guía 7 arte y arquitectura del renacimiento
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Guía 7
El Renacimiento
1. Orígenes y por qué de este movimiento
2. Expansión y aspecto geográfico
3. Períodos
4. Primeros monumentos renacentistas
5. Definición de Renacimiento
6. Características principales que lo identifican
7. Razones sociales, políticas y económicas
8. Principales centros urbanos renacentistas italianos
9. Diferentes períodos por los que pasa el renacimiento italiano
10. Características de cada período
11. Principales artistas y arquitectos notables
12. Principales ciudades renacentistas y sus características
13. Las influencias de las filosofía griega humanista en la cultura renacentista
14. Materiales y los procedimientos de construcción
15. Muros bóvedas y cúpulas
16. El equilibrio, ritmo y orden en el renacimiento
17. Palacios municipales y residenciales
18. Principales Iglesias y sus autores
19. El arquitecto y el obrero
20. El Renacimiento fuera de Italia
21. Poca aceptación de Francia al renacimiento
22. Edificios franceses representativos del renacimiento
23. Causas del Renacimiento:
L invención de la Imprenta
La toma de Constantinopla por los Turcos
Martín Lutero y la Iglesia
Los literarios de entonces (Dante, Petrarca)
El surgimiento del Humanismo
La atención al clasicismo grecolatino
La prosperidad de las repúblicas comerciales
El descubrimiento de América
La traducción del Libro de Vitruvio
Los grabados en cobre
24. Las ventanas en las fachadas y el uso de los órdenes grecolatinos
1-El Renacimiento
1.2-Orígenes del Renacimiento 1.3-Causas que contribuyeron al surgimiento
1.4-Expansión del Renacimiento
1.5-Consecuencias del Renacimiento
1.7-Características del Renacimiento
1.8-Períodos Renacentistas
1.9-Florencia: Cuna del Renacimiento
2-Arte y Arquitectura del Renacimiento
2.1- Notas Generales
2.2-Particularidades del Renacimiento en Italia
2.3-Elementos y formas constructivas
2.4-Soportes
2.5-Cubiertas
2.6- Arcos
2.7-Ventanas
2.8-Arquitectura Religiosa
2.9-Cúpulas dobles del Renacimiento
2.10-Cronología
2.11-Arquitectura Municipal
2.12-Palacios Municipales
2.13-Ayuntamientos
2.14-Hospitales
2.15-Fuentes
2.16-Puentes
2.17-Arquitectura Habitacional
2.18-Palacio Residencial
2.19-Villas
2.20-Arquitectura Funeraria
2.21-Pintura
2.22-Escultura
2.23-Renacimiento en Francia
1-El Renacimiento
El Renacimiento es uno de los grandes momentos de la historia universal que marcó el paso
de mundo Medieval al mundo Moderno. Es un fenómeno muy complejo que impregnó todos
los ámbitos yendo por tanto, más allá de lo puramente artístico como ha querido verse.
Para muchos autores empieza en 1453 con la conquista turca de Constantinopla. Según
otros es un nuevo periodo que surge desde el descubrimiento de la imprenta, e incluso se
considera que no se produce hasta que Copérnico descubre el sistema heliocéntrico; pero la
fecha tope es 1492, con el descubrimiento de América.
El término Renacimiento deriva de la expresión italiana linacita, vocablo usado por primera
vez por el literato Petrarca y revalorada por el arquitecto y teórico Giorgio Vasari, que la
delimita en el mismo momento histórico en que tuvo lugar este movimiento cultural. Vasari lo
acuÒa en su obra Vidas de los más ilustres artistas para referirse a un movimiento que hace
resucitar en el arte y la cultura los valores espirituales de la antigüedad clásica. El término no
empieza a utilizarse hasta el siglo XVI, pero no será consagrado en sentido histórico, social y
cultural hasta mediados del siglo XIX.
Será a partir de este momento cuando ya cobrará fuerza el redescubrimiento del hombre
como individuo, el redescubrimiento del mundo como armonía y realidad que rodea al hombre
liberado de todas las preocupaciones religiosas.
El Renacimiento es ante todo, un espíritu que transforma no sólo las artes, sino también las
ciencias, las letras y formas de pensamiento. En su conjunto se ha visto una clara reacción al
espíritu teológico de la Edad Media, sin embargo la ruptura no se produce de manera
violenta porque no pocas de las concepciones que se van a desarrollar tuvieron su origen
durante el medievo, y esto es claramente apreciable en el terreno artístico.
1.2-Orígenes del Renacimiento El Renacimiento tuvo su origen en Italia en los siglos XIV y XV, llegando a su apogeo al
iniciarse el siglo XVI. De Italia se extiende lentamente por
Europa excepto Rusia.
En el transcurso de los cincuenta años que van desde
1520 a 1570, discurre la madura plenitud del
Renacimiento y también se percibe su ocaso. Toda la
Europa de Occidente toma parte ahora en el movimiento
de las artes y de las letras.
La recepción de los gustos italianos se generaliza, los
grandes maestros surgen ya no sólo en Italia, sino en todo
el ámbito de las monarquías occidentales. Pero el
desarrollo normal de la cultura renacentista se ve afectada
por el hecho simultáneo de las luchas religiosas derivadas
de la revolución protestante.
Que el origen del Renacimiento sea italiano es porque
Italia es fundamental por su pasado histórico que ahora se
quiere recuperar e impulsar. Además hay otro factor relevante y es que en Italia nunca hubo
un arraigo total y fuerte de lo medieval como ocurrió en el resto de Europa, precisamente
porque aún estaba latente el espíritu clásico.
1.3-Causas que contribuyeron al surgimiento
Las causas que implican la aparición del Renacimiento son:
- Reacción contra la rígida estructura filosófica y científica medieval, basadas en la teología y
subordinación a la religión.
- El Gan resurgimiento comercial = Actividades Financieras = Mayor Circulación monetaria
= “Capitalismo”.
- Los sabios Bizantinos, ante la amenaza turca, se refugian en Italia y traen consigo su
pensamiento filosófico, intelectual y espiritual que influirá en los demás pensadores.
- Conservación en Italia de muchas tradiciones antiguas (clásicas) = Nacionalismo.
Filipo Brunelleschi, arquitecto
y escultor pionero del
Renacimiento.
a)-La invención de la imprenta:
Aunque los chinos desde el siglo VII eran ya capaces
de producir impresos, no sería sino hasta 1447
cuando se conoció la imprenta de caracteres movibles
gracias a los esfuerzos de un hombre llamado
Johannes Gensfleich (mejor conocido como
Gutenberg) . Con él apareció una técnica de imprimir
basada en la fundición de caracteres de plomo y
estaño.
Se puede decir que esta técnica contribuyó en mucho
a la difusión del conocimiento por el ser humano, pues
antes elaborar un libro requería de muchísimo trabajo
y dedicación, principalmente por parte de los monjes, para realizar una copia manuscrita de
cualquier texto para su difusión.
b)-La Toma de Constantinopla por los Turcos:
Aunque hubo textos clásicos en el oeste de
Europa a principios del Renacimiento , muchos
se habían perdido y sólo existían en el este, en la
Constantinopla cristiana y en los reinos
musulmanes . Durante el Renacimiento muchos
obras Clásicas ( Grecia y Roma) fueron
reintroducidos en Europa, ya sea por los
comerciantes aprovechando el hambre de nuevas
versiones de viejos textos , o por los eruditos que
habían sido invitados a dar clases . Por ejemplo, en 1396 una Cátedra para la enseñanza del
griego fue creado en Florencia. El maestro elegido, Manuel Crisolaras, trajo consigo una
copia del libro Geographía de Ptolomeo. Además, un gran número de textos clásicos de la
antigüedad y estudiosos llegaron a Europa tras la caída de Constantinopla en el año 1453.
