FESTIVAL JARDINS DEL PALAU REIAL DE PEDRALBES Diversidad, calidad e integración en Barcelona: estos son los valores principales del Festival Jardins del Palau Reial de Pedralbes, un nuevo evento de verano de prestigio en un espacio al aire libre rodeado de naturaleza e historia que hasta ahora no había tenido nuestra ciudad. La primera edición del Festival se desarrollará el mes de junio y los primeros días de julio en un espacio ubicado a pocos metros de la Diagonal, donde se levantarán un escenario y una grada con capacidad para unos 2.000 espectadores. Considerados como uno de los jardines más elegantes de Barcelona, idóneos para pasear y muy frondosos, constituyen un entorno idílico de fácil acceso para ver conciertos de figuras de primer nivel de todos los estilos y para disfrutar de noches emblemáticas. Una escapada a la ciudad para vivir una experiencia global que une espectáculo, naturaleza y gastronomía. Concert Studio

El Festival Jardins del Palau Reial de Pedralbes está organizado por Concert Studio, una promotora con más de quince años de experiencia en el mundo de la música en directo. Entre los éxitos destacados de su trayectoria está la puesta en marcha del Festival del Mil·lenni en Barcelona, y que este año ha llegado a su 14ª edición; y la creación y organización del Festival Jardins de Cap Roig en Calella de Palafrugell (Girona) durante sus primeros doce años, siempre con el objetivo de escoger lo bueno y lo mejor de cada género musical y poder acercar artistas multitudinarios a entornos íntimos.

Nuestro tenor se va a Broadway

Su amplia discografía incluye más de ciento cincuenta grabaciones, entre las que destacan cincuenta

óperas completas, oratorios, recitales clásicos y también de música popular.

Josep Carreras no necesita presentación. ¿Y quién mejor que el tenor catalán para abrir un festival en la ciudad en la que nació y donde inició su carrera profesional? En este concierto inaugural, ofrecerá un programa acompañado por la soprano Gladys Rossi y la GIOrquestra, la Orquesta Sinfónica de las comarcas de Girona dirigida por David Giménez.

Desde que empezó de forma profesional en 1970 en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona con “Lucrezia Borgia”, la meteórica carrera del tenor le hizo debutar muy joven en los teatros y festivales más importantes del mundo. A lo largo de su trayectoria ha colaborado con prestigiosos directores de orquesta como Herbert von Karajan, Claudio Abbado, Riccardo Muti, Lorin Maazel, Leonard Bernstein y Zubin Mehta, entre otros.

Su repertorio incluye más de sesenta óperas entre las que destacan “Andrea Chénier”, “La bohème”, “Tosca”, “Werther”, “Don Carlo”, “Carmen”, “La forza del destino”, “I pagliacci”, “L’elisir d’amore” y “Un ballo in maschera”. Junto a su actividad operística hay que destacar los frecuentes recitales en teatros y auditorios de todo el mundo. Su extenso repertorio en este campo agrupa más de seiscientos títulos de los más diversos estilos, desde la música barroca hasta la contemporánea.

Su amplia discografía incluye más de ciento cincuenta grabaciones, entre las que destacan cincuenta óperas completas, oratorios, recitales clásicos y también de música popular. Otros proyectos profesionales incluyen la dirección musical de los Juegos Olímpicos de Barcelona en 1992 y los conciertos de los Tres Tenores junto a Plácido Domingo y Luciano Pavarotti, seguidos por miles de millones de espectadores, creando un impacto sin precedentes en el mundo de la lírica.

El recital que abrirá el festival incluye canciones clásicas del repertorio de Broadway y del cine, con obras de compositores como Rodgers & Hammerstein, Jerome Kern, Leonard Bernstein, Andrew Lloyd Webber, George Gershwin, Nino Rota y Henry Mancini, entre otros. Un repertorio idóneo para una orquesta versátil como la GIO, abierta a todos los estilos y muy sensibilizada para acercar la música sinfónica al mayor número posible de público, siempre bajo el lema “Música en Mayúsculas”.

En esta velada tan especial, Carreras contará con una pareja artística de excepción, la soprano italiana Gladys Rossi. Tras iniciar estudios de piano y violín, se decantó por el canto lírico y debutó en 2002 con “Rigoletto”. A lo largo de su corta y brillante carrera ha interpretado óperas como “Le nozze di Figaro”, “La bohème”, “La traviata”, “Un ballo in maschera” i “Carmen”. Con el tenor catalán ha coincidido varias veces en actuaciones en Italia, España y Japón.

