de su función.

Institución Educativa Privada Peruano – Español Alumno: Alexander Richard Manayay Peña Profesora: Aleyda A. Leyva Chévez Tercer año – Integración 2012

Rembrandt

Autor: Rembrandt van Rijn Cronología: 1627 Medidas: 32 x 42,5 cm Técnica: Óleo soba madera Localización: Rijksmuseum

Sentado tras una mesa en una habitación, vagamente indicada, un viejo con gafas mira con atención una moneda a la luz de una vela, que le alumbra a él y al objeto, en la oscuridad de la noche. El hombre está acompañado de libros y legajos, con escrituras que sugieren hebreo y que a la vista de la moneda en su mano, el platillo de oro ante él, la gran bolsa cerca y los objetos de oro en el cofre abierto tras él no contienen textos eruditos sino la administración de sus posesiones. A la izquierda hay un reloj sobre una estufa. El cuadro está realizado con mucha atención a los detalles, con colores cubrientes, modelados con un pincel en las partes iluminadas. El uso de la policromía es muy limitado.

Debido a que la llama de la vela se oculta detrás de la mano izquierda del hombre, la fuente de luz no es visible, sino solamente el efecto luminoso. El cuadro nocturno iluminado, sin la fuente de luz visible, era la especialidad de Gerard van Honthorst , que permaneció en Italia durante mucho tiempo, y a su regreso a Utrecht en 1620 consiguió bastante éxito en Holanda con el uso de la luz de Caravaggio. Sin su ejemplo, no puede uno imaginarse esta obra de Rembrandt. El cuadro, en el cual se había visto una observación de la vida diaria, a saber, un prestamista, y más tarde una alegoría de la Avaricia, representa en realidad al rico de la parábola de El rico necio.

Josef Danhauser recreó esta misma escena en los inicios del siglo XIX. En esta versión podemos ver también la presencia de, Lázaro, el personaje de la parábola de Jesús.

Institución Educativa Privada Peruano – Español Alumno: Leslyn Yakory Cabrera Alarcón Tercer año de Secundaria

Nacimiento: 31 de octubre de 1632 en Deft. Fallecimiento: 15 de diciembre de 1675. Nacionalidad: Neerlandés

De nacionalidad Neerlandesa, este es uno de los pintores mas reconocidos del arte barroco. Junto con Rembrandt y Frans Hals constituyen la gran tríada de la pintura holandesa del siglo XVII. Es el reconocido autor de LA DAMA SENTADA EN UN VIRGINAL, vivió en una época llamada Edad de oro neerlandesa, en la cual las Provincias Unidas de los Países Bajos experimentaron un extraordinario florecimiento político, económico y sobre todo cultural. Durante sus primeros años llegó a pintar a la VISTA DE DELFT Y LA JOVEN DE LA PERLA. Este fue uno de los pintores con un éxito moderado, aunque su obra cayó en el olvido durante casi doscientos años, hasta que fue descubierta a finales del siglo XIX, en una época en que la luz que nace del color se convirtió en el objeto principal de la

pintura impresionista. Desde allí es reconocido por su maestría en el uso y el tratamiento de la luz. Personalmente considero que las pinturas de Vermeer me transmiten mucho realismo y naturalidad al representar a personas normales con las escenas cotidianas, de la calle o de la vida privada, contemporáneas al autor, así como también la vida en los mercados, interiores y las fiestas. Además valoro la actitud del autor para rescatar la realidad de la época dándonos a conocer aquellos pasajes históricos. En mi opinión, la técnica del pintor es destacable ya que sus cuadros tienen carácter fotográfico en sus escenas, y tienen un encuadre y una potente luz lateral que ilumina al personaje de una manera que se aprecian los mas mínimos detalles

Un dato que resaltar fue que este pintor le dio a sus obras un toque tipo histórico, pero este alcanzo la fama gracias a su pintura costumbrista, muchas veces considerada de género que forma parte de su producción.

Institución Educativa Privada Peruano – Español Alumno: Manuel Eliú Bernal Salazar Profesora: Aleyda A. Leyva Chévez Tercer año – Integración 2012

Johannes Vermeer

Autor: Johanees Vermeer Cronología:1665 - 1667 Medidas: 44,5 x 39 Técnica: Perspectiva DE LUZ sobre óleo Localización: Museo Mauritshuis – La Haya

Pintura propia de el barroco flamenco holandés, esta pintura atrae al espectador por la mirada , los labios entreabiertos crean una mixtura de sensualidad y misterio y se añade la seducción . La mirada de la joven constituye la esencia del cuadro complementa la sensualidad de los labios y desvían la atención como el arete de perla. El autor no eligió el complemento de la perla a esta joven, este complemento para el autor es fundamental es sus cuadro con jóvenes pintadas.