C)-Martín Lutero y la Iglesia:
El estado absolutista tenía cada vez mayor influencia sobre la Iglesia, y el Humanismo yel
Renacimiento, comenzaban a opacar su poder. El hombre, colocado ahora en el centro del
mundo, exigía una religión “explicable”, no sólo por la fe.
Sin embargo, existió una diferencia fundamental entre los hombres renacentistas y los
reformistas, ya que los primeros creían al hombre como constructor de su destino, capaz de
superarse por su capacidad y voluntad, mientras los segundos, no concebían la salvación
humana, ajena a la gracia de Dios.
En el año 1510, tras una visita a Roma, Martín Lutero, regresó profundamente
decepcionado por la corrupción que vivenció respecto a la religión que él tan estrictamente
observaba.
En el año 1517, contrariado por la venta de indulgencias, certificados papales, que
liberaban de toda culpa a sus poseedores a cambio de dinero, elaboró noventa y cinco tesis
que colocó en la puerta de la iglesia del castillo de Wittenberg.
Cuestionó la autoridad del Papa, sobre cuya autoridad colocó a la Biblia. Redujo a tres los
sacramentos: el bautismo, la comunión y la penitencia, y rechazó la creencia del pan y el vino
como la carne y sangre de Cristo (transustanciación).
Afirmó que el hombre era “débil y pecador” y por lo tanto su salvación se lograría por la fe y
no por las obras que realizara.
D)-Los literarios de la época:
Petrarca
Francisco Petrarca fue calificado como el padre del
humanismo por el impulso que dio al redescubrimiento de
las letras clásicas y fue, a la vez, un filólogo (estudioso de
los idiomas y obras literarias, especialmente en su parte
gramatical), que inició la búsqueda de los manuscritos
clásicos descubriendo, entre otras cosas, las cartas de
Cicerón, que hasta esa fecha eran desconocidas.
También estudió las obras de Horacio y de Virgilio y
escribió en un latín perfecto numerosos poemas y
epístolas, en los que ensalzó a los literatos de la
antigüedad.
Tanto los papas como los principales monarcas de la época admiraron la labor cultural de
este hombre, por lo que el Senado de la República de Venecia lo nombró Ciudadano de
Honor y tanto la ciudad de Roma como la Universidad de París lo premiaron con el estímulo
máximo de ese entonces, la corona de laurel.
Juan Boccaccio, fue contemporáneo de Petrarca y también escribió numerosas obras en
latín, idioma que dominaba a la perfección, pero no pudo incursionar en las obras de la
antigüedad griega por desconocer el idioma heleno. Su obra más famosa es el Decamerón,
colección de cien cuentos, en los que relata los vicios e inmoralidad de esa época. Esta obra
se caracteriza por su estilo, que es la prosa clásica.
Dante
Poeta, prosista, teórico de la literatura, filósofo y
pensador político italiano. Está considerado como una de
las figuras más sobresalientes de la literatura universal,
admirado por su espiritualidad y por su profundidad
intelectual. Dante nació en Florencia, en los últimos días
de mayo o los primeros de junio del año 1265, en el seno
de una familia que pertenecía a la pequeña nobleza.
La obra maestra de Dante, La Divina Comedia, la debió
comenzar alrededor de 1307 y la concluyó poco antes de
su muerte. Se trata de una narración alegórica en verso,
de una gran precisión y fuerza dramática, en la que se
describe el imaginario viaje del poeta a través del Infierno,
el Purgatorio y el Paraíso. Durante su periplo a través del
Infierno y el Purgatorio, el guía del poeta es Virgilio, alabado por Dante como el
representante máximo de la razón. Beatriz, a quien Dante consideró siempre tanto la
manifestación como el instrumento de la voluntad divina, le guía a través del Paraíso.
Ya en el siglo XV, muchas ciudades italianas habían creado agrupaciones de especialistas
dedicadas al estudio de La Divina Comedia. Durante los siglos que siguieron a la invención
de la imprenta, aparecieron más de 400 ediciones distintas sólo en Italia. La epopeya
dantesca ha inspirado, además, a numerosos artistas, hasta el punto de que han aparecido
ediciones ilustradas por los maestros italianos del renacimiento Sandro Botticelli y Miguel
Ángel, por los artistas ingleses John Flaxman y William Blake, y por el ilustrador francés
Gustave Doré. El compositor italiano Gioacchino Antonio Rossini y el alemán Robert
Schumann pusieron música a algunos fragmentos del poema, y el húngaro Franz Liszt se
inspiró en él para componer un poema sinfónico. La Divina Comedia ha sido traducida a más
de 25 idiomas.
E)-El Humanismo:
El Humanismo fue una nueva manera
de pensar y abordar el mundo. Ha
sido llamado la expresión más
temprana del Renacimiento y es
descrito como un producto del
movimiento Renacentista y una de las
causas. Pensadores humanistas
pusieron en tela de juicio la forma de
pensar de la escuela académico
previamente dominante,
la Escolástica, así como a la iglesia,
permitiendo que la nueva mentalidad en que se basaba el Renacimiento tomara su lugar.
Algunos de los rasgos ideológicos del humanismo son, por ejemplo:
Estudio filológico de las lenguas e interés por la recuperación de la cultura de
laAntigüedad clásica.
Creaciones artísticas basadas imitación o mímesis de los maestros de la
civilización grecolatina.
El antropocentrismo o consideración de que el hombre es importante, su inteligencia
el valor superior, al servicio de la fe que le une con el Creador.
Se restaura la fe en el hombre contemporáneo porque posee valores importantes
capaz de superar a los de la Antigüedad Clásica.
Se vuelve a apreciar la fama como virtud de tradición clásica, el esfuerzo en la
superación, y el conocimiento y disfrute de lo sensorial.
La razón humana adquiere valor supremo.
En las artes se valora la actividad intelectual y analítica de conocimiento. En pintura,
mediante la perspectiva, se unifica con un punto de fuga racional la escala antes
expresionista de las figuras.
Se ponen de moda las biografías de Plutarco y se proponen como modelos, frente al
guerrero medieval, al cortesano y al caballero que combina la espada con la pluma.
Se ve como legítimo el deseo de fama, gloria, prestigio y poder (El príncipe,
de Maquiavelo), valores paganos que mejoran al hombre. Se razona el daño del
pecado que reducen al hombre al compararlo con Dios y degradan su libertad y sus
valores según la moral cristiana y la escolástica.
El comercio no es pecado y el Calvinismo aprecia el éxito económico como señal de
que Dios ha bendecido en la tierra a quien trabaja.
El Pacifismo o irenismo: el odio por todo tipo de guerra.
El deseo de la unidad política y religiosa de Europa bajo un sólo poder político y un
solo poder religioso separado del mismo: se reconoce la necesidad de separar moral y
política; autoridad eterna y temporal.
El equilibrio en la expresión, que debe ser clara, y no recargada ni conceptuosa: «El
estilo que tengo me es natural y, sin afectación ninguna, escribo como hablo;
solamente tengo cuidado de usar vocablos que signifiquen bien lo que quiero decir, y
dígolo cuanto más llanamente me es posible porque, a mi parecer, en ninguna lengua
está bien la afectación.» (Juan de Valdés).
La idealización y estilización platónica de la realidad. Se pinta la realidad mejor de lo
que es, se la ennoblece (nobilitare).
El arte humanista toma la materia popular y la selecciona para transformarla en algo
estilizado e idealizado, de la misma manera que lanovela pastoril recrea una vida
campestre desprovista de las preocupaciones habituales al campesino. En el arte
humanista no hay lugar para las manifestaciones vulgares de la plebe que se verán más
tarde en el siglo XVII con el Barroco.
El optimismo frente al pesimismo y milenarismo medievales. Existe fe en el hombre: la
idea de que merece la pena pelear por la fama y la gloria en este mundo incita a realizar
grandes hazañas y emular las del pasado. La fe se desplaza de Dios al hombre.
El retorno a las fuentes primigenias del saber, la lectura de los clásicos en los textos
originales y no a través de la opinión que dieron sobre ellos los Santos Padres y la
religión católica.