En solitario o en dueto con Gladys Rossi, Carreras interpreta piezas tan concocidas como “Some Enchanted Evening” (“Al sur del Pacífico”), “All I Ask Of You” (“El fantasma de la ópera”), “Parla piu piano” (“El padrino”), “Somewhere” (“West Side Story”), “Moon River” (“Desayuno con diamantes”) y “The Impossible Dream” (“El hombre de la Mancha”).

Discografía recomendada

“Sings Andrew Lloyd Webber” (1989),“Hollywood Golden Classics” (1991),“My Romance” (1997)

El eterno latin lover

Uno de los secretos de la fama global de Julio Iglesias es su habilidad de cantar en más de una docena

de lenguas y de llegar a las culturas más diferentes.

Innegable atractivo físico, voz carismática, impecable dicción y facilidad para comunicarse con su público: estos son los tres elementos que han hecho de Julio Iglesias la gran figura de la historia de la música latina. Una verdadera superestrella internacional que ha vendido más de trescientos millones de álbumes en todo el mundo y que continúa siendo una apuesta segura, tanto por sus conciertos como por sus discos, en una carrera que abarca más de cuatro décadas.

El pasado 1 de abril, en Pequín, el famoso pianista chino Lang Lang le hacía entrega de dos importantes premios: uno, el galardón al primer y más popular artista internacional de todos los tiempos en China; el otro, el récord Guinness mundial por ser el artista latino que más discos ha vendido. Son sólo algunos de los honores que se merece su carrera musical, llena de éxitos en todos los países y con canciones que son número 1 a nivel mundial. Uno de los secretos de la fama global de Julio Iglesias es su cultura, que le permite cantar en más de una docena de lenguas y de llegar a las culturas más diferentes. Incluso hoy en día nadie puede presumir de una discografía de casi ochenta álbumes en tantos idiomas.

Para su último trabajo “1” (2011), y poco después de declarar que su voz estaba mejor ahora que cuando era joven, esta leyenda viva de la música latina volvió a grabar muchos de los temas que le han convertido en uno de los artistas más emblemáticos de nuestra época y demostró, una vez más, porqué su nombre está al lado de estrellas inmortales como Elvis Presley, The Beatles, Frank Sinatra y Michael Jackson como uno de los diez artistas de la historia que más discos ha vendido a nivel internacional.

En sus cuarenta y cinco años de trayectoria, “el nuevo Valentino” (como lo calificaba el escritor Steve Gett en un libro publicado el 1985) ha conseguido innumerables éxitos, pero quizá el más importante ha sido el reconocimiento del público como uno de los intérpretes más valorados, lo que le ha llevado a desarrollar una sólida carrera, a triunfar en mercados tan difíciles como el norteamericano y a actuar en los cinco continentes. Prácticamente todo el mundo conoce sus canciones, y ahora tenemos la oportunidad de volver a escucharlas en directo.

Este año, tras actuar en diversos países asiáticos y sudamericanos, vuelve a Barcelona para estar (por expresa voluntad propia) en un nuevo proyecto de Concert Studio. Discografía recomendada

“Un canto a Galicia” (1972) “Momentos” (1982) “Crazy” (1994)

www.julioiglesias.com

Escuchando la voz de un ángel

Antony Hegarty ha fascinado a los seguidores de la buena música con su sensibilidad y la que es

posiblemente la voz más personal del pop actual.

Desde su irrupción en el 2000 con el disco “Antony And The Johnsons”, el británico Antony Hegarty ha fascinado a los seguidores de la buena música con su sensibilidad y la que es posiblemente la voz más personal del pop actual. “Cuando escuché a Antony por primera vez, sabía que estaba en presencia de un ángel”, ha dicho de él Lou Reed. Y Laurie Anderson ha añadido: “Dos palabras y te ha roto el corazón. Cuando canta es lo más exquisito que escucharás en tu vida”.

¿Pero quién es Antony? “Hola, aquí hay algunas cosas sobre las que pienso: círculos de luz, el Ártico, brujas, mamíferos, Samoa, la esclavitud de la adicción y el capitalismo viral de la última etapa, la energía de la mujer, familias atesorando sus hijos transexuales, el Panel Internacional de las Naciones Unidas sobre el Cambio Climático, la intuición feroz y una nueva alianza mundial sobre el espíritu, bosques, oxígeno, carbono, religiones patriarcales y jerarquías que prefieren catalizar el apocalipsis antes que admitir que siglos de dominación masculina casi nos ha destruido, una revolución feminista podría salvar nuestro mundo”. De esta manera tan curiosa se presenta él mismo en su web.