. Oleó sobre tela. . Dicen que la pintura fue inspirada en el amor de Vermeer, pues solo era su musa.

El autor no eligió el complemento de la perla a esta joven, este complemento para el autor es fundamental es sus cuadro con jóvenes pintadas. Este pintura fue muy importante como carrera para Vermeer, porque simbolizo una pintura clásica por la perspectiva de la luz y el oleo sobre la tela. La mirada de la joven constituye la esencia del cuadro complementa la sensualidad de los labios y desvían la atención como el arete de perla.

Autor: Johannes Vermeer. Cronología: 1666 aprox. Medidas: 120 cm × 100 cm Técnica: Óleo sobre lienzo Localización: Museo de Historia del Arte de Viena-Austria

Esta obra nos presenta a un pintor realizando su trabajo: Dibujar a una joven que ha sido reconocida como Clío, la musa de la historia y de la poesía heroica, ella esta siendo iluminada por una luz a través de una ventana (aunque ésta no aparece) dándole nitidez a su imagen. El ambiente es claro donde la luz juega un rol relevante destacando varios objetos en la habitación como el suelo que es de color negro y blanco. La atmosfera es apacible donde sobresale un mapa en la parte del fondo, un libro levantado, una cortina, una lámpara antigua, un cuaderno, una máscara, etc. Tanto el pintor como la modelo están muy centrados en su labor; nuestro protagonista sentado plácidamente iniciando su trabajo (pintando la corona de laurel) procurando captar cada detalle mientras Clío quieta sosteniendo lleva puesto un vestido color amarillo con un manto azul, un libro con su mano izquierda y un trombón en la derecha .

Al pintar Veermer esta escena podemos distinguir dos puntos importantes por una parte vemos una naturaleza más intrínseca del autor pues es su trabajo lo que representa por lo que da a suponer que es un autorretrato y el hecho de pintar a Clío puede interpretarse como un interés hacia la historia o un suceso histórico relevante en su época y que son estos artistas cuya labor es registrarlos de acuerdo a su filosofía o estilo. A mi parecer es uno de sus cuadros más hermosos ya por la pintura en sí como el significado que transmite a diferencia de las otras labores que representa en sus obras ésta le pertenece, es parte de su vida y sentir diario, al elegir a Clío como la modelo resalta su labor histórica y su admiración hacia ella (aunque es una personificación de una mujer) quizá mostrando que hace algo importante por la historia ,en su época, que le fascina y es ese su rol en el mundo.

La técnica y estilo que usó Veermer es conveniente para apreciar mejor este cuadro dándole naturalidad como en esta parte de la pintura. Aquí apreciamos a Clío (Κλειώ «la que ofrece gloria») hija de Zeus y de Mnemósine si te ha dado curiosidad el libro que lleva es un cuento que fue escrito por Tuciclides gran historiador - militar ateniense .

Institución Educativa Privada Peruano – Español Alumno: Karla Sofía jacinto Tercer Año de Secundaria

Autor: Johannes Vermeer. Cronología: 1 668-69 Medidas: 53 x 46,6 cm. Técnica: Óleo sobre lienzo • Barroco Localización: Museo Städel, Fráncfort del Meno, Alemania.

En esta pintura nos representa a un joven cuya mirada se fija hacia una ventana ampliamente iluminada pero en sí no es ésta a quien observa con tanta intriga que hace que te preguntes qué es lo que trata de descifrar sino lo que hay adelante de ella que es un mundo al cual nosotros como simples espectadores no podemos conocer. En el ambiente que es su habitación de trabajo encontramos un compás con el cual esta trabajando, una escuadra, un globo terráqueo, un mapa ,entre otros simples detalles ; muestra este espacio el típico silencio y tranquilidad mesclado con concentración y reflexión tan comunes en las obras de Veermer. Elaborada con un estilo y técnica que le da un realismo y espontaneidad singular.

Me ha gustado mucho esta obra cuyo significado se enfoca en lo que esta observando nuestro joven protagonista pues en esa parte en que se centra la mayor parte de nuestra atención y lo que se ve reforzado por la luz que se refleja por la ventana un gran trabajo el que hizo Veermer que debo destacar. Veermer nos muestra también su amor hacia la ciencia y el gran interés que se le daba en aquella época rescatando la importancia del trabajo que esta haciendo este joven pues quien sabe, quizás gracias a sus aportes y estudios se pueda conocer y revelar alguno de los secretos que rodea nuestro planeta igual de enigmático que éste. Al estudiar la pintura me ha sorprendido como todas las obras que conozco hasta ahora de Veermer y a la vez me deja reflexionando como de costumbre.