La lógica aristotélica frente al argumento de autoridad medieval: la imprenta multiplica
los puntos de vista y los debates, enriqueciendo el debate intelectual y la
comunicación de las ideas. Se ponen de moda los géneros del diálogo y la epístola,
todo lo que suponga comunicación de ideas. Se propone la libre interpretación de la
Biblia y su traducción a las lenguas vulgares (Lutero), frente al reduccionismo
medieval de reducir su interpretación a la del Papa u obispo de Roma
(Reforma o protestantismo).
Ginecolatría, alabanza y respeto por la mujer. Por ejemplo, el cuerpo desnudo de la
mujer en el arte medieval representaba a Eva y al pecado; para los artistas humanistas
del Renacimiento representa el goce epicúreo de la vida, el amor y la belleza (Venus).
Búsqueda de una espiritualidad más humana, interior, (devotio moderna, erasmismo),
más libre y directa y menos externa y material.
El reconocimiento de los valores humanos acabando con la inquisición y el poderio de
la iglesia
En sus comienzos, el humanismo es un movimiento regenerador y en sus principios básicos
se encuentra ya bosquejado en tiempos muy anteriores, por ejemplo, en las obras
de Isócrates, que se impuso una labor de regeneración parecida en la Grecia del siglo
IV a. C. En tiempos modernos se encuentra estrechamente ligado al Renacimiento y se
benefició de la diáspora de los maestros bizantinos de griego que difundieron la enseñanza
de esta lengua, muy rara hasta entonces, tras la caída de Constantinopla en poder de los
turcos en 1453; la imprenta y el abaratamiento de los libros subsiguiente facilitó esta difusión
fuera del ámbito eclesiástico; por entonces el término humanista servía exclusivamente para
designar a un profesor de lenguas clásicas. Se revitalizó durante el siglo XIX dando nombre
de un movimiento que no sólo fue pedagógico, literario, estético, filosófico y religioso, sino
que se convirtió en un modo de pensar y de vivir vertebrado en torno a una idea principal: en
el centro del Universo está el hombre, imagen de Dios, criatura privilegiada, digna sobre
todas las cosas de la Tierra (antropocentrismo). Posteriormente, en especial en España
durante la segunda mitad del siglo XVI, el antropocentrismo se adulteró en forma de
un cristocentrismo que proponía la ascética y la mística como formas de vida que condujeron
al desengaño barroco, que desvirtuó durante el siglo XVII este movimiento en un principio
renovador impidiendo abrir nuevos horizontes.
F)-La atención al clasicismo grecolatino:
Este término se emplea, en
sentido estricto, para designar
el arte y la literatura de
Grecia y Roma, o cualquier
manifestación similar en su
estilo o calidad.
En sentido estricto, un clásico
es cualquier obra literaria de la
antigüedad griega o romana
que haya sobresalido por su
excelencia artística y que se
considere canon, modelo o referencia.
En arquitectura se utiliza el término clasicista cuando en alguna obra se emplea los cánones
pertenecientes al Greco Romano. Los términos clásico y clasicismo describen el estilo, el
periodo histórico o la calidad de una obra literaria, artística o musical. Originalmente se
asociaban con la cultura griega y romana, pero con el paso del tiempo también se usan para
determinar los periodos clásicos, entendidos, como excelsos, de cualquier cultura. A
mediados del siglo XVIII, la escena político-social europea dio origen a una nueva edad
musical adecuada a las nuevas ideas iluministas (actitud de apertura mental, un método de
pensamiento cientificista que cuestiona todo y pone en duda hasta los valores considerados
más sagrados, todo merece ser estudiado y analizado: apertura mental del hombre).
El espíritu revolucionario y la efervescencia política tuvieron un impacto directo sobre la
música, en el sentido de que la música de masas se volvió un ideal y la obligación de toda una
generación de nuevos compositores, quienes comenzaban a encontrar demasiada rígidas las
formas barrocas, caracterizadas por la desmesura, la extravagancia y la abundancia de
motivos distintos dentro de la misma obra. Esta reacción a favor de una mayor
espontaneidad, tomó diferentes aspectos en Francia, Alemania e ItaliaLa revitalización del
clasicismo grecolatino en la Italia de las primeras décadas del siglo XX es un hecho histórico
estrechamente ligado al acontecer político del país. El centro de eclosión de la más temprana
vanguardia es la propia ciudad de Roma, que, al vivir en primer plano el fascismo mussoliniano,
supone una piedra de toque de las relaciones entre vanguardia artística y política. La
creación de instituciones como la Opera Nazionale Balilla (O.N.B.)
La profusión de artistas y el ambiente de renovación vanguardista hacen posible el
desarrollo de obras de gran envergadura basadas en ideales fascistas y fundadas en el
conocimiento y aprovechamiento tanto de la tradición clásica grecorromana, como de la
tradición renacentista italiana, si bien el acento suele recaer sobre la primera.
G)-Prosperidad de las repúblicas comerciales:
Los cambios en el estilo del arte y perspectivas de los artistas debido al Renacimiento,
necesitarían el apoyo de ricos mecenas, y en Italia el Renacimiento tuvo un terreno
especialmente fértil. Los cambios políticos en la clase dirigente de Italia, poco antes de este
período renacentista habían conducido a los gobernantes de la mayoría de las
principales ciudades-estado a ser "nuevos hombres" sin gran parte de una historia política.
Intentaron legitimar a sí mismos con pantallas visibles, con ostentación, incluidas todas las
formas de arte y creatividad. Esto significaba que los artistas interesados en utilizar las
nuevas ideas del Renacimiento encontraron apoyo de forma hábil y fueron capaces de
producir obras maestras.
Como el Renacimiento se propagaba, la Iglesia y otros gobernantes europeos utilizaron sus
riquezas para adoptar los nuevos estilos para mantener el ritmo. La demanda de las élites
gobernantes italianas no fue sólo artística, también dependían de ideas desarrolladas desde
el Renacimiento para sus modelos políticos. En estos tiempos apareció la obra que seria la
guía política para los gobernantes, "El principe"deMaquiavelo, esta es una obra de teoría
política en el contexto del Renacimiento. Además, las burocracias de Italia, y el resto de
Europa, provocaron una demanda de humanistas, porque su educación era a la vez teórica y,
sobre todo, práctica. Además, las clases mercantiles de la región como Italia también
experimentaron un gran aumento en su riqueza debido al intercambio comercial en las rutas
marítimas. Estos ingresos del comercio se desarrolló aún más, algunos podrían decir que
revolucionó, por la evolución del Renacimiento en el comercio, dando mayor riqueza a los
comerciantes para patrocinarse a los artistas.
1.4-Expansión del Renacimiento
Se extendió por toda Europa
favorecido por el invento de la
imprenta.
Los escritores del renacimiento
adoptaron como modelos que
debían ser imitados a los escritores
de la antiguedad clásica ,y a los
grandes italianos del siglo XIV
Dante, Petrarca, y Boccacio .Este movimiento fue influido por los humanistas que
estudiaron la cultura de Grecia y Roma , entre los que destacan Erasmo de Rotterdam,
Antonio de Nebrija y Juan Luis Vives.
Durante la Edad Media el arte es unmedio para honrar a Dios.En el Renacimiento el
centro del mundo es el hombre,los poetas cantan al amor humano,la naturaleza , los hechos
guerreros, y también tratan temas filosóficos y políticos.
Este movimiento surge en Italia a fines del siglo XIV y principios del XV, expandiéndose con
fuerza a Europa a mediados del siglo XV, y desde mediados del siglo XVI al mundo
hispanoamericano. Es un movimiento universal pero que adopta las características y modos
propios del pasado de las naciones a través de un proceso de asimilación. El que su origen
sea italiano es porque Italia es fundamental por su pasado histórico que ahora se quiere
recuperar e impulsar. Además hay otro factor relevante y es que en Italia nunca hubo un
arraigo total y fuerte de lo medieval como ocurrió en Europa, precisamente porque aún
estaba latente el espíritu clásico. En abierta ruptura con la cultura de la Edad Media,
oscura en muchos aspectos y teocéntrica (colocaba a Dios y, por consiguiente, a todo el
conjunto de la actividad de la actividad religiosa en el centro mismo de la preocupación de las
actividades del ser humano), la cultura renacentista fue humanística y antropocéntrica.