Nacido en Sussex, pasó su infancia en Amsterdam y San Francisco antes de trasladarse a Nueva York a los 19 años. El 1998 creó Antony And The Johnsons, y con su segundo álbum, “I Am A Bird Now” (2005), ganó el prestigioso premio Mercury Prize. Con el tercero, “The Crying Light” (2009), el diario ‘The L.A. Times’ aseguraba que “es la declaración ambientalista más personal posible, al hacer una conexión imprevista entre las políticas de identidad de la cultura gay y el movimiento verde”.

A lo largo de su carrera, ha colaborado con un amplio abanico de artistas, como Björk, CocoRosie y los citados Anderson y Reed. El verano de 2012 fue director musical e intérprete en “The Life And Death Of Marina Abramovic”, obra dirigida por Robert Wilson. Ese mismo año, Antony And The Johnsons fue de gira por Europa y México para presentar el directo “Cut The World” (2012).

Ahora, en su única fecha en España, Antony viene a Barcelona con “She’s So Blue”, un espectáculo en colaboración con el director musical Steve Bernstein en el que interpreta canciones de otros compositores que le han inspirado - “If It Be Your Will” (Leonard Cohen) o “Candy Says” (The Velvet Underground), entre muchas otras-, al lado de sus temas más representativos. La banda que le acompaña está integrada por Bernstein (trompeta), Julian Joseph (piano, órgano), Douglas Wieselman (clarinete, saxos), Renaud-Gabriel Pion (clarinete, flauta, saxo barítono), Leo Abrahams (guitarra), Bradley Jones (bajo) y Kenny Wollesen (batería, percusión, vibráfono).

Discografía recomendada

“I Am A Bird Now” (2005) “The Crying Light” (2009) “Cut The World” (2012)

www,antonyandthejohnsons.com

La legendaria e inconfundible voz de Supertramp

Fue la voz legendaria y distintiva de Supertramp, y escribió, arregló e interpretó la mayoría de los éxitos

que llevaron a la banda a vender más de sesenta millones de discos.

Considerado como uno de los cantantes, compositores y letristas con más talento de nuestra época, el británico Roger Hodgson fue la voz legendaria y distintiva de Supertramp, y escribió, arregló e interpretó la mayoría de los éxitos que llevaron a la banda a vender más de sesenta millones de discos: clásicos imperdibles de la categoría de “The Logical Song”, “Breakfast In America”, “Give A Little Bit”, “Dreamer”, “School”, “Take The Long Way Home”, “It's Raining Again”, “Fool's Overture” y muchos más, que para diversas generaciones a lo largo de cuarenta años, se han convertido en la banda sonora de sus vidas.

Hodgson fundó en 1969 con Rick Davies la banda de rock progresivo Supertramp y formó parte de él durante catorce años como cantante, compositor, guitarrista y teclista, entre el disco homónimo de debut de 1970 y “... Famous Last Words...” (1982), periodo que se considera la época dorada del grupo británico. Después iniciaría una carrera en solitario con álbumes como “In The Eye Of The Storm” (1984), “Rites Of Passage” (1997) y “Open The Door” (2000). Su último trabajo es “Classics Live” (2010), una colección de piezas grabadas en la gira que realizó por los Estados Unidos, Canadá, Australia, Nueva Zelanda, Europa y Sudamérica.

Poseedor de una de las voces más reconocibles de la historia del rock, sus críticos han dicho de sus conciertos actuales que “el mejor cumplido que se le puede hacer a Roger es afirmar que probablemente suena mejor ahora en directo de lo que sonaba en sus grabaciones de estudio hace más de una generación”.

En 2013 Hodgson se ha embarcado en el “Breakfast In America Tour”. En sus conciertos, interpreta muchas de las canciones que popularizó al frente de Supertramp, himnos como "Take The Long Way Home", "Give A Little Bit", "Breakfast In America", "The Logical Song", "School", "Dreamer" o “It's Raining Again", al lado de otros procedentes de sus álbumes en solitario como “In Jeopardy”, “Lovers In The Wind” o “Death And A Zoo”, y también algunas nuevas.