La presente es otra obra de Veermer : el astrónomo seguro te has dado cuenta que ambas pinturas se parecen tanto los protagonista como un el ambiente y te cuento que junto con la pintura de «la alcahueta» son las únicas firmadas y flechadas por el gran Veermer (llamado por algunos la esfinge de Delft o el pintor de mapas ).

Johannes Vermeer.

Autor: Johannes Vermeer. Cronología: 1669-70 Medidas: 23,9 cm × 20,5 cm Técnica: Óleo sobre lienzo Localización: Museo del Louvre, Paris -Francia.

Esta pintura nos presenta una joven realizando una labor en particular : el encaje, lo que es muy usual en las obras de Vermeer como es el caso de: la lechera, el geógrafo, etc. Si observas cuidadosamente sentirás un ambiente tranquilo donde la protagonista goza de una gran concentración en su trabajo, cabe aclarar que si bien la labor que realiza es hacer encaje no se puede afirmar que ese sea su empleo ya que su vestimenta no es de trabajo. La delicadeza y ternura con la dedicación que le pone a su quehacer nos revela cualidades y virtudes del modelo a seguir de mujer de aquella época , siendo esos pequeños detalles que hacen de esta obra una de las más hermosas del mundo, valorada y reconocida por muchos impresionistas y pintores prestigiosos .

Estilo que utilizó Vermeer es el puntillismo o divisionismo que se trata de pintar puntos que vistos a distancia le da cierto realismo e intensidad gracias a la luminosidad y claridad obtenidas por diversos estudios cromáticos. Un estilo muy oportuno que va de la mano con lo que trata de transmitirnos. A mi parecer esta misteriosa pintura tiene un significado muy profundo pues son esas labores que parecen tan comunes pero si nos detenemos a apreciarlas encontramos en ellas algo fascinante que cautiva nuestro corazón. Veermer sintió algo especial por esas escenas de la vida cotidiana por eso se esmeró en crear algo que dé a mostrar su filosofía y lo logró. Me gusta mucho el realismo de esta obra y su significado, aunque me es difícil saber lo que siente la protagonista como lo que sucede en las mayoría de las obras de Veermer.

Esta parte de la pintura es la que más me atrae por la delicadeza en que realiza su labor y a la vez el afán puesto. Debajo se aprecia un pequeño libro que se supone es una biblia mostrando la fe del autor, de la época y de la encajera en sí. Un dato curioso es que basado en esta pintura fue creado: «La aventura prodigiosa de la encajera y el rinoceronte» que es un largometraje de Salvador Dalí y Robert Descharnes.

Institución Educativa Privada Peruano – Español Alumno: Burga Tarrillo, Anghela Profesora: Aleyda A. Leyva Chévez Tercer año – Integración 2012

Johannes Vermeer

Autor: Johannes Vermeer. Cronología: 1658-1660. Medidas: 98.5 x 117.5 cm Técnica: Óleo sobre lienzo . Localización: Mauritshuis de la Haya.

El autor de esta pintura fue el holandés Johannes Vermeer , nació el 31 de octubre de 1632 y falleció el 15 de diciembre de 1675. Es uno de los pintores neerlandeses más reconocidos del arte barroco. Sus cuadros más conocidos son Vista de Delft y La Joven de la perla.

Vermeer destacó con la Vista de Delft que está inspirada en un puerto con embarcaciones al amanecer en el paisaje muestra objetos como personas en la playa,cosas,barcos y nubes .

Transmite un paisaje urbano que está unido con la composición y está envuelto atmosféricamente en luz brillante, el cielo lleno de formaciones nublosas avecinándose sobre la ciudad, la hilera del puerto de Delft, con casas de ladrillo rojo en su mayoría, detrás de ella se puede verse la ciudad y algunas torres, los muros reflejan sobre el agua.

Institución Educativa Privada Peruano – Español Alumna: Astrid X. Quiroz Montalvo Profesora: Aleyda A. Leyva Chévez Tercer año – Integración 2012

LOUIS LE NAIN

Autor: Louis Le Nain Nacimiento: Laón 1593

Muere: 23 de mayo de 1648 , París Estilo : Barroco francés

Louis supo expresar una forma sobrecogedora por su veracidad y simplicidad, es autor de cuadros religiosos y mitológicos su estilo de pintura es muy cercano al de Velásquez, sus cuadros suelen centrar escenas campesinas realizando labores cotidianas un buen ejemplo de ello son los artesanos. Las características de sus pinturas son: PINTURAS GRANDES MONUMENTALMENTE PLANTEADAS Y LA NEUTRALIDAD TONAL FRESCO. El perteneció a una familia de pintores entre ellos sus hermanos Antonie y Mathieu Le Nain. Luis fue uno de los miembros fundadores de la academia real de pintura y escultura en 1648, los tres probablemente murieron en París poco después de fundarla. Hay indicios que Luis en algún momento entre los años 1626 a 1630 debió ir a Roma por la influencia de sus pinturas flamencas, una de sus obras como por ejemplo campesinos en el país que dignifica y conmemora este grupo social. Sus retratos de campesinos y mendigos siguen siendo sus obras de mayor importancia y más admiradas , sus escenas domésticas de la vida campesina muestran a personas humildes con dignidad humana.