Como en la Edad Media no existió interés por el hombre como ser natural, sino por
su destino sobrenatural, y tampoco se desarrollaron las ciencias experimentales, los hombres
del Renacimiento miraron hacia el pasado clásico, restauraron el latín culto y aprendieron el
griego para estudiar las obras originales de los sabios de la antigüedad. Basados en estos
estudios incrementaron el interés por la geografía, la astronomía, la historia y las ciencias
naturales. En una palabra, intentaron que renaciera el modo de vida de los griegos y los
romanos.
H)-El descubrimiento de América:
Mientras el espíritu renacentista
impulsa a los hombres de los
siglos XV y XVI a intentar y
realizar la gran aventura del
descubrimiento, de la conquista y
de la colonización, el nuevo
mundo, con el asombro que
provoca, estimula a aquel espíritu
y lo acompaña y penetra.
América, por su sola presencia y
existencia, y el descubrimiento,
con todo lo que significó de aporte geográfico, histórico y étnico, ofrecieron a la cultura
occidental nuevos campos donde extender e irradiar su acción; motivos y acción que, a su vez,
impregnan a esa cultura con matices jamás conocidos.
En el campo de la ciencia, este proceso se revela claramente. Los viajes de descubrimiento
son posibles gracias a los conocimientos, nuevos unos, otros renovados, que el Renacimiento
posee sobre astronomía, náutica y cartografía.
I)-La traducción de los libros de Vitruvio:
Los griegos de la antigüedad clásica creían que la proporción
conducía a la salud y a la belleza. En su libro Los Elementos (300 a. C.), Euclides demostró la proporción que
Platón había denominado «la sección», y que más tarde se
conocería como «sección áurea». Ésta constituía la base en la
que se fundaba el arte y la arquitectura griegos; el diseño del
Partenón de Atenas está basado en esta proporción. En la
Edad Media, la sección áurea era considerada de origen divino:
se creía que encarnaba la perfección de la creación divina. Los
artistas del Renacimiento la empleaban como encarnación de la
lógica divina. Jan Vermeer (1632-1675) la usó en Holanda; pero, años después, el interés
por ella decreció hasta que, en 1920, Piet Mondrian (1872-1944) estructuró sus pinturas
abstractas según las reglas de la sección áurea.
También conocido como la Divina
Proporción, la Media Áurea o la
Proporción Áurea, este ratio se
encuentra con sorprendente frecuencia
en las estructuras naturales así como en el
arte y la arquitectura hechos por el
hombre, en los que se considera
agradable la proporción entre longitud y
anchura de aproximadamente 1,618. Sus
extrañas propiedades son la causa de
que la Sección Áurea haya sido
considerada históricamente como divina
en sus composiciones e infinita en sus
significados. Los antiguos griegos, por
ejemplo, creyeron que el entendimiento de la proporción podría ayudar a acercarse a Dios:
Dios «estaba» en el número.
1.5-Consecuencias del Renacimiento
El Renacimiento dio lugar a muchos resultados significativos. Dio lugar a una transición de la
Edad Media a la Edad Moderna. Este movimiento cultural fue testigo del final del periodo
medieval, y el comienzo del nuevo espíritu de la ciencia, la razón y la experimentación. Las
personas en Europa estaban cansadas de la anarquía feudal y eso ayudo al reforzamiento
de las monarquías europeas que garantizaría la paz, orden, estabilidad política y prosperidad
económica.
La cultura del pueblo cristiano se vio enriquecida, sin embargo, el Renacimiento debilito a
la iglesia, que no podría ocupar la posición de autoridad indiscutible, que había poseído
durante el período medieval.
El Renacimiento dio un gran impulso al arte , la arquitectura, el aprendizaje y la literatura que
alcanzaron grandes desarrollos. También creó una reverencia por la antigüedad y un gran
respeto por los antiguos textos Clásicos griegos y romanos.
1.7-Características del Renacimiento Aspectos Políticos
creación de un estado moderno
unidad dinástica
política expansionista de los RRCC
centralización del poder
España mantiene la hegemonía europea
Aspectos Sociales y Económicos
clases privilegiadas: nobleza y clero (pierden poder político)
ascenso de la burguesía
consolidación del mayorazgo
aplicación y práctica del mercantilismo y el capitalismo
Aspectos Culturales
influencia del arte italiano (Dante, Petrarca, Bocaccio)
importancia de los mitos grecolatinos, poesía bucólica / pastoril (Garcilaso)
nuevo concepto del amor
Aspectos Religiosos
Reforma Luterana y Contrarreforma (Concilio de Trento)
1492: anexión de Granada y expulsión de los judíos
sociedad teocéntrica y sociedad antropocéntrica
Aspectos Ideológicos
humanismo
resurgir de la cultura grecolatina
tópico del Carpe Diem
Aspectos Filosóficos
escepticismo: actitud crítica ante la realidad
epicureismo: goce moderado de la vida
estoicismo: exalta el dominio de las pasiones y elogia la serenidad espiritual
platonismo: exalta la belleza de los seres materiales y de la naturaleza a los que
considera un reflejo de la belleza divina / absoluta (belleza ó amor).
1.8-Períodos Renacentistas
Renacimiento Temprano 1437 (1420) - 1500 Sede: Florencia
Alto Renacimiento 1500 - 1525 Sede: Roma
Renacimiento Tardío o Manierismo 1525 - 1617 Sede: Venecia
El Renacimiento temprano corresponde al siglo XV o Quattrocento. Es el periodo de
iniciación. Se realiza la evolución de las formas medievales a las clásicas. Se van
abandonando los estilos góticos y bizantinos en arquitectura, se inicia el desnudo en pintura
y escultura y se va perfeccionando las técnicas en las distintas artes.
El Alto Renacimiento es la culminación de los ideales clásicos de la perfección y elegancia.
El Manierismo o Renacimiento tardío surge como una reacción, siendo el artista el que
estaba atado a las reglas. La libertad individual del artista es la característica del manierismo
y fue introducido por Miguel Angel. Su objetivo era crear al ingenioso, sorprender al
observador llegando a lo absurdo. Se perturba la forma bella por querer dar o crear algo
diferente.
1.9-Florencia: Cuna del Renacimiento
Florencia, cuna de la Lengua
Italiana Clásica (ante, Petrarca
y Boccaccio) y del
Renacimiento, está situada en el
corazón de la Toscana. Esta
bella ciudad posee un tesoro
innumerable de monumentos y
obras de arte. Florencia está a
267 kilómetros de Roma y a 255
de Milán.
En realidad en toda la región de la Toscana tuvo lugar, entre los siglos XIV y XVI, la época
grandiosa del Humanismo y del Renacimiento, movimientos que cambiaron completamente la
cultura y el arte de la época, dejando una huella profunda en la civilización europea. En la
Toscana hay grandes obras de arquitectura civil y religiosa, esculturas y obras pictóricas de
valor artístico extraordinario, pruebas del trabajo creativo de grandes genios como Leonardo
da Vinci y Miguel Ángel. Siena, con su plaza del Campo, Pisa, con su Torre inclinada,
Carrara con su catedral, Luca, Pistoya, Arezzo, Grosseto, Livorno, Prato, son otras
ciudades magníficas con bonitos paisajes y obras artísticas impresionantes. La Florencia
renacentista suele compararse con la Atenas del esplendor griego. Sus palacios, iglesias,
fortalezas, mansiones renacentistas y como no, las obras de arte, son impresionantes.
