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2011
J.C.Robles
[UN AÑO DE FOTOGRAFÍA] - EL FOTÓGRAFO CLÁSICO -
por José Carlos M. Robles El fotógrafo clásico: un recorrido selectivo por la historia, una muestra de algunos de los fotógrafos más sobresalientes de la historia, sus obras, trayectoria, influencia, compromisos, innovaciones y aportaciones más singulares.
1. Pioneros de la fotografía NIÉPCE – DAGUERRE – TALBOT - BAYARD
Pioneros de la fotografía NIÉPCE - DAGUERRE - TALBOT - BAYARD
El fotógrafo clásico: un recorrido selectivo por la historia, una muestra de algunos de los fotógrafos más sobresalientes de la historia, sus obras, trayectoria, influencia, compromisos, innovaciones y aportaciones más singulares.
fotografía clásicapor José Carlos M. Robles
sesión01
1 UN AÑO DE FOTOGRAFÍA – fotografía clásica
PIONEROS DE LA FOTOGRAFÍA: Niépce – Daguerre - Talbot – Bayard
Una serie como esta, dedicada al fotógrafo clásico,
necesariamente obliga a rendir tributo a los padres de la fotografía.
Muchos han sido los nombres que merecen un lugar destacado
entre los pioneros por sus innegables aportaciones. No cabe duda
que las investigaciones sobre la cámara obscura, las sustancias
fotosensibles, los estudios sobre la luz y la óptica de algunos
predecesores, allanaron el camino y favorecieron un caldo de
cultivo que, de forma prácticamente simultánea, permitiría en
Francia y Gran Bretaña arrojar luz sobre el principal escollo: la
fijación permanente de la imagen.
El camino iniciado por Niépce, Daguerre, Talbot y Bayard supone
un punto de partida, una inflexión que abocará en una incesante
mejora, no sólo de los procesos fotográficos, sino que abrirá nuevas
vías hacia la experimentación, el arte, la difusión de la cultura, el
conocimiento, la pervivencia de la memoria icónica generacional,
el fotoreportaje, el cine, la publicidad, la ciencia, desencadenando
enconados debates en torno a la pureza de la instantánea y su
adulteración posterior al momento de la captura, en el que, la
informática, abre puertas que adivinan un futuro incierto y confuso
donde la línea entre lo real, lo ilusorio y lo ficticio, parece más
tenue y quebradiza que nunca. Las últimas dos décadas han visto
crecer exponencialmente el conocimiento y evolución de la
fotografía hasta adquirir proporciones inauditas. Como bien
señalan André Gunthert y Michel Poivert (*), como en todos los
campos del saber que alcanzan la madurez, de ahora en adelante
deberemos conformarnos con elegir, ya no es posible conocerlo
todo. Más aún, con la fotografía nacen nuevas oportunidades de
trabajo y negocio. No sólo Daguerre se apresuró a comercializar su
invento y obtener rendimientos económicos, el progreso técnico, la
aparición de cámaras mejoradas y el acortamiento de los tiempos
de exposición favoreció la apertura de estudios fotográficos, entre
los que destacó el renombrado retratista Gaspard-Félix
Tournachon, más conocido como Nadar.
André Gunthert y Michel Poivert. El Arte de la Fotografía. Editorial Lunwerg 2009
2 UN AÑO DE FOTOGRAFÍA – fotografía clásica
En palabras de Philip Halsman:
“Derive hacia la fotografía como alguien deriva hacia la
prostitución. Primero lo hice a mi gusto, entonces lo
hice para complacer a mis amigos, y finalmente lo
hice por el dinero.”
Sea pues, tornemos la vista al pasado para recrearnos en la pasión
unos esforzados precursores visionarios y no caer en el lastimero
camino hacia la mediocridad. Cuanto menos, cabe pensar en
luchar contra el fraude, la falsificación, el engaño y la deslealtad.
3 UN AÑO DE FOTOGRAFÍA – fotografía clásica
NICEPHORO NIÉPCE: De la Heliografía al Fisautotipo.
Personaje de ineludible cita en la historia
de la fotografía, desde 1817 emprende un
camino que conducirá a la fijación
permanente de las primeras imágenes
obtenidas en la cámara obscura. Joseph-
Nicéphore Niépce nació el 7 de marzo de
1765 en Chalón (Francia) y falleció en
Saint Loup de Varennes, el 5 de julio de
1833. Hijo de un terrateniente francés,
consejero del rey, abogado y recaudador
de depósitos. En su etapa formativa se
mostró entusiasmado por la física y la
química. Atravesó
dificultades
económicas en
distintas etapas de su
vida, viviendo uno de
los períodos más
importantes de la
historia de Francia y con una
trascendencia extraordinaria en la historia
de la humanidad: la Revolución Francesa,
la Declaración Universal de Derechos de
Hombre y el ciudadano, la Asamblea
Nacional Constituyente, son
acontecimientos con una repercusión
incuestionable que marcarán
definitivamente el rumbo de la historia
europea.
Con un sólido bagaje cultural y científico,
así como amplios conocimientos de
química y litografía, Niépce
se enrola en el ejército
revolucionario que participa
en la campaña del Sur de
Francia y Cerdeña en 1789.
En 1794 deja el ejército
contrayendo matrimonio en
Niza, fruto
del cual
nacería un
año
después su hijo, Isidoro.
En compañía de su hermano en su faceta
de inventores perfeccionan y patentan el
primer motor combustión del mundo que
denominan “Pireolóforo”. Explotan la
patente por diez años tras ser firmada por
Napoleón.
Desde 1816, junto a su hermano Claude
comienza su carrera para fijar imágenes
obtenidas en la cámara obscura. Claude
marcha a Inglaterra y Niépce prosigue los
experimentos en solitario. Así, investigando
con diversos soportes y procedimientos,
pretendía por un lado la obtención de Pireolóforo
4 UN AÑO DE FOTOGRAFÍA – fotografía clásica
copias de documentos y grabados y, por
otro, la consecución de un método para
fijar imágenes obtenidas al natural.
Entre 1816 y 1818 obtiene los primeros
resultados en la fijación de imágenes
proyectadas en el interior de la cámara
oscura. Estas primeras imágenes obtenidas
sobre un papel emulsionado con sales de
plata se ennegrecen rápidamente hasta
desaparecer. Niépce las llama “retines”.
Se sirve para ello de la resina de Gaiac.
Desde 1822 experimenta con el Betún de
Judea sobre piedras litográficas, cristal y
planchas de cobre y estaño, necesitando
períodos de exposición en torno a cinco
días. Obtiene así los primeros dibujos por
contacto. Consigue de este modo una
copia de un grabado del Papa Pío VII que
desaparecería años más tarde. En 1824
coloca una piedra litográfica en una
cámara obscura y obtiene por primera vez
una imagen de un paisaje.
Heliografías:
Se conservan varias reproducciones por
contacto y grabados heliográficos, pero
sin embargo tan sólo un ”punto de vista de
vista”.
Entre las heliografías y copias sobre papel
realizadas en vida de Niépce podemos
citar:
Un caballo y su conductor. 1826.
Biblioteca Nacional de Francia.
El Cardenal de Amboise de 1826.
Museo Niépce.
Cristo llevando su cruz. Hacia 1827.
Royal Photographic Society.
Claro de Luna. 1827. Royal
Photographic Society.
Un caballo y su conductor
Claro de luna
2 UN AÑO DE FOTOGRAFÍA – fotografía clásica
Punto de vista desde la ventana de Le
Gras:
Tras avances progresivos y la utilización de
planchas de cobre, en 1826 obtendría la
primera fotografía con carácter
permanente: “Vista desde la ventana de
Le Gras”. Niepce denomina a éste
método de captura como “Heliografías”,
del griego Ηλιος, helios, «sol», y γραφια,
grafía, «escritura» o «dibujo». Sin embargo,
distingue entre heliograbados
(reproducciones de grabados ya
existentes) y “puntos de vista” (imágenes
captadas directamente del natural por la
cámara). Se conservan varias heliografías
mientras que tan sólo ha llegado a
nuestros días un “punto de vista”
La reproducción más famosa se basa en
una impresión de marzo 1952, a petición
de Helmut Gernsheim y realizada por el
Laboratorio de Investigación de la
Eastman Kodak Company. Fue
recubierta de betún de Judea,
exponiéndola a la luz por un
periodo de ocho horas. Los
sucesivos procesos pasaban por
un baño en aceite de lavanda y
de petróleo blanco hasta hacer
desaparecer el barniz no
afectado por la exposición solar.
La plancha de peltre original se
conserva en el Harry Ransom
Center de la Universidad de Austin, Texas.
Se encuentra expuesta en una atmósfera
con ambiente controlado, protegida en
una urna de acero y plexiglás. Para su
correcto visionado debe observarse con
luz controlada, ambiente oscurecido y
bajo cierta angulación.
Punto de vista desde la ventana de Le Gras
Helmut Gernsheim & Kodak Research Laboratory, Harrow, England.
Impresión en gelatina de plata.
20.3 x 25.4 cm.
Punto de vista desde la Ventana de Le Gras Heliografía con marco original. Harry Ransom Center.
Universidad de Austin. Texas.
25.8 x 29.0 cm.
3 UN AÑO DE FOTOGRAFÍA – fotografía clásica
Nicéphoro Niépce y Daguerre:
Estimulado por sus
logros, viaja en
1827 a Inglaterra
para visitar a su
hermano
moribundo y
presentar, en
vano, su invención
ante la Photographic Royal Society.
Desilusionado regresa a Francia y en 1829,
Niépce se asociaría con Louis Jacques
Mandé Daguerre para mejorar su proceso.
Desde entonces intercambian ideas por
correo y en 1829. Fruto de esa relación en
1832 descubrirían un nuevo procedimiento
mediante el cual reducían el tiempo de
exposición a menos de 8 horas, gracias al
residuo obtenido por destilación de
esencia de lavanda. A éste nuevo método
lo denominan: Fisautotipo.
En 1833 moriría repentinamente sin ver
reconocida su invención. Posteriormente,
gracias a la obra de su hijo “Historia del
descubrimiento del invento denominado
daguerrotipo” desaparecería el
oscurantismo en torno a su papel en el
descubrimiento de la fotografía cuya
paternidad había sido ocultada y
reclamada en la práctica por
Daguerre.
La mesa servida. Fisautotipo.
Rolan Barthes, semiólogo francés,
en su obra “La Cámara Lúcida”
publicada en 1989 recoge un punto
de vista datado en 1832 conocido
como “La Mesa Servida”. Se trata
de un fisautotipo, literalmente “registrado
por la naturaleza misma”. La placa de
vidrio utilizada se encuentra
desaparecida desde principios del siglo
XX. Con éste método reducen el proceso
heliográfico, pasando de varios días de
exposición a tan sólo unas horas a plena
luz. El resultado es una imagen cercana a
la nitidez ofrecida por el daguerrotipo.
La mesa servida Fisautotipo. 1832
4 UN AÑO DE FOTOGRAFÍA – fotografía clásica
LOUIS JACQUES MANDÉ DAGUERRE: El
Daguerrotipo.
Louis Jacques Mandé Daguerre nació en
Cormeillesen-
París el 18 de
noviembre de
1787 y murió el
10 de julio de
1851 en Bry-sur-
Marne.
Dibujante,
pintor,
decorador teatral, nacido en el seno de
una familia acomodada, destacando por
su visión comercial y talento para el
dibujo, no así por sus pinturas. A la edad
de dieciséis años empezó a trabajar en el
taller del decorador teatral Degoti, por
entonces con una granjeada fama en el
teatro y la ópera. El virtuosismo de
Daguerre con la iluminación, la
perspectiva y los efectos visuales el
consagraron en la sociedad parisina como
uno de los más destacados personajes en
el teatro de la época.
El Diorama
Gracias a sus conocimientos de
iluminación, dibujo, arquitectura y
perspectiva, así como a la experiencia
atesorada con Degoti, Prevost y su
asociación con Charles-Marie Bouton, en
1822 comenzó la explotación del Diorama,
una variante del “Panorama” londinense
de Robert Beker inaugurado en 1792. Con
un aforo de 350 personas y una sala
circular de 12 metros de diámetro, versaba
en torno a un modelo tridimensional
representando espectáculos con paisajes,
naturaleza, ciudades con transiciones de
noche al día por acción de luz tamizada
que se plasmaba en una gradación sobre
las pinturas, todo ello con dosis de gran
realismo.
El propio, Niépce, tras conocer las
investigaciones de Daguerre quedaría
entusiasmado por el Diorama, al punto de
que una carta a su hijo Isidoro escribe:
"Nada he visto aquí que me impresionara tanto
ni me diera tanto placer como el Diorama.
Fuimos guiados en ello por Daguerre, y pudimos
contemplar, con toda comodidad, los
magníficos "Tableaux" allí expuestos... Nada
hay superior a los dos paisajes pintados por
Daguerre (...) Estas representaciones son tan
reales, hasta el ínfimo detalle, que uno llega a
creer que está viendo la naturaleza... con toda
ilusión que puede aportar el encanto de los
colores y la magia del claroscuro...".
La cámara obscura
Daguerre estaba decididamente
interesado en la cámara oscura para sus
ilusiones ópticas. Era habitual de las
tertulias del óptico Chevalier y
experimentaba con sustancias químicas,
particularmente con agentes
5 UN AÑO DE FOTOGRAFÍA – fotografía clásica
fosforescentes que en la propia cámara
retenían la imagen reflejada sobre un
plano horizontal donde se hallaba
depositada la sustancia. Así, conseguía
una imagen “retenida” que desaparecía
lentamente. Gracias a su mejor posición
económica, sus progresos, y en razón de
sus relación con Chevalier, a la postre
obtendría mayores progresos en este
sentido que los experimentados por
Niépce.
Gracias a Chevailer, Daguerre tendría
noticias de las investigaciones de Niépce,
iniciándose a partir de 1829 una
colaboración y puesta en común de sus
experimentos que desembocarían, muerto
Niépce, en el nacimiento del
Daguerrotipo.
El Daguerrotipo
Tras el fallecimiento de Niépce en 1833,
Daguerre continúa sus experimentos
especialmente con el yoduro de plata,
mientras que Isidoro, se muestra incapaz
de hacer progresos. En 1835 descubre la
utilidad de los vapores de mercurio sobre
placa emulsionada con vapores de yodo.
Comienza a realizar bodegones y a
reducir sensiblemente los tiempos de
exposición. En 1837 modifica el contrato
con Isidoro señalando que se trata de un
procedimiento inventado Nicéphoro
Niépce y perfeccionado por Daguerre;
Isidoro obtienen un reconocimiento de sus
derechos económicos y Daguerre otorga
nombre al procedimiento: El Daguerrotipo.
Si bien Niépce, sin lugar a ningún género
de dudas, fue el primero en obtener una
imagen fotográfica permanente,
Daguerre fue el único inventor del
Daguerrotipo, lo que supuso el nacimiento
y expansión global de la fotografía, aún a
pesar de nacer como un proceso limitado,
sin posibilidad de obtener múltiples copias
y, por tanto, desde su propio nacimiento
abocado a su sustitución por la irrupción
de métodos posteriores que solventaban
esa dificultad.
Daguerre se asociaría posteriormente con
su cuñado, Alphonse Giroux, para la
producción y venta de la primera cámara
de Daguerrotipos de la historia, firmadas y
numeradas por el autor, con un peso
aproximado de 5 kilogramos más otros 45
que completaban el equipo necesario.
Nacía una práctica fotográfica al alcance
de los primeros aficionados que podían
Naturaleza muerta.
Daguerrotipo 1837.
6 UN AÑO DE FOTOGRAFÍA – fotografía clásica
sufragar los 400 francos de oro que
costaba el conjunto.
En 1939 el inventor norteamericano
Samuel Morse se encuentra en París para
dar a conocer y patentar el telégrafo en
Europa. En su viaje conoce a Daguerre
que le muestra unas placas de
daguerrotipos que fascinan a Morse. De
regreso a su país se dedicaría durante un
tiempo a realizar retratos en New York. En
una carta publicada en el New York
Observer en 1839 diría:
"Anteayer fui a visitar al Sr. Daguerre en sus
talleres del Diorama, para observar sus
resultados admirables. Estos aparecen en una
muestra metálica… No se puede imaginar uno
hasta qué punto es exquisita la minuciosidad
del trazo. No hay pintura ni grabado que
puedan pretender su comparación… Con la
ayuda de una lente potente cada letra se
volvía nítida y perfectamente legible… el
bulevar, aunque constantemente recorrido por
una oleada de peatones, era perfectamente
desierto, a excepción de una persona que se
hacía lustrar las botas. Evidentemente, tenía
que mantener los
pies inmóviles
durante cierto
tiempo… Por
consiguiente sus
botas y sus piernas
resultaban bien
definidas, mientras
ni su cuerpo ni su
cabeza eran
visibles, por haber
estado en
movimiento”.
Vista del Boulevard du Temple. París 1837. Bayerisches National Museum. Munich.
7 UN AÑO DE FOTOGRAFÍA – fotografía clásica
La primera fotografía de una persona:
“Vista del Boulevard du Temple. París 1839”
En una exposición que debió durar 10
minutos, Daguerre capturó una parisina
escena del Boulevard du Temple,
probablemente en unos momentos en los
que el ajetreo sería notorio,
produciéndose a buen seguro un notable
tránsito de personas y carruajes.
Esta imagen ofrecía una gran nitidez y
precisión en los detalles, sin embargo, la
lenta exposición se mostraba incapaz de
captar el bullicio callejero. La
desaparición de la placa tras la Segunda
Guerra Mundial hace que tan sólo se
disponga de una reproducción en el
Museo de Múnich. Se especula con la
posibilidad de que algunos otros
personajes aparezcan en la fotografía. Así,
se cita un niño asomado tras la cortina de
una ventana del primer edificio en la
parte inferior, un señor sentado en una
de las terrazas e incluso unas sombras que
sugieren la presencia de carruajes
esperando al final de la calle en una
parada.
Vista del Louvre desde orillas del Sena. Daguerrotipo 1837
8 UN AÑO DE FOTOGRAFÍA – fotografía clásica
WILLIAM HENRY FOX TALBOT: El
Calotipo y The Pencil of Nature.
William Henry Fox Talbot, nació el 11 de
febrero de 1800 en Melbury, Dorset
(Inglaterra) y murió el 17 de septiembre de
1877. Inventor, fotógrafo, fue también
arqueólogo, botánico, filósofo, filólogo,
matemático, político y miembro del
Parlamento inglés.
Estudió en el Trinity College de Cambridge,
donde se graduó en 1821. Desde 1822
hasta 1872, participó con numerosos
estudios en la Royal Society, varios de ellos
sobre matemática. En 1832, se casó con
Constanza Mudy con la que viajó a visitar
el Lago Como en Italia en 1833. Allí,
mientras dibujaba el paisaje con ayuda
de la cámara lúcida, se vio superado por
el talento de su esposa en dicha faceta.
Es en esos frustrantes momentos comienza
a pensar en la cámara obscura y la
posibilidad de obtener imágenes
permanentes sobre papel. Los primeros
resultados son tan insatisfactorios como los
obtenidos con la cámara lúcida, Talbot
reflexiona y escribe:¡Qué encantador sería si
fuese posible hacer que esas imágenes
naturales pudiesen imprimirse por sí mismas de
forma duradera y fija sobre un papel! ¿Y por
qué no habría de ser posible?
Dibujos fotogénicos
De forma paralela a los trabajos Niépce y
Daguerre en Francia, Talbot desarrolló su
propio proceso con el que consiguió la
obtención de
imágenes de
flores, hojas,
telas, al
entrar en
contacto con
una superficie
sensibilizada,
sin usar
la cámara oscura. A estas primeras
imágenes las denominó “Dibujos
fotogénicos”. El procedimiento que dio a
conocer entre 1839 y 1841, consistía en un
tratamiento sobre papel con sal y nitrato
de plata. El
papel
emulsionado era
puesto en
contacto
directo con el
objeto a
reproducir
Dibujo del Lago Como. W. Henry Fox Talbot. 1833.
National Museum of Photography Film and Television. Bradford. Reino Unido
9 UN AÑO DE FOTOGRAFÍA – fotografía clásica
(muestras de plantas, telas …) y expuesto
a la luz solar durante un tiempo de entre
segundos y dos minutos. De esta forma se
obtenía una imagen en negativo, que por
contacto con otra hoja de papel ofrecía
el positivo.
El Calotipo
En 1843 patentó el proceso calotipo, que
en griego significa "Grabado hermoso". La
patente impidió el progreso del método
en Gran Bretaña mientras que por el
contrario en Francia la fotografía
progresaba rápidamente, merced a la
divulgación del daguerrotipo, las
aportaciones de Bayard y el resurgimiento
in crescendo de nuevos fotógrafos
espoleados por la magia del daguerrotipo.
El método consistía en la sensibilización de
un papel con nitrato de plata y ácido
gálico que era expuesto a la luz. Los
tiempos de exposición eran muy
superiores a los dibujos fotogénicos. Para
solucionar el problema Talbot recurrió a
pequeñas cámaras con una gran
apertura. Finalmente, se obtenía una
imagen latente revelada con sustancias
químicas; el positivo se conseguía
posteriormente tras bañar el negativo en
cera derretida. Tras tornarse transparente
por contacto y someterlo a la luz se
obtenía la imagen positiva.
Las ventajas frente al Daguerrotipo eran la
posibilidad de obtener múltiples copias, así
como la notable reducción de los tiempos
de exposición, ello permitía obtener
retratos en tiempos que oscilaban de uno
a tres minutos. Sin embargo, las imágenes
obtenidas eran poco nítidas y sin la
gradación tonal y riqueza del
Daguerrotipo.
La primera que imagen que obtuvo fue
con una cámara obscura que su esposa
denominó como “ratonera”. Era una
imagen negativa de una celosía de
Lacock Abbey de apenas dos centímetros
y medio, datada en agosto de 1835.