Esta gira incluye shows en formato de dueto, con grupo y con orquesta sinfónica. En Barcelona, actuará con su banda, integrada por Aaron Macdonald (saxo, harmónica, teclados, voz), Bryan Head (batería), Kevin Adamson (teclados, voces) y David J Carpenter (bajo, voz).

Discografía recomendada Con Supertramp: “Crime Of The Century” (1974) “Breakfast In America” (1979) En solitario: “In The Eye Of The Storm” (1984)

www.RogerHodgson.com

La femme fatale de l’era internet

Lana del Rey es tan perfecta que si no fuese porque ha demostrado lo contrario, parecería un invento creado por la industria discográfica: una forma sensual de cantar y una imagen retro, sin llegar al erotismo de una pin up, pero con el glamour suficiente para ejercer como modelo, al servicio de un pop orquestal y con reminiscencias de los años cincuenta y sesenta.

Nacida en Lake Placid, Nueva York, en 2008 editó su primer single, “Kill Kill”, con el nombre de Lizzy Grant, antes de renacer transformada en una femme fatale bautizada como Lana Del Rey. Desde el principio se planteó su personaje como un misterio del que se iban desvelando pistas: primero, el vídeo de la canción “Video Games” irrumpió en las redes sociales en agosto de 2011 creando un revuelo considerable, seguido de un concierto secreto en la Grasslands Gallery de Brooklyn en septiembre. En otoño del mismo año publicaría un EP exclusivo con cuatro canciones.

Ya convertida en todo un fenómeno viral gracias a Internet, anunció su primer álbum “Born To Die” para principios de 2012. La cantante fue calentando el ambiente antes de su edición al aparecer en el programa televisivo Saturday Night Live”, y se convirtió así en la primera artista desde Natalie Imbruglia en 1998 en actuar en el show antes de sacar su álbum de debut.

“Born To Die” llegó al número 1 de las listas en diversos países europeos y 2 en los Estados Unidos. A finales del 2012, Del Rey editó otro disco, el miniLP “Paradise” donde se incluía una versión del “Blue Velvet”, reforzando así a los que ven en ella un personaje arquetípico digno de las películas de David Lynch. Últimamente, ha participado en la banda sonora de la nueva versión de “The Great Gatsby” (Baz Luhrmann, 2013) con la canción "Young And Beautiful".

www.lanadelrey.com

Los creadores de los mejores himnos de la música de baile

Earth, Wind & Fire ha provisto de música bailable y festiva a diversas generaciones con su fusión de

funk, soul y rock.

Earth, Wind & Fire ha provisto de música bailable y festiva a diversas generaciones con su fusión de funk, soul y rock, que como afirmó la revista ‘Rolling Stone’, “cambió el sonido del pop negro”. Fundada en Chicago el 1969 por el batería, compositor, líder y ocasional cantante Maurice White, desde un principio la banda utilizó el funk como base, pero también incorporó jazz, rhythm’n’blues, soul, gospel, pop, rock, psicodelia, folk, ritmos africanos y música disco, abriendo puertas entre los gustos a menudo separados de blancos y negros.

La voz del cantante principal Philip Bailey aportó una dimensión añadida por su habilidad en pasar de las baladas al funk, apoyado por una formación que podía proporcionar harmonías como un grupo de Motown, un ritmo desenfrenado como los J.B.’s de James Brown o improvisaciones de aire jazzístico, gracias a la sección de metales The Phoenix Horns, parte integral de su sonido. Si a este eclecticismo le sumamos unos conciertos espectaculares (que a menudo incluían trucos de magia) y una filosofía entre la espiritualidad mística y una edificante positividad, se entiende mejor porqué EWF está considerada como una de las bandas de funk de los setenta con más éxito, aclamada por la crítica y avalada por las ventas.

Después de su debut homónimo de 1971, EWF empezó a construirse una reputación por sus grabaciones innovadoras y sus vibrantes conciertos a partir del disco “Last Days And Time” (1972). A continuación vendrían trabajos como “Head To The Sky” (1973), “Open Our Eyes” (1974), “That’s The Way Of The World” (1975), “Gratitude” (1975), “Spirit” (1976), “All ‘N All” (1977), “I Am” (1979) y “Faces” (1980).

