Magacín, la revista cultural de Siglo 21 Exposiciones vigentes para la semana del 13 al 19 de febrero de 2011 Magacín está en Facebook, Twitter y Blogger.

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Inauguraciones El alma perdida de Augusta −Galería Caos

El arte textil –Museo Ixchel del Traje Indígena Relieves y esculturas –ENAP

Mecanográfica –La Antigua Galería de Arte El amor no es como lo pintan –La Casa Azul

Vigentes Anatómicamente artístico −Espacio Bakabs Visiones del arte mexicano −Centro Cultural Luis Cardoza y Aragón El universo de Carlos Mérida −Paseo de los Museos, Antigua Guatemala. Serigrafías −Museo Carlos Mérida Puente Cultural Guatemala-Noruega, en La Antigua Galería de Arte Arquetipos –Alianza Francesa

Seres de luz −El Attico Íconos y conocidos −Galería Guatemala, de la Fundación G&T Continental Injuve –Espacio ce! Óleos de William Kalwick −La Antigua Galería de Arte Esa historia a la vuelta de la esquina –Espacio ce! Retrospectiva de tintas –SAECX, Quetzaltenango Camino de piedra –El Attico Ciudades utópicas –Galería Ana Lucía Gómez Con título –Cantón Exposición

El alma perdida de Augusta, esculturas de Sebastián Barrientos

Inauguración Jueves 19, 7:30 p.m. Entrada libre. Galería taller Caos, 17 calle A 7-15, zona 10. 2368-1565. Visite sebastianbarrientos.blogspot.com. Estará abierta hasta el 11 de marzo de 2011.

El escultor Sebastián Barrientos realiza una nueva muestra de El alma perdida de Augusta. La exposición permanecerá abierta hasta el 11 de marzo y se podrá visitar de lunes a viernes, de 10 a.m. a 6 p.m. La noche inaugural se realizará también una performance del artista Christian Cojulún.

Barrientos dio a conocer originalmente esta propuesta en noviembre pasado, cuando develó en el Museo de Capuchinas, en Antigua Guatemala 13 esculturas, las cuales estuvieron acompañadas por textos de Christian Cojulum. Los materiales utilizados en la serie van desde el vidrio al hierro o la resina. En ellos también se aprecian diseños pintados al óleo.

Acerca de su particular estilo de trabajo, en el blog del escultor se lee: “Sebastián Barrientos es un extraño pescador de ideas quien lanza sus anzuelos en aguas profundas, turbias y procelosas sin saber cuan terribles serán las presas que extraiga de sus abismales nichos. Una vez en sus manos, tales criaturas, hasta entonces virtuales, cobran forma en el mundo físico realizadas, ni con el brutal golpe del martillo, no con la dureza del escoplo, sino con la minuciosa destreza con que un patólogo describiría los peores padecimientos humanos”.

Valenz inaugura Mecanográfica Inauguración Desde el sábado 19, a partir de las 10 a.m. Entrada libre. Permanecerá abierta hasta el 18 de marzo. La Antigua Galería de Arte, 4a. calle Oriente #15, Antigua Guatemala. 7832-5911. Contactos: artintheamericas.com artintheamericas@gmail.com

Horarios de visita: de lunes a sábado de 10 a.m. a 7 p.m. y los domingos del mediodía a 6 p.m. Simbiosis de maquinas y con seres inanimados que representan escenarios de vida y sueños. El uso libre de elementos como sillas, escaleras, camas, monociclos, trapecistas, columpios, maquinas... es la manera de contar historias de la vida. Para el artista, las sillas significas según el contexto la espera o la oportunidad, la escalera el deseo de subir y de seguir creciendo, la cama el descanso profundo, los personajes lúdicos el juego y el movimiento singular de los momentos de la vida, en fin pintar es mi vida.

“Sergio Valenzuela Valenz, nos pone ante su pintura como en un punto hacia varias fugas o situaciones, lugares y fugas, más allá de querer concretar espacios definitivos que nos plantean múltiples salidas inexplicables.. Ante nuestros ojos en la obra de Sergio Valenzuela se abren en perspectivas múltiples, una producción iconográfica, reflexiva a la vez que espontánea”, menciona Porfirio García Romano al escribir acerca del artista.

Continúa García Romano: “La pintura de Valenz es a simple vista una suerte de dibujos de un solo color. Suelen parecer dibujos, por el énfasis que el artista le da al uso de la línea y la superficie plana y no, al color y la textura. Su maestría la imprime el

uso de pocos elementos plásticos, en especial líneas, que describen un esqueleto de formas, que son la obra, para el logro de una gran variedad de resultados, en los que destaca el protagonismo de espacios figurados que incitan una condición de habitabilidad”.

Porfirio García indica que la propuesta de Valenz es neo surrealista supera la tendencia onírica, porque el simple resultado de pintar sueños se debilita con la introducción de figuras: repisas, balcones, explícitas pero desmaterializadas.

“Formas de máquinas que palpitan con corazones de lata, sillas que expresan espera, camas que dicen intimidad, escaleras que te sumergen en las alturas o te suben a las profundidades. Transposiciones abstractas de experiencias íntimas, obras mecano morfas, aludiendo el movimiento o el pulso de la velocidad en el espacio íngrimo y sencillo de nuestra habitación”, concluye el texto curatorial. Sergio Valenzuela Valenz (Guatemala 1970) es licenciado en Comunicación, imparte cursos de creatividad, publicidad y diseño gráfico a estudiantes universitarios. Artísta plástico caracterizado por su continua y dinámica innovación en texturas, técnicas y pigmentos.

Ganador del IV certamen del Joven Pintor en 2005, seleccionado como becario para estudiar en la Escuela Superior de Bellas Artes Paris, Francia en donde continuo su formación con artistas de la talla de Sylvie Fanchon, Bernard Piffaretti y Dominique Gauthier.Recibió crítica y asesoría de artistas de nivel mundial, como Pat Andrea y Philippe Cognée.

Ha participado en certámenes nacionales y en múltiples exposiciones colectivas. Obra Seleccionada en: Subasta de Arte Latinoamericano Juannio 2005 y 2006, XV Biennal de Arte Paiz (categoría artistas invitados, 2006), IX Festival Internacional Rozas Botrán 2007. Artista invitado por la embajada de México, Homenaje Frida Kahlo (2007). Obtuvo mención honorifica en el X Festival Internacional Rozas Botrán 2008. Fue finalista en Subasta de Arte Latinoamericano 45 Años Juannio 2009. Ha expuesto tanto en solitario como en colectivas desde 1992, en Guatemala como en el extranjero.

Anatómicamente artístico Hasta el 18 de febrero. De martes a domingo, de 10 a.m. a 8:30 p.m. Entrada libre. Espacio Bakabs 5a. avenida 10-53 zona 1 (parqueo a la par y con tarifa preferencial). 2232- 4671, Visite bakabs.com.

Los jóvenes artistas Marien Acú, Fabiola Aguirre, Jorge Chamalé, Arinaka López y Nestor Orellana exponen dibujos y pinturas en esta propuesta denominada Anatómicamente artístico.

Acerca de la muestra, el licenciado en arte Marvin Olivares comenta: “Desde los albores del tiempo humano, los hombres hemos utilizado la representación en forma de dibujos y pinturas para tratar de entender el mundo que nos rodea. Cada nueva generación de artistas siente la misma necesidad de actualizar la comprensión del tiempo presente. Ésta es la tarea que ya han iniciado los jóvenes artistas : Marien Acú, Fabiola Aguirre, Jorge Camalé, Arianka Lopez y Nestor Orellana”.

“Pinturas y dibujos de cinco visiones”, continúa Olivaros, son “puntos de vista distintos que ahora se unen en este espacio de exposición, pero que además, les une la pertenencia a una generación que ya entrado el siglo XXI, perciben la realidad de una forma personal, única y sobre todo contemporánea”.

Los cinco artistas han participado en diversas exposiciones individuales y colectivas en diferentes lugares de la ciudad de Guatemala. Además, han recibido diversos reconocimientos por sus obras.

Colectiva Visiones del arte mexicano Hasta el 22 de marzo. De lunes a viernes, de 9 a.m. a 1 p.m. y de 3 p.m. a 5 p.m. Entrada libre.. Centro Cultural Luis Cardoza y Aragón. 2a. avenida 7-57, zona 10. Interior de la Embajada de México. 2420-3438.

Colectiva de obras de las colecciones Pago en Especie y Acervo Patrimonial de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, de México. Entre las obras que forman parte del patrimonio de esta entidad mexicana se encuentra el trabajo de la guatemalteca radicada en México, Rina Lazo. La muralista, casada desde hace más de 50 años con el artista mexicano Arturo García Bustos, expuso en octubre pasado el mural Venceremos, en el Palacio Nacional de la Cultura. En esa oportunidad, también se exhibió el mural Gloriosa Victoria, de Diego Rivera. Lea la entrevista publicada en Magacín a Rina Lazo.

El Museo de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público (SHCP), Antiguo Palacio del Arzobispado de México, conserva, documenta, investiga, exhibe y difunde una muestra representativa de la plástica contemporánea en México, especialmente del último cuarto del siglo XX; así como objetos relacionados con la historia de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, con fines de educación y deleite y como fuente de transformación individual y social.

Las colecciones Pago en Especie y Acervo Patrimonial tienen su recinto de exhibición permanente en el Museo de la SHCP que se orienta a la conservación, el rescate, la investigación, la exhibición y la divulgación de la obra plástica de artistas mexicanos o extranjeros radicados en México (que optan por el pago en especie para así cumplir sus obligaciones fiscales), que integra la primera

colección y de las obras de arte y artes aplicadas, objetos y equipo de oficina, mobiliario, filatelia fiscal y numismática que conforman a la segunda. Colección Pago en Especie En 1957 la entidad diseñó una política fiscal orientada a impulsar a los artistas plásticos mediante la aceptación de obras