Source de représentations tant naturalistes que symboliques, l’animal joue un rôle prépondérant dans la structuration de la société et l’émergence du récit. Durant l’Antiquité – à la croisée de l’Europe, du Moyen Orient et de l’Afrique –, la diversité de ses figures témoigne des nombreux pouvoirs qui lui sont prêtés, depuis les attributs des dieux jusqu’aux célèbres travaux d’Hercule. En s’intéressant à « La représentation animale, sa symbolique et ses croyances ou mythes associés », les Jardins Synthétiques entendent tisser des liens entre œuvres antiques et créations actuelles, depuis le plan formel en passant par l’imaginaire, le mythe ou encore les fonctions sociales. Ainsi, les mues de serpent rehaussées de feuille d’or d’Émilie Schalck côtoient les chimères de Thomas Grünfeld ou encore Indélébiles, alors que les oiseaux morts de Matthieu Triolet font écho à la « chimère mondialisée » de Rina Banerjee et aux volumes de Doriane Geneste, évoquant les glissements symboliques et sociétaux qui nous relient, plus ou moins directement, au monde Gallo-Romain. À la croisée des temps et des arts, que dit la représentation animale de notre propre société ?

Anthoni DOMINGUEZCommissaire d’exposition

Delphine PaniqueAou Miaou, 2014Cf encadré

ACCUEIL

FICHE DE SALLE

Mathilde Murat et Claire Sauvaget /Collectif patch_workHors Champ, 2014Attention : l’œuvre ne peut accueillir plus de 8 personnes en même temps. Merci de bien vouloir respecter cette jauge.

Dans l’imaginaire gréco-romain, le monde souterrain – dit monde « chtonien » – abrite les Enfers ainsi qu’une multitude de créatures hideuse et dangereuses. Tantôt bien réelles, à l’image des serpents, tantôt fantastiques, à l’image de Chimère, ces dernières sont toujours dotées d’attributs mystiques et entretiennent une certaine relation avec le divin. Univers de ténèbres et d’inconnu, le monde chtonien se prête à un imaginaire débordant et angoissé.

Par opposition aux divinités du ciel – dites « ouraniennes » –, de nombreuses figures divines se rattachent néanmoins à la terre. Ainsi, de Pluton à Cérès, en passant par Proserpine ou encore Hécate, l’imaginaire gréco-romain a fait du monde chtonien le pendant naturel au monde céleste. Ce foisonnement de créatures et divinités montre à quel point cet inconnu a pu fasciner et exacerber l’imaginaire gréco-romain, de la même manière que les fonds marins ou l’espace de nos jours.

La réalisation de Mathilde Murat et Claire Sauvaget, intitulée Hors Champ, peut être perçue comme une tentative de provoquer cet imaginaire chez le visiteur. Ce praticable diffuse en effet des sons non figuratifs lorsqu’on le foule, déployant un espace hors-champ qui s’anime sous nos pieds et provoque notre imaginaire. Intrigante, parfois inquiétante, l’œuvre nous rappelle aux bruits nocturnes qui ont animé les nuits de notre enfance, et parfois nourri nos appréhensions. La présence d’Hors Champ dans la nécropole souterraine du Musée Saint-Raymond, au beau milieu des sarcophages, semblait donc incontournable.

Megi XexoMithra 1, 2, 3, 2014Cf encadré

NÉCROPOLE

2

Claire FélicianOiseaux migrateurs, 2014

Éminemment poétique, évoquant tant la grâce que la liberté et le voyage, l’oiseau fait sans nul doute partie des animaux les plus admirés depuis l’Antiquité. Messagers divins dont les Grecs et les Romains interprétaient le vol pour y lire les messages des dieux, annonciateurs de l’arrivée des saisons comme des changements météorologiques, ils jouent un rôle déterminant tant dans le domaine du sacré que du profane, évoquant de lointains ailleurs.

À la croisée de l’Occident, de l’Orient et de l’Afrique, le bassin méditerranéen est régulièrement traversé par d’impressionnantes migrations qui ne sont pas sans évoquer les nombreuses migrations humaines qui ont façonné la région au cours de l’histoire. De l’Empire Romain à l’actuelle Union Européenne, les grands mouvements de population et le multiculturalisme de cet espace géographique trouvent un écho poétique dans la figure de l’oiseau.