Sus obras principales: La familia campesina , también llamado De vuelta del bautizo 1642, que fue pintada utilizando la técnica de óleo sobre lienzo 61 x 78 cm , Museo de Louvre , París. Campesinos en la puerta de sus granja 55 x 68 cm ( óleo sobre lienzo ) La carreta ( 1641) 56 x 72 , Óleo sobre lienzo

Louis Le Nain siempre gustó de las escenas pastoriles, pero no para ridiculizar a los personajes, sino para devolverles la dignidad que muchas veces les fue arrebatada.

Institución Educativa Privada Peruano – Español Alumno: Carolina Crisanto Taboada Profesora: Aleyda A. Leyva Chévez Tercer año integración - 2012

Louis Le Nain.

Autor: Louis Le Nain Cronología: 1593 - 1648 Medidas: 113 x 159 cm Técnica: oleo sobre lienzo Localización: Museo del Louvre

Esta obra es un ejemplo de arte del siglo XVII en Europa, que en este caso se dedica a la descripción de vida campesina y representa al interior de la vivienda

En el cuadro hay 3 adultos, un hombre vestido con una camisa y un sombrero sentado junto a la mesa con un jarrón y 2 mujeres sentadas vestidas con faldones y unos mandiles

La mujer de la izquierda sostiene una copa de vino y un jarrón también se encuentra 4 niños, 2 se encuentra detrás de la mujer mirando la fogata, un niño tocando la flauta y el otro sentado en el Suelo

Una niña esta parada detrás de la mujer de la derecha El pintor representa la dura condición de vida de esta familia

de campesinos El tratamiento de las luces y el modelado rebela en el pintor

una técnica virtuosa, así como como una sensibilidad especial para la construcción de la figura

Parodia Una pareja de campesinos había deseado toda su vida tener hijos e intentaban, intentaban y nada, hasta que un día le dieron la buena noticia que iban a tener un hijo varón. Al cual bautizaron como Tiros. Ellos muy felices lo criaron, cuando cumplió casi los 18 se fue a la ciudad. Los meses pasaron y pasaron y los padres no sabían nada de él. Hasta que un compadre se acerca a su casa y le dice: - Compadrito, tengo muy buenas noticias de Tiros - le enseña el periódico donde dice: "Tiros en la

universidad". Entre todos se felicitan y matan a la vaca más gorda y grande y festejan por su triunfo. Pasan unos 2 meses vuelve el compadre y le dice: - Tengo noticias de tu hijo: Tiros para

abogado. Vuelven a matar a la vaca más grande y hacen una gran fiesta, todo el pueblo se enteró, todos fueron invitados. A los 5 meses viene el compadre y le dice: - Le tengo malas noticias compadrito. Ven el título del periódico y dice: "A tiros lo mata la policía".

La obra de Le Nain permite conocer al pueblo del siglo XVII aunque desde la perspectiva del autor.

Institución Educativa Privada Peruano – Español Alumno: Sergio Flores Ramos Profesora: Aleyda A. Leyva Chévez Tercer año – Integración 2012

Lois Le Nain

Autor: Lois Le Nain Cronología:1642 Medidas: 97 x 159 cm Técnica: Barroco Localización: El Museo de Francia

En total hay siete campesinos de los cuales hay tres adultos , de los cuales solo uno esta sin calzado y pitando andrajosamente y los cuatro restante son niños y también están pintado de forma andrajosamente y sin calzado.

En el cuadro podemos observar a dos tipos de campesinos en la derecha están lo de economía alta y por el otro lado están los campesinos pobres . Atreves de el cuadro el autor nos quiso dar a conocer como Vivian en ese tiempo cuales eran sus lujos y sus desdichas,

Si observas detenidamente podrá

ver que la luz de la imagen llega

directamente a los caras de los campesinos de

economía alta

No tienen calzado los campesinos pobres pero te imaginaria

como habrán sufrido cuando de repente

trabajado se le metía un astilla en el pie

guía del museo virtual del barroco

Documents