grafosfera: algunas obras representativas
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Grafósfera en obras
Renacimiento
• Se produjo en Europa Occidental durante los siglos XV y XVI.
• Fue un período de transición entre la Edad Media y el mundo moderno.
• Sus principales exponentes se hallan en el campo de las artes, aunque también se produjo una renovación en las ciencias, tanto naturales como humanas. La ciudad de Florencia, en Italia, fue el lugar de nacimiento y desarrollo de este movimiento.
El nacimiento de Venus 1483-1484 Sandro Botticelli
El nacimiento de Venus 1483-1484 Sandro Botticelli
Desde los tiempos de la Roma clásica no se había vuelto a representar a esta diosa pagana desnuda y de tales dimensiones: el desnudo femenino, considerado pecaminoso en el arte medieval cristiano, se recupera en el Renacimiento como símbolo de inmaterialidad. Esta Venus no representa el amor carnal o el placer sensual sino que, con su postura y sus facciones finas, se acerca más al ideal de inteligencia pura o saber supremo. Venus sustituye a la Virgen, expresando una fascinación hacia la mitología común a muchos artistas del Renacimiento.
Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi (Florencia, 1 de marzo de 1445 – Florencia, 17 de mayo de 1510), apodado Sandro Botticelli, fue un pintor cuatrocentista italiano.
La Primavera Sandro Botticelli
La Primavera Sandro Botticelli
La composición muestra una disposición simétrica, con una figura central Venus, que parte la escena en dos mitades y marca el eje.
Mientras algunas de las figuras estaban inspiradas por esculturas antiguas, estas no eran copias directas sino adaptadas al lenguaje formal propio de Botticelli: figuras de elevada estatura, delgadas, ligeramente alargadas, muy idealizadas, muy dibujadas con unas limpias líneas que marcan los perfiles, cuyos cuerpos a veces parecen artificiosamente estirados y presagian el estilo elegante y cortés del manierismo del siglo XVI.
Las figuras destacan contra el fondo por la claridad de su piel y sus ropajes, de colores claros e incluso transparentes. Esta palidez en los colores muestra la anatomía del desnudo, que da más volumen a la representación, esta técnica recuerda a la de los paños mojados de Fidias.
Los personajes se sitúan en un paisaje de naranjos, árboles tradicionalmente relacionados con la familia Médici. No obstante, hay quien apunta a que son en realidad mandarinas, cuyo nombre clásico, medica mala, aludiría a los Médici.
Capilla Sixtina Miguel Angel
La Capilla Sixtina es la capilla más famosa del Palacio Apostólico de la Ciudad del Vaticano, la residencia oficial del Papa.
Se encuentra a la derecha de la Basílica de San Pedro y originalmente servía como capilla de la fortaleza vaticana.
Por orden del papa Julio II, Miguel Ángel decoró la bóveda (1.100 m²) entre 1508 y1512. A Miguel Ángel no le agradó este encargo, y pensó que su trabajo era sólo para satisfacer la necesidad de grandeza del Papa.
Sin embargo, hoy la bóveda y El Juicio Final son considerados como los mayores logros de Miguel Ángel en la pintura.
http://www.youtube.com/watch?v=BwA9rgRpPx0&feature=player_embedded
El David Miguel Angel
obra realizada sobre mármol, mediante cincel. Para su realización Miguel Ángel recibió un bloque de mármol, estrecho y muy alto, que llevaba abandonado muchos años en la catedral de Florencia.
http://www.youtube.com/watch?v=94aGfVj9VTE
El David de Miguel Ángel representa a gran tamaño a este rey bíblico, al estilo clásico: completamente desnudo y como atleta
Son claramente apreciables los rasgos del rostro, el cabello rizado, la musculatura, la diartrosis y el contrapposto de la figura.
porta en su mano izquierda una honda (apoyada sobre su hombro) y, en la derecha, una piedra.
El David fue encargado a Miguel Ángel, originariamente, por los canónigos de la catedral de Florencia (lugar donde se encontraba el bloque de mármol en el que se talló la obra). pero, una vez concluida ésta, y a la vista del resultado, el gremio de mercaderes de lana de la ciudad decidió adquirirla para situarla frente al Palacio de la Señoría, sede del gobierno de la ciudad, en la plaza del mismo nombre, de manera que sirviese como una clara representación de la libertad de la república florentina. En este sentido, la escultura es fiel reflejo de la mentalidad existente en Florencia, ciudad en la que los planteamientos de la burguesía dedicada al comercio y la banca se encontraban ampliamente extendidos.
Gioconda Leonardo da Vinci,
conocido también como “La Mona Lisa”
Fue pintado entre 1503-1506, y retocado en varias ocasiones por el autor.
El nombre se debe a la identidad de la modelo, esposa del Francesco Bartolomeo del Giocondo, cuyo nombre era Lisa Gherardini.
Es un óleo sobre tabla de álamo, de 77x53cm, pintado con técnica de sfumato, procedimiento inventado por Leonardo.
Esta técnica consiste en diluir los contornos, haciéndolos menos nítidos y precisos que se empleaban en el Quattrocento, quedando envuelto en una neblina que difumina los contornos, produciendo una impresión de atmósfera envolvente, lo cual da una tridimensionalidad a la figura
BarrocoLa lección de anatomía del Dr TulpRembrandt
El gremio de cirujanos encargó el lienzo para conmemorar una lección pública que impartió su primer anatomista, el doctor Nicolaes Pieterszoon Tulp, ante el cadáver de un ajusticiado.
Cada retratado mantiene una posición y una expresión distinta, concentrándose la luz en aquellos rostros o zonas del cuerpo que el artista quiere resaltar.
La fuerza del cuadro se concentra en la diagonal formada por los cuatro personajes que se sitúan en dirección hacia las pinzas del doctor Tulp, que muestra una serie de músculos mientras diserta sobre los mismos.
Para evitar distraer la atención del espectador, el fondo es neutro y no tiene apenas definición.
Michelangelo Merisi da Caravaggio
Medusa
Según la mitología clásica, Medusa era un monstruo con cuerpo femenino y cabellera compuesta por serpientes venenosas. Su mirada petrificaba a los que osaban acercarse a ella. El héroe Perseo se enfrentó a ella, utilizando el reflejo de su escudo para localizarla sin mirarla. La decapitó y empleó su cabeza petrificadora como escudo
Esta rodela no fue nunca empleada en batalla, sino que funcionaba como un emblema para el cliente que la encargó. Caravaggio recurre nuevamente a un rostro distorsionado por el dramatismo, con el cuello chorreante de sangre y las serpientes erizadas alrededor de un rostro que petrificaba la sensibilidad de aquéllos que se acercaban a contemplar la obra.