2-Arte y Arquitectura del Renacimiento
Se caracteriza por ser un
momento de ruptura en
la Historia de la Arquitectura, en
especial con respecto al estilo
arquitectónico previo: el Gótico;
mientras que, por el contrario,
busca su inspiración en una
interpretación propia del Arte
clásico, en particular en
su vertiente arquitectónica, que se
consideraba modelo perfecto de
las Bellas Artes.
Produjo innovaciones en diferentes esferas: tanto en los medios de producción
(técnicas ymateriales constructivos) como en el lenguaje arquitectónico, que se plasmaron en
una adecuada y completa teorización.
Otra de las notas que caracteriza este movimiento es la nueva actitud de los arquitectos, que
pasaron del anonimato del artesano a una nueva concepción de la profesionalidad, marcando
en cada obra su estilo personal: se consideraban a sí mismos, y acabaron por conseguir esa
consideración social, como artistas interdisciplinares y humanistas, como correspondía a la
concepción integral del humanismo renacentista. Conocemos poco de los maestros de obras
románicos y de los atrevidos arquitectos de las grandes catedrales góticas; mientras que no
sólo las grandes obras renacentistas, sino muchos pequeños edificios o incluso meros
proyectos, fueron cuidadosamente documentados desde sus orígenes, y objeto del estudio
de tratadistas contemporáneos.
La Arquitectura del Renacimiento estuvo bastante relacionada con una visión del mundo
durante ese período sostenida en dos pilares esenciales: el clasicismo y el humanismo.
Hay que destacar que los ideales y valores renacentistas no pudieron surgir totalmente
desvinculados del acervo medieval que le precedió, sin embargo, los conceptos que subyacen
a este estilo arquitectónico se construyeron sobre la consciente y efectiva ruptura de la
producción artística de la Edad Media, en especial del estilo gótico.
Podemos analizar las siguientes características generales:
Búsqueda del ideal clásico: A través del clasicismo, los hombres del Renacimiento miraban
hacia el mundo greco-romano como modelo para su sociedad contemporánea, buscando
aplicar en la realidad material cotidiana aquello que consideraban que pertenecía a un mundo
más idílico que real. En este sentido, la Arquitectura, en especial, intentó concretar
conceptos clásicos como la belleza, surgiendo así la teorización y ordenación del movimiento,
fundamentado en laArquitectura clásica griega y romana. Según los teóricos renacentistas
éste era el camino idóneo para alcanzar el mundo ideal.
Visión profana sobre temas religiosos: Los valores clásicos, desde el punto de vista
del Cristianismo, de enorme influencia en este período (teniendo el cuenta que el
Renacimiento surge en Italia, donde la presencia de la Iglesia Católica fue decisiva para el
Arte), eran considerados paganos y de carácter pecaminoso. Para superar esta censura de
la Iglesia Católica, se integró la visión del mundo cristiano con el proyecto de recuperación
de los ideales clásicos, a través de escenas desacralizadas y edificios hechos a la medida del
hombre. Esta fue otra de las innovaciones del movimiento.
Influencia de la naturaleza: La naturaleza era vista como la creación suprema de la obra
de Dios y el elemento más próximo a laperfección (otro de los ideales que había que buscar a
través de la estética clásica). Así, se pasa de la búsqueda de la inspiración en la naturaleza, a
la inspiración en las formas de la propia naturaleza, tal como proponen los clásicos,
convirtiéndose esto en un valor autónomo.
Antropocentrismo y humanismo: Además de la naturaleza como creación perfecta, se vuelve
la mirada al ser humano: se deja atrás el teocentrismo medieval para entrar en
el antropocentrismo. El hombre se analiza, en vez de como ser creado a imagen y semejanza
deDios, como medida y referencia del Universo. Así, será el objeto central de la
manifestación artística, con una importancia aún mayor que durante la Antigüedad clásica.
El humanismo, como corriente filosófica, se manifestó como un sentimiento comprometido
con la representación del hombre en el Universo, que así reafirmaba su presencia.
Propugnaba la filosofía humanista el estudio de la naturaleza como instrumento para llegar al
conocimiento, más del Universo en conjunto, que de las cosas singulares.
La importancia de la perspectiva
Plaza del Capitolio, en Roma, diseñada
porMiguel Ángel, ejemplo de espacio
perspectivo.
Un dato importante en la definición
de espacialidad del Renacimiento es la
incorporación de la perspectiva como
instrumento del proyecto arquitectónico y la
noción de diseño como forma de conocimiento.
La principal ruptura con el espacio medieval se produce en el momento en que los arquitectos
del Renacimiento pasan a diseñar en sus edificios un desarrollo en el que las reglas del
diseño son fácilmente asimilables por los usuarios del mismo. A partir de un análisis objetivo
del espacio, presidido por un cierto sentido empírico, llegan a conclusiones que impondrán el
propio ritmo del edificio y su entorno.
El dominio del lenguaje clásico, para hacer llegar estos efectos útiles en los edificios, hace
posible el estudio de la perspectiva. Como resultado, surge una arquitectura insertada en
unespacio perspectivo, integralmente aprehendido por el observador y cuyas relaciones
proporcionales se muestran de forma analítica y objetiva.
Estas nuevas relaciones espaciales son especialmente evidentes comparadas con el espacio
presente en las catedrales góticas. En ellas, la intención arquitectónica es que el observador,
desde el momento en que entra en el edificio, sea dominado por el espacio e instintivamente
alce su mirada hacia la cima, procurando así un movimiento ascendente en busca de la figura
de Dios. En otras palabras, toda monumentalidad de este espacio gótico tiene una función,
entre otras, que es poseer la voluntad del individuo y determinar sus deseos, la función de su
estancia y el uso del edificio. En el espacio renacentista, la intención es justamente la
contraria: el edificio no domina al individuo, sino que éste reflexiona sobre su especialidad y la
maneja. Se traslada el concepto de una arquitectura a la medida de Dios a la de una a la
medida del hombre.
2.2-Particularidades del Renacimiento en Italia
Sus dos principios básicos son: Utilización de elementos constructivos y
decorativos tomados de la antigüedad:
arcos, columnas, casetones, techos,
pilastras, órdenes...
Los edificios se construyen basándose en
módulos para conseguir proporciones
armónicas entre todas las partes del
edificio.
Lo esencial no fue solo la recuperación del
vocabulario clásico sino las relaciones que
establecían dichos elementos entre sí y con
el espacio. El edificio se considerará un
todo orgánico donde no se puede quitar ni
añadir nada sin traicionar su belleza. El
módulo afectará a todas las partes del edificio.
El espacio será pues ordenado, asentándose en las relaciones matemáticas simples y hecho
a escala humana. Será un espacio con perspectiva.
LA ORGANIZACIÓN CENTRALIZADA DE LA CIUDAD:
Las ciudades heredadas del medioevo, pasaron a ser un tema de estudio para los arquitectos
Renacentistas, quienes buscaban cambiar su imagen. Así, nació el urbanismo como una
ciencia autónoma. Se basaron fundamentalmente en tratados Griegos
(Hipódamo de Mileto).
La situación en las ciudades era conflictiva, necesidad de nuevos barrios a causa del
crecimiento de población, problemas sanitarios, problemas circulatorios a través de las calles,
etc.
El Urbanismo Renacentista careció de energía creadora debido a que esta actividad se
debe llevar a cabo en conjunto, lo que se vio perjudicado por el carácter individualista de la
época.
La ciudad se estructura de manera CENTRALIZADA, donde este centro albergaría
los edificios públicos más importantes; el sistema viario se organiza radialmente hacia este
centro; es importante la “relación entre las partes” de la ciudad con este centro, por ello el
sistema viario. Fueron muy pocas e insignificantes las contribuciones u realizaciones
urbanísticas en el Renacimiento a diferencia de la Arquitectura que fue muy significativa.
EL ESPACIO CENTRALIZADO:
Se da en toda tipología de la época (templo, ciudad, plaza, etc.). Al espacio se lo entiende
de una sola vez, desde un punto de vista que es el centro. Según Alberti, la figura más
perfecta y divina es el círculo, ya que es la que más representa la idea de centralidad.
El círculo encierra siempre un espacio unitario (unidad) y definido; así es como se van a
utilizar para lograr esta centralidad figuras tales como el cuadrado, el círculo, la cúpula
(fácilmente se puede encontrar su centro a diferencia de otras figuras más complejas), las
cuales definen un espacio homogéneo, ordenado y unitario. Un elemento que adquiere gran
importancia es la cúpula. Se levanta en el crucero, sobre una linterna octogonal, y remata en
otra pequeña linterna con su correspondiente cupulín. Con frecuencia la cúpula es doble,
formada por dos cascarones distintos -semiesférico el de dentro y peraltado el de fuera-,
unidos por anillos y contrafuertes interiores.
LA CIUDAD IDEAL:
Es un diseño que nunca se llegó a concretar, basado en los conceptos de proporción,
centralidad, armonía, etc. La idea es crear un espacio unitario con una estructura geométrica
perfecta en la cual cada una de sus partes estuviera en proporción y armonía. La base del
diseño está dada por un sistema estrellado (rosa de los vientos en la navegación), esta forma
permitiría una buena defensa contra posibles ataques, además de dominar el exterior con
visuales hacia todos los sentidos, se puede controlar mediante esta forma la acción de los
vientos. Se basa además en un sistema de calles rectas.
EL PALACIO URBANO:
Algunas de las principales familias florentinas, que se habían resistido tenazmente a derruir
sus apiñadas viviendas siguiendo las disposiciones de la comuna, estaban construyendo
ahora (S. XV) nuevas y espaciosas mansiones llamadas en italiano palazzi.
Compraban los edificios vecinos para derribarlos y dejar marcos ideales, o plazuelas, que
permitieran contemplar sus nuevas fachadas. Las familias Medici, Pitti y Rucellai encargaron
a arquitectos como Brunelleschi, Michelozzo y Rossellino la construcción
o renovación de sus palacios.
De entre los edificios civiles es creación original de los arquitectos renacentistas el palacio
señorial, que puede describirse como un gran cubo de piedras rematado por una ancha
cornisa.
Con el surgimiento de la Burguesía Financiera, surge para esta clase una nueva tipología de
vivienda, el palacio urbano, como símbolo del poder económico y cultural de estas familias.
Ocupan toda una manzana, con accesos por los cuatro lados, con uno diferenciado del resto
(principal). Responden a un vocabulario clásico y al sistema de proporciones.
- Esquema en planta: es una planta rítmica basada en un módulo. Presencia de un eje central
de simetría. Se organiza alrededor de un patio aporticado (espacio vital del palacio) al que
vuelcan todos los locales dispuestos en los siguientes niveles:
- A) Planta Baja: parte pública, usada para recepción. Comprendía un acceso y vestíbulo.
- B) Primer Piso: planta Noble, con suntuosas habitaciones, se encuentran los salones
sociales (salas de recepción, capilla, comedor, etc.) y las habitaciones delos miembros más
importantes del palacio.
- C) Segundo Piso: habitaciones con menor importancia (para los niños, asistentes del jefe
de familia, artistas, etc.)
- D) Ático: habitaciones de los sirvientes.
Hasta este momento, la escalera no es un elemento de gran importancia por lo que se hallan
en espacios sin significación. Con el paso del tiempo tomarán gran importancia como
elemento arquitectónico, sobre todo en los conjuntos palaciegos del siglo XVII.
- Esquema de Fachada: en la fachada se pueden leer los distintos niveles separados por
molduras y por el uso de un almohadillado distinto en cada uno de ellos; estos elementos
constituyen junto con la cornisa y molduras la riqueza plástica de la fachada. Poseen
aventanamientos regulares y rematados en la parte superior por un cornisón; en la parte
inferior de los mismos hay también unas bandas de cornisas para acentuar la horizontalidad
(criterio contrario al medieval = espacio ascensional). En el siglo XV, el palacio florentino
típico tiene los sillares sin pulir (aparejo rústico).
Más tarde, estos bloques se labran, dejando sin desbastar solo las cadenas esquineras.
- Volumetría: el volumen se manifiesta en general como un conjunto cúbico
(formas puras = racionalismo). Al palacio se lo podría comparar con los
Domos Romanos por el patio central, la Planta Baja destinada a comercio y
las demás destinadas a vivienda.
EL TEMPLO DE PLANTA CENTRAL CON CUPULA BIZANTINA:
En esta época, los constructores se fueron alejando paulatinamente de la planta en cruz
latina para sus iglesias, prefiriendo las formas centralizadas (antropocentrismo –
Geocentrismo). En esta época se prefiere la belleza a la funcionalidad, esto generó dos
problemas: la ubicación del acceso y la ubicación del altar.
El primer programa completo de iglesia ideal aparece en el tratado de Alberti, para este la
forma más apropiada era la circular
(belleza, unidad), además recomendaba nueve figuras geométricas derivadas del círculo y el
cuadrado que se podían agregar como capillas a la forma principal, siempre y cuando no se
perdiera la idea de UNIDAD; es decir, un espacio principal relacionado con otros bajo una
estructuración radial. Esto es lo que se llamaría planta de “cruz Griega” (La cruz es una
figura formada por dos líneas que se cortan en un ángulo recto, y que reciben el nombre de
brazos. En la cruz griega los brazos tienen la misma longitud),en el centro se ubicaría el altar
(punto más importante desde el punto de vista formal y significativo = centralidad =
antropocentrismo).
Además este dice que debe elevarse el conjunto sobre un pedestal. El edificio debe ser de
perímetro libre, rodeado de verde.
La utilización de cúpula Bizantina apoyada sobre un anillo circular (tambor que permite el
ingreso de luz) para remarcar la centralidad es otro elemento utilizado. La iglesia debía ser
períptera (cultura clásica), es decir rodeada por columnas.
Las ventanas deben estar en posición elevada para poder contemplar el cielo y para que no
puedan distraerse los fieles.
La decoración simple para motivar al fiel a ser modesto y sencillo, se prefiere el color blanco
que simboliza la pureza. Los pisos debían decorarse con líneas y figuras simétricas
(racionalismo).
Materiales: ladrillo revestido de
mármol, piedra en almohadillado
rústico o revestido de mármol.
La arquitectura del Renacimiento se
va a caracterizar, naturalmente, por el
empleo de los elementos constructivos
grecorromanos: arco de medio punto,
bóvedas de cañón, frontones, órdenes
clásicos, etc... y, como materiales, la
piedra -rústica o desbastada-, el
mármol y el ladrillo. En el
Renacimiento se usaron diferentes
tipos de aparejo, pero los más
frecuentes fueron los muros de ladrillo
con revestimientos de placas de
mármol o sillares de cantera. Se
volvieron a emplear como soporte los
órdenes arquitectónicos clásicos; las bóvedas fueron de cañón o de arista; las cúpulas con
pechinas con trompas; las arcadas de medio punto o peraltados y, en general, la decoración
tuvo mayor importancia que lo constructivo. De todos los órdenes el corintio y el compuesto
fueron los más comunes, aunque también fue frecuente la superposición de órdenes. Otro
elemento renacentista fue el reemplazo insistente del pilar por la columna. De la Roma clásica
se usó con gran frecuencia la pilastra que aparece montada sobre un estilóbato o podio.
Cúpula con pechina Pechina: pequeños triángulos curvos sobre los que se alza la cúpula
2.3-Elementos y formas constructivas
Los elementos constructivos más característicos del estilo renacentista serán:
Estructurales: Arco de medio punto, columnas, cúpula semiesférica, bóveda de
cañón y cubierta plana con casetones. Todos ellos habían sido usados en la Antigüedad,
especialmente por el arte romano, y se recuperan ahora, modificándolos. Decae
paulatinamente el tradicional método de construcción del Gótico, abandonándose en gran
medida las bóvedas de crucería, el arco apuntado, las naves escalonadas, y sobre todo la
impresión de colosalismo y multiplicidad de los edificios medievales. Predominarán ahora
valores como la simetría, la claridad estructural, la sencillez, y sobre todo, la adaptación del
espacio a la medida del hombre.
Decorativos: Pilastras, frontones, pórticos,
motivos heráldicos, almohadillados, volutas, grutescos, guirnaldas, motivos
de candelieri(candelabros o pebeteros) y tondos o medallones. Algunos de éstos ya se
habían utilizado en el Gótico, otros son creaciones originales y la mayoría se inspiran en
modelos romanos y griegos. En cuanto a la decoración el Renacimiento preconiza el
despojamiento, la austeridad, el orden. Sólo a finales del siglo XVI esta tendencia se
romperá en favor de la fantasía y la riqueza decorativa con el Manierismo.
Soportes: columnas, pilastras, muros.
Arcos: de medio punto.
Cubiertas: planas, con casetones, cúpulas sobre trompas o pechinas, con tambor y linterna,
bóvedas de cañón, de arista, vaídas...
Elementos decorativos: en el s. XV la decoración es más menuda y abundante como un
tapiz sobre el muro. En el s. XVI es más monumental, predominando los motivos
arquitectónicos.
Los motivos propios del renacimiento son: almohadillado, medallones, guirnaldas, hornacinas
con o sin estatuas, cintas... y elementos constructivos utilizados como decorativos: frontones,
frisos, pilastras, arcos, columnas, capiteles, cornisas enormes... Las fuentes:
Las ruinas antiguas con las que estaban en contacto directo y las obras
teóricas que contenían las leyes
arquitectónicas clásicas,
principalmente en el Tratado de
Vitrubio.
Pórtico del Hospital de los Inocentes
SANTA MARIA DELLA CONSOLACIÓN DE TODI:
(Lugar: Todi (Italia);
Fecha: 1494 – 1508; Autor:
Cola Da Caprarola (Idea de
Bramante). Se encuentra
emplazada en la ciudad de Todi,
sobre una lomada rodeada por
verdes praderas.
Esto responde a la teoría de
Alberti sobre la iglesia ideal;
decía que el edificio debe
emplazarse exento y a una mayor
altura para poder ser observado
desde cualquier punto, de esta
manera el edificio puede
sobresalir sobre el paisaje. Esta
región pertenece a los estados
pontificios. La cosmovisión
propia de la época se manifiest en
este ejemplo en cuanto: Religión
– Antropocentrismo –
Geocentrismo: en el medioevo, el
hombre vivía en función de Dios
(teocentrismo), así se
construyeron varias iglesias de planta longitudinal (permitía mayor número de fieles); en el
Renacimiento, en cambio, el hombre es el centro de la tierra (antropocentrismo); así, cambia la
concepción de la iglesia adaptándose una planta “central”. Esto trae problemas en cuanto a
la ubiación del altar. Racionalidad: absolutamente todo está pensado, tal es el caso de la
ubicación del acceso remarcado por el eje, las ventanas para iluminar y remarcar el centro, las
cuales se colocan elevadas para evitar la distracción de los fieles. Naturalismo: Alberti: “la
buena arquitectura se compone según la belleza, es decir, se basa en las proporciones y
reglas de la naturaleza, que son leyes de generación de formas simples y puras tales como el
cuadrado, círculo, etc; consideradas naturales y perfectas. Individualismo: se conoce el autor
de la obra, su manera de pensar, se respeta su personalidad. Humanismo: se comienza a
pensar en el hombre en sí mismo y no en relación a Dios, pasando este a ser el centro y
medida de las cosas, los lugares están creados a su escala y para que sean fácilmente
comprendidos por el.
Cincia (Geometría – Matemática): se usan figuras geométricas simples y puras para ordenar
y proporcionar todo a partir del módulo matemático.
2.21-Pintura
La pintura renacentista abarca el período de la historia del arte europeo entre arte de la
Edad Media y el arte barroco. La pintura de esta época está relacionada con el
«renacimiento» de la antigüedad clásica, el impacto del humanismo sobre artistas y sus
patronos, nuevas sensibilidades y técnicas artísticas y, en general, la transición entre el
periodo medieval y los comienzos de la Edad Moderna.
El carácter distintivo de la pintura del renacimiento en general y en su periodo de apogeo
consiste:
En la unidad de la composición, de la perspectiva, de la anatomía y morbidez muscular
y de la belleza exterior física tendiendo a imitar lanaturaleza con desenvoltura e
inspirándose a la vez los artistas en las obras clásicas escultóricas.
Por razón de los asuntos, en la universalidad de ellos, dando mucha entrada a los
mitológicos apenas tratados en la época anterior y cultivando singularmente el retrato y
las historias. Y aunque no se olvidan los cuadros religiosos, carecen éstos por lo común
de la idea y unión mística de la época precedente (sobre todo, en
las Vírgenes o Madonnas) y hasta desvían con frecuencia el ánimo de la verdadera
piedad. Aunque está plena de religiosidad, cada artista busca su propio estilo, en donde
el retrato y la representación del paisaje tienen
mucha importancia.
Por razón del procedimiento, se distingue
en el abandono definitivo de los realces
y dorados, en la predilección por los lienzos sin
tabla y en la adopción casi exclusiva de
la pintura al óleo, salvo las
decoraciones murales al temple y al fresco.
La historia moderna de la pintura se inicia con los
aportes de los maestros del Renacimiento.
Florencia y Roma durante los siglos XV y XVI son
la cuna de dicho movimiento que establecerá a
través de la perspectiva, la proporción, la anatomía
y el descubrimiento y uso del óleo, una manera de
pintar realista o verista que no se había dado
antes.
El Renacimiento surge en Italia y se va extendiendo progresivamente por Europa, con
mayor o menor calado, según los países. Surgieron innumerables centros o escuelas de
pintura, sobre todo, en Italia, influyéndose mutuamente unas en otras a pesar de sus
divergencias. No existe unanimidad crítica a la hora de distinguir las aludidas agrupaciones
de artistas ni es uniforme el estilo de los diferentes maestros, por lo que las escuelas se
reúnen sólo geográficamente.
2.22-Escultura
La escultura del Renacimiento se entiende
como un proceso de recuperación de
la escultura de la Antigüedad clásica. Los
escultores encontraron en los restos artísticos
y en los descubrimientos de yacimientos de
esa época pasada la inspiración perfecta para
sus obras. También se inspiraron en la
Naturaleza. En este contexto hay que tener
en cuenta la excepción de los artistas
flamencos en el norte de Europa, los cuales
además de superar el estilo figurativo
del gótico promovieron un Renacimiento ajeno
al italiano, sobre todo en el apartado de
la pintura.1
El renacer a la antigüedad con el abandono de lo medieval, que para Giorgio Vasari«había
sido un mundo propio de godos»,2 y el reconocimiento de los clásicos con todas sus
variantes y matices fue un fenómeno casi exclusivamente desarrollado en Italia. El arte del
Renacimiento logró interpretar la Naturaleza y traducirla con libertad y con conocimiento en
gran multitud de obras maestras.
La escultura en el Renacimiento tomó como base y modelo las obras de la antigüedad clásica
y sumitología, con una nueva visión del pensamiento humanista y de la función de la escultura
en el arte. Como en la escultura griega, se buscó la representación naturalista del cuerpo
humano desnudo con una técnica muy perfeccionada, gracias al estudio meticuloso de
la anatomía humana. En Italia convivieron por igual los temas profanos con los religiosos; no
así en otros países como España y Alemania, donde prevaleció el tema religioso.4
El cuerpo humano representó la Belleza absoluta, cuya correspondencia matemática entre
las partes se encontraba bien definida, y el contrapposto fue utilizado constantemente
desde Donatello a Miguel Ángel. En esta época es cuando se dio prácticamente la
liberación de la escultura del marco arquitectónico, los relieves se realizaron con las reglas de
la perspectiva y se mostraban a los personajes con expresiones de dramatismo que llevaban a
la sensación de gran terribilità en los sentimientos expuestos en las esculturas de Miguel
Ángel, como en el rostro de su David.
Un papel fundamental fue la figura del mecenas,
representados por la iglesia y personajes de la
nobleza que obtenían con su mecenazgo prestigio
social y propaganda política, y abarcó todos los
temas: religiosos, mitológicos, de vida
cotidiana, retratos de personajes, etc.
Reapareció con el Renacimiento la glíptica greco-
romana, que se había olvidado casi por completo
durante la Edad Media en la labra de piedra finas
(salvo algunas muestras de arte bizantino), y desde
el siglo XVI se labraron preciosos camafeos de
gusto clásico, tan perfectos que, a veces, llegan a
confundirse con los antiguos. No obstante, apenas
sí alcanzó a restablecerse el uso de los entallesde
piedra fina, tan predilectos de las civilizaciones griega y romana. Estos pequeños relieves
sirvieron como modelo, una vez agrandados, para la decoración por parte de escultores en
grandes medallones para palacios de Italia y Francia.
Materiales
La escultura del Renacimiento se sirvió de toda clase de materiales, principalmente
del mármol,bronce y madera . El bronce compitió con el mármol principalmente en
monumentos funerarios, fuentes y pequeñas esculturas para decoración de interiores, así
como en estatuas ecuestres como la del condottiere Colleoni en Venecia. Las
reproducciones de estatuillas en bronce tuvieron gran difusión en el Renacimiento, debido al
gran número de coleccionistas. En Florencia fueron Antonio Pollaiolo (Hércules y Anteo)
y Andrea del Verrocchio (Niño alado con pez) los iniciadores por encargo de los Médicis.
Del taller de Leonardo da Vinci se conservan pequeños bronces con el caballo encabritado
de una altura de 23 cm.8 El escultor de Mantua Pier Jacopo Alari Bonacolsi, llamado
Antico, se instaló en Roma para la ejecución de reducciones en bronce de mármoles
antiguos.
En los años finales de la centuria, la huella de Miguel Ángel tiene sus réplicas en Benvenuto
Cellini (Perseo de la Loggia dei Lanzi de Florencia, espacio concebido como museo de
escultura al aire libre), Bartolomeo Ammannati, Giambologna y Baccio Bandinelli, que
exagerarán los elementos más superficiales de la obra del maestro, situándose plenamente
todos ellos en la corriente manierista. Destaca en esta época también la saga familiar de
los Leoni, broncistas milaneses al servicio de los Habsburgo españoles, auténticos
creadores de la imagen áulica, un tanto estereotipada, de estos monarcas.
2.23-Renacimiento en Francia
Los derechos de Francia a intervenir en los asuntos de Italia derivaban aún de la investidura
del reino de Nápoles que dio el Papa en el siglo XII a Carlos de Anjou, hermano de San
Luis. La rama napolitana de la casa de Anjou había reinado en Nápoles hasta mediados del
siglo XV, en que el astuto rey de Aragón, Alfonso V el Magnánimo, había tratado de
justificar la usurpación y conquista del suelo napolitano haciéndose declarar hijo adoptivo y
heredero de la famosa reina Juana, último representante, completamente incapaz, de la
dinastía angevina de Nápoles.
El abuso y el atropello que para la casa de Francia representaba la con quista de Nápoles
por Alfonso V movieron a Carlos VIII y a Luis XII a acudir a Italia para recobrar aquel reino,
y además, el último, para hacer valer sus derechos sobre el ducado de Milán, que derivaban
de la herencia de Valentina Visconti, madre de Luis XII.
Los dos primeros Valois, Francisco I y Enrique II, repitieron las expediciones a Italia con
suerte variable en los hechos de armas, pero con grandes resultados para la cultura y el arte.
Ya Carlos VIII en 1495, durante su primera incursión, había despachado a Francia, por mar,
un grupo de artistas en número de veintidós, "para construir y trabajar a las órdenes del
rey, según la moda de Italia". Se les instaló en el castillo de Amboise, proponiéndoles su
reedificación. La colonia italiana de Amboise tenía por figura principal a un tal fray
Giocondo de Verona, arquitecto de mérito, que había trabajado en Nápoles al servicio del
rey aragonés y que Carlos VIII contrató para que fuera a Francia con el sueldo de 562
libras anuales. Los demás, a excepción de Doménico de Cortona, también arquitecto,
parece que eran escultores y decoradores, y alguno de ellos excelentes, como el escultor de
Módena Guido Mazzoni, a quien Carlos VIII hizo caballero y le asignó un sueldo todavía
mayor que el de fray Giocondo.
No puede comprenderse que un arquitecto como fray Giocondo, de edad madura, y que
antes había editado por primera vez el Vitruvio, construido un monumento de puro carácter
clásico, como la Logia de Verona, y que aún, a su regreso en Italia, se asoció a Juliano de
Sangallo para la prosecución de las obras de la basílica de San Pedro de Roma, pudiera
llegar a prestar su colaboración activa en edificios como el castillo de Gaillon, edificado entre
1502 y 1510, en Normandía, para el cardenal obispo de Rúan, ministro de Luis XII, morada
suntuosísima, pero de características casi góticas.
El castillo de Amboise, lo mismo que el de Gaillon, del que sólo quedan restos, y la nueva ala
construida por Luis XII en su castillo de Blois, tienen casi nada de carácter clásico en sus
formas generales; son aún de gótico francés, combinado tan sólo con cierto orden que hace
presentir el Renacimiento, pero decorados con escultura de gusto italiano. Por ejemplo, se
supone que la estatua moderna a caballo de Luis XII, que adorna la entrada principal de su
castillo de Blois, debió sustituir a otra estatua ecuestre labrada por el ya citado Guido
Mazzoni, y en los frisos y relieves de Gaillon hay medallones al antico, evidentemente obra de
los italianos.
Acaso las diferentes prácticas de construcción y el clima de la Francia Central, que exigía
tejados altos con lucernas, cohibieran a los italianos de la “colonia” de Amboise, por lo que,
aceptando el arte francés en sus líneas generales, crearon un arte híbrido, más asimilable para
los constructores nacionales que el puro arte italiano de finales del siglo XV. Por lo menos
esto ocurre con Doménico de Cortona, quien permaneció en Francia mucho más tiempo que
fray Giocondo.
No cabe duda que Doménico de Cortona, después de la partida de fray Giocondo, que
hubo de regresar a Roma llamado por el Papa, quedó en Blois, donde residía la corte, como
intendente general de los trabajos que se efectuaban en los edificios reales, dirección que
conservó quizá durante los primeros años del reinado de Francisco I. El ala del tiempo de
Francisco I, en el castillo de Blois, construida entre 1515 y 1525, se proyecta
perpendicular-mente a la de Luis XII, en la que intervino fray Giocondo de Verona entre
1499 y 1501, v su simple comparación deja ver como el estilo se ha ido caracterizando en sólo
una docena de años. En la fachada del patio del tiempo de Francisco I ya no hay ventanas
góticas, y el edificio remata con un camino de ronda, sostenido por una singular cornisa de
cartelas semiclásicas. Tiene aún los altos tejados con las lucernas tradicionales y las
chimeneas, y, sobre todo, la gran escalera monumental que se proyecta fuera de la fachada,
tan característica de los castillos franceses (parece ser que el viejo Louvre ya tenía una
escalera de este tipo en el siglo XIV, y todavía hoy se conserva la del palacio de Jacques
Coeur, en Bourges, del siglo XV) y tan poco clásica, rompiendo todas las líneas con sus
rampas inclinadas.
Fachada del Hotel de Ville, en París. Obra pública de carácter general en esta primera época del Renacimiento en Francia. Ha sido el punto neurálgico de las insurrecciones parisinas, alberga hoy en día las dependencias del Ayuntamiento de París.