Las ventas millonarias del tema “Let’s Groove” reavivaron su carrera, provocando el éxito del álbum “Raise!” (1981). Dos años más tarde, White decidió que la banda necesitaba un descanso. El retorno fue en 1987 con “Touch The World”, y no pararían de sacar discos con material nuevo durante los noventa y los dos mil. Aunque Maurice ya no actúa con el grupo, sigue a la sombra como compositor y productor.

EWF llegan a Barcelona por primera vez desde el año 95 con la gira “Now, Then & Forever”, basada en su último disco de idéntico título publicado el 2012. Más que otro recopilatorio de lo mejor de su carrera, es una colección de las canciones preferidas por célebres fans de la banda como Andre 3000, Lenny Kravitz, Pharrell, Raphael Saadiq y will.i.am, entre otros. Por eso, en sus conciertos interpretan hits como “Boogie Wonderland”, “Getaway”, “Serpentine Fire”, “Shining Star” o “Fantasy”, himnos de la música de baile que ya forman parte de la memoria colectiva de muchos. Discografía recomendada

“Earth, Wind & Fire” (1971) “That’s The Way Of The World” (1975) “Gratitude” (1975) www.earthwindandfire.com

El súper grupo folk norteamericano por excelencia

Se puede considerar la única banda norteamericana capaz de acercarse al impacto social global de los

Beatles.

La reunión musical de David Crosby, Stephen Stills y Graham Nash (con o sin Neil Young) no sólo fue una de las más exitosas de los años sesenta, setenta y principios de los ochenta a través de sus grabaciones y actuaciones –con el contraste de caracteres de sus componentes y su conexión con los trastornos políticos y culturales de la época, al declararse contrarios a la guerra de Vietnam- sino que se puede considerar la única banda norteamericana capaz de acercarse al impacto social global de los Beatles.

Este verano, Crosby, Stills & Nash (CSN) vuelven a los escenarios europeos con una serie de actuaciones en ciudades como París, Berlín, Hamburgo, Múnich y, claro, Barcelona, tras ocho años en una única actuación en España, que pretende continuar el éxito de su aclamada gira mundial de 2012, en la que hicieron conciertos considerados por muchos críticos como los más memorables de su carrera, incluso los del 1969. La banda que los acompañará será la misma que el pasado año: Todd Caldwell (órgano), Shane Fontayne (guitarra), Steve DiStanislao (batería), Kevin McCormick (bajo) y James Raymond (teclados).

Han pasado más de cuatro décadas desde que Crosby (The Byrds), Stills (Buffalo Springfield) y Nash (The Hollies) surgieron en Laurel Canyon el 1968 y realizaron su concierto en el mítico festival de Woodstock el 1969, y sus componentes continúan en una asociación creativa considerada como una de las más influyentes y perdurables, con sus ricas harmonías vocales y una propuesta estilística que abarca desde el folk acústico hasta el pop melódico.

La música de CSN se convirtió por primera vez en una piedra angular del rock’n’roll con su debut homónimo de 1969, incluido por la revista ‘Rolling Stone’ en la lista de los “500 mejores álbumes de todos los tiempos”. Desde entonces y a pesar de los cambios y formaciones diversas y fructíferas carreras en solitario Crosby, Stills & Nash han seguido haciendo giras y grabando, como ellos mismos dicen, como “tres juntos”.

Adaptados a las nuevas fórmulas de la industria, recientemente han creado una aplicación para iPad que incluye una panorámica de su historia, con enlaces a su web y contenidos exclusivos previa subscripción. Además, el año pasado se editó en formato DVD/CD y Blu-Ray “CSN 2012”, la primera filmación de uno de sus conciertos en más de veinte años, donde interpretan gran parte de sus hits, como “Marrakesh Express”, “Long Time Gone”, “Southern Cross”, “Wasted On The Way”, “Wooden Ships” y “Teach Your Children”, canciones que, seguro, volverán a sonar en su concierto en Barcelona. Discografía recomendada

“Crosby, Stills & Nash” (1969) “CSN” (1977) “CSN 2012” (2012)

www.crosbystillsnash.com

Contacto Prensa:

Rosa Raduà prensa@concertstudio.com Telf: 93 363 25 10/ 636 439 230 www.festivalpedralbes.com Descarga de materiales: www.festivalpedralbes.com/premsa contraseña: pedralbes

/FestivalPedralbes

@FPedralbes

Festival Pedralbes CONCERT STUDIO: Berlín, 67 5è A. 08029 Barcelona