Faisant référence à cette histoire, les Oiseaux migrateurs de Claire Félician donnent à voir une cartographie du bassin méditerranéen sur laquelle les mouvements migratoires sont représentés par des pointillés arpentés par des volatiles. Accueillant un miroir convexe, l’œuvre révèle une fresque du XVIe siècle au plafond qui représente des oiseaux presque effacés, évoquant l’altération de la mémoire des migrations passées. Matérialisant les zones d’intervention de la police européenne des frontières, Frontex, la proposition de Claire Félician nous invite à nous interroger sur notre histoire, depuis l’Antiquité jusqu’à nos jours.

Nadia von FoutreSauvageries, 2014Cf encadré

1er ÉTAGE

3

Nathalie CharriéImpact, 2014

À la fois symbole d’expiation, d’élévation spirituelle et du combat de l’Humain contre les forces de la Nature, les Travaux d’Hercule constituent l’un des épisodes les plus célèbres de la mythologie gréco-romaine. Représentés sous la forme de neuf reliefs – composant l’un des plus beaux ensembles des collections du Musée Saint-Raymond –, ces derniers ont su retenir l’attention de l’artiste toulousaine Nathalie Charrié, laquelle s’est particulièrement intéressée au sixième des travaux confiés par Eurysthée au demi-dieu : la chute des oiseaux du lac Stymphale.

Faisant des ravages tant parmi les populations de l’Arcadie que parmi leurs récoltes, ces oiseaux aux plumes métalliques acérées provoquèrent la colère d’Hercule, lequel les effraya avec des crotales ou castagnettes d’airain offerts par Minerve, avant de les abattre de ses flèches. Ainsi victorieux, Hercule affirma une fois de plus sa puissance aux yeux du monde, alors que les oiseaux chutaient tête la première dans le marécage auprès duquel ils avaient élu domicile. Anti-manichéenne, la figure de ces oiseaux monstrueux peut évoquer un monde à la fois beau et cruel.

Fascinée par la figure de l’oiseau en tant que symbole d’une liberté qui se heurte à l’expérience du monde, Nathalie Charrié représente dans ses sculptures des volatiles constamment aux prises avec leur environnement. Ainsi, Impact donne à voir un ensemble de sept oiseaux comme suspendus dans leur chute, figés à l’instant du choc. La dualité qui oppose le mouvement gracile de leurs mouvements à l’impact, voire à la disparition, entend créer un instant suspendu, à la fois source d’émerveillement et d’anxiété. À la croisée de la Nature et de nos comportements humains, la figure des oiseaux du lac Stymphale suscite un dilemme moral décidément bien difficile à résoudre.

Sorane RotelliniSemences d’origine biologique. Certifiées sans OGM, 2014

Qu’il s’agisse de portraits impériaux ou privés, le peuple romain s’est particulièrement illustré par son goût pour la représentation naturaliste de la figure humaine. Saisi dans la pierre, le sujet s’inscrivait de la sorte dans la postérité, alors que la stylisation de ses traits permettait d’en idéaliser certains caractères – sérénité, beauté ou encore assurance –, de brosser une image à la fois flatteuse et honorable qui pourrait traverser les âges.

Dans le cas particulier des portraits impériaux, il est ainsi surprenant de constater à quel point la maîtrise de la personnification du pouvoir politique, confondant l’individu et sa fonction, a permis d’affirmer son caractère presque sacré. Majestueux et pleins de dignité dans leur mise en scène, les portraits de la Galerie des Empereurs n’ont en effet rien à envier à la politique-spectacle du monde contemporain.

Comme une réponse à plusieurs siècles de personnification du pouvoir, Sorane Rotellini a choisi de produire cinq piédestaux s’intéressant à l’identité humaine en tant que corps biologique. Semences biologiques. Certifiées sans OGM présente ainsi des entités hybrides – mi-humaines, mi-animales, mi-végétales – qui se font le contre-point d’une culture selon laquelle l’Homme ne serait pas un animal comme les autres. Soucieuse de l’urgence écologique actuelle et du divorce de nos sociétés avec la Nature, Sorane Rottellini emploie des techniques répétitives et minutieuses – crochet, couture, cueillette, etc. – comme acte de résistance, ramenant pour l’occasion l’Humain à ses fonctions biologiques premières.

Marie SirgueCave canem, 2006

Célèbre gardien des Enfers, le chien tricéphale Cerbère est sans nul doute l’une des créatures mythiques les plus célèbres du corpus gréco-romain. Enfant terrible du redouté Typhon, il assiste Pluton en empêchant les âmes défuntes de quitter le royaume des morts, et les vivants d’y pénétrer. Seul Hercule parvint, avec le consentement de Pluton, à vaincre la créature à main nue afin de l’emprunter pour l’emmener dans le monde des vivants et le présenter à Eurysthée, effectuant par là-même le dernier de ses travaux.

Si la représentation de Cerbère conservée au Musée Saint-Raymond ne dispose plus que d’une seule tête, les attributs de l’homme présent à ses côtés indiquent qu’il s’agit bien de l’infernal gardien accompagnant son maître. La mitre oblongue (hedjet) qui couronne Pluton – devant le modius, récipient servant de mesure utilisée pour le blé – indique qu’il pourrait s’agir de Sarapis, divinité syncrétique rassemblant les traits de Pluton et des dieux égyptiens Apis et Osiris, le hedjet étant la couronne blanche des pharaons. Ainsi placé, Cerbère affirme plus que jamais ses fonctions de gardien et de protecteur des Enfers.

Jouxtant le haut-relief, la sculpture de Marie Sirgue, intitulée Cave Canem, donne à voir un moulage de quatre bras humain disposés de telle sorte qu’ils évoquent la posture d’un chien de garde assis. Si le tronc est absent, fragmenté – à l’image de la créature à trois têtes –, l’artiste entend provoquer notre imaginaire, et il ne fait nul doute que sa proximité avec Cerbère peut donner lieu à des images mentales à la fois hybrides et monstrueuses.

À la croisée du Sphinx et du chien de garde, l’œuvre de Marie Sirgue fait écho à un univers gréco-romain fortement influencé par la mythologie égyptienne.

Rina BanerjeeShe’s my country... her breath exploded of putrid death and folly. Her tresses snagged the most prickly greed lured cultures to wet their beds severed family and prayed on hope... she is at war, 2009

Sources de terreurs et allégories des forces qui dominent au destin des humains, les créatures hybrides issues de la mythologie gréco-romaine constituent une source d’inspiration intarissable. Remises au goût du jour dès la Renaissance par le biais des arts et de la littérature, ces figures métissées se sont solidement ancrées dans la culture occidentale à tel point que certaines d’entre elles ont intégré notre vocabulaire quotidien (harpie, chimère, etc.).

Traversant les époques, certaines de ces figures n’ont cessé de muter, en s’intégrant à de nouvelles cultures qui en redéfinissaient les contours sans pour autant leur ôter certains traits caractéristiques. L’un des exemples les plus probants est sans nul doute celui du Sphinx, présent chez les Egyptiens et réinterprété par les Grecs. En ce sens, certaines de ces créatures hybrides sont emblématiques des métissages culturels qui ont pu avoir lieu, l’évolution de leurs formes et attributs véhiculant la mémoire de ces échanges et rencontres passés.

Si l’on devait élire une chimère représentant la société globalisée dans laquelle nous vivons, ce serait sans nul doute celle de Rina Banerjee. Originaire d’Inde, vivant à New-York, l’artiste propose une créature composée d’un crâne de bœuf du Texas, de tissus hindous, d’une ombrelle chinoise ou encore d’une moustiquaire japonaise. L’assemblage de ces éléments typiques des grandes puissances économiques actuelles et postcolonialesaboutit à un travail onirique, délicat et néanmoins menaçant. Il est une métaphore d’un monde en perpétuel devenir.

SoiaElpis Silvaticus, 2014Cf encadré

4

Thomas GrünfeldMisfit Âne/Coq, 1996

Plus que tout autre, le corpus mythologique gréco-romain regorge de créatures fantastiques, hybrides de plusieurs animaux, voire d’animaux et d’êtres humains. Du Minotaure à Chimère, en passant par les centaures, harpies et autres satyres, les exemples abondent et témoignent d’un imaginaire foisonnant et terrifiant qui place les forces divines et la Nature au dessus des Hommes, ces derniers en appelant souvent aux héros et demi-dieux afin de les libérer de l’oppression de ces créatures hors-normes.

À l’heure du clonage, de la robotique et des modifications génétiques, l’apparition de créatures hybrides ne semble plus relever du fantastique, la technologie permettant de confondre le registre du mythe avec celui du réel. L’apparition de telles entités dans la culture populaire – du cinéma à la littérature, en passant par la bande-dessinée – témoigne ainsi d’une certaine angoisse de voir un jour ces dernières prendre forme et vie, abolissant la frontière qui sépare l’imaginaire de la réalité.

Issu de la série des Misfits (« inadaptés »), l’Âne/Coq de Thomas Grünfeld témoigne d’un univers absurde, déroutant, et finalement inquiétant quand on s’y attarde. Hybridant différentes espèces ou familles par le biais d’animaux taxidermisés, l’artiste se fait démiurge en se jouant de la dialectique du mythe et du réel, et en matérialisant des créatures fantastiques. Ces créations artificielles peuvent également être perçues comme une relecture ironique de la « Gemutlichkeit » – satisfaction allemande du bien-être que l’on éprouve chez soi – qui a notamment produit la tradition des trophées de chasse.

2e ÉTAGE

Émilie SchalckPavor Forma Devorare Ouroboros Mirabilis, 2014

Créature emblématique du monde souterrain, le serpent bénéficie chez les Romains d’une aura particulière. Reliant le monde des vivants au royaume des morts, évoquant l’idée d’une renaissance au travers de ses nombreuses mues, le reptile est représenté dans les œuvres racontant les épisodes mythologiques relatifs aux Enfers – dont le rapt de Proserpine par Pluton –, mais aussi sur des éléments de la vie courante comme les puits.

Intégré à certains attributs divins, à l’image du Caducée de Mercure, le serpent emprunte parfois la figure de l’ouroboros – le serpent « qui se mord la queue » –, figure qui a traversé les cultures comme les âges. Symbole du cycle éternel de la vie, l’ouroboros est notamment l’un des attribut de Saturne, père des dieux de l’Olympe, qui préside à l’écoulement du temps. Des Egyptiens aux Romains, en passant par les scandinaves et les chrétiens, il est tantôt signe de perpétuel recommencement, tantôt symbole de protection divine.

En proposant Pavor Forma Devorare Ouroboros Mirabilis, Émilie Schalck s’intéresse aux mues de serpents comme restes d’êtres vivants, comme symboles d’auto-anéantissement et de purification. Faisant également référence à l’emblème de l’Ordre du Dragon – ordre chevaleresque dont Vlad II le Dragon, père de celui qui allait inspirer Dracula, faisait partie – les ouroboros couverts de feuilles d’or d’Émilie Schalck nous tiraillent entre fascination et effroi, entre admiration et angoisse. Symbolisant la fragilité d’une transition à mi-chemin entre les ténèbres et la lumière, ces objets psychomagiques nous invitent à une méditation sur l’existence.

Doriane GenesteAmulette cheval, 2014Amulette chien, 2014

Parmi les nombreuses fonctions assignées aux animaux dans le monde romain, l’une des plus intrigantes reste sans nul doute celle d’accompagner – parfois – leurs maîtres dans l’au-delà pour continuer à les servir. Ce rôle, dit « psychopompe », peut se comprendre comme une continuité, une extension de leurs tâches depuis le monde des vivants jusqu’au royaume des morts (garde, transport, etc.).

Domestiqués depuis l’Antiquité, le chien et le cheval sont les animaux les plus fréquemment enterrés avec leurs maîtres. Leurs fonctions ont notablement évolué avec le temps. De nos jours, les canidés sont en effet souvent perçus comme de simples animaux de compagnie – au delà de leur aide à la garde ou à la chasse –, alors que les chevaux sont moins employés pour le transport ou l’affirmation d’une position sociale que pour les loisirs.

En modélisant deux figurines en allumettes reliées à la cire rouge, Doriane Geneste introduit l’idée que ces figures – et les représentations sociales qui s’y rattachent – peuvent s’embraser à tout moment. Affirmant leur caractère éphémère, l’artiste souligne combien des relations maître-animal a priori si ordinaires n’ont rien d’anodin, et en disent long sur notre société. A la croisée des temps, les Amulettes de Doriane Geneste nous interpellent également par leur esthétique, proche de la modélisation 3D ou de la découpe laser, esthétique emblématique de la fin du XXe siècle qui s’entrechoque avec les représentations antiques de la collection.

Matthieu TrioletGrive morte, 2012 Pigeon écrasé, 2012Jeune pic-vert mort, 2013

Les présages ont joué un rôle déterminant dans le développement de la Rome antique. Permettant de définir l’emplacement d’un temple, d’une maison ou encore le succès d’une entreprise, les Romains s’en remettaient volontiers aux augures – prêtes chargés d’interpréter le vol ou le cri des oiseaux (auspices) pour saisir et transmettre la volonté des dieux –, afin de prendre les décisions importantes du quotidien. La pratique de l’ornithomancie, largement inspirée par les Grecs et les Etrusques, reste l’un des procédés ésotériques de divination les plus remarquables de la société romaine.

Tantôt animal de basse-cour, tantôt animal d’ornement, tantôt messager entre les puissances divines et l’être humain, l’oiseau joue un rôle déterminant dans l’organisation de nos sociétés. S’il est aujourd’hui particulièrement apprécié comme animal de compagnie, mais également consommé à outrance via l’industrie agroalimentaire, il demeure un symbole de liberté et de grâce en dépit du traitement qui lui est régulièrement infligé, victime de nos appétits comme de notre impact sur la biosphère.

Travaillant par séries, Matthieu Triolet nous propose une sélection de toiles inspirées du registre de la vanité et représentant des oiseaux morts. S’il l’on dit que ces derniers « se cachent pour mourir », l’artiste a parcouru les villes à la recherche de leurs corps afin de matérialiser le caractère éphémère d’une existence à la fois poétique et tragique. Si la mort de l’animal est souvent le fait de l’activité humaine, si son cadavre est mis en scène par l’industrie agroalimentaire de sorte que jamais le consommateur ne saisisse la brutalité de sa mise à mort, Matthieu Triolet nous place face à une réalité cruelle qui se conçoit comme une critique de la société de consommation.

David PujolFigurine syncrétique, 2014Dagyde canine bicéphale, 2014Cf encadré

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Junie BriffazC’est la dernière fois que je vous emmène !, 2014A la queue comme tout le monde !, 2014J’ai vraiment pas une tête à chapeau..., 2014Je voudrais juste qu’on se retrouve tous les deux, 2014Y’a plus de saison..., 2014Cf encadré

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David PujolFigurine syncrétique, 2014Dagyde canine bicéphale, 2014

Les réinterprétations post-apocalyptiques de la pop-culture, de David Pujol, s’invitent à proximité des bronzes animaliers du Musée Saint-Raymond. Anachroniques, et finalement humoristiques, ces terres cuites représentent des créatures hybrides et s’inspirent des (no) futurs tels que ceux imaginés dans la science-fiction, à la croisée des dagydes jeteurs de sorts, des fétiches Kozo congolais ou de Cerbère. A la croisée des époques, David Pujol propose des chimères intemporelles et transculturelles, pour une mythologie radicalement postmoderne.

À la croisée des mythes antiques et de notre quotidien, Junie Briffaz propose cinq « saynètes » au sein desquelles les créatures légendaires du corpus gréco-romain se retrouvent mises en scène, dans un cadre contemporain. Jouant de l’anachronisme, confondant le réel et l’imaginaire, l’artiste présente des personnages décontextualisés qui génèrent des situations absurdes, à l’image de la famille centaure, qui se rend au supermarché un samedi après-midi.

Junie BriffazC’est la dernière fois que je vous emmène !, 2014A la queue comme tout le monde !, 2014J’ai vraiment pas une tête à chapeau..., 2014Je voudrais juste qu’on se retrouve tous les deux, 2014Y’a plus de saison..., 2014

ParcoursIndélébile

Le collectif d’auteurs et dessinateurs Indélébile présente un ensemble de cinq propositions, disséminées dans l’espace d’exposition et reliées entre elles par une création sonore conçue comme une narration*.

* Chaque proposition d’Indélébile est accompagnée d’un symbole indiquant sa position dans la narration, de 1 à 5 (départ du 2e étage : arrivée dans la nécropole). Les lecteurs MP3 sont à retirer auprès des bénévoles présents à l’accueil contre une pièce d’identité, qui vous sera remise lors du dépôt des lecteurs à la fin de votre parcours.

7

SoiaElpis Silvaticus, 2014Réinterprétant le mythe de Pandore, Soia donne à voir une farandole d’animaux en papiers sortant des amphores du Musée Saint-Raymond. Si ces derniers représentent les maux libérés par Pandore, l’artiste souligne qu’ils sont néanmoins en voie de disparition, établissant ainsi la responsabilité de l’humain par un procédé de mise en abîme. En effet, en nous renvoyant à nos propres erreurs, ces figures blanches – telles des miroirs fantomatiques – nous interpellent dans l’attente d’une réaction de notre part... car en dépit des maux libérés, Pandore referma à temps sa boîte et sauvegarda ainsi Elpis, incarnation de l’espoir.

La peinture sur vitre de Nadia von Foutre est une évocation directe du mythe de Cybèle, déesse protectrice des animaux sauvages et Déesse Mère d’origine phrygienne. Faisant face à une représentation sculptée de la déesse – sur le mur opposé – l’œuvre entend résonner avec la sauvagerie des mythes qui lui sont rattachés en développant une esthétique puissante, parfois violente, déployant de fait une dimension cathartique rageuse.

Nadia von FoutreSauvageries, 2014

Au travers d’un triptyque réalisé sous la forme de kakemono, Megi Xexo se propose de réinterpréter le culte de Mithra. À l’origine dieu indo-iranien, sa figure connaît son apogée à Rome, notamment dans les milieux militaires. Mithra se serait créé lui-même à partir de la roche et aurait chassé un taureau dont le sang versé aurait engendré la vie sur Terre. Il serait en lien direct avec la naissance de l’astrologie et symbole d’immortalité.

Megi XexoMithra 1, 2, 3, 2014

En reliant les cinq œuvres plastiques précédemment citées au travers d’une narration sonore, Delphine Panique propose au visiteur un parcours unique qui permet de jeter un nouveau regard sur l’exposition. L’artiste nous invite en effet à suivre les aventures de Minette, dans un monde occupé par les Titans, du moins par de « grandes choses vivantes, molles aux voix caverneuses » qui auraient fini par vaincre Jupiter. Considérée au travers des yeux d’un animal, l’humanité est envisagée sous un œil critique, dans une narration qui n’oublie pourtant pas d’être à la fois drôle et poétique.

Delphine PaniqueAou Miaou, 2014Lu par Régine Phéros / Docteur C

Émilie FaïfNuage, 2014

Émilie Faïf a réalisé une création in situ à la chapelle des Carmélites sur invitation du festival Jardins Synthétiques. Cette œuvre monumentale est visible du 2 au 18 octobre. La Fondation espace écureuil et les Jardins Synthétiques sont partenaires pour cette exposition. En parallèle et pour permettre autant que possible la découverte de cette artiste, la Fondation espace écureuil propose une exposition monographique en ses murs jusqu’au 29 novembre.

Son installation, créée spécialement pour la chapelle des Carmélites, fait écho à son somptueux plafond de bois peint. Au ciel d’en haut, peint entre le XVIIème et le XVIIIème siècle, répond ainsi, le temps d’une exposition, un grand pan de polyane cousu, ondoyant au grès de dizaines de ventilateurs. Sur l’étendue de la nef, ce ciel d’en bas se veut aussi réel que peuvent l’être les nuages, ces êtres étranges à mi chemin entre ciel et terre, entre physique et métaphysique.

Émilie Faïf est scénographe plasticienne. Née en 1976, elle est diplômée des Arts Appliqués Olivier de Serres et des Arts Décoratifs de Paris. Elle expérimente l’espace dans des domaines d’intervention divers mêlant le dynamisme des villes à celui de la mode, du textile et de l’Art. Parmi ses créations, on compte des installations et scénographies pour l’Atelier des Enfants du Centre Pompidou, le Ministère de la Culture, Hermès, l’OPHLM du 93, etc.

Production : Fondation Espace Écureuil / Jardins Synthétiques Festival 2014

CHAPELLE DES CARMELITES

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