Celosía. Lacock Abbey. Henry Fox Talbot. 1835 National Museum of Photography/Science & Society Picture Library
10 UN AÑO DE FOTOGRAFÍA – fotografía clásica
The
Pencil of
Nature
El Lápiz de la Naturaleza, fue el primer
libro ilustrado fotográficamente publicado
por una editorial en seis volúmenes entre
1844 y 1846. En él las fotografías no se
hallaban “pegadas” sino impresas y
acompañadas de comentarios y pie
editorial. La fotografía era algo novedoso
y prácticamente desconocido en la
época; conocedor de la dificultad de su
comprensión, Talbot insertó en su libro la
siguiente nota:
¡Las placas de este trabajo están
impresionadas por la sola acción de la luz, sin
ningún tipo de ayuda del lápiz del artista! Son
imágenes propias obtenidas al Sol, y no,
como algunas personas han imaginado, graba
dos de imitación. ”
Talbot seleccionó con sumo
cuidado 24 imágenes , ofreciendo
una gran variedad de forma que
los múltiples usos que la fotografía
ofrecía quedaban plasmados en el
conjunto, así, desde escenas de
arquitectura, naturalezas muertas,
primeros planos, grabados, dibujos,
retrato, todo era susceptible ahora
de ser reproducido y divulgado
ampliamente. La fotografía se
presentaba como una nueva forma
documental y artística al tiempo, para ello,
el talento de Talbot fue decisivo al ilustrar
no sólo la utilidad de la impresión
fotográfica y su practicidad para la
fotomecánica, sino para el arte. Gracias
a su sentido artístico, compositivo, el lector
podía ahora disfrutar de unas imágenes
edificantes y armoniosas. Particularmente,
Talbot se mostraba entusiasmado con la
posibilidad de duplicar textos antiguos,
Portada de “The Pencil of Nature”
Placa nº 1: Queen’s college, Oxford
11 UN AÑO DE FOTOGRAFÍA – fotografía clásica
incunables ejemplares frágiles o únicos,
cuya reproducción permitía ahora su
estudio y conservación.
“Todo tipo de grabados pueden ser copiados
por el proceso fotográfico; y esta aplicación al
arte es muy importante, no sólo como método
de reproducción de copias facsímiles, sino por
permitir modificar la escala a voluntad y hacer
copias más grandes o pequeñas de los
originales, según se desee.”
Sun Pictures of Scotland
El Segundo libro
ilustrado de
Talbot fue
titulado Sun
Pictures in
Scotland y fue
publicado en
1845, en esta
ocasión
únicamente con las ilustraciones, esto es,
sin textos describiéndolas. Mientras que
The Pencil of Nature fue muy bien acogido
y ampliamente estudiado por la crítica y
los historiadores, Sun Pictures of Scotland
pasó ampliamente desapercibido. Sin
embargo, resultan evidentes las
intenciones artísticas de este volumen,
donde Talbot da rienda suelta a sus
inquietudes mostrando paisajes y escenas
pintorescas en línea con un proyecto
definido que representa un notable
precedente de la posterior aparición de
los libros de arte.
Loch Katrine. 1845
William Henry Fox Talbot
12 UN AÑO DE FOTOGRAFÍA – fotografía clásica
HIPÓLITO BAYARD
El tercero en liza: Hippolyte Bayard.
Inventor y fotógrafo nacido en Francia
el 20 de enero de 1801, murió el 14 de
mayo de 1887. Junto con
Niepce, Daguerre,William Fox
Talbot y Hércules Florence, está
considerado como uno de los padres de
la fotografía, sin embargo, resultó el
principal perdedor en la lucha por el
reconocimiento público de sus méritos en
favor de Daguerre. Funcionario del
Ministerio de Hacienda en Francia, hijo de
un juez de paz y empleado en una
notaria, frecuento ambientes bohemios,
tratando con pintores y actores,
mostrando interés por el Diorama y el
funcionamiento de la cámara obscura.
Sus investigaciones en la fijación de las
imágenes dieron los primeros resultados en
1830 por positivado directo sobre papel.
Sin embargo Daguerre se adelantó en dar
a conocer a la Academia de las Bellas
Artes su proceso imponiéndose el
daguerrotipo por su nitidez y estética. Ello
impulsaría a Bayard a reclamar el
reconocimiento de su descubrimiento. La
propia Academia reconoció el positivo
directo de Bayard, no obstante, frente al
daguerrotipo ofrecía “el aspecto de esos
dibujos de los antiguos maestros, un poco
ajados por el tiempo”, presentando a
juicio de los académicos un defecto de
precisión.
Fue miembro de la primera sociedad
fotográfica de
la historia,
fundada en
Francia en 1851
con la
denominación
de Sociedad
Heliográfica y
miembro de la
Sociedad
Francesa de Fotografía. El término fue
escogido por englobar el Daguerrotipo y
la Heliografía. Junto a Gustav Le Gray, Le
Secq y Mestral formó parte de la Misión
Heliográfica en 1851 diseñada para
fotografiar y permitir posteriormente
restaurar los grandes monumentos
históricos franceses. En la Sociedad
Heliográfica desempeñó el cargo de
secretario general formando parte del
primer consejo rector. Participó en
Londres en la Exposición Universal y Grupo de estatuas
1839-1840
13 UN AÑO DE FOTOGRAFÍA – fotografía clásica
organizó la primera exposición fotográfica
de la historia en 1839 para ayudar las
víctimas del terremoto de la isla de
Martinica. Más allá de su propio método,
se ejercitó con el daguerrotipo, calotipo,
colodión y la albumina, llegando a
producir más de seiscientas fotografías.
Dibujos fotogénicos
Desde 1830 obtuvo por positivado directo
reproducciones sobre papel mediante. A
diferencia de Daguerre que obtendría
imágenes únicas e irreproducibles.
Impregnando papel con sales de plata, al
ser expuestas al sol ennegrecían con el
motivo situado sobre, fundamentalmente,
plumas, telas, tallos, flores y hojas de
plantas que, al ser opacas, impedían el
paso de la luz, quedando a la postre
definida su silueta.
En comparación con el daguerrotipo, sus
dibujos adolecían de la gradación de
grises de aquél, caracterizándose
fundamentalmente por un contraste entre
blancos y negros que ofrecía un menor
detalle.
Dibujo fotogénico.
1837
Dibujo fotogénico.
1840
14 UN AÑO DE FOTOGRAFÍA – fotografía clásica
La primera mentira fotográfica
Como ha quedado apuntado, Bayard
trató de postular su proceso como una
alternativa válida al daguerrotipo. Así en
junio de 1840 envió a la Academia de
Ciencias de Francia una comunicación
donde brevemente explicaba su método.
Desilusionado, acaso despechado y
ofendido realizó una serie de tres
autorretratos en la que se inmortalizó a si
mismo ahogado, acompañados de una
texto manuscrito en el reverso de uno de
ellos, datado el 18 de octubre de 1840,
donde puede leerse:
“El cadáver del hombre que ven ustedes aquí es el del Señor
Bayard, inventor del procedimiento cuyos maravillosos
resultados acaban ustedes de presenciar. Según mis
conocimientos, este ingenioso e infatigable investigador ha
trabajado durante unos tres años para perfeccionar su
invención.
La Academia, el Rey y todos los que han vistos esos dibujos
que al él le parecían imperfectos, los han admirado como
ustedes lo hacen en este momento. Esto le ha supuesto un
gran honor, pero no le ha rendido ni un céntimo. El gobierno,
que había sido más generoso con el Señor Daguerre,
declaró que nada podía hacer por el Señor Bayard y el
desdichado se ha ahogado. ¡Oh veleidad de los asuntos
humanos! Los artistas, académicos y periodistas hace tiempo
que se ocupan de él, pero hoy, después de varios días
expuesto en el depósito de cadáveres, nadie lo ha
reconocido ni reclamado todavía. Damas y caballeros,
mejor será que pasen ustedes de largo por temor a ofender
su sentido del olfato, pues, como pueden observar, el rostro y
las manos del caballero empiezan a descomponerse.”
La imagen generó una enorme polémica.
La fotografía que había nacido como un
método para la representación de la
realidad, adquiría una nueva dimensión,
era susceptible de abrirse a la ficción, a la
imaginación del autor, podía ser
elaborada, diseñada, preconcebida,
manipulada. Podemos considerarla como
la primera fotografía íntima, el primer
desnudo, la primera imagen conceptual,
de ficción, el primer autorretrato e incluso,
la primera gran mentira fotográfica.
Bayard abría un nuevo campo de
experimentación, quizás desconocedor de
su transcendencia y posterior repercusión
en el momento de su concepción, la
imagen no ha perdido hoy en día un
ápice de originalidad, transcendencia y
significación.
Las virtudes estéticas, artísticas, pictóricas
e inventivas disponían de una nueva
herramienta al servicio del autor, de la
innovación, de la creatividad, incluso del
engaño, la mentira y la manipulación del
espectador. Paradójicamente una
escenificación recreada hace ciento
setenta años sigue hoy en día
absolutamente vigente, en una suerte de
regreso al pasado merced a las
pretendidas por algunos como “virtudes”
de la imagen digital.
Autoretrato como
hombre ahogado. 1840
15 UN AÑO DE FOTOGRAFÍA – fotografía clásica
SESION POWER POINT
(portofolios)
Cronología y aportaciones más importantes
• 1765 : Nacimiento de José Niépce en Chalon-sur Saône (mas tarde adoptará el
sobrenombre de Nicéphore)
• Su padre es abogado y consejero del rey .
• 1793: comienza a experimentar con la captura de imágenes. Consigue resultados
pero las imágenes desaparecen rápidamente.
• 1814: utiliza la piedra como soporte para fijar las imágenes, aunque desistió pronto
por los grandes problemas que acarreaba
• Continua con papel, cristal y, finalmente, con metales como el estaño, el cobre y
el peltre.
• La Heliografía: del griego Ηλιος, helios, «sol», y γραφια, grafía, «escritura» o «dibujo»
• 1829: colabora en la mejora de los procesos fotográficos con Louis Daguerre, y juntos
desarrollaron el fisautotipo, un proceso que utiliza aceite de lavanda.
• La asociación duró hasta la muerte de Niépce en 1833.
LA HELIOGRAFÍA
• Distingue entre:
• Heliograbados: reproducciones de grabados
• Puntos de vista: imágenes naturales captadas por la cámara.
• 1952 : los historiadores Alison and Helmut Gernsheim descubren “Vista
desde la Ventana de gras” . Actualmente se encuentra en el Harry Ransom
Center de la Universidad de Austin , Texas.
Cronología y aportaciones más importantes
• Pintor y decorador teatral , nacido en Francia, responsable del proceso
conocido como daguerrotipo. Impulsor de su reconocimiento y pionero en
su explotación comercial.
• Inventor del Diorama: modelo de representación tridimensional de paisaje
mostrando eventos históricos, naturaleza, ciudades, etc.
• 5 de diciembre de 1829: firma un contrato de sociedad con Niepce .
Reconoce que aquél "había encontrado un nuevo procedimiento para fijar,
sin necesidad de recurrir al dibujo, las vistas que ofrece la naturaleza“.
• 1835: por accidente coloca una placa expuesta en su armario químico y
encontró después de unos días, que se había convertido en una imagen
latente.
Cronología y aportaciones más importantes
• 1833: fallece Niepce y modifica el contrato suscrito. Se apodera del nombre
“daguerrotipo” a cambio de ceder derechos económicos al hijo de Niepce.
• 7 de enero de 1839: fallecido Niepce presenta públicamente el invento en la
Academia de las Ciencias en París.
• Perfecciona el procedimiento químico con el empleo del yoduro de plata y el vapor de
mercurio, así como con la disolución del yoduro residual en una solución caliente a
base de sal común.
• Consigue reducir el tiempo de exposición de horas a minutos.
• En 1837 obtiene el primer retrato : “Portrait d eMr. Huet”
• Desde 1839 se dedicó a promocionar el invento, obteniendo numerosos
reconocimientos así como la explotación comercial de las primeras cámaras
fotográficas comerciales numeradas y con su firma.
Boulevard du Temple - París - 1839
Cronología y aportaciones más importantes
• Inventor, arquéologo, botánico, filósofo, filólogo, matemático y político
británico.
• 1834: comienza sus experimentos con los denominados por él “dibujos
fotogénicos”
• 1835: obtiene el primer negativo usando la cámara obscura. Una imagen
de una celosía en su casa de Lacock Abey.
• 1839: ante los avances de Niepce, Daguerre y Bayard da un impulso a sus
investigaciones.
• 1840: obtiene notables avances y da a conocer públicamente su proceso
al que denomina “Calotipo”
• Publicado entre 1844 y 1846 el primer libro ilustrado con “fotografías”
de la historia y comercialmente distribuido.
• 24 calotipos que pretendían demostrar e ilustrar los múltiples usos de
la fotografía:
• Escenas de arquitectura, vida cotidiana, retratos, paisajes, etc.
• Cada imagen es acompañada de su propio texto, describiendo la escena
y el proceso para obtenerla
Cronología y aportaciones más importantes
• Funcionario francés del Ministerio de Hacienda, considerado como uno
de los “padres” de la fotografía.
• Miembro fundador de la “Sociedad Heliográfica” y de la “Sociedad
francesa de Fotografía”.
• 1839: organizó la primera exposición fotográfica de la historia.
• Desarrolló su propio método obteniendo positivos directos.
• Autor de la primera fotografía de “ficción”.
H. B. 18 de octubre de 1840
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fotografía clásica por José Carlos M. Robles
Fotografía clásica: un recorrido selectivo por la historia, una muestra de algunos de los fotógrafos más sobresalientes de la
historia, sus obras, trayectoria, influencia, compromisos, innovaciones y aportaciones más singulares
sesión
02
PETER HENRY EMERSON Los comienzos de la fotografía
Naturalista
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2 UN AÑO DE FOTOGRAFÍA – fotografía clásica
PETER HENRY EMERSON: LOS COMIENZOS DE LA FOTOGRAFÍA NATURALÍSTICA.
Peter Henry Emerson probablemente fue el fotógrafo naturalista
más destacado en los tempranos comienzos de la fotografía a
finales del siglo XIX. Con una sólida educación, múltiples intereses
en la vida y una envidiable fortaleza atlética ejercería una notable
influencia en los fotógrafos de su época y de generaciones
posteriores. Constituye, por tanto, una cita obligada en los azarosos
comienzos de la fotografía. Sus obras se erigen por méritos propios
como los primeros ejemplos que llevan a la fotografía a ser
considerada como una forma de arte.
En la municipalidad de La Palma, Cuba, el 13 de mayo de 1856
nace Peter Henry Emerson. Hijo de padre americano y madre
inglesa, pasó sus primeros años en una plantación de azúcar
propiedad de su padre en la caribeña isla. Tras la muerte de su
padre en 1869, se traslada a Inglaterra donde completa sus
estudios en el Cranleigh School, King’s College y en la Universidad
de Cambridge donde se gradúa en medicina en 1885.
Destacó como deportista en varias disciplinas atléticas, ejerciendo
como cirujano y disfrutando de actividades tan dispares como el
billar, la escritura y la meteorología. Su afición por la ornitología le
llevó a comprar su primera cámara fotográfica, probablemente en
1881. Cuatro años más tarde ingresaría en
el Camera Club de Londres y en 1886 sería
elegido miembro del Consejo de la Royal
Photographic Society, abandonando su
carrera como cirujano y dedicándose
desde entonces a la fotografía.
En 1881 se casó con Amy Ainsworth, fruto
del matrimonio nacerían sus cinco hijo. Dos
años más tarde viajaría a la ciudad costera de Southwold en
Suffolk. Es en este periplo viajero donde quedó embrujado por el
extraordinario paisaje de Norfolk Broads, una red de ríos navegables
y lagos de más de 200 kilómetros con una superficie de 203 km2. En
1885, regresaría a Southwold realizando un crucero por Norfolk
Broads; los próximos seis años concentraría su actividad fotográfica
en esta zona. En el crucero conoció al pintor Ingles Thomas
Frederick Goodall, con el que establecería una amistad y fructífera
colaboración artística en años sucesivos.
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Norfolk Broads
Norfolk y Suffolk Broads constituyen los
mayores humedales protegidos de Gran
Bretaña donde florece una rica fauna, en
la que pueden observarse aves acuáticas
como Ánades Realas, Fochas, Pollas de
agua, Somormujos, Garzas Reales y
rapaces como el Cernícalo y el Gavilán.
Probablemente, tan sólo limitaciones
técnicas, impidieron a Emerson obtener
fotografías de la abundante fauna en
todo su esplendor.
En 1886 vería la luz “Life and Landscape
on the Norfolk Broads”, un libro ilustrado
con fotografías obtenidas en la zona
fluvial, acompañada de textos y con la
colaboración de su amigo el pintor
Goodall. Las cuarenta fotografías
impresas, fueron seguidas de la edición
de dos nuevos libros con fotograbados.
En plena revolución industrial, alejado de
las zonas urbanas, Emerson captura
paisajes rurales de lugareños, escenas
campestres, de remeros y pescadores
que rememoran tiempos anteriores. Fruto
de esta dedicación, verían la luz cuatro
libros más.
Life and Landscape on the Norfolk
Broads (1886)
Pictures from Life in Field and Fen (1887)
Idylls of the Norfolk Broads (1888)
Pictures of East Anglian Life (1888)
La fotografía naturalista y el Pictorialismo
Los comienzos de la fotografía como
disciplina artística alcanzan su apogeo en
el siglo XIX con el Pictorialismo. El
Pictorialismo es una corriente fotográfica
que pretende rivalizar con la pintura
reclamando elevar la fotografía a la
categoría de ARTE. Para ello recurren a
emular técnicas propias de la pintura y el
grabado; utilizan algunas como el foco
suave, filtros y manipulaciones tanto en el
negativo como en el positivado en el
cuarto oscuro.
El Pictorialismo toma su nombre de la
obra de Henry Peach Robinson publicada
en 1869 “Pictorial Effect in Photography”.
Esta obra, donde el fotógrafo expone sus
teorías, ejercería una señalada influencia
en autores posteriores.
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4 UN AÑO DE FOTOGRAFÍA – fotografía clásica
Henry Emerson se alinea inicialmente en
la práctica pictorialista con la que se
siente identificado. Sin embargo, en 1889
publica una meritoria publicación que
inicia un cambio de tendencia:
Naturalistic Photography for Students Art.
El título es ya toda una declaración de
intenciones y se posiciona en una línea
claramente divergente a la establecida
por Peach Robinson cuyas obras
considera artificiales y sentimentalistas al
esforzarse por emular
los estilos de la
pintura.
Emerson fotografía
espacios naturales
de una forma
directa, sencilla,
espontánea,
enfocando con precisión el centro de la
escena y dejando con menor nitidez la
periferia de la imagen. Se acerca de este
modo a un punto de vista más natural,
más próximo a lo realmente percibido
por el ojo humano. Frente a éste punto
de vista, Peach Robinson objetaría:
“Los ojos humanos saludables nunca
ven parte alguna de la escena fuera
de foco.”
Por el contrario, Emerson en un alarde de
pasión, casi de misticismo naturalista,
escribe en “Naturalistic Photography”:
“Nada en la naturaleza tiene un contorno
duro, todo se observa frente algo, y los
contornos se desvanecen entre una y otra
cosa, a menudo de forma tan sutil que no
puede distinguirse donde termina uno
empieza otro. En esta mezcla de decisión e
indecisión, de pérdida y encuentro, se halla
todo el encanto y el misterio de la naturaleza”
Al tiempo, el perfeccionamiento
adquirido en su
técnica con las
placas le permite
realizar las suyas
propias,
desdeñando el
retoque y la
manipulación
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5 UN AÑO DE FOTOGRAFÍA – fotografía clásica
practicada por sus antecesores y
coetáneos. Como vemos, en plena
revolución digital la vieja polémica
subsiste hoy en día entre los defensores
de la imagen purista y sin retoques –only
raw- y los entusiastas paladines de la
edición digital, el fotomontaje y la
manipulación sin más límite que el
derivado de la informática. Emerson
siente que la fotografía como forma de
arte no requiere de artificios ni
manipulaciones hasta el punto de
afirmar:
“La
técnica
fotográfica es perfecta y no necesita
retoque … el proceso por que el que
una fotografía buena, mala o indiferente
se convierte en un mal dibujo o pintura.”
Pictures from Life in Field and Fen
En 1887 se publica Pictures from Life in
Field and Fen, obra que dedica a la
memoria de Nicéforo Niépce. En esta
ocasión Emerson declara en sus primeras
páginas: “El arte es un lenguaje y el arte
pictórico es la expresión por medio de
imágenes de lo que el hombre considera
bello en el mundo que le rodea.”
La edición de lujo estuvo limitada a 50
copias numeradas al coste 5.5 libras y la
edición ordinaria fue de 200 copias 1.2
libras cada una.
La muerte de la fotografía natural
Extrañamente, tras la publicación de
Naturalistic Photography, dos años más
tarde se produce una inflexión en su
pensamiento y considera que la
fotografía no puede aspirar a la
categoría de arte. En su escrito “ The
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6 UN AÑO DE FOTOGRAFÍA – fotografía clásica
Death of Naturalistic Photography (La
muerte de la fotografía natural) Emerson
afirma:
¨Las limitaciones de la fotografía son tan
grandes que, a pesar de que los
resultados en ocasiones ofrecen cierto
placer estético, el medio debe ocupar
siempre el lugar más bajo ente las artes.”
“Lo lamento profundamente, comparar
fotografías con grandes obras de arte, y
fotógrafos con grandes artistas, fue
temerario y desconsiderado y mi castigo
es tener que reconocerlo… En fin, me
rindo ante los que dicen que la fotografía
es un arte muy limitado. Lamento
profundamente haber llegado a esta
conclusión.”
Sin embargo, sus últimas fotografías
Plantas en el Pantano de 1895 y
Amanecer invernal alcanzan el cénit de
su obra, revelando una práctica más
intimista, una sutil delicadeza intimista en
la captura donde son latentes las
influencias pictóricas de Turner y los
prerrafaelitas.
Selección de Obras
Life and Landscape on the Norfolk Broads (1886)
Pictures from Life in Field and Fen (1887)
Idylls of the Norfolk Broads (1888)
Pictures of East Anglian Life (1888)
Naturalistic Photography for Students of the Art (1889)
Wild Life on a Tidal Water (1890)
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7 UN AÑO DE FOTOGRAFÍA – fotografía clásica
SESIÓN POWERPOINT
Los Comienzos de la Fotografía Naturalista
PETER HENRY EMERSON02
Los comienzos de la fotografía naturalistaPETER HENRY EMERSON
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Los comienzos de la fotografía naturalistaPETER HENRY EMERSON
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Cronología y aportaciones más importantes
• Nació en Cuba en 1856, en la plantación de caña de azúcar de su padre.
• En 1869 se trasladó a Inglaterra.
• En 1879 se titula en Medicina.
• En 1882 compra su primera cámara para ilustrar un tratado de ornitología.
• Fue cirujano, notable deportista, entusiasta de la fotografía, la meteorología,
gran naturalista y autor de novelas policíacas.
• En sus comienzos se revela la influencia ejercida por la obra “Pictorial Effect in
Photography” de Henry Peach Robinson.
Los comienzos de la fotografía naturalistaPETER HENRY EMERSON
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Cronología y aportaciones más importantes
• Su afición por la ornitología le llevó a comprar su primera cámara fotográfica,
probablemente en 1881.
• Cuatro años más tarde ingresaría en el Camera Club de Londres y en 1886 sería
elegido miembro del Consejo de la Royal Photographic Society, abandonando
su carrera como cirujano y dedicándose desde entonces a la fotografía.
• En 1881 se casó con Amy Ainsworth, fruto del matrimonio nacerían sus cinco
hijos.
• Defensor a ultranza de la fotografía natural , mantuvo encendidos debates en
defensa de sus ideas.
Los comienzos de la fotografía naturalistaPETER HENRY EMERSON
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Los comienzos de la fotografía naturalistaPETER HENRY EMERSON
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El Pictorialismo
• El Pictorialismo toma su nombre de la obra de Henry Peach Robinson
publicada en 1869 “Pictorial Effect in Photography”. Esta obra, donde el
fotógrafo expone sus teorías , ejercería una señalada influencia hasta finales
del Siglo XIX.
• Henry Peach Robinson :
o “Los ojos humanos saludables nunca ven parte alguna de la escena fuera de
foco.”
• Obras destacadas:
o Los Últimos Instantes 1858
o Un Día de Vacaciones en el Bosque. 1860.
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Pictures of
East Anglian Life
Sus fotografías ayudaron a cambiar la percepción de la fotografía en el siglo
XIX. En lugar de imitar a la pintura, Emerson pretende
producir "imágenes naturales” de la vida de campesinos y pescadores.
Sapo en el camino. 1888
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Pictures of East Anglian Life
•Norfolk Broads es una red de ríos navegables, diques, pantanos y lagos de más de
200 kilómetros con una superficie de 203 km2 .
•En 1885realiza un crucero por Norfolk Broads; los próximos seis años concentraría
su actividad fotográfica en esta zona.
•En el crucero conoció al pintor Ingles Thomas Frederick Goodall, con el que
establecería una amistad y fructífera colaboración artística en años sucesivos.
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Fotografía clásica: un recorrido selectivo por la historia, una muestra de algunos de los fotógrafos más sobresalientes , sus
obras, trayectoria, influencia, compromisos, innovaciones y aportaciones más singulares.
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NADAR: GASPARD-FÉLIX TOURNACHON
Retratos de vida
2 UN AÑO DE FOTOGRAFÍA – fotografía clásica
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GASPARD-FÉLIX TOURNACHON, NADAR: RETRATOS DE VIDA
Hombre bohemio, estudiante de pintura, periodista, aventurero,
empresario, activista político, ilustrador, caricaturista, piloto de
globos aerostáticos, carismático, con una desbordante simpatía
natural, talento y facilidad para las relaciones sociales (decía tener
5.000 amigos) , el ambicioso Nadar pasó de las penurias y azarosas
experiencias vitales entre pensiones parisinas y sus comienzos casi
adolescentes como periodista y dibujante de caricaturas en diarios
parisinos, a granjearse amistades entre burgueses, escritores y
pintores, llegando a la postre a descubrir la fotografía acaso, por
caprichos del destino, toda vez que su primer contacto con el
medio estaría dirigido a capturar escenas que facilitarán a
posteriori su trabajo como dibujante.
Gaspard-Félix Tournachon, nace el 6 de abril de 1820 en París y
fallece el 21 de marzo de 1910. Su vida transcurre en Lyon, desde
donde se traslada muy joven a París. Con 18 años adopta el
pseudónimo de Nadar y como otros provincianos llegados a la
capital, trata de ganarse la vida no sin abandonar sus aspiraciones
de progreso, fama y bienestar.
Nadar instalaría su estudio Boulevard de Capucines, en un edificio
con grandes ventanas y un espacioso, acristalado y luminoso ático.
Sobre la fachada, colocó un gran cartel con su nombre con
enormes letras rojas iluminadas con gas. El diseño era de Lumiére.
Por su estudio desfilaría lo más granado de la burguesía, artistas,
pintores, actrices, políticos, escritores y científicos para ser
retratados por el “pintor de la luz”. Las sesiones: minuciosamente
preparadas y con una cuidada iluminación. Nadar escribe: " El
sentido de la luz" y "la
apreciación artística de los
efectos producidos por la
variación y la combinación
de las fuentes de luz" son
asuntos que no pueden
aprenderse rápidamente y
sin esfuerzo, sino que, en su
caso a menos, eran parte
de sus dotes de artista.
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EL RETRATO
El retrato, una actividad
reservada a la pintura
hasta la aparición de la
fotografía, encontró en
este arte un nuevo
campo inexplorado y
abierto a la creatividad
de los incipientes
fotógrafos de la nueva
era. Hasta entonces, los
pintores acometían sus
obras por encargo de
casas reales, nobles y
burgueses adinerados
como forma mostrar su poder y distinción. La fotografía, ofrecía
ahora nuevas posibilidades a clases más modestas, y rápidamente
se produciría una eclosión de estudios y retratistas. Entre todos ellos,
Nadar se consagraría como el más grande retratista del Siglo XIX y
uno de los más destacados de la historia. Sus obras le separaban de
los criterios al uso en la época, distinguiéndose por su calidad
artística, la renuncia a cualquier tipo de manipulación, el atrezo
nada abigarrado y ampuloso, el rechazo a la práctica del
coloreado y a los fondos complejos y artificiales. Por el contrario, su
herramienta predilecta es el manejo de la luz, el gesto, la pose, la
mirada profunda que penetra la lente y revela la complicidad entre
artista y personaje.
Su foco se centra esencialmente en los rostros, realizando
fotografías de medio cuerpo y primeros planos, donde las manos
cobran un magistral protagonismo. El cuadro lo remata con escaso
mobiliario, apenas un sillón o una columna. Sus dotes para la
observación aprehendidas durante sus años como caricaturista le
impregnaron con una aquilatada experiencia que supo impregnar
en sus fotografías.
Entre los personajes que desfilaron ante su cámara podemos citar
a: Víctor Hugo, Charles Baudelaire. Alejandro Dumas, George Sand,
Julio Verne, Edgar Manet, Eugene Delacroix, Victor Hugo, Emile
Zola, Giuseppe Verdi, Gustave Courbet, Joseph Proudhon, Héctor
Berilos, etcétera. Sin embargo, sería la actriz Sarah Bernhardt la que
ocuparía el primer lugar entre ellos. Actriz de prestigio internacional,
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de ella dijo Mark Twain: “Hay cinco clases de actrices: las buenas,
las malas, las regulares, las grandes actrices y... Sarah Bernhardt”
Mujer temperamental,
empresaria, excéntrica,
caprichosa, llegó a
posar para ser retratada
en un ataúd en el que
gustaba dormir. Su
amistad con Nadar
supondría la creación
de algunas de sus
mejores obras,
habiendo posado
incluso desnuda para él.
Como puede apreciarse
en la imagen, intenta
trasladar, con grandes dosis de acierto, las poses de la pintura
clásica; sitúa la mano delicadamente apoyada en la mejilla y la
envuelve en ropajes que muestran su hombro desnudo, sugerente,
haciéndonos participes de su delicadeza, ternura y sensualidad
casi adolescente.
ILUMINACIÓN ARTIFICIAL – LAS CATACUMBAS DE PARÍS
Hombre inquieto e innovador, fue
de los primeros en utilizar la luz
artificial, incluso más allá de la
puesta al servicio de sus retratos.
Las Catacumbas y las cloacas de
París fuero objeto de varias
instantáneas donde la oscuridad
reinante le obligó a “pintar” con
luz la escena experimentando
con magnesio e incluso luz
eléctrica.
FOTÓGRAFO AÉREO
La historia depararía a Nadar otra proeza memorable. En 1856
realizaría las primeras fotografías aéreas de la historia desde un
globo aerostático. Su amistad con Julio Verne y su interés por los
globos aerostáticos le llevaron a construir, probablemente en 1863
“El gigante”, un enorme globo propulsado con una hélice, desde el
Catacumbas de París - 1860
Catacumbas de París - 1860
Sarah Bernhardt - 1864
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que intentó fotografiar París aún a riesgo de su vida y la de su
propia
esposa. El
fotógrafo
volador dio
lugar a
caricaturas e
intentos de
ridiculización
en la época:
“Nadar, el
fotógrafo
que elevó la
fotografía a
la categoría
de ARTE”.
Prontamente
el invento
despertó el interés militar, lo que le reportaría ser nombrado
comandante de una compañía de globos aerostáticos para
obtener fotografías durante la campaña militar contra los prusianos.
Le uniría una gran amistad con
Julio Verne, que pronto
alumbró una fuente de
inspiración en los avatares
aéreos de su célebre amigo,
hasta el punto de que, el
protagonista de su novela, “De
la Tierra a la Luna” publicada
en 1865, Michael Ardan
(anagrama de Nadar) , estuvo
inspirado en el propio Nadar.
Probablemente también se
basó en las aventuras se su
ilustre amigo para otra de sus
obras: “Cinco semanas en
globo”.
LOS IMPRESIONISTAS En 1874 su estudio en el
Boulevard des Capucines sería
testigo de un acontecimiento
París - 1858
Nadar – 1863
6 UN AÑO DE FOTOGRAFÍA – fotografía clásica
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histórico: el nacimiento del “Impresionismo”. Movimiento pictórico
de transcendencia universal, rompe con los temas clásicos de la
encorsetada pintura academicista y rinde pleitesía a la luz, las
escenas al aire libre, en las que el detalle y la forma definida
quedan relegados a un segundo plano, en favor de la pincelada
corta, los colores suaves y el recurso al puntillismo.
Este movimiento toma su nombre de la obra de Claude Monet,
“Impresión: “Soleil levant” de 1872, a partir de la cual el crítico de
arte Louis Leroy acuña el término
“Impresionista” de forma descalificativa
para referirse al grupo de autores.
LA PRIMERA ENTREVISTA
FOTOGRAFÍCA
El 5 de septiembre de 1886 en Le Journal
Ilustré se publica el que se considera como el primer fotorreportaje
de la historia. Doce instantáneas realizadas por su hijo, Paul Nadar,
son publicadas en la edición. El propio Nadar hace las veces de
entrevistador al protagonista de la historia, el centenario científico
francés Eugène Chevreul. En la portada de la publicación se inserta
un extraordinario retrato, completado por el reportaje en páginas
interiores donde se observa a Nadar y Chevreul en animada tertulia
en torno a una mesa dispuesta con un llamativo mantel a cuadros.
El 21 de marzo de 1910, fallece en París a los 90 años. Tras sí, para la
posteridad deja una obra conformada por unas 45.000 fotografías
sobre placas de vidrio al colodión, todas ellas en un período de
apenas seis años. Sus restos descansan en el cementerio de Père-
Lachaise, junto a otros ilustres: Edith Piaf, Chopin, Augusto Compte,
Marcel Proust, Oscar Wilde, Ingres, Max Ernst, Balzac …
Retrato de Eugène Chevreul. Paul Nadar
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(SESIÓN POWERPOINT)
03Retratos de Vida
FÉLIX GASPAR TOURNACHON
Retratos de VidaGASPAR-FELIX TOURNACHON
03
Retratos de VidaGASPARD – FÉLIX TOURNACHON
03
Cronología y aportaciones más importantes
• Nace en Paris el 6 de abril de 1820 en París y fallece el 21 de
marzo de 1910.
• Su juventud transcurre en el ambiente bohemio parisino.
• Estudiante de pintura, periodista, aventurero, empresario, activista
político, ilustrador, caricaturista, piloto de globos aerostáticos,
carismático, con una desbordante simpatía natural, talento y
facilidad para las relaciones sociales (decía tener 5.000 amigos)
• Con 18 años adopta el pseudónimo de Nadar.
Los comienzos de la fotografía naturalistaPETER HENRY EMERSON
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Cronología y aportaciones más importantes
• Encuentra la fotografía un medio para su trabajo como caricaturista:
“El Panteón” , 250 personajes célebres de París.
• Retrata amigos y familiares en sus comienzos.
Retratos de VidaGASPARD – FÉLIX TOURNACHON
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• Encuentra la fotografía un medio para
su trabajo como caricaturista: “El
Panteón” , 250 personajes célebres de
París.
• Instalaría su estudio Boulevard de
Capucines. En la fachada un letrero
con su nombre en grandes letras rojas
se iluminaría por la noche.
Cronología y aportaciones más importantes
• El primer fotógrafo aéreo. Fotografía París desde un globo aerostático.
Retratos de VidaGASPARD – FÉLIX TOURNACHON
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• Utiliza por primera vez la iluminación
artificial.
• Grandes personajes de la época se
retratan en su estudio: Víctor Hugo,
Charles Baudelaire, Alejandro Dumas,
George Sand, Julio Verne, Edgar Manet,
Eugene Delacroix, Victor Hugo, Emile Zola,
Giuseppe Verdi, Gustave Courbet,
Giacomo Rossini …
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5 DE SEPTIEMBRE DE 1886
Le Journal Ilustré publica el que se considera como el primer
fotorreportaje de la historia.
Se publican doce instantáneas realizadas por su hijo, Paul Nadar.
Los comienzos de la fotografía naturalistaPETER HENRY EMERSON
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El propio Nadar hace las veces de entrevistador al protagonista de la
historia, el centenario científico francés Eugène Chevreul.
En la portada de la publicación se inserta un extraordinario retrato.
En páginas interiores se observa a Nadar y Chevreul en animada
tertulia en torno a una mesa dispuesta con un llamativo mantel a
cuadros.
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Retratos de VidaGASPARD – FÉLIX TOURNACHON
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Retratos de VidaGASPARD – FÉLIX TOURNACHON
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UN AÑO DE FOTOGRAFÍA – fotografía clásica
fotografía clásica por José Carlos M. Robles
Fotografía clásica: un recorrido selectivo por la historia, una muestra de algunos de los fotógrafos más sobresalientes , sus
obras, trayectoria, influencia, compromisos, innovaciones y aportaciones más singulares.
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El fotógrafo de París:
EUGÈNE ATGET
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EUGÈNE ATGET
Atget, el hombre, el fotógrafo, fue testigo y el notario de excepción
de los extraordinarios cambios que acontecieron en el París de
finales del siglo XIX y comienzos del XX. La revolución industrial, la
construcción del nuevo París, el Imperio de Napoleón III y el barón
Haussman, la primera guerra mundial. No cabe duda que su vida
transcurrió en una etapa agitada, transcendental, deicidamente
renovadora de las artes y de la propia ciudad. El París medieval, sus
callejuelas, sus barrios, sus murallas, sus oficios callejeros, dejaban
paso a una remodelación impulsada por Napoleón III y diseñada
por el Barón Georges-Eugène Haussman.
La suciedad, calles inseguras, insalubridad, dificultad de tránsito, la
necesidad de renovación del comercio en una sociedad más
industrial y competitiva propició una serie de cambios en la
fisonomía parisina. Afortunadamente, el genio de Atget, con sus
largos paseos, sus viajes en metro y sus fotografías regalaría a las
generaciones venideras con un archivo de imágenes inigualable.
Jean Eugène Auguste Atget nace el 12 de Febrero de 1857 en
Libourne (Francia). Su biografía nos dice que poco se sabe de su
vida. Tras quedar huérfano
fue criado por sus abuelos
en Burdeos. De joven se
enrola como marino en
barcos mercantes, llegando
a viajar rumbo a Uruguay.
Se afinca en París en 1878.
Su vocación artística se
expresa en su interés por el
teatro, consagra a ello sus
esfuerzos y sus años de
juventud estudiando en el
Conservatorio Nacional de Música y Drama. Su fracaso como actor
le hace inclinarse hacia la pintura, terreno en el la suerte no le
sonríe.
En torno al año 1888 decide establecerse como fotógrafo
profesional, su experiencia como pintor fracasado le otorga una
“cartera” de clientes a los que ofrecer sus fotografías, sus imágenes,
que él denomina “documentos para artistas”.
Atget por Berenice Abbot - 1927
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UN AÑO DE FOTOGRAFÍA – fotografía clásica
DOCUMENTOS PARA ARTISTAS
En la puerta de su casa en la Rue de
Campagne-Premiere en el barrio de
MontParnasse, una placa anuncia su
trabajo:
“Eugène Atget: documentos para artistas,
paisajes, animales, flores, monumentos,
reproducciones de grabados,
documentos, primeros planos. Desde
entonces se dedica a suministrar
instantáneas a los pintores de la época, su
experiencia previa como pintor le advierte
de la oportunidad de ofrecer motivos que
captura con su cámara, el los considera
meros documentos para artistas y no obras
de arte.
El París medieval, las callejuelas
abandonas, viejos barrios,
escaparates reluciente,
interiores, pequeñas
empresas, comerciantes
callejeros, todos son objeto
de la mirada crítica del
genio. Sorprende la
importante producción de
obras de escaparates, al
respecto cabe destacar la
profunda transformación que
en dicho sentido está
cobrando la ciudad. Los escaparates se
convierten en un signo de desarrollo,
prosperidad y distinción, proliferando los
fotógrafos que se dedican a su captura en
base a la fuerte demanda existente.
Unos años antes, el Congreso mundial de
fotografía había establecido las relaciones
entre diafragmas y tiempos de exposición.
Atget decide seguir con su vieja cámara y
confía sus fotografías a su talento, su
experiencia y probablemente sus
anotaciones personales. A pesar de los
progresos del medio y la existencia de
nuevas y mejores cámaras sigue
cargando con su pesado equipo y
utilizando el papel de albúmina para sus
revelados lo que confiere un característico
tono amarillo y brillante a sus impresiones.
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LA RUTINA DE ATGET
Con una cámara de fuelle con placas de
vidrio de 18 x 24 se desplaza por las
callejuelas a primeras horas de la mañana.
Ello se debe fundamentalmente a dos
motivos: de un lado las condiciones de luz
que probablemente satisfacían las
necesidades y gustos del autor; en
segundo lugar las demandas de sus
clientes requerían imágenes despejadas,
sin gente.
En sus motivos arquitectónicos muestra
una gran visión para la perspectiva y le
preocupa la convergencia de las líneas
verticales. Para evitarlo desplaza el
objetivo e inclina ligeramente la
cámara hacia arriba, ello provoca
ligeros bordes negros en la parte
superior de algunas de sus fotografías.
No obstante, Atget no se molesta por la
aparición de tales defectos, su
concepto de fotografía no guarda
relación con las consideraciones
artísticas posteriores en torno a su obra.
De vuelta a su estudio contaba con la
inestimable colaboración de su esposa en
el proceso de revelado en su titánica
tarea.
A lo largo de su vida coleccionó una
ingente cantidad de fotografías del viejo
París que se ve interrumpida por la llegada
de la primera Guerra Mundial. Atget
interrumpe su producción y se dedica a
clasificar sus colecciones.
Brocanteur 38- R rue Descartes 1909
Au Tambor 63 - 1908
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LAS COLECCIONES DE PARÍS
A partir de 1912 crece el interés de Atget
por su obra, su clasificación y su
publicación. Se consagra a la tarea y
muestra interés en aspectos editoriales. Su
magna obra comprende las siguientes
series:
• Paisajes y documentos: se divide en
varias subseries: paisajes, plantas,
animales y los documentos de la
Granja.
• La vieja Francia: incluye imágenes
tomadas en diferentes ciudades del
país.
• Vestuario y arte religioso: consiste en la
reproducción de copias, incluidos los
fondos derivados Gaignères.
• París pintoresco: Comienza la serie a
partir de 1898, se interrumpe y
reanuda posteriormente en 1910.
• Arte en el París antiguo: comenzó en
1898 y fue completada en 1927,
poco antes de la muerte del
fotógrafo. Incluye iglesias, fachadas,
balcones, puertas, patios y escaleras
como elementos decorativos.
• Entorno: comienza en 1901. A partir de
1902 Atget sigue los pasos de Corot y
fotografía los lugares visitados por el
pintor. A partir de 1922 se concentró
en el norte y el este de París.
• La topografía del viejo París: realizada
entre 1906 y 1915, Atget fotografió
las calles del viejo París
sistemáticamente distrito por distrito.
• Interiores de París: reúne diversas series
sobre los parques y jardines: Las
Tullerías, St. Cloud, Versalles, …
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LOS DESNUDOS EN LA FOTOGRAFÍA DE
ATGET
En la
producción
del
fotógrafo
resulta
curioso
descubrir
una serie
de
desnudos realizados en torno a 1921. El
autor que se había dedicado a vender
obras a pintores, muestra aquí otras
inquietudes, que suscitan la duda:
¿Son documentos para artistas? O como
sugiere el Museo de Orsay al ocuparse de
estas obras: ¿Acaso sean un encargo de
André Dignimiont para un libro sobre
prostitutas? Finalmente, podemos
preguntarnos: ¿Son un resultado de
nuevos caminos, nuevas realidades que
despiertan el interés por la vertiente
artística del autor?
Los trabajos en este campo se
circunscriben apenas a tres fotografías de
mujer y sorprendente desnudo masculino.
Una de las imágenes puede apreciarse en
el Museo de Orsay. Otras dos fotografías
de desnudo femenino se encuentran en
los fondos del Museo de Fotografía de
Rochester y la colección Bokelber de
Hamburgo.
Quai D’Anjou – 1924 . 06.00 horas a.m.
Desnudo de espalda interior 1921
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EL LEGADO DE ATGET Y BERENICE
ABBOT
La brevedad de este trabajo y sus
minimalistas pretensiones, no impiden
dedicar las últimas líneas a la labor en pro
del conocimiento de Atget realizada por
una incipiente fotógrafa en los albores del
siglo XX.
Poco antes de la muerte de Atget, una
escultora estadounidense estudiante en
Berlín y París, es contratada como
ayudante por el fotógrafo Man Ray.
Gracias a éste, Abbot descubre fascinada
la obra de Atget y, finalmente llega a
conocerlo en 1927. Atget, viudo desde un
año antes, se encuentra profundamente
desconsolado y abatido pero accede a
ser retratado por Abbot que, a la postre
realiza una serie de tres retratos que nos
muestran a un hombre consumido, enjuto,
triste, con los hombros caídos y el camino
andando. Poco después, muere, al
parecer de tristeza, sin poder apreciar las
fotografías tomadas por Berenice. A su
muerte, Abbot adquiere unos 10.000
negativos y se dedica a la difusión de la
obra de Atget, especialmente en Estados
Unidos donde es considerado un maestro.
Alcanza entonces el reconocimiento
internacional incluso antes que en su
propio país.
El 4 de agosto de 1927, muere Eugène
Atget. En palabras de su biógrafo Jean
Leroy: “El día en que murió Atget, París
estuvo de duelo sin saberlo”.
Atget por Berenice Abbot - 1927
Berenice Abbto por Man Ray – 1921
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(SESIÓN POWERPOINT)
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El fotógrafo de ParísEUGÈNE ATGET
“Es temprano. París está tranquilo al amanecer. Las callejuelas
húmedas se despiertan lentamente tras el letargo nocturno. Con
las primeras luces del día, un hombre enjuto y entrado en años,
como cada mañana, carga un pesado equipo y camina calle
abajo. Unos metros más adelante se detiene frente a un
escaparate en el Boulevard de Strasbourg. Observa la escena y se
recrea unos instantes.
Despliega en breve tiempo su aparataje: un trípode vetusto, una
deslucida cámara de madera y al poco la captura está hecha. Su
proceder ha sido metódico, estudiado, pausado y reflexivo.
El fruto: un imagen que él considera un mero documento para
artistas.”
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El fotógrafo de ParísEUGÈNE ATGET
Berenice Abbott - 1927
Cronología y aportaciones más importantes
• Jean Eugene Auguste Atget nace 2 de febrero de 1857 en la ciudad francesa de Libourne.
• Comenzó la fotografía en 1888 y 1890, comenzó a hacer autodidacta material fotográfico para
los artistas. En sus comienzos realiza de fotografías paisajes y plantas.
• Una placa colocada en la fachada de su casa en 1892, describe su trabajo:
“Paisajes, animales, flores, monumentos, documentos, planes iniciales para los
artistas, arte, viajes de colección no es en el comercio.“
• Huérfano a los cinco años, fue marino, estudiante de arte dramático, actor.
Tras abandonar el teatro, se dedica a la pintura, actividad en la que no destaca
por su talento. Decide entonces cultivar la fotografía.
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Colecciones de E. Atget:
• Paisajes y documentos: se divide en varias subseries: paisajes, plantas, animales y los documentos de la Granja.
• La vieja Francia: incluye imágenes tomadas en diferentes ciudades del país.
• Vestuario y arte religioso: consiste en la reproducción de copias, incluidos los fondos derivados Gaignères.
• París pintoresco: Comienza la serie a partir de 1898, se interrumpe y reanuda posteriormente en 1910.
• Arte en el París antiguo: comenzó en 1898 y fue completada en 1927, poco antes de la muerte del fotógrafo. Incluyeiglesias, fachadas, balcones, puertas, patios y escaleras como elementos decorativos.
• Entorno: comienza en 1901. A partir de 1902 Atget sigue los pasos de Corot y fotografia los lugares visitados por elpintor. A partir de 1922 se concentró en el norte y el este de París.
• La topografía del viejo París: realizada entre 1906 y 1915, Atget fotografió las calles del viejo París sistemáticamentedistrito por distrito.
• Interiores de París: reúne diversas series sobre los parques y jardines: Las Tullerías, St. Cloud, Versalles, …
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“Fotografía de Arte - Mosesco “
Fotograbados – 5 Francos
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Entre los trabajos de Atget, se cuenta
con unas fotografías de desnudos.
El propio Museo de Orsay, en su web
publica una de las imágenes y se
pregunta:
¿Son estas imágenes documentos
para artistas o forman parte de un
encargo de André Dignimiont para un
libro sobre prostitutas?
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• Art Institute of Chicago
• George Eastman House Collection
• J. Paul Getty Museum
• Museo de Orsay
• Museo de Bellas Artes de Boston
• Moma
• National Gallery of Art USA
• Biblioteca Nacional de Francia
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fotografía clásica por José Carlos M. Robles
Fotografía clásica: un recorrido selectivo por la historia, una muestra de algunos de los fotógrafos más sobresalientes , sus
obras, trayectoria, influencia, compromisos, innovaciones y aportaciones más singulares.
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Arte oculto en las plantas
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Arte oculto en las plantas
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KARL BLOSFFELDT
Si hay un referente en la fotografía de plantas como máxima
expresión de su virtualidad artística, ese es sin duda Karl Blossfeldt.
En 1881 un joven estudiante, escultor y aprendiz de modelado se
inicia en una titánica tarea que se traducirá en un inmenso archivo
fotográfico dedicado en exclusiva a las planta. Se me antoja una
osadía escribir unas modestas líneas sobre alguien con semejante
talento y sobre el que se ha escrito abundantemente. No es
arriesgado afirmar, que los fotógrafos de naturaleza y,
especialmente los dedicados a la macrofotografía que ignoren
datos sobre su vida y obra, al profundizar en su conocimiento
hallarán en él un referente y una fuente de inspiración.
Karl Blossfeldt nace en Schielo (Harz) Alemania el 13 de
junio de 1865. Su instrucción académica se orienta desde joven
hacia las artes estudiando
escultura, modelado y
dibujo en el Museo Real
de Artes Aplicadas en
Berlín. Contrariamente a lo que
podría sugerir su obra, su trabajo no estuvo
consagrado a la botánica, sino
que esta constituyó un medio
para expresar sus inquietudes
artísticas. Una actividad
contemplativa y de minuciosa
observación en sus años de
estudiante le cautivó,
otorgándole una visión que
permanecerá desde entonces
impresa en su retina. Sus
comienzos en el taller de modelado le permiten experimentar con
el metal: puertas y rejas se ven adornadas con motivos vegetales.
En el Instituto de Berlín entra en contacto con Moritz Meurer,
profesor, pintor y dibujante dedicado a la enseñanza que ejercería
una gran influencia en Blossfeldt. Meurer recibe el encargo de
desarrollar un nuevo método de enseñanza para establecer nuevas
estrategias competitivas en el ámbito comercial del diseño
industrial tras los resultados de Alemania en las Exposiciones
Universales.
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Arte oculto en las plantas
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Meurer se propone utilizar
representaciones de plantas y motivos
ornamentales para el trabajo de artesanos
y fabricantes, dedicándose a reunir una
vasta colección de motivos basados en la
observación de la naturaleza como
fundamento del arte.
En 1890 viaja a Roma con seis ayudantes,
uno de ellos es Karl Blossfeldt que ha
obtenido una beca. En su periplo de siete
años por Italia, Grecia y el norte de África.
Comienza su catálogo de fotografías y
muestras de ejemplares botánicos para el
profesor Meurer. Cada planta se cataloga
y clasifica según su tipo. Muchos
ejemplares se dejan secar y conservan en
vitrinas para servir al proceso del posterior
modelado. De regreso
a Berlín, finalmente se
dedica a la docencia en
la Escuela de Artes donde
había estudiado. Imparte
durante 31 años la
asignatura “Modelado
según plantas vivas”.
LA PREPARACIÓN DE LA TOMA
Blossfeldt por lo general buscaba sus flores
en el campo, caminos de tierra,
terraplenes y lugares por donde pasea.
Frecuenta también el jardín botánico de
Berlín. Las plantas que recolecta son
“malas hierbas”, ejemplares que él
denomina “proletarios”. Ante su cámara
cobran una nueva dimensión, y nos
muestra su convicción de que los
ejemplares más hermosos, las formas más
bellas, son las de las plantas más
injustamente tratadas. Habitualmente
cortaba las plantas que solía fotografiar,
diseccionándolas, como un metódico
cirujano, en partes más pequeñas hasta
seleccionar el motivo deseado. Algunas
de sus exposiciones muestran diversas
tomas de idéntico motivo con ligeras
variaciones, flores desprovistas de sus
sépalos, semillas, etcétera, ofreciéndonos
series completas de las distintas fases de
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Arte oculto en las plantas
KARL BLOSFFELDT
crecimiento en un proceso que sugiere la
búsqueda del arquetipo de planta.
El trabajo desarrollado para captar las
imágenes con su
cámara viene
precedido por una
minuciosa
preparación del
ejemplar. Tras la
elección de la planta
y su preparación, la fija en
ocasiones con masilla, alfileres,
pequeñas
estacas de
madera y
fondos
preparados de
papel
consistente.
Cuando ello no es posible opta
por fotografiar la planta en su
entorno colocando láminas, lonas o
tarjetas como fondo en los propios
parques y jardines, elementos que sujeta
con hilos. En ocasiones incluso utiliza
láminas de cristal cuya presencia queda
delatada por reflejos visibles en algunas de
sus obras.
BLOSFFELDT Y LA NUEVA OBJETIVIDAD
En torno a 1920 nace en Alemania un
nuevo movimiento artístico: “La Nueva
Objetividad” como rechazo al
expresionismo. Esencialmente se trata de
una corriente que preconiza una
renovación estética y ética, un abandono
del romanticismo, el sentimentalismo y la
huída del Pictorialismo. Entre sus máximos
exponentes podemos citar a: Karl
Blossfeldt, Albert Renger-Patzsch, John
Heartfield y August Sander. En Estados
Unidos con unas ideas afines a esta
corriente se encuentran Paul Strand,
Edward Weston, Imogen Cunningham,
Ansel Adams y Walker Evans.
Sin embargo, el pretendido alineamiento
de Blossfeldt con este movimiento dista de
ser cuestión pacífica. Sus imágenes al
parecer de algunos autores, parecen
quedar fuera de esta nueva corriente de
expresión.
Su trabajo adquiere una dimensión
estética y documental al servicio de la
ciencia, de las artes y la docencia. En su
carrera fotografió más de seis mil plantas,
en su mayoría desde arriba, frontalmente y
en ángulos de 90 º. La luz natural se
aporta por la proximidad de una ventana.
Blossfeldt parece explorar el camino del
minimalismo, la sencillez, reducción de los
elementos y las formas que conducen a
una riqueza inigualable. Las fotografías
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Arte oculto en las plantas
KARL BLOSFFELDT
como único título recogen las
denominaciones en latín de las plantas.
Otros autores han querido ver en Karl una
línea surrealista, en la que nos muestra
cosas imperceptibles a simple vista, un
mundo diminuto e infinito de proporciones
áureas. Paradójicamente, en contra de
sus propias intenciones parece convertirse
en un artista de vanguardia.
El impacto de
Blossfeldt en sus
contemporáneos se
produce tras la
publicación en 1928
de su obra “Formas originales
del Arte”. La abstracción y las formas
geométricas pasan a un primer plano, en
línea con los postulados artísticos
defendidos por Lászlo Moholy-Nagy desde
su tribuna como profesor en la Bauhaus.
LA OBRA DE BLOSSFELDT.
Apenas un centenar de fotografías nos
han llegado de las más de seis mil que
llegó a realizar. Sus series fotográficas, tal y
como ha quedado apuntado, constituyen
para él un recurso para la docencia. No
las consideraba como obras autónomas.
Sus libros le dieron fama universal hasta
otorgarle un lugar privilegiado en la
historia de la fotografía.
En 1928 vería la luz el libro “Formas
originales del Arte”, una cuidada
publicación que enfatiza la relación entre
arte y naturaleza como nunca antes se
había mostrado. Nos descubre un
universo en lo diminuto, que bien pudiera
ser inspirador de columnas góticas,
capiteles, enrejados, torres, cúpulas
caprichosas, enrejados, puertas
fantásticas, etc.
Posteriormente, en 1932 y 1942 se
publicarían “El Maravilloso Jardín de la
Naturaleza” y “Prodigios de la Naturaleza”.
En el prólogo del primero de ellos,
Blossfeldt al respecto de sus intenciones
escribe:
“Nos es mi intención dar interpretación
alguna a los documentos fotográficos que
aquí se exhiben. Los comentarios prolijos
perturban la fuerte impresión que las fotos
ejercen sobre el observador”
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Arte oculto en las plantas
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En el mismo prefacio, nos ilustra sobre sus reflexiones sobre la
naturaleza y el arte:
El 9 de diciembre de 1932 muere Karl Blossfeldt, una mente
prodigiosa que nos descubrió: “El arte oculto en las plantas”.
“Sólo de la inagotable fuente de la eterna juventud que e s la naturaleza, de la que han bebido los
pueblos de todos los tiempos, puede el arte tomar una energía y un estímulo nuevos para desarrollarse
sanamente. La planta ha de considerarse como una estructura auténticamente artística y
arquitectónica….
En este sentido, la naturaleza – que ejerce sin descanso su oficio de constructor – es nuestra mejor
maestra, no solo en el arte, sino también en el campo de la técnica. Educa a la belleza y a la interioridad
y es una fuente del placer más noble.”
Karl Blossfeldt – Autorretrato. 1895
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El fotógrafo de ParísEUGÈNE ATGET
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Cronología y aportaciones más importantes
• Karl Blossfeldt nace en Schielo (Harz) Alemania el 13 de junio de 1865 y muere 9 de
diciembre de 1932 .
• Hijo de un agricultor y director de orquesta, desde pequeño comienza a dibujar plantas y
animales que observa en el jardín de su padre.
• Tras acabar sus estudios de bachillerato elemental comienza a trabajar como aprendiz en
la fundición artística de la industria siderúrgica de Mägdesprung.
• Obtiene una Beca y completa su formación académica en el Instituto de Artes Aplicadas
de Berlín bajo la tutela del profesor Moritz Meurer.
• Como ayudante de Meurer viaja a Roma, Grecia y norte de África donde comienza a
recolectar, clasificar y catalogar flores y plantas.
El fotógrafo de ParísEUGÈNE ATGET
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• Profesor, pintor y dibujante dedicado a la enseñanza que ejercería
una gran influencia en Blossfeldt.
• Recibió el encargo de desarrollar un nuevo método de enseñanza
para establecer nuevas estrategias competitivas en el ámbito
comercial del diseño industrial tras los resultados de Alemania en
las Exposiciones Universales.
• Blossfeldt consigue una Beca y viaja con Meurer como colaborador
por Roma , Grecia y el Norte de África.
• Comienza su catálogo de fotografías y muestras de ejemplares
botánicos para el profesor Meurer.
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Moritz Meurer:
Manual de Estudio, estípulas y zarcillos
Dibujo a lápiz, Museo de Waldenburg
• H. Moritz Trautmann para Meurer: Crisantemo
parthenium.
• Tallos con hojas, 1891/1892, precipitaciones más galvanoplásticas
Forma natural en la base de madera, 30,0 x 32,0 x 11,5 cm.
El fotógrafo de ParísEUGÈNE ATGET
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• La búsqueda de plantas y flores: caminos, terraplenes… en busca de plantas “proletarias”
de malas hierbas que según él eran los ejemplares más bellos.
• Prepara los ejemplares metódicamente. Los corta, secciona, seca desmenuza y prepara
para sus composiciones sobre fondos neutros y con iluminación natural.
• No se considera a sí mismo un fotógrafo. Sus obras sirven como instrumento para sus
clases de modelado.
• Durante 31 años imparte la asignatura “Modelado según plantas vivas”
El fotógrafo de ParísEUGÈNE ATGET
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• Blossfeldt por lo general buscaba sus flores en el campo, caminos de tierra, terraplenes y
lugares por donde pasea. Frecuenta también el jardín botánico de Berlín.
• Las plantas que recolecta son “malas hierbas”, ejemplares que él denomina “proletarios”.
• Cada planta se cataloga y clasifica según su tipo. Muchos ejemplares se dejan secar y
conservan en vitrinas.
• Se sirve de alfileres, pequeñas estacas, masillas, fondos neutros e incluso láminas de cristal.
• Cuando no es posible trabajar en su estudio lo hace en el entorno colocando láminas, lonas o
tarjetas como fondo en los propios parques y jardines.
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Obras:
• “Formas Primigenias (originarias) del Arte”, 1928.
• “El Maravilloso Jardín de la Naturaleza”, 1932.
• “Prodigios de la Naturaleza”, 1942.
• En el prólogo del primero de ellos, Blossfeldt al respecto de sus intenciones escribe:
“Nos es mi intención dar interpretación alguna a los documentos fotográficos que aquí se exhiben. Los comentarios prolijos perturban la fuerte impresión que las fotos ejercen sobre el observador”
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En 1928 vería la luz el libro “Formas originales del Arte”,
una cuidada publicación que enfatiza la relación entre
arte y naturaleza como nunca antes se había mostrado.
En ella nos descubre un universo en lo diminuto, que
bien pudiera ser inspirador de columnas góticas,
capiteles, enrejados, torres, cúpulas caprichosas,
enrejados, puertas fantásticas, etc.
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La fotografía se torna especialmente documental y científica. La naturaleza,
lo cotidiano, los objetos, el detalle, ... adquieren una nueva dimensión como
temas fotográficos. La imagen ha de ser clara, nítida, técnicamente perfecta,
lo que suscita un especial interés en los aspectos técnicos y las leyes ópticas.
Lo que prima es la capacidad del fotógrafo de seleccionar y encuadrar la
realidad: la mirada del artista es lo importante; los procesos de laboratorio
pasan a un segundo plano.
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UN AÑO DE FOTOGRAFÍA – fotografía clásica
fotografía clásica por José Carlos M. Robles
Fotografía clásica: un recorrido selectivo por la historia, una muestra de algunos de los fotógrafos más sobresalientes , sus
obras, trayectoria, influencia, compromisos, innovaciones y aportaciones más singulares.
sesión
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Pictorialismo & Straight Photography
ALFRED STIEGLITZ
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Arte oculto en las plantas
KARL BLOSFFELDT
ALFRED STIEGLITZ
Una vez alguien le preguntó: ¿Como aprende un fotógrafo? Alfred
contestó en menos de un segundo: “Mirando”. No cabe duda de
que hablaba la voz de la experiencia, su mirada y buen juicio
fotográfico quedó patente en sus obra que le sitúan entre los
fotógrafos más relevantes de la historia.
Stieglitz es apellidado con frecuencia como “el padre de la
fotografía moderna” al haberse erigido, por méritos propios, como
el más fervoroso defensor de la fotografía como forma de arte,
contribuyendo a la expansión no sólo de la fotografía en
Norteamérica, sino al conocimiento y divulgación de otras formas
de expresión como la pintura y la escultura, estableciendo puentes
entre la vieja Europa y la vertiginosa América de principios del siglo
XX.
Hijo de inmigrantes judíos
alemanes, Alfred Stieglitz
nace en 1864 en New
jersey. El ambiente familiar
se desarrolla al este de
Manhattan junto con sus
seis hermanos.
Estudia en el Instituto
Charlier, la mejor escuela
de New York, hasta 1881
año en que su familia se
traslada a Alemania. Allí estudia Ingeniería mecánica. Pronto
cambia sus estudios por los de fotografía y comienza a recorrer
Europa gracias a una cuantiosa asignación de su padre que
asciende a 1200 dólares mensuales. En estos años se dedica a
recopilar y leer con profusión libros de fotografía que educan su
pensamiento. Toma fotografías de escenas rurales y campesinas de
la Selva Negra y los Países Bajos, así como escribe artículos para
revistas sobre aspectos técnicos y estéticos.
“La habilidad para realizar una fotografía verdaderamente
artística no se adquiere por casualidad, sino por el resultado de
un instinto artístico combinado con años de trabajo”
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Arte oculto en las plantas
KARL BLOSFFELDT
En 1887, con la fotografía “La última broma, Bellagio”, obtiene el
primer premio en el concurso anual de la prestigiosa revista
británica “Amateur Photographer”. El fotógrafo naturalista Peter
Henry Emerson, Presidente del Jurado, le entrega el premio. Al año
siguiente se haría con el primer y segundo premio.
EL PICTORIALISMO
Como tendencia o corriente fotográfica,
el Pictorialismo pretende legitimizar la
fotografía como obra de arte, como
medio autónomo de expresión artística.
Los autores recurren al romanticismo, a la
adaptación de los motivos de la pintura,
atmósferas difusas, utilización de foco
blando, desenfoques, recurriendo a la
manipulación del negativo y la copia
impresa, todo ello en franca oposición a la
consideración de la fotografía como un
mero proceso técnico y científico para la
reproducción de lo real.
Gustan de los días grises, la
niebla, los motivos femeninos y
el desnudo, sin dudar en la
utilización de goma
bicromatada, el bromóleo y
tintas pigmentadas para lograr
el efecto pictórico deseado.
El Linked Ring en Gran Bretaña, el Camera
Club de Viena, el Photo club de París y el
Camera Club de Nueva York, que dio
origen finalmente al movimiento de
la Photo-Secession, impulsaron esta
corriente pictorialista. Alfred Stieglitz
mantuvo contactos con todos estos
colectivos y participó con sus obras en
numerosas exposiciones.
PHOTOSECCESION Y CAMERA WORK
En 1897 Stieglitz es nombrado
vicepresidente del Camera Club de New
York y director de camera Notes la
publicación trimestral del club. A través de
este medio de expresión despliega todas
sus energías y esfuerzos hasta convertir la
revista en la más prestigiosa publicación
La última broma – Bellagio Alfred Stieglitz , 1887
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Arte oculto en las plantas
KARL BLOSFFELDT
del país gracias a sus ensayos, críticas,
artículos, fotografías de los mejores autores
del momento y a la extraordinaria
calidad de sus reproducciones.
Alfred dirige la publicación de un
modo férreo costeando de su
propio bolsillo gran parte de los
gastos.
Un año después, tras haber
dimitido de sus responsabilidades
en Camera Notes, vio la luz la primera
edición de Camera Work, una publicación
ideada, dirigida e incluso financiada por
Stieglitz.
La portada y tipografía es diseñada por el
fotógrafo Edward Steichen, que al mismo
tiempo se convertiría en autor de artículos
y el fotógrafo más representativo en sus 14
años de existencia con 68 fotografías.
El año 1902 marcaría un punto de inflexión
con la exposición que organiza
intitutalada “American Pictorial
Photography Arranged by the
Photo-Secession, convirtiéndose
Camera Work en el vehículo de
expresión del grupo. La
publicación se edita con
carácter trimestral al precio de 4
dólares por la suscripción anual .
En 1917 tras 50 números y una
caída de suscriptores desde los 650 a
contar apenas con 36 echaría el cierre
definitivo.
Stieglitz cuidó de forma obsesiva,
meticulosa, compulsiva y hasta tiránica la
calidad de las impresiones en
huecograbados para las que buscaba los
mejores impresores y papeles japoneses
de alta calidad.
GALERIA 291
En 1905 Stieglitz se embargó en una nueva
iniciativa. En el número 291 de la Quinta
Avenida abrió sus puertas la “Little Gallery
of the Photo Secession”.
Las instalaciones además de albergar
exposiciones de fotografía,
paulatinamente fueron abriéndose a la
pintura y la escultura. En sus viajes por
Europa, Stieglitz conoce a Cézanne,
Matisse, Rodin, Braqué, Brancusi y Picasso,
entre otros. Todos ellos expondrían sus
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obras en la Galería. La exposición de
Matisse alcanzaría la considerable cifra de
4.000 visitantes-
STRAIGHT PHOTOGRAPHY
El término “Straigtht Photography” se
acuña en una edición de Camera Work
de 1904. En un artículo redactado por el
crítico Sadakichi Hartma, con ocasión de
una exposición fotográfica, conmina a los
fotógrafos a producir imágenes en lugar
de pinturas y utiliza la expresión “to Work
Straight”, trabajar directamente. De
alguna manera se constituye en un
rechazo al Pictorialismo, los retoques y
manipulaciones tan frecuentes hasta
entonces.
Los dos últimos números de Camera Work
estuvieron dedicados a Paul Strand, un
fotógrafo que supuso un redescubrimiento
de la fotografía para Stieglitz y que
encarnaba una ruptura con el
Pictorialismo y el nacimiento de la
fotografía directa. Al respecto Stieglitz
escribe: “ Su obra es brutalmente directa.
Está desprovista de ardides; desprovista de
artimañas y de “ismos”. Sus fotografías son
la expresión rotunda del hoy”.
STIEGLITZ Y O’KEEFE
Su relación con la pintora norteamericana
Georgia O’Keefe supuso un relanzamiento
de su carrera fotográfica y el desarrollo de
un nuevo enfoque. Se dedica a fotografiar
obsesivamente a la pintora, llegando a
realizar más de 300 fotografías,
incluyendo desnudos, retratos y estudios
de manos y partes del cuerpo que
constituyen un auténtico ensayo sobre las
posibilidades artísticas, expresivas y
compositivas del cuerpo humano.
Sus últimos
años ,
envejecido y
enfermo, los
pasa
descansando
largas
temporadas
en el lago
George , cerca de New Yor, donde
fotografía a Rebeca Strand con la que
mantiene una controvertida relación
sentimental.
Más allá de su poliédrica actividad, como
fotógrafo, su producción ocupa un lugar
destacado en la historia de la fotografía.
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OBRAS DESTACADAS
La Entrecubierta – 1907. Invierno – 5ª Avenida – 1892. Georgia O'Keeffe - Hand and Wheel1933
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(SESIÓN POWERPOINT)
06Pictor ia l ismo & Straight Photography
ALFRED STIEGLITZ
Una vez alguien preguntó a Stieglitz:
¿Como aprende un fotógrafo?
Alfred contestó en menos de un segundo:
“Mirando”
No cabe duda de que hablaba la voz de la experiencia. Su mirada y buen juicio fotográfico quedó patente en sus obras, que le sitúan entre los fotógrafos más
relevantes de la historia.
Cronología y aportaciones más importantes
• Nace en New Jersey (EE.UU) el 1 de enero de 1864 y muere Lake George (New York) el 13 de
julio de 1946.
• Su infancia transcurre en Mahattan hasta 1881, año en que se traslada a Berlín con su familia.
• En Europa abandona sus estudios de Ingeniería y comienza a estudiar fotografía. Viaja por
diversos países y comienza publicar artículos y ensayos en revistas especializadas.
ALFRED STIEGLITZ06
• En 1887, con la fotografía “La última broma, Bellagio”, obtiene el primer premioen el concurso anual de la prestigiosa revista británica “AmateurPhotographer”. El fotógrafo naturalista Peter Henry Emerson, Presidente delJurado, le entrega el premio. Al año siguiente se haría con el primer y segundopremio.
Cronología y aportaciones más importantes
• Colabora activamente con El Linked Ring en Gran Bretaña, el Camera
Club de Viena, el Photo club de París y el Camera Club de Nueva York,
colectivos interesados en la estética pictorialista.
• En 1887 es nombrado Vicepresidente del Camera Club de New York y
Director de su revista: Camera Notes
• Un año más tarde dimite y funda “Camera Work”. Una publicación exquisita que concluirá su
existencia tras la edición del número 50.
• Impulsor del movimiento Photo Seccesion y la Straight Photography en su última etapa.
Como tendencia o corriente fotográfica, el
Pictorialismo pretende legitimizar la fotografía
como obra de arte, como medio autónomo de
expresión artística. Los autores recurren al
romanticismo, a la adaptación de los motivos de la
pintura, atmósferas difusas, utilización de foco
blando, desenfoques, utilizando la manipulación
tanto del negativo como la copia impresa
Se oponen a la consideración de la fotografía como
un mero proceso técnico y científico para la
reproducción de lo real.
Principales representantes:
• Robert Demachy.
• Alvin Langdon Coburn,
• Heinrich Kühn,
• George Davison.
• Gertrude Käsebier.
• Edward Steichen.
• Clarence Hudson White.
• Frederick Henry Evans.
• Anne Brigman
• Julia Margaret Cameron
• En España destaca la obra de José Ortiz Echagüe.
La portada y tipografía es diseñada por el fotógrafo EdwardSteichen, que al mismo tiempo se convertiría en autor denumerosos artículos y el fotógrafo más representativo ensus 14 años de existencia con 68 fotografías.
El año 1902 marcaría un punto de inflexión con laexposición que organiza intitutalada “American PictorialPhotography Arranged by the Photo-Secession,convirtiéndose Camera Work en el vehículo de expresióndel grupo.
La publicación se edita con carácter trimestral al precio de4 dólares por la suscripción anual . En 1917 tras 50números y una caída de suscriptores desde los 650 a contarapenas con 36 echaría el cierre definitivo.
Stieglitz cuidó de forma obsesiva, meticulosa, compulsiva yhasta tiránica la calidad de las impresiones enhuecograbados para las que buscaba los mejoresimpresores y papeles japoneses de alta calidad.
El año 1902 marcaría un punto de inflexión con la exposición que organiza
intitutalada “American Pictorial Photography Arranged by the Photo-
Secession, convirtiéndose Camera Work en el vehículo de expresión del
grupo.
En 1902 la revista británica "Amateur Photographer", April 10, 1902 sobre
el Photo Seccesion publica lo siguiente:
Este movimiento americano es un intento de producir imágenes a
través de la fotografía, capaces de resistir la prueba de la crítica, que se
podría aplicar a una imagen en cualquier otro medio. Deben ser
satisfactorias en la composición, la calidad del color, el tono y la
iluminación. Deberán tener encanto estético y envolver
la expresión del sentimiento personal del fotógrafo.
En 1905 Stieglitz se embargó en una nueva
iniciativa. En el número 291 de la Quinta Avenida
abrió sus puertas la “Little Gallery of the Photo
Secession”.
Las instalaciones además de albergar exposiciones
de fotografía, paulatinamente fueron abriéndose
a la pintura y la escultura. En sus viajes por
Europa, Stieglitz conoce a Cézanne, Matisse,
Rodin, Braqué, Brancusi y Picasso.
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“ Su obra es brutalmente directa.
Está desprovista de ardides;
desprovista de artimañas y de
“ismos”.
Sus fotografías son la expresión
rotunda del hoy”.
Retrato. New York 1917
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fotografía clásica por José Carlos M. Robles
Fotografía clásica: un recorrido selectivo por la historia, una muestra de algunos de los fotógrafos más sobresalientes , sus
obras, trayectoria, influencia, compromisos, innovaciones y aportaciones más singulares.
sesión
07
La fotografía directa
PAUL STRAND
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La fotografía directa
PAUL STRAND
PAUL STRAND
El 16 de octubre de 1890 Paul Strand nace en New York, doce años
más tarde consigue su primera cámara fotográfica, la mítica Kodak
Brownie con la que George Eastman revolucionó el mercado de la
fotografía en el año 1900. Dos años más tarde, ingresa en la
ETHICAL CULTURE SCHOOL, donde fue alumno del fotógrafo Lewis
Hine, famoso por sus instantáneas de inmigrantes en la isla Ellis. A los
17 años , Strand comienza su formación como fotógrafo, ejerciendo
Hine una poderosa influencia en sus comienzos. Poco después, una
tarde de invierno, Hine lleva a sus alumnos hasta la galería
fotográfica “291”, inaugurada
poco antes por Alfred Stiegliz en
la Quinta Avenida; gracias a esta
visita, Strand entra en contacto
de lleno con un nuevo mundo,
con la fotografía y el arte de
vanguardia de la mano de
Matisse, Cézanne, Duchamp,
Picasso y Braque. Este temprano
contacto con las nuevas
tendencias del arte europeo
supondrá una fuente de inspiración para sus posteriores trabajos
fotográficos. A los 18 años es miembro del Camera Club de New
York y ha decidido dedicarse a la fotografía.
En 1911 viaja por Europa. A su vuelta se establece como fotógrafo
comercial y se dedica a realizar retratos, continuando con la
evolución de su técnica fotográfica.
Fruto de esta primera
etapa son algunas de sus
imágenes pictorialistas en
consonancia con la
corriente dominante en la
época, sin embargo, años
más tarde el devenir de su
trabajo sufriría una fuerte
ruptura y enfilaría nuevos caminos.
La objetividad es la esencia misma de la fotografía, su
contribución y al mismo tiempo su limitación. Paul Strand.
NYC-1916
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UN AÑO DE FOTOGRAFÍA – fotografía clásica
STIEGLITZ: EXPOSICIONES EN LA 291 Y
CAMERA WORK
La galería abierta por Alfred Stieglitz
albergó a principios del siglo XX
exposiciones donde se mostraban no solo
las obras de los fotógrafos más conocidos
del momento, sino de los pintores e incluso
escultores más prominentes de la vieja
Europa.
Las nuevas formas y sendas abiertas por el
modernismo son una fuente de inspiración.
Strand dedica sus esfuerzos a estructurar
sus propias composiciones, experimenta
con la línea, la abstracción, la
profundidad, el espacio, la
tridimensionalidad y el encuadre. Admira
en particular la obra de Cézanne, sus
paisajes.
Fruto de esta experimentación son algunas
de sus abstracciones más conocidas:
- La verja blanca, 1916
- Abstracción y silla. 1916
- Abstracción en porche
Connecticut. 1916.
Los dos últimos números de Camera Work,
el magazine fotográfico ideado y dirigido
por Alfred Stieglitz, están dedicados a
Strand, fiel reflejo del impacto causado
por el joven fotógrafo en el ideólogo de la
291. En cierta manera, el propio Stieglitz, es
el responsable de la evolución de Strand;
en 1915 critica unas fotografías realizadas
por Paul por su suavidad, foco blando y
estética pictorialista en desuso. Strand se
reinventa y poco después muestra una
serie de imágenes que cautivan y
renuevan la ilusión por la fotografía en
Stieglitz.
NYC-City Hall - 1915
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UN AÑO DE FOTOGRAFÍA – fotografía clásica
EXPERIENCIAS CINEMATOGRÁFICAS
En 1920 en colaboración con el pintor y
fotógrafo Charles Sheeler se embarca en
una nueva aventura cuyo resultado es la
realización de un corto cinematográfico:
“MANNAHATTA”.
La cinta con una duración de 9 minutos,
refleja la vertiginosa evolución de Nueva
York, una ciudad creciendo en altura,
donde los rascacielos y la actividad
económica generan un ritmo frenético.
Strand experimenta nuevamente con la
abstracción y la geometría.
Trabaja en el cine durante 10 años
PHOTO LEAGUE Y EL RETRATO
Strand fue uno de los miembros
fundadores del movimiento Photo League,
en la que participan fotógrafos
prominentes como Berenicce Abbott,
Margareto Bourke-White, W. Eugene Smith,
Helen Levitt, Richard Avedon, Robert
Frank, Ansel Adams, Edward Weston y
otros. Esta organización cooperativista se
preocupa por los movimientos sociales y
las desigualdades que comenzaban a
hacerse gravemente patente en una
ciudad que empezaba a crecer sin freno y
con despreocupación por los menos
favorecidos.
Su cercanía a estos movimientos así como
las enseñanzas e influencia de Lewis Hine
se intuyen en sus retratos de inmigrantes,
indigentes y trabajadores a pie de calle.
Strand quería captar retratos espontáneos,
descuidados, por sorpresa, para ello
equipaba su cámara con una falsa lente
hacia el frente y se giraba 90º con
respecto al sujeto que deseaba retratar.
Un objetivo situado bajo su brazo
orientado hacia la persona captaba la
verdadera imagen, en una posición
extraordinariamente difícil.
Una de estas imágenes sorprendentes
goza de fama universal. “Mujer ciega” de
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La fotografía directa
PAUL STRAND
1916, fue publicada Camera Work que se
convirtió en icono de la fotografía social y
documental.
MEXICO
En 1930, invitado por el compositor Carlos
Chávez, viaja a México y rueda la película
“Redes”. Durante su estancia de tres años,
creó algunos de sus mejores retratos que
reflejan las gentes del país, así como
estudios de arquitectura, motivos
religiosos, tomadas en los años posteriores
a la revolución mexicana.
Su estancia México refleja su evolución,
evolucionando de las abstracciones y
fotografías urbanas hasta crear un relato
documental sobre la región, sus gentes, la
religión y su arquitectura.
LOS AÑOS DEL EXILIO
En 1949 viaja a un festival de cine en
Checoslovaquia y comienza un largo exilio
de 27 años. Desde 1950 se ve obligado a
abandonar Estados Unidos en plena era
de la “Caza de Brujas”, un período de la
historia norteamericana protagonizado
por el senador católico McCarthy creador
del Comité de Actividades
Antiamericanas nacido con el objetivo de
perseguir la incursión comunista en Estados
Hombre sentado en Uruapan - 1933
Un día de fiesta - 1933
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La fotografía directa
PAUL STRAND
Unidos tras la segunda guerra mundial y la
llegada de nazis procedentes de la
derrotada Alemania.
Strand se establece en Orgeval , Francia,
donde residiría hasta su muerte en 1976.
Según documentos desclasificados de los
servicios de inteligencia norteamericanos,
sus movimientos en Europa fueron
observados estrechamente.
PUBLICACIONES
1945 retrospectiva en el MOMA ,
de la mano de Nancy Newhall.
“Circa” - 1916
“Time in New England – 1950
“La France de Profil” – 1951
“Un Paese” - 1953
“Living Egypt “- 1969
“The Outer Hebridas of Scotland-
1954”
Pienso en mi mismo como un explorador que ha pasado su vida en un
largo viaje de descubrimientos.
Paul Strand .
Retrato – Washington Square Park - 1916
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La fotografía directa
PAUL STRAND
(SESIÓN POWERPOINT)
La honestidad no es menos que la intensidad de la visión, es
el requisito previo de una expresión de vida.
Esto significa un verdadero respeto por aquello que está frente al
fotógrafo. Sin trucos ni manipulación en el proceso, se logra
únicamente a través de la utilización de métodos de fotografía
directa.
Paul Strand
Cronología y aportaciones más importantes
• Nace en York el 16 de octubre de 1890
• A los 12 años tiene su primera cámara, una “Kodad Brownie”
• Dos años más tarde ingresa en la ETHICAL CULTURE SCHOOL , donde conoce a su profesor :
LEWIS WICKES HINE.
• Hine ejerce una notable influencia y gracias a sus enseñanzas conoce la fotografía de
vanguardia y las Little Galleries de la “291”.
PAUL STRAND07
• En la “291” queda cautivado por Braqué, Picasso y especialmente Cezanne.
• Conoce a Alfred Stieglitz y decide dedicarse a la fotografía.
Cronología y aportaciones más importantes
• En 1911 recorrer a Europa, estableciéndose como fotógrafo comercial a su regreso a New York.
• En 1915 tras enseñar unas fotografías a Stieglitz, recibe de éste críticas sobre su “suavidad ” y
comienza una drástica evolución y cambio de tendencia hacia la abstracción.
• Los dos últimos de “Camera Work” están dedicados a su fotografía, debido al impacto que causa
en Alfred Stieglittz su evolución hacia la abstracción y la imagen objetiva , contundente, directa.
• En 1920 produjo junto con el fotógrafo y pintor Charles Sheeler un corto documental sobre
New York titulado Manhatta. Las siguientes décadas se dedica a la cinematografía realizando
diversos documentales.
PAUL STRAND07
• Tras su paso por el ejército durante la II Guerra Mundial participa en rodajes cinematográficos.
• En 1933 viaja a México donde realiza alguna de sus instantáneas más aplaudidas.
• Participa en la fundación de la Photo League, donde figuran entre otros: Berenice
Abbott, Margaret Bourke-White, W. Eugene Smith, Helen Levitt, Nancy Newhall, Richard
Avedon, Weegee, Robert Frank, Harold Feinstein York, Ansel Adams, Edward Weston , etc.
• En 1949 viaja a un festival de cine en Checoslovaquia y comienza un largo exilio de 27 años.
• La “caza de brujas” iniciada por Mc Arthur le obliga a establecerse en la localidad francesa de
Orgeval , hasa su fallecimiento en 1976.
• En 1967 Strand gana el premio “ David Octavius Hill ”.
• En su exilio viaja por Escocia, Moscú, Ghana, Egipto, Marruecos
• En 1971 el Moma organiza una gran retrospectiva.
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“Su obra es brutalmente directa.
Está desprovista de ardides; desprovista de artimañas y de “ismos”.
Sus fotografías son la expresión rotunda del hoy”
Alfred Stieglitz
LA FOTOGRAFÍA DIRECTA
• Responde a una fotografía objetiva, sin manipulaciones, recreando lo visible de una forma
representativa y pura de la realidad.
• Constituye un rechazo al pictorialismo y una encendida reivindicación de las propias cualidades
de la técnica fotográfica como expresión artística con identidad propia.
• El término fue acuñado por el crítico Sadakichi Hartmann en un ensayo publicado en 1904 en
Camera Work en el que instaba a los fotógrafos “…to work straight” (trabajar directamente).
• La particular visión de Strand a su vez influye en el joven Ansel Easton Adams, creador del
grupo f/ 64 y del sistema de zonas.
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LA FOTOGRAFÍA DIRECTA
• En 1916 y 1917, los dos últimos números del magazine de Stieglitz se ilustran con fotografías de
Paul Strand.
• Las obras de Cezánne que observa en la galería 291 y Camera Work le causan gran impacto.
• El último número es un monográfico del autor. Incluye un ensayo de Strand sobre la fotografía
en el que llega a las siguientes conclusiones:
“A diferencia de las otras artes verdaderamente antifotográficas, la objetividad es la verdadera
esencia de la fotografía, su contribución y al mismo tiempo su límite. Y como ocurre con la la
mayoría de trabajadores de otros medios que ignoran sus cualidades inherentes y respectivos
significados, otro tanto ocurre con los fotógrafos, con la posible excepción de dos o tres, al no
haber tenido consciencia del significado fotográfico.”
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• 1945 retrospectiva en el MOMA , de la mano de Nancy Newhall.
• “Circa” - 1916
• “Time in New England – 1950
• “La France de Profil” – 1951
• “Un Paese” - 1953
• “Living Egypt “- 1969
• “The Outer Hebridas of Scotland- 1954”
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La cámara no puede eludir los objetos que se sitúan frente a ella.
Cuando el fotógrafo selecciona la escena, la luz y los objetos
deben ser su fiel reflejo. Si incluye una franja de hierba, debe
distinguirse como un objeto diferenciado y como tal ha de ser
retratado.
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Puente entre generaciones
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fotografía clásica por José Carlos M. Robles
Fotografía clásica: un recorrido selectivo por la historia, una muestra de algunos de los fotógrafos más sobresalientes , sus
obras, trayectoria, influencia, compromisos, innovaciones y aportaciones más singulares.
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EDWARD STEICHEN
EDWARD STEICHEN
En palabras de Alfred Stieglitz, Steichen fue “El más grande
fotógrafo que jamás haya existido”. La arriesgada afirmación
podría ser tenida por exagerada de no ser por la incuestionable
talla de su autor. En efecto, Steichen está considerado como uno
de los fotógrafos de más renombre de la historia de la fotografía.
Pintor, fotógrafo, empresario, divulgador, científico, jardinero,
horticultor, director de museo, militar, pintor…
Edward Jean Steichen nació en Bivange, Luxemburgo el 25 de
marzo de 1879 y falleció el 25 de marzo de 1973 en Nueva York. Su
familia emigró a Estados Unidos
en 1881 y se estableció en
Hancock (Michigan). Siendo
joven estudia pintura y comienza
a trabajar como aprendiz en el
taller litográfico de la American
Fine Art Company. Tras comprar
su primera cámara en una
tienda próxima a su trabajo, con
sus amigos funda la Milwaukee
Art Students League. Su interés por la
pintura decayó a favor de la fotografía
que pronto le brindó satisfacciones. En
1896 participó en su primera exposición
en el Salón de Filadelfia. En 1902 de
camino a París, se detiene en New York
donde conoce a Stieglitz. El reputado
fotógrafo le compra tres placas por
quince dólares antes de su marcha a
París.
La etapa parisina de Steichen le permite
conocer a Rodin, Cézanne y destacados
pintores franceses del momento, al tiempo que permite establecer
un puente entre Europa y América a través del propio Stieglitz.
PICTORIALISMO Y CAMERA WORK: PUENTE ENTRE
GENERACIONES
En sus primeros años, se aprecia su formación como pintor. A título
de ejemplo, fotografías como la del “Puente de Brooklyn” en 1903,
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UN AÑO DE FOTOGRAFÍA – fotografía clásica
Sesión
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Puente entre generaciones
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Charlotte Spaulding - 1908 Lady H. - 1908
el edificio “Flatiron” en 1905, “In Memoriam” de 1906 y
sus retratos de Rodin y Theresa Duncan alcanzan el cénit
de su producción pictorialista. Obras todas ellas
rebosante de belleza, elegancia y una estética
sumamente poética en línea con
el Pictorialismo que inunda estos primeros trabajos. No en
vano, se convertirá en el
fotógrafo más representado en la revista Camera Work,
ideada y dirigida por Alfred Stieglitz, colaborando
activamente en su diseño y tipografía.
La relación con Stieglitz se traducirá en
una fecunda colaboración en el
movimiento Photo Seccesion y su principal
escaparate the Little Galleries of The Photo
Seccesion, o más conocida como la
galería “291”.
AUTOCROMOS
En 1907
los
hermanos Lumiére presentaron su
revolucionario invento: “El Autocromo”.
Este método basado en la producción de
imágenes en color por síntesis aditiva, se
basaba en el empleo placas de cristal con
una emulsión bañada en granos de
almidón obtenidos a partir de fécula de
patata coloreados en rojo
anaranjado, verde y azul violáceo,
recubiertos por una capa de barniz y látex
y posteriormente por la emulsión de
bromuro de plata. Steichen conoció el
procedimiento en su estancia en París y
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Sesión
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Puente entre generaciones
EDWARD STEICHEN
realizó sus propias impresiones con este
extraordinario método.
En un artículo fechado el 5 de marzo de
éste mismo año, el New York Times daba
cuenta de un asombroso descubrimiento.
Unas placas autocromas de Steichen
habían permanecido ocultas durante
décadas en un armario. Una llamada de
un abogado al Director del Mueso George
Eastman House - Anthony Bannon-,
revelaba la voluntad de una donante, la
pintora de 96 años Charlotte Albright, de
donar tres placas antiguas que ella creía
habían sido tomadas por su madre
Charlotte Spaulding. Poco después,
abogado y director del Museo se
encontraban en el parking de una
heladería donde tras abrir el paquete en
el que habían sido trasladas, para sorpresa
de Anthony Bannon, las placas tenían
estampadas la firma de Steichen. Hoy
seguramente en una subasta alcanzarían
cifras millonarias. Las imágenes son retratos
de Charlotte y fueron tomadas por
Steichen probablemente en 1908.
FOTOGRAFÍA BÉLICA
La segunda Guerra Mundial y las
convulsiones desencadenadas en todos
los órdenes a raíz del conflicto bélico
afectaron en gran medida la visión y el
trabajo de Steichen. Nombrado Teniente
Comandante en Jefe de la Unidad de
Naval fotográfica de la Armada, se
embarcó en un periodo en el que produjo
una colección de singulares fotografías de
guerra. Esta etapa le obliga a reflexionar
sobre su propia obra y la evolución de la
fotografía, iniciando un nuevo aprendizaje
que le lleva a practicar sin descanso con
la iluminación, las formas y un estilo más
directo, realista e incluso pragmático.
Llega a realizar, como auto ejercicio de
aprendizaje varios miles de fotografías de
una simple taza.
THE FAMILY OF MAN
Tras la II Guerra Mundial fue nombrado
Director de la sección de Fotografía del
Museo de Arte Moderno de Nueva York.
Su trabajo en el Moma relegó para
posteridad la más famosa y reconocida
exposición fotográfica de la historia: THE
FAMILY OF MAN. Las cifras:
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Sesión
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Puente entre generaciones
EDWARD STEICHEN
Legs - 1928
Nueve millones de visitantes en 7
años.
68 países.
Dos millones y media de copias
vendidas.
Tres años de trabajos previos.
Cuatro millones de fotografías para
una selección final de 503.
273 fotografía participants. Entre
ells : Ansel Adams, Edward Weston,
Dorothea Lange, Cartier Bresson,
Robert Doisneau, Eugene Atget,
Richard Avedon, Brassai, Robert
Frank, Irving Penn, Herbert List,
Helmut Newton, Robert Capa,
Bischof, Alvarez Bravo, Brandt,
David Seymour, Eugene Smith,
Vishniac …
FOTOGRAFÍA DE MODA
El mundo de la moda y las revistas de
sociedad sufrirían una profunda
transformación de su iconografía
fotográfica de la mano del genial
Steichen. Sus experimentos con la luz
artificial se tradujeron en geniales retratos,
fotografías publicitarias y portadas
asombrosas. Llegaría a ser el fotógrafo
más famoso y mejor pagado de su época.
Políticos, actores, deportistas, escritores;
todos querían ser inmortalizados por su
cámara. Desfilaron ante su lente
personajes como: Gary Cooper, Katherine
Hepburn, Joan Crawford, Greta Garbo,
Douglas Fairbanks, Gloria Swanson,
Charles Chaplin, Marta Graham y George
Gershwin entre muchos otros.
El 25 de marzo de 1973 moría Edward
Steichen, un fotógrafo controvertido,
influyente, mediático, tras vivir una de las
carreras más prolíficas y polifacéticas que
la fotografía haya conocido.
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Sesión
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Puente entre generaciones
EDWARD STEICHEN
(SESIÓN POWERPOINT)
08Puente entre generaciones
EDWARD STEICHEN
“ Sabía, por supuesto, que los árboles y las plantas tienen raíces, tallos, cortezas, ramas y follaje que crecen hacia
arriba, hacia la luz.
Sin embargo, me di cuenta que la auténtica magia, era la luz en sí misma. ”
Edward Steichen
EDWARD STEICHEN08
EDWARD STEICHEN08
“El más grande fotógrafo que jamás
haya existido”
Alfred Stieglitz.
Cronología y aportaciones más importantes
• Nace en Luxemburgo en 1879 y falleció el 25 de marzo de 1973 en West Redding, Connecticut.
• En 1881 emigra con su familia a Estados Unidos y se establece en Hancock (Michigan)
• Siendo joven estudia pintura y es aprendiz en un taller litográfico en Milwakee.
• En 1895 toma su primera fotografía con una Kodak box “detective camera” comprada por su padre. Funda la Liga de Estudiantes de Milwakee donde comienza su interés por la fotografía y el arte.
• En 1900, antes de viajar a París, conoce a Stieglitz en New York.
• Uno de los máximos representantes del Pictorialismo en sus comienzos.
• Miembro del movimiento Photo Secession, Camera Work y la Galería “291”.
• En París conoce a Rodin, y se constituye en el puente entre Europa y Estados Unidos a través del contacto con Stieglitz.
EDWARD STEICHEN
Cronología y aportaciones más importantes
• Colaborador asiduo con Edward Steichen en “Camera Work”.
• En 1904 comienza a experimentar con la fotografía en color.
• Entre 1923 y 1939 trabaja para Vanity Fair y Vogue.
• Es entonces uno de los fotógrafos más conocidos y mejor pagados a nivel
mundial.
• Durante la segunda guerra mundial dirige la Unidad Fotográfica Aérea de la
Armada.
• Director de la sección de fotografía del MoMa hasta 1962 (NYC).
EDWARD STEICHEN
EDWARD STEICHEN08
Camera Work
• Uno de los colaboradores más destacados en la publicación dirigida por
Alfred Stieglitz desde 1903 to 1917.
• Creador del logo y la tipografía. El fotógrafo más representado en la
publicación.
• Quizás el más hermoso magazine fotográfico , un retrato de la sociedad
de la época con exiquisitas imágenes y una sensibilidad artística
irrepetible.
EDWARD STEICHEN
EDWARD STEICHEN
EDWARD STEICHEN
EDWARD STEICHENEDWARD STEICHEN08
EDWARD STEICHEN08
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ALFRED STIEGLITZ04
ALFRED STIEGLITZ04
EDWARD STEICHEN
“ The Family of a Man “
• El mayor proyecto fotográfico de la historia
• 3 años de trabajos previos.
• Cuatro millones de fotografías.
• 503 imágenes seleccionadas. 273 fotógrafos. 68 países.
• Nueve millones de visitantes.
• Fotógrafos en nómina:
• Adams, Weston, Lange, Bresson, Doisneau, Atget, Avedon, Brassai,Frank, Penn, List, Newton, Capa, Bischof, Alvarez Bravo, Brandt,Seymour, Eugene Smith, Vishniac …
•
EDWARD STEICHEN
“Cualquier otro artista comienza con un canvás
en blanco.
El trabajo del fotógrafo comienza con el
producto terminado. “
Edward Steichen
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Sesión
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El fotógrafo andino
MARTÍN CHAMBI
fotografía clásica por José Carlos M. Robles
Fotografía clásica: un recorrido selectivo por la historia, una muestra de algunos de los fotógrafos más sobresalientes , sus
obras, trayectoria, influencia, compromisos, innovaciones y aportaciones más singulares.
sesión
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El fotógrafo andino
MARTÍN CHAMBI
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UN AÑO DE FOTOGRAFÍA – fotografía clásica
Sesión
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El fotógrafo andino
MARTÍN CHAMBI
MARTÍN CHAMBI
Mientras América y Europa se debaten en
una enconada dicotomía entre el
Pictorialismo y la Straight Photography, en
Sudamérica, en un recóndito rincón de la
Andes nace uno de los máximos
representantes de la fotografía Peruana,
una figura de talla mundial,
insuficientemente valorada y al que el
tiempo tributará el lugar merece entre lo
más granado del arte fotográfico de todos
los tiempos: Martín Chambi Jiménez.
Un 5 de noviembre de 1891 nace en
Coaza , Perú, Martín Chambi Jiménez. Sus
padres indígenas, cultivaban la tierra en la
deprimida provincia de Carabaya, una de
las que forman el Departamento de Puno.
Profundos valles al abrigo de la colosal
cordillera de los Andes constituyeron el
escenario en el que Chambi vivió su
infancia.
De familia quechua, el indígena Chambi
queda huérfano en 1905 cuando apenas
cuenta con catorce años. Sin haber
completado sus estudios de educación
primaria, se ve obligado a ganarse la vida:
vendiendo aguardiente para mineros en
las minas de oro en Carabaya. Allí conoce
a los fotógrafos Mr. Anguas y Mr. Fenrri que
trabajan para la Santo Domingo Mining
Co. que con sus pesadas cámaras
retratan los trabajos de la compañía en la
región, fruto de este descubrimiento
conoce la magia de la fotografía y recibe
las primeras enseñanzas técnicas sobre el
medio. Poco después, en 1908 marcha
hacia Arequipa, pujante ciudad que
destaca por el comercio de alpaca y
donde la fotografía se encuentra
desarrollada y goza de buna salud.
En Arequipa
trabaja
durante
nueve años
como
aprendiz en
el estudio
de Max
Teléforo
Vargas, un
prestigioso fotógrafo peruano que
desempeñó un relevante protagonismo en
el establecimiento, desarrollo de la
fotografía en Perú.
En 1920 se instala en su estudio de Cuzco.
A pesar de la competencia, su pujancia y
tesón hará que en poco tiempo llegue a
ser el fotógrafo más importante de la
ciudad.
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El fotógrafo andino
MARTÍN CHAMBI
A partir de 1950 su actividad decaería,
dejando su estudio en manos de sus hijos,
si bien continuaría haciendo fotografías. A
partir de entonces llegarían los
reconocimientos internacionales, hasta el
punto de que el Moma incluiría su
fotografía “La Boda de don Julio Gadea”
entre las obras maestras del arte en el Siglo
XX.
LOS ÁLBUMES PERSONALES
Gracias, entre otros investigadores, al
trabajo de los profesores Jorge Latorre
Izquierdo (Universidad de Navarra,
España) y Andrés Garay Albújar
(Universidad de Piura, Perú) hoy
conocemos algunas facetas hasta ahora
un tanto inéditas de la vida y obra de
Chambi, fruto de un exhaustivo trabajo de
investigación. Dicho trabajo concluyó con
la reciente publicación de la obra
“MARTIN CHAMBI POR SI MISMO” de
Andrés Gary Albujar y publicada por la
Universidad de Navarra.
Llama poderosamente la atención el
trabajo dedicado a los álbumes
personales del autor, un conjunto de tres
recopilaciones que recogen fotografías
con comentarios, dibujos, caricaturas,
poesías de lo más granado de la
sociedad, la cultura, los intelectuales y
artistas coetáneos de Chambi. Su estudio
fue un hervidero de actividad donde sus
amigos, visitantes y familiares quedaron
inmortalizados en estos álbumes singulares
que constituyen una fuente de
conocimiento de extraordinario valor
sobre la vida y obra del autor.
LOS GÉNEREROS EN LA FOTOGRAFÍA
DE CHAMBI
Se advierte en Chambi, como ocurre en
tantos otros fotógrafos, una doble
vertiente en su obra, a saber, los trabajos
que realiza desde un punto de vista
comercial y aquellos otros en los que da
rienda suelta a su faceta más artística y
creativa. En el primero de los casos, tras
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Sesión
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El fotógrafo andino
MARTÍN CHAMBI
establecer su estudio en Cuzco, efectúo
toda serie de encargos, desde el retrato,
pasando por la fotografía publicitaria,
reportajes, fotografía documental e
incluso turística, fiestas y celebraciones,
bodas, bautizos, etc.
En su magnífica técnica para el retrato se
constata su sólida formación con Max T.
Vargas y el dominio compresión de las
cualidades de la luz, hasta el punto de
que algunos autores comparan su manejo
con el conocido como
efecto “Rembrandt”.
Además de los encargos
y fotografías de
personajes de la
sociedad peruana con
mayor capacidad
económica, son
numerosos los retratos de
indígenas, entre los que “El Gigante de
Paruro” ocupa un lugar prominente.
EL PAISAJE Y LA PREOCUPACIÓN POR
EL PATRIMONIO ARQUEOLÓGICO
Machu Pichu – “La Montaña Vieja” – es el
nombre de un poblado andino construido
por la civilización que, desde las visitas e
imágenes realizadas por el arqueólogo
Hiram Bingham en 1922, ha despertado la
curiosidad y fascinación de historiadores,
científicos, artistas, intelectuales y
posteriormente la masiva afluencia de
visitantes en pos de su captura “turística”.
Martín Chambi, realizó varias excursiones
cargando con su pesado equipo,
obteniendo unas imágenes exquisitas,
donde se pone de manifiesto su inquietud
por el paisaje, el patrimonio, sus orígenes y
la cultura precolombina, en las que los
colosales fondos son contrapuestos a
Organista en la Capilla de tinta - 1935
Panorama Machu Pichu - 1930
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El fotógrafo andino
MARTÍN CHAMBI
objetos situados en primer plano como
recursos estilístico que refuerza la
sensación de estar ante lugares
majestuosamente únicos.
La compleja arquitectura, la orografía,
magnificencia del paisaje, la belleza, la
abstracción, la historia, todo ello queda
impregnando en sus fotografías, entre las
que resultan singularmente impactantes la
panorámica realizada en 1930, su
autorretrato de 1943 y la de la conocida
como “Piedra de los doce ángulos de
1930”.
Alejado de las corrientes europeas y
norteamericana que apenas habían
llegado a Sudamérica, Chambi consigue
de un modo superlativo alcanzar cotas
fascinantes por la variedad, perfección y
profundidad de su fotografía lo que no
hace sino engrandecer su producción.
Campesino masticando coca
Campesinos en la fiesta de
Santia
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El fotógrafo andino
MARTÍN CHAMBI
(SESIÓN POWERPOINT)
MARTÍN CHAMBI10
"El primero que mira a su gente con ojos
no colonizados“
Sara Facio, fotógrafa argentina
"He leído que en Chile se piensa que los Indios no tienen
cultura, que son incivilizados, que son intelectual y
artísticamente inferiores en comparación a los blancos y
los Europeos. Más elocuente que mi opinión, en todo
caso, son los testimonios gráficos. Es mi esperanza que
un atestado imparcial y objetivo examinará esta
evidencia. Siento que soy representativo de mi raza; mi
gente habla a través de mis fotografías"..
Autorretrato- 1943
Cronología y aportaciones más importantes
• Martín Chambi Jiménez nace en Coaza, Provincia de Carabaya el 5 de noviembre de1891, sus padres Félix y Fernanda se dedican a la producción agrícola
• En 1905 queda huérfano de padre y sin acabar sus estudios primarios comienza atrabajar vendiendo aguardiente.
• Fruto del azar conoce a los fotógrafos Mr. Anguas y Mr. Ferrin, que trabajaban para lacompañía minera “Santo Domingo Mining Co. “
• En 1908 marcha a la emergente ciudad de Arequipa para mejorar sus conocimientosfotográficos.
• Comienza a trabajar como discípulo de Max Teléforo Vargas , donde ejerce comoaprendiz durante nueve años.
MARTÍN CHAMBI10
• En 1924 establece su estudio en Cuzco.
• Durante más de veinte años viaja por Cuzco realizando reportajes de lugares de interés arqueológico.
• En su estudio retrata personajes de talla politica e intelectual, así como campesinos, pobres e indígenas.
MARTÍN CHAMBI10
• Algunos autores dividen su trabajo entre el comercial y el
dedicado a su cultura con un marcado carácter
antropológico.
• Trabajo como reportero gráfico para diversas publicaciones
de Perú , Argentina y Estados Unidos: diario "La Crónica“,
revista "Variedades“, diario “La Nación”, “The National
Magazine “ de Washigton”.
• Por su estudio de Cuzco desfilan: poetas, intelectuales,
pintores, periodistas …
• En una expedición organizada en 1925 realiza un extraordinario
y detallado trabajo documental de las ruinas de Machu Michu y
otros vestigios de la cultura Inca.
• Inolvidables son sus fotografías de la Portada Inca, la
panorámica de Machu Pichu, los asentamientos de Wiñay
Wayna y la piedra de los doce ángulos.
• En 1950 decae su trabajo por razones de salud y tras un terrible
terremoto ocurrido en Cuzco con 35.000 víctimas.
• En 1979 , seis años después de su muerte, el MOMA organiza
una retrospectiva de su obra en Nueva York.
MARTÍN CHAMBI10
MARTÍN CHAMBI10
• Desde los años 20, hasta su retirada en la década de los 50, el fotógrafo completa tres cuadernos.
• Estos cuadernos recogen firmas, dedicatorias, poesías, retratos de amigos, intelectuales, incluyendo
comentarios y opiniones de los firmantes.
MARTÍN CHAMBI10
Fuente: “Martín Chambi, por sí mismo” - Autor: Andrés Garay Albújar. ISBN: 978-84-313-2706-4
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Señoritas en la Chichería - 1927
MARTÍN CHAMBI10
“ La pulsión mágica de las fotografías de chambi, es inconfundible y lo
distingue de todos los fotógrafos a quien los críticos lo han querido
comparar: August Sander, Nadar, Edward Weston, Ansel
Adams, Irving Penn y el propio Abraham Guillén
…. cuando se ponía detrás de una cámara se volvía un gigante, una
verdadera fuerza inventora, recreadora de la vida”.
Mario Vargas Llosa
“El Poeta de la Luz y el Nadar de Cuzco”
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Sesión
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Mucho más que un beso
ROBERT DOISNEAU
fotografía clásica por José Carlos M. Robles
Fotografía clásica: un recorrido selectivo por la historia, una muestra de algunos de los fotógrafos más sobresalientes , sus
obras, trayectoria, influencia, compromisos, innovaciones y aportaciones más singulares.
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Mucho más que un beso
ROBERT DOISNEAU
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UN AÑO DE FOTOGRAFÍA – fotografía clásica
Sesión
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Mucho más que un beso
ROBERT DOISNEAU
ROBERT DOISNEAU
El 14 de abril de 1912, Robert Doisneau
nace en Gentill recibiendo en sus inicios
formación como litógrafo aprendiendo la
fotografía de forma autodidacta, según
parece instruyéndose con las indicaciones
de las cajas de emulsión de película
fotográfica.
En 1931 inicia un nuevo camino con el
artista André Vigneau, fotógrafo, dibujante
y escultor, trabajando para el cómo
grabador. Su amistad con Vigneau ejerce
gran influencia y le permite conocer otros
destacados artistas como Man Ray, André
Kertesz o Brassai.
En sus comienzos trabaja para la factoría
Renault, realizando también fotografía
publicitaria para anuncios de Simca, es en
este terreno donde forja su habilidad
técnica. Sin embargo, solía llegar tarde al
trabajo y finalmente es despedido, según
reconocería: “Desobedecer me parecía
una función vital y no me privé de
hacerlo.”
Fotógrafo callejero, pasaría a la historia
por sus imágenes de las calles y gentes de
París, convirtiéndose en un icono del
romanticismo y el amor, llegándose a
definir a sí mismo como “Pescador de
Imágenes”.
“Yo no he visto pasar el tiempo,
estaba demasiado ocupado en el espectáculo
permanente y gratuito que me ofrecían mis
contemporáneos en cuanto se presentaba la
ocasión de capturar una imagen al pasar”
Durante la II Guerra Mundial participa
como soldado de la resistencia hasta
1940. En esta etapa de dificultades realiza
trabajos por encargo, empero continua
con sus reportajes callejeros de la Francia
ocupada y posteriormente durante su
liberación. Es contratado por la agencia
ADEP donde trabaja con Robert Capa y
Cartier Bresson.
Tras la Guerra efectúo trabajos para la
revista Vogue, sin embargo, le parecía
escasamente seductor el trabajo con
modelos elegantes y rodeadas de lujo,
glamour y belleza. En su lugar la calle y la
Autorretrato - 1948
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Mucho más que un beso
ROBERT DOISNEAU
street photography constituían su foco de
atención preferente. En dicho sentido, tras
conocer a Robert Giraud, descubriría con
él otro mundo fascinante: los ambientes
nocturnos, cafés, teatros y bistros.
EL BESO
En 1950, la revista America’s Life” le
encarga una serie sobre los amantes de
París. El fotógrafo toma imágenes de
parejas besándose en la ciudad, logrando
un éxito que le catapultaría al estrellato y
situaría a París en todo el mundo como la
capital del amor. La instantánea más
famosa sería el denominado “Beso del
Hôtel de Ville” que nos muestra una pareja
de enamorados besándose frente al
Ayuntamiento de París, mientras otros
personajes que pasean por la calle se
muestran indiferentes ante la escena. El
pretendido secreto sobre el anonimato
de la pareja y la espontaneidad de la
imagen quedó desvelado en 1993
cuando la pareja protagonista, Françoise
Bornet y Jacques Carteraud denunciaron
al autor reclamando sus derechos y una
porción de los beneficios obtenidos por la
explotación de su imagen. La mentira
quedó desvelada y Doisneau debió
reconocer que contrató a los actores para
la representación de la escena, ganando
el litigo al presentar una serie completa en
diferentes emplazamientos de París con los
mismos actores. Además, Doisneau había
regalado una copia a la pareja que fue
vendida a un coleccionista 155.000€
en 1992. La imagen desde entonces ha
sido objeto de múltiples reproducciones
Violette Verdy - 1956
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Mucho más que un beso
ROBERT DOISNEAU
habiéndose llegado a vender más de
medio millón de ejemplares, llegando
incluso a ser la imagen elegida como
estampa de la campaña para los
candidatura de París a los juegos olímpicos
de 2012.
La serie se expondría con gran éxito en
Francia y Estados Unidos, hasta su
exhibición en el MOMA en 1951.
DOISNEAU EN COLOR
Una de las experiencias más ignorada
sobre son Doisneau son sus fotografías en
color. En 1960 gracias a un contrato con la
revista “FORTUNE” viaja a los Estados
Unidos. En Palm Springs (California) toma
medio centenar de fotografías sobre la
floreciente sociedad norteamericana, tan
lejana y diferente a sus recuerdos de París.
Según su hija, Francine Deroudille,
Doisneau tenía la sensación de haber
aterrizado en Marte.
Las fotografías obtenidas constituyen un
retrato sarcástico de las costumbres y
estilo de vida norteamericana: campos de
golf, fiestas, pieles, playa y gente ociosa
que representan, en palabras de Claude
Bernard en Le Figaron: “Son una mirada un
poco sorprendida, infantil y divertida sobre
esta América mimada, estas mujeres
envasadas en sus pieles bajo el calor del
desierto”
A la postre, Doisneau un hombre tímido, un
hombre bueno nos regaló con un legado
sublime. Su tacto, sensibilidad y
amabilidad con la que presenta a sus
personajes, trasciende sus fotografías. Su
timidez le conducía a tratar a sus
“objetivos” con suma delicadeza hasta el
punto de que llegaba a regalarles una
copia de sus fotografías. Con el tiempo, los
cambios en París le entristecieron llegando
a afirmar con cierta nostalgia:
Hay una enorme agresividad, la gente no
coopera en absoluto y el aspecto de los barrios
es muy distinto. Nadie tiene tiempo. La gente
ha perdido la frescura. Cada vez es más difícil
hacer fotografías en la calle. La gente te
demanda si se reconoce en la fotografía.
Vamos a tener que utilizar extras.
El 1 de abril de 1994 moría dejando tras sí
más de 450.000 negativos.
Robert Doisneau por Sophie Bassols - 1989
El coche azul - 1960
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Mucho más que un beso
ROBERT DOISNEAU
(SESIÓN POWERPOINT)
11 Mucho más que un beso
ROBERT DOISNEAU
Autorretrato con teleobjetivo 1956
«El fotógrafo debe ser absorbente , como un
papel secante, dejarse penetrar por el
momento poético ....
Su técnica debe ser como una función de los
animales ... debe actuar de forma
automática».
ROBERT DOISNEAU 11
Cronología y aportaciones más importantes
• Nace en Gentill en 1912 y muere en París el 1 de abril de 1994.
• Se forma como litógrafo y aprende fotografía de forma autodidacta, gracias a las cajas de emulsiones de película. Trabajó como tipógrafo en el Atelier Ullmann.
• Su carácter tímido hace que sus primeras fotografías sean de adoquines y una valla con carteles deteriorados, en ellas no hay personas.
• En 1931 conoce a André Vigneau, fotógrafo , dibujante y escultor, posteriormente también conocería a Kertész, Man Ray, Brassai …
• En 1932 adquiere una Rolleifleix que le permite obtener fotografías dejando «aire» entre sujeto y objetivo, venciendo así su timidez.
• Durante la II Guerra Mundial se alista como soldado en la Resistencia hasta 1940.
• Trabaja para Vogue en 1949. Realiza fotografia de moda sin abandonar el ambiente calljero y marginal.
ROBERT DOISNEAU 10
• Realizó trabajos industriales y publicitarios; destacan sus trabajos para la factoría Renault y una campaña publicitaria para el SIMCA
• A partir de los sesenta la fotografía sufre un decaimiento. De la mano de Robert Giraud se adentra en el París nocturno: bares, cafés, locales de alterne, jazz …
• Obtiene prestigiosos premios de fotografía: Premio Kodak, 1947; Premio Niepce, en 1956 y 1957; Gran Premio Nacional de Fotografía en Francia, 1983.
• 1950: Life encargó a la agencia Rapho un reportaje sobre los amantes parisinos. Fruto de dicho trabajo realizaría su conocida fotografía : “El beso del Hôtel de Ville”. La serie triunfa en París y Estados Unidos.
• 1951: expone en el MOMA con Brassai , Willy Ronis e Izis.
ROBERT DOISNEAU 11
• Tras la II Guerra mundial trabajó con Cartier-Bresson en la agencia Alliance Photo, precedente de Magnum. Cartier-Bresson, uno sus fundadores, le invitó a ser miembro de ella. Doisneau declinó la invitación.
• En los ochenta se dedica al cine y trabaja la fotografía en diversas películas: El silencio es oro” (1947) de René Clair, “París 1900” (1947) de Nicole Védrès, “Disparad al pianista” (1960) de Truffaut y “Un domingo en el campo”(1984) de Bertrand Tavernier.a.
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• Tras algunas incursiones en el mundo del video en los ochenta, sus últimos años los dedica a seguir haciendo fotografías hasta su muerte en 1992.
• En 1994 muere tras haber sido operado de un triple bypass y no poder superar una pancreatitis aguda.
ROBERT DOISNEAU 11
ROBERT DOISNEAU 11
• En 1960 Dosinau viaja a los Estados Unidos para realizar un trabajo para la revista Fortune.
• En una serie de unas 50 fotografías retrata la opulencia norteamericana de un modo sarcástico.
• Sorprendido por el estilo de vida americano, según su hija Francis Deroudille, Doisneau tenía la impresión de haber «aterrizado en Marte»
ROBERT DOISNEAU 11
“Hay una enorme agresividad, la gente no coopera en absoluto y el
aspecto de los barrios es muy distinto. Nadie tiene tiempo. La gente
ha perdido la frescura.
Cada vez es más difícil hacer fotografías en la calle. La gente te
demanda si se reconoce en la fotografía. Vamos a tener que utilizar
extras”.
“ Hoy en día la imaginación visual de la gente es mucho más sofisticada,
mucho más desarrollada, en particular en los jóvenes , que usted puede
hacer una fotografía que ligeramente sugiera algo, que ellos harán de
ella lo que deseen “
Robert Doisneau - Weekend Guardian (Londres, 4 de Abril de 1992).
“El Pescador de Imágenes”
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UN AÑO DE FOTOGRAFÍA – fotografía clásica
Sesión
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Las noches de París
BRASSAI
fotografía clásica por José Carlos M. Robles
Fotografía clásica: un recorrido selectivo por la historia, una muestra de algunos de los fotógrafos más sobresalientes, sus
obras, trayectoria, influencia, compromisos, innovaciones y aportaciones más singulares.
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Las noches de París
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UN AÑO DE FOTOGRAFÍA – fotografía clásica
Sesión
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Las noches de París
BRASSAI
GYULA HALASZ: BRASSAI
Brassai, o más bien podríamos decir Gyula
Halász nació el 9 de Septiembre de 1899
en Brassó, ciudad perteneciente en aquel
entonces a Hungría y hoy perteneciente a
Rumania. Su infancia trascurrió entre
Brassó y París, donde a los tres años se
estableció su padre, profesor de literatura
en la Sorbona. Sus recuerdos de estos
primeros años quedan grabados en torno
al estanque de los jardines de Luxemburgo
donde pasea empujando con un palo su
barco de juguete, estos años de estancia
en París determinarían sus ganas de volver,
circunstancia que se produciría en 1924.
Sin embargo, antes completaría su
formación estudiando pintura y escultura
en la Academia de Bellas Artes de
Budapest y posteriormente, en 1920 en la
Academia de Bellas Artes de
Charlottenburg en Berlín. Es en esta ciudad
donde comienza a trabajar como
periodista. En Berlín conocería a otros
artistas de la época como el pintor Lajos
Tihanyi, Laszlo Moholy –Nagy, Oskar
Kokoscha y Wasily Kandisky.
Establecido en París, en 1924 adoptaría el
Pseudónimo de Brassai en alusión a su
ciudad natal y se dedica a la fotografía
como medio de expresión que le
permitiría documentar sus propios artículos.
En dicho sentido, el Hotel des Terrases
donde se alojó, se convirtió en una
especie de residencia para artistas
Húngaros en París: el pintor Lajos Tihanyi y
el también fotógrafo André Kerstész,
compartirían alojamiento con Brassai. A
ellos se sumarían, entre otros, el pintor
alemán Hans Reichel y el escritor
norteamericano Henry Miller.
Inicialmente,
Brassai
consideraba la
fotografía lejos
de del
verdadero arte.
No obstante, la
necesidad de
imágenes para
ilustrar sus
artículos le llevó a requerir imágenes de
otros artistas como el propio Kerstész, el
cual le introduciría en los secretos de la
técnica. Sus dificultades económicas
impedían la adquisición de una cámara y
la toma de sus propias imágenes.
Finalmente esta necesidad de
instantáneas le levaría a considerar que la
fotografía era el único medio por el cual
podía lograr la reproducción de aquello
que verdaderamente deseaba y su
Brassaï en su apartamento . John Loengard - 1981
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Las noches de París
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percepción sobre el medio cambio
sobremanera.
Escritor de magnifica pluma, pintor,
escultor e incluso cineasta, Brassai
destacó en todas las facetas artísticas en
las que experimentó su talento creativo.
En 1956, su película “Tant qu'il aura des
bêtes” ganaría el premio a la película más
original en el Festival de Cannes y el 1978
obtendría el Gran Premio Nacional de la
Fotografía de París.
Considerado por muchos como uno de los
grandes fotógrafos del siglo XX, Gyula
Halász murió el 8 de julio de 1984 en Eze,
Alpes-Maritimes, al sur de Francia y fue
enterrado en el cementerio de
Montparnasse de París.
LAS NOCHES DE PARIS El escritor norteamericano Henry Miller fue
durante muchos años su inseparable
amigo y compañero de escapadas
nocturnas. La luz del día le despertaba
poco interés, más bien al contrario, su
predilección se pulsa en su interés por las
atmósferas nocturnas, oscuras, el tiempo
húmedo y la niebla que suavizaba la
dureza de la luz eléctrica.
Burdeles, cabarets, cafés nocturnos,
prostitutas, delincuentes, criminales,
policías y habitantes nocturnos,
concentraron durante largas noches sus
esfuerzos.
Su obra más famosa, “París de Noche” fue
publicada en 1933 y el público tuvo
acceso por primera vez a una magna
obra con extraordinarias y sorprendentes
escenas nocturnas.
Prostituta - 1932
Montmatre
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Las noches de París
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CONVERSACIONES CON PICASSO
En 1932, la revista Minotauro encarga a
Brassai la realización de un reportaje sobre
las esculturas de Brassai. La amistad
nacida perduraría hasta la muerte del
pintor y daría la oportunidad a Brassai de
recopilar una riquísima serie de anécdotas,
entrevistas, conversaciones y testimonios
no sólo del genial pintor, sino de otros
grandes personajes de época que
pasaron por el estudio de Picasso: Dalí,
Matisse, Paul Éluard, Jean Cocteau;
Camus o Jean Paul Sartre, Dora maer,
Malraux y Henry Miller, entre otros.
BRASSAI EN SEVILLA
En la década de los cincuenta, por
encargo de la revista norteamericana
Harper’s Bazar, Brassai viajó a Sevilla para
realizar un reportaje sobre las fiestas de la
ciudad:
Semana
Santa, los
Toros y la
Feria de Abril.
El trabajo
superó las
iniciales
pretensiones
del autor,
convirtiéndose en un proyecto más
ambicioso que alumbró en 1954 el libro
Seville en fête, donde se recogieron 70
fotografías en blanco y negro. La obra,
que nunca fue publicada en España, fue
objeto de una retrospectiva y un catálogo
editado por la Caja de San Fernando en
2007.
GRAFFITI Y TRANSMUTACIONES
En sus paseos nocturnos, desde los años
treinta, los muros de París despertaron su
curiosidad e interés creciente, de tal suerte
que comenzó una esforzada y dilatada
actividad dirigida a captar los graffitis
inscritos en las paredes que adquirirían la
forma de un nuevo libro en 1960.
Previamente, la revista Minotarure
publicaría un artículo titulado “Del muro
de las cavernas al muro de las fábricas”.
Durante más de veinte años, Brassai
Brassaï y Picasso, 1966 – Gilberte Brassaï
Brassai y Picasso , Gilbertt Brassai - 1966
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BRASSAI
anotaría en sus cuadernos detalles sobre
los graffitis que fotografiaba: localización,
textos, dibujos e incluso anotaciones sobre
el paso del tiempo y las mejores
condiciones de luz.
Las imágenes fueron agrupadas en series:
- “Paredes”, “Rostros”, “Animales”,
“Amor”, “Muerte” y “Magia”.
Por último, no podemos dejar de citar la
serie: “Transmutaciones”. En ellas,
mediante la técnica del cliché virré,
Brassai nos lega unas imágenes surrealistas
y llenas de misterio, visiblemente
influenciado por los movimientos
vanguardistas pictóricos y, probablemente
por la obra del propio Picasso.
Brassai - Graffiti
Ofrenda - 1934
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12 Las noches de París
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Brassai
«La oportunidad está siempre ahí. Todos hacemos uso
de ella. La diferencia estriba en que un mal
fotógrafo encuentra una entre cientos, mientras
que un buen fotógrafo lo hace constantemente.»
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Cronología y aportaciones más importantes
• Gyula Halász nació en 9 de septiembre de 1899 en Brassó , Hungría por aquel entonces. La ciudad hoy pertenece a Rumanía.
• Escritor brillante, fotógrafo, diseñador de tapicerías, dibujante, escultor y pintor; estudió Bellas Artes en Budapest. Tras su paso por la caballería austro-húngara durante la 1ª Guerra Mundial, en 1920 se establece en Berlín, trabajando como periodista y culminando sus estudios en la Academia de Artes de Bellas Artes Berlín.
BRASSAI 12
• En Berlin conoce a otros artistas e intelectuales: Lajos Tihany (pintor húngaro) , Laszlo Moholy-Nagy, Oskar Kokoschka y Wassily Kandisky.
• En 1924 se traslada a París, donde reside hasta su muerte. Adopta el Pesudónimo de Brassaï como derivación de su lugar de nacimiento.
• Su vida en Paris transcurre desde su residencia en Montparnase donde frecuenta a Henry Miller, Picasso y Jacques Prévert.
Cronología y aportaciones más importantes
• En 1929 adquiere una VOIGTLÄNDER y poco después, en 1932 publicaría su conocida obra: «PARIS DE NUIT»
• Paseante habitual de las calles parisinas: lluvia, niebla, las orillas del Sena, gentes de París y en especial, los barrios marginales y la agitada vida nocturna captan poderosamente su atención.
• Su profunda amistad con el escritor norteamericano Henry Miller se traduce en aventuras nocturnas por bistros, bares, cafés y prostíbulos de la ciudad. Miller le llamará «El Ojo de París».
• Fruto de un encargo de la revista Minotauro conoce a Picasso para fotografiar sus esculturas con el que traba una gran amistad. Su amistad se traduciría en el libro «Conversaciones con Picasso» publicado en 1965.
• Desde 1937 colabora con la revista Harpers Bazar y recorre España, Italia, Gran Bretaña, Irlanda, Grecia, Brasil, Estados Unidos…
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Cronología y aportaciones más importantes
• En su opinión, los mejores resultados se obtenían con tiempo húmedo, lluvioso, de tal suerte que conseguía un tamizado que suavizaba la dureza de la luz.
• Como contrapunto, se aprecian en sus imágenes destacados juegos de luces y sombras en parques, jardines, iglesias, calles y aceras que intensifican la atmosfera parisina.
• En los años 50 viaja a Sevilla , donde realiza un reportaje titulado «Seville en fête, sobre la Semana Santa, la Feria de Abril y los toros.
• Entre 1930 y 1958 realiza numerosas fotografías de Grafittis que observa sobre los muros de París.
• Hombre enérgico, con distintos y extraordinarios talentos, moriría el 8 de Julio de 1984 en Eze, Alpes-Maritimes, al sur de Francia. Sus restos descansan en el cementerio de Montparnasse de París.
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Brassai
"La noche sugiere, no muestra. La noche nos perturba y
nos sorprende por su extrañeza; libera fuerzas de
nuestro interior que durante el día son dominadas por
la razón..."
“ Me he enfrentado a estas placas casi mecánicamente, como un escultor.
Resultaba muy curioso comprobaba cómo los desnudos se transformaban
con la incisión de un objeto punzante que destruía la materia.
Así nació la extraña obsesión de transformar las formas en instrumentos
musicales: mujer guitarra, mujer mandolina.
Se trataba de reacciones casi inconscientes que rompían la fotografía en
mil pedazos“
Brassai.
«¿Sabes que dijo Picasso cuando vio mis dibujos en 1939?
«Estás loco. Tienes una mina de oro y malgastas tu tiempo
explotando una mina de sal»
Brassai ,
Diálogo con la fotografía de Paul Hill, ISBN: 0948797665
«“Estoy convencido de que la misión del fotógrafo en la vida
contemporánea es captar los instantes raros o emocionantes en
aquello que lo rodea, y crear una suerte de imaginería en la cual el
hombre de hoy –y tal vez todavía el hombre de mañana- pueda
reconocerse. Lo que más ambiciono es hacer algo nuevo e
impactante con lo trivial y lo convencional, mostrar un aspecto de la
vida cotidiana como si se la viera por primera vez”.
Brassai
«El Ojo de París»
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fotografía clásica por José Carlos M. Robles
Fotografía clásica: un recorrido selectivo por la historia, una muestra de algunos de los fotógrafos más sobresalientes, sus
obras, trayectoria, influencia, compromisos, innovaciones y aportaciones más singulares.
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Farm Security Administration
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Farm Security Administration
DORTHEA LANGE
DOROTHEA LANGE
En los años treinta del siglo XX se produjo
una las más profundas y severas crisis
económicas que se recuerdan, su
duración e importancia tuvo
consecuencias a nivel planetario. El 29 de
octubre de 1929 pasaría a la posteridad
con el sobrenombre de “el martes negro”
por ser el día en que se produjo una
estrepitosa caída en Wall Street,
extendiéndose la crisis a todo del mundo.
En dicho contexto, la genial fotógrafa
Dorothea Lange desarrolló gran parte de
su carrera profesional brindando a la
posterioridad una icónica imagen que
testimoniaría y representaba de una
manera superlativa la severidad con que
la situación afecto en particular a las
clases menos favorecidas.
El 25 de mayo de 1895 nace en
Hoboken, New Jersey Dorothea
Margarette Nutzhorn. Hija de Joan y
Henry Nutzhorn, segunda generación
de una familia de inmigrantes
alemanes, crece en un entorno
familiar marcado por el abandono de
su padre en 1907 y el sufrimiento
ocasionado por la polio que la dejó
con graves secuelas en los pies y una
permanente cojera. Tras el abandono
paterno adopta el apellido de su madre:
Nace Dorothea LANGE.
A pesar de los deseos maternos por que
fuera maestra, cuando contaba tan sólo
18 años de edad decide ser fotógrafa.
Estudia fotografía en Nueva York con
Clarence Hudson White, fundador de una
escuela de fotografía y cofundador del
movimiento “The Photosecession”. Entre
sus alumnos figuraron fotógrafos de
renombre como Margaret Bourke-
White, Ralph Steiner, Dorothea
Lange, Doris Ulmann y Paul Outerbridge.
En 1918 se traslada a San Francisco donde
trabaja en el estudio de Arnold Ghente,
fotógrafo de renombre conocido por sus
fotografías de China Town y el terremoto
de San Francisco en 1906. Con él se forma
en los secretos de la técnica y la
iluminación.
Dorothea Lange por Rondal Partridge - 1930
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Farm Security Administration
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En 1920 se casa con el pintor Maynard
Dixon, con el que permanecería unida
durante 15 años. El binomio Dixon – Lange
se benefició de influencias reciprocas fruto
de los conocimientos pictórico
compositivos y la experiencia fotográfica y
documentalista de Lange.
Años más tarde, en 1930 contrae segundo
matrimonio con el economista y profesor
de la Universidad de Berkeley Paul
Schuster Taylor.
En 1945 recibe una invitación de Ansel
Adams para participar como profesora en
la “California School de Fine
Arts”, donde, entre otros,
colaboran Imogen Cunnigham
y Minor White. Hoy en día es el
conocido como “San Francisco
Art Institute”.
En los años 50 realiza diversos
ensayos fotográficos: Irlanda,
Asia, Egipto. En 1952 participa
en la fundación de la revista
«Aperture».
A partir de 1960 su salud
empeora y padece continuos problemas
gastrointestinales. Sufre cáncer de
esófago y finalmente muere en 1965. Al
año siguiente todo su legado fotográfico
es donado al Oakland Museum de
California por su marido, Paul Taylor. La
colección incluye el archivo personal de la
Lange con más de 25.000 negativos.
En 2008 ingresó a título póstumo
en el “California Hall of Fame”, situado en
el “ California Museum for History, Women
and the Arts Sin trabajo, diez hijos - 1937
Mejor de lo que era - 1939
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FARM SECURITY ADMINISTRATION
La crisis económica del ’29 impulsó
diversas medidas para paliar sus graves
efectos. Entre las iniciativas establecidas
destaca la creación de la “Farm Security
Administration” – Administración para la
Seguridad Agraria – por iniciativa del
presidente Roosevelt. En dicho contexto, a
través de la fotografía y bajo la batuta de
Roy Striker se contrató a un grupo de
fotógrafos para documentar la realidad
de los granjeros y establecer un programa
de créditos y la creación de campos de
trabajo migratorios.
Fotógrafos participantes:
Charlotte Brooks
Esther Bubley
Marjory Collins, Harold Corsini
Arnold Eagle
Theodor Jung
Sol Libsohn
Carl Mydans
Martha McMillan Roberts
Edwin Rosskam
Louise Rosskam
Richard Saunders
Ben Shahn
Roy Stryker
Dorothea Lange
LA MADRE MIGRANTE
En 1936 Dorothea Lange realizaría una
serie de fotografías sobre una familia
asentada en un campo de recolectores
de guisantes en Nipomo, California. Según
contaría la propia Dorothea en 1960,
cuando se encontraba conduciendo su
coche, rebasó el campamento de
recolectores y 30 kilómetros después
decidió dar la vuelta, tras haber vivido una
larga jornada fotográfica.
Según sus propias palabras:
“La vi y me acerqué a la famélica y desesperada
madre como atraída por un imán. No recuerdo como
expliqué mi presencia o porque llevaba la cámara,
pero recuerdo que ella no me hizo preguntas. No le
pregunté su historia. Me dijo su edad, tenía 32
años. Me dijo que habían vivido de verduras de la
zona, vegetales congelados y pájaros que los niños
mataban. Acababa de vender las ruedas de su
coche para comprar alimentos. Ahí estaba sentada
D. Lange y Paul Taylor por Imogen Cunningham - 1939
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Farm Security Administration
DOROTHEA LANGE
reposando en la tienda con sus niños abrazados a
ella y parecía saber que mi fotografía podría
ayudarla y entonces me ayudó...”
La fotografía más celebrada de la serie se
corresponde se con la denominada
“Madre Migrante”, cuya protagonista es Florence Thompson, una madre
necesitada que se encuentra con su hijo
pequeño en brazos y otros dos recostados
sobre sus hombros.
Sin embargo, revelaciones posteriores
parecen desmentir la versión ofrecida por
Dorothea. Según un ensayo del escritor
Geoffrey Dump, Florence se encontraba
esperando en la carretera el regreso de su
marido y sus hijos que habían partido para
conseguir reparar el radiador de su coche
averiado. En ese período de tiempo
Dorothea Lange, según Roger Sprague,
nieto de Florence, una mujer bien vestida
salió de un coche nuevo y brillante,
comenzando a tomar fotos de su abuela
cada vez más cerca. Poco antes de la
última foto se acercó y dijo: “Hola, soy
Dorothea Lange. Trabajo para la Farm
Security Administration documentando la
situación de trabajadores migrantes. Le
prometo que las fotos no serán
publicadas”. Dicha versión fue
corroborada en varias ocasiones por la
propia Florence. (*)
ORDEN EJECUTIVA 9066
Tras el bombardeo aéreo de la base
americana de Pearl Harbor durante la II
Guerra Mundial, el sentimiento de odio
hacia la población de origen japonés fue
creciendo en los Estados Unidos. Tal fue la
creciente presión que el 19 de febrero de
(*)Fuente: http://www.weedpatchcamp.com/Migrant%20Mother/MMother.htm
Serie “Madre Migrante” – Nipomo, California - 1936
“Madre Migrante” – Nipomo, California - 1936
6 UN AÑO DE FOTOGRAFÍA – fotografía clásica
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Farm Security Administration
DOROTHEA LANGE
1942, el presidente Roosevelt firmaba la
Orden Ejecutiva 9066 por la que se
militarizaban ciertas zonas del país y se
autorizaba el internamiento y al expulsión
de inmigrantes japoneses y americanos
de segunda generación con ancestros
japoneses. Más de 120.000 ciudadanos de
origen nipón fueron “reubicados” en
campos de internamiento llenos de
barracones como los Manzanar, Topaz o
Tula Lake. Dorothea Lange realizó todo un
reportaje sobre la injusticia social
cometida contra miles de personas, siendo
sus imágenes censuradas por el Ejército y
clasificadas como “material reservado”.
En 1972 verían la luz gracias a una muestra
realizada por el Museo Whitney de Nueva
York, en una exposición que bajo el título
“Orden Ejecutiva 9066” destapaba por
primera vez ante los ojos de los
americanos las vergüenzas de la cruenta
persecución sufrida por inocentes
ciudadanos cuya única “tacha” residía en
su origen
Familia Michida - 1942
7 UN AÑO DE FOTOGRAFÍA – fotografía clásica
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Farm Security Administration
DOROTHEA LANGE
(SESIÓN POWER POINT)
13Farm Securi ty Administrat ion
DOROTHEA LANGE
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« Elige un tema y trabaja en él hasta la
extenuación ... el motivo debe ser algo
que realmente amas u odias de verdad»
Dorothea Lange
Cronología y aportaciones más importantes
• Dorothea Margaretta Nutzhorn: nace en el seno de la 2ª generación de una familia deinmigrantes alemanes el 25 de mayo de 1895 en Hoboken, New Jersey.
• En 1902 contrae la polio y como secuelas sufre una deformación en una pierna y cojerapermanente. Ello no fue óbice para el posterior desarrollo de su carrera.
• En 1907 su padre abandona la familia, circunstancia que le induciría a optar por elapellido materno.
• Tras decidir abandonar su pretensión de ser maestra , comienza a trabajar para ArnoldGenthe, fotógrafo reconocido por sus fotografías de China Town y el terremoto de SanFrancisco de 1906. Descubre los secretos de la técnica y la iluminación.
• En Nueva York estudia fotografía con Clarence H. White, cofundador del movimientoThe Photo-Secessión.
DOROTHEA LANGE13
Cronología y aportaciones más importantes
• En 1920 se casa con su primer marido, el pintor y fotógrafo Maynard Dixon conel que tuvo dos hijos.
• Conoce a Paul Strand en México, así como a Imoghen Cunningham. Frecuenta elgrupo F/64.
• En 1935 se divorcia de Dixon y contrae matrimonio con el economista Paul Taylor,Profeor en la Universidad de Berkeley (California).
• En 1938 recorre el país junto a su marido lo que se traduce su obra « AnAmerican Exodus, A Record of Human Erosión», donde combina texto eilustraciones del fenómeno «nómada» americano.
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• En 1945 recibe una invitación de Ansel Adams para participar como profesora en la“California School de Fine Arts”, donde, entre otros, colaboran Imogen Cunnigham,Minor White y . Hoy en día es el conocido como “San Francisto Art Institute”.
• En los años 50 realiza diversos ensayos fotográficos: Irlanda, Asia, Egipto …
• En 1952 participa en la fundación de la revista «Aperture»
• A partir de 1960 su salud empeora y padece continuos problemas gastrointestinales.Prepara por aquél entonces una retrospectiva sobre su obra en el MOMA
• Sufre cáncer de esófago y muere en 1965. Al año siguiente todo su legado fotográficoes donado al Oakland Museum de California por su marido, Paul Taylor. La colecciónincluye el archivo personal de la Lange con más de 25.000 negativos.
• En 2008 ingresó a título póstumo en el “California Hall of Fame”, situado en el “California Museum for History, Women and the Arts
DOROTHEA LANGE13
DOROTHEA LANGE13
Uno de los proyectos fotográficos más importantes de la historia
FARM SECURITY ADMINISTRATION
• La crisis del 29 deja una profunda huella en Estados Unidos: sequía, desastre económico, suicidios, granjeros
empobrecidos, quiebras …
• En dicho contexto nace la FSA , institución creada para la «seguridad agraria» que pretende evaluar la delicada
situación de los grajeros.
DOROTEHA LANGE13
• Creada en 1937 , gracias al trabajo de un grupo de fotógrafos retrato la
América Rural con la pretensión de documentar su situación y permitir
el desarrollo de programas de ayuda.
• Auspiciada por el Presidente Rooselvet y bajo la batuta de Roy Striker,
centro la mayoría de sus esfuerzos en el Sureste.
• Grupo de fotógrafos participantes: Charlotte Brooks, Esther
Bubley, Marjory Collins, Harold Corsini, Arnold Eagle, Theodor Jung, Sol
Libsohn, Carl Mydans, Martha McMillan Roberts, Edwin Rosskam, Louise
Rosskam, Richard Saunders, Ben Shahn, Roy Stryker y Dorothea Lange
DOROTHEA LANGE13
Año 1930
El «Dust Bowl» arrasa el medio oeste americano. Una gran sequía afecta a los campos desde
México hasta Canadá durante 7 largos años.
Las tierras privadas de cualquier atisbo de humedad favorecen el desarrollo de granes nubes
polvo y arena.
Ventiscas negras y nubes que ocultan el sol multiplican
los efectos de la Gran Depresión.
CALIFORNIA - Febrero de 1936
Un grupo de indigentes recolectores de guisantes en Nipomo permanece en un campamento. Una
mujer, al abrigo de una improvisada y rudimentaria tienda de campaña, descansa junto a su familia.
Florence Owen Thompson, que así se llama la mujer, es madre de siete hijos. Tiene 32 años.
Dorothea Lange se detiene y realiza una serie de fotografías sobre la escena que contempla.
La Virgen con el niño, San Juan Bautista y un Santo niño. Rafael - 1504-1505.
Virgen de la Esperanza con el Niño en brazos y San Juan Bautista
Rafael
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BIBLIOTECA NACIONAL DEL CONGRESO
DE LOS ESTADOS UNIDOS
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«Este beneficio de ver sólo puede llegar si uno se detiene un rato, para
evadirse de la multitud enloquecedora de impresiones rápidas que
pasan sin cesar maltratando nuestras vidas, y
mira pensativo una imagen con calma ... el
espectador debe estar dispuesto a hacer una pausa, para mirar de
nuevo, para meditar…»
Dorothea Lange
«Miradas de emoción frente a la indiferencia»
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Fotograf ía Submarina
BREVES APUNTES HISTÓRICOS
LOUISE BOUTAN13
• Biólogo y naturalista, nacido en Versalles en 1859. Estudia en la Universidad de la Sorbona.
• En 1892 realiza sus primeras aproximaciones a la fotografía submarina , para documentar susinvestigaciones,tras la invención unos años antes de la escafandra autónoma.
• Diseño junto con su hermano que era Ingeniero, hasta cuatro cámaras fotográficas deconsiderable tamaño y peso que dificultaban enormemente la tarea.
• La primera exposición obtenida en 1893 duró 30 minutos y mostraba la dificultad de la tareapor problemas de iluminación, enfoque y profundidad de campo.
• En 1899 consiguió realizar fotografías a 50 metros de profundidad
LOUISE BOUTAN
LOUISE BOUTAN
FUENTE:
MASSACHUSETTS INSTITUTE OF TECHNOLOGY / MIT MUSEUM
Science & Technology color slide - Harold E. Edgerton
Diapositivas 35 mm - 1974
LOUISE BOUTAN
LOUISE BOUTAN
LONGLEY&MARTIN
En 1926 William H. Longley y Charles Martin se embarcan en una aventura
apasionante. Rumbo Isla Tortuga, pertrechados con equipos experimentales e
iluminación a base de magnesio a bordo de una balsa, se disponen a iluminar el
fondo marino a unos 5 metros de profundidad.
El resultado: «La primera fotografía submarina en color de la historia»
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¿Belleza o Extravagancia?
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fotografía clásica por José Carlos M. Robles
Fotografía clásica: un recorrido selectivo por la historia, una muestra de algunos de los fotógrafos más sobresalientes , sus
obras, trayectoria, influencia, compromisos, innovaciones y aportaciones más singulares.
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¿Belleza o Extravagancia?
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¿Belleza o Extravagancia?
DIANE ARBUS
DIANE ARBUS
Diane Arbus constituye un fenómeno
fotográfico sin parangón en la historia de
la fotografía que a nadie deja indiferente.
La originalidad y singular temática de su
obra provoca reacciones contrapuestas
que transitan por diferentes estados:
desde la admiración, pasando por la
indiferencia hasta la repulsa, sorpresa,
asombro, excitación, entusiasmo,
desconcierto, deslumbramiento, etcétera.
Los atributos y adjetivos referidos a su obra
incluyen expresiones como:
- La Belleza Monstruosa.
- La Fotógrafa Inquietante.
- La Belleza de los Monstruos.
- Cazadora de Belleza Compulsiva.
- Viaje a las Tinieblas.
- La coleccionista de Horrores.
- La dolorosa realidad exterior de
pesadilla.
- La Fotógrafa de los Freaks.
- La Fotógrafa de la Condición
Humana.
Diane Nemerov (Diane Arbus) nace el 14
de marzo de 1923 en Nueva York. Sus
padres de origen judío gozaban de una
sana posición económica por el hecho de
ser los propietarios de los grandes
almacenes “Russek’s” situados en la 5ª
Avenida. Paradójicamente su envidiable
situación económica, lejos de otorgar una
infancia envidiable generó un exceso de
sobreprotección paterna. Se educa en las
mejores escuelas de Manhattan y viaja por
Francia e Italia.
A los 14 años comienza su relación con
Allan Arbus, con quien se casa cumplidos
los 18 años. Su marido como regalo de
bodas le entrega una Graflex.
En 1941 visitan la galería de Stieglitz:
Mathew Brady, Timothy O’Sullivan, Paul
Strand, Bill Brandt, Eugente Atget. Pocos
Diane & Allan Arbus
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años más tarde, en 1945 abren su estudio:
«Diane & Allan». Se dedican a realizar
fotografía publicitaria y comercial, entre
otras publicaciones para Glamour, Vogue,
Harper’s Bazar… Sin embargo este tipo de
trabajos estaba lejos de coincidir con sus
gustos fotográficos.
El 26 de julio, se suicidó por ingesta de
barbitúricos y al mismo tiempo se cortó las
venas de las muñecas. El minucioso
informe del médico forense señalaba que
pesaba 45 kilos y que medía un metro
setenta centímetros. Entre sus últimas
cartas dejo escrito: "Lo peor es que estoy
literalmente aterrada de
deprimirme. A veces me falta
confianza hasta para cruzar la
calle".
SU OBRA
En sus comienzos estudió fotografía
con Berenice Abbott, sin embargo
sería su aprendizaje a partir de
1956 con la fotógrafa
austríaca Lisette Model el que
ejercería mayor influencia
comenzando a explorar un nuevo
terreno hacia la extravagancia y
la belleza controvertida de personajes
extraños.
En este nuevo camino, las imágenes de la
película “Freaks”, conocida en España
como “La Parada de los Monstruos”, de
Tod Browning representa un influjo singular
en su fotografía. El filme que llegó a estar
prohibido es un clásico hoy en día, en por
el que desfilan personas con
deformidades reales y carentes de
maquillaje o efectos especiales. Las
fotografías de Arbus de gemelos, enfermos
mentales, personajes marginales, artistas
de circo, travestidos, homosexuales y
personajes excéntricos desfilan por su
cámara.
"Freaks ha sido lo que más he fotografiado.
Fue una de las primeras cosas que
fotografié y ha sido terriblemente
motivador para mí. Simplemente, solía
adorarlos. Aún adoro a algunos de ellos.
Mae West - 1964
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Tragasables albina - 1964
Trillizas en su habitación - 1963
Con esto no quiero decir que sean mis
mejores amigos, pero ellos me han hecho
sentir una mezcla de vergüenza, temor y
asombro. Existe una especie de leyenda
acerca de los freaks. Como esa persona
que en un cuento de hadas te detiene y te
exige que resuelvas un acertijo. La
mayoría de la gente se pasa su vida
temiendo pasar por una experiencia
traumática. Los freaks nacieron con sus
traumas. Ellos ya han pasado su prueba.
Son aristócratas".
DIANE ARBUS
La fuente de sus instantáneas surgía de
repetidos paseos viajes en metro hasta
Coney Island donde acudía para observar
las representaciones circenses en incluso
la visita a morgues y hoteles de baja
categoría.
En 1963 y 1966 recibió una Beca del
Guggenheim. Un año más tarde participo
en la exposición del MOMA “New
Documents”. Un año después de morir su
obrar sería seleccionada para participar
en la Bienal de Venecia. Entre 1972 una
gran retrospectiva organizada por el
Museo de Arte Moderno de Nueva York
viajo por los Estados Unidos y Canada.
FOTOGRAFÍAS DESTACADAS
Entre sus fotografías más conocidas se
encuentran las siguientes.
Niño con granada de mano de
juguete en Central Park - 1962.
Subasta en 2005 por 408,000
dólares.
Trillizas en su habitación – 1963.
Identical Twins, Roselle, N.J. 1967.
Subastada en 2004 por 478,400
dólares.
Hombre desnudo como mujer
1968.
Tragasabkes albina - 1964
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Sin título - 1970
Gigante judío en su hogar del Bronx
con sus padres – 1970. Subastada
en 2007 por 421,000 dólares..
Muchacho con sombrero de paja
esperando en desfile militar – 1967.
Subastada en 1967 por 228,000
dólares.
“Quiero fotografiar las ceremonias importantes de nuestro presente porque viviendo
aquí y ahora tendemos a percibir sólo lo que es azaroso, estéril, sin forma. Mientras
lamentamos que el presente no es como el pasado y abandonamos la esperanza
de que se convierta en algún futuro, sus hábitos innumerables, inescrutables yacen
en espera de su significado. Los quiero recolectar como la abuela de alguien que
guarda conservas porque van a haber sido tan hermosos"
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(SESIÓN POWER POINT)
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DIANE ARBUS
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«Realmente creo que hay cosas
que nadie vería si no las hubiera
fotografiado»
Diane Arbus
Cronología y aportaciones más importantes
• Diane Nemerov (Diane Arbus) nace el 14 de marzo de 1923 en Nueva York. Sus padres deorigen judío gozan de una sana posición económica (propietarios de Russek’s – 5ª Avenida)
• A los 14 años comienza su relación con Allan Arbus, con quien se casa cumplidos los 18 años.Su marido como regalo de bodas le entrega una Graflex.
• Su marido la introduce en la fotografía y la masturbación.
• En 1941 visitan la galería de Stieglitz: Mathew Brady, Timothy O’Sullivan, Paul Strand, BillBrandt, Eugente Atget.
• 1945. Abren su estudio : «Diane & Allan» ; realizan fotografía publicitaria y comercial : Glamour, Vogue, Harper’s Bazar… a pesar de su desprecio hacia este tipo de trabajos.
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Cronología y aportaciones más importantes
• En sus comienzos estudio fotografía con Berenice Abbott, sin embargo sería su aprendizaje a partir de 1956 con la fotógrafaaustríaca Lisette Model el que ejercería mayor influencia comenzando a explorar un nuevo terreno
• En 1959 se separa de su marido Allan.
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• Durante los años sesenta enseña fotografía en la «Parsons School ofDesign» en New York.
• Durante su carrera utilizó una Nikon de 35 mm y a partir de 1963 de formasimultánea una Mamiya y Rolleiflex. Fue pionera en la utilización del flashde relleno.
• En 1967 se organiza en el Moma una gran exhibición en la que participa conGary Winogrand y Lee Friedlander.
Cronología y aportaciones más importantes
• A lo largo de su vida sufrió numerosas crisis depresivas.
• El 26 de julio de 1971, después de una larga depresión, Diane Arbus sesuicida ingiriendo una dosis de barbitúricos y cortándose a continuaciónlas venas.
• En 1972 el Moma organizó una gran retrospectiva sobre su obra con másde nueve millones de visitantes en EE.UU y Canadá.
• A la exposición le acompaña el libro : «Diane Arbus: an ApertureMonograph»
• El libro ha vendido más de 300.000 ejemplares y está consdierado poralgunos autores como uno de los «Foto-libros» más importantes de lahistoria. (1)
(1)
Martin Parr y Gerry Badger. The Photo book of a History , Phaidon, 2004 .
Calslin, Jean y Clarke Evans, Building a Photography Library, San Antonio, Photographic Society, 2001
Andrew Roth. The Open Book,, a History of the Photographic Book from 1878 to the Presente. Hassebald Center, Suecia, 2004.
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«La Fotógrafa Inquietante» : sindromecoleccionista.blogspot.com
«La Belleza de los Monstruos»
«Cazadora de Belleza Compulsiva» . Carlos Yusti
«Viaje a las Tinieblas» : Tomás Eloy . El País, 5005.
«La coleccionista de Horrores» : www.elfotografico.com – Rafael García.
«La dolorosa realidad exterior de pesadilla». Susan Sontag.
«La Fotógrafa de los Freaks»
«La Fotógrafa de la Condición Humana»
«La Pesadilla Americana» . Angela Molina, El País, 2006.
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«Para mi el sujeto es siempre más importante que la
imagen. Y más complicado»
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«AQUÍ VA UN VIDEO INSERTADO QUE TE ENTREGARÉ EL SÁBADO POR LA MAÑANA»
«Una fotografía es un secreto sobre un secreto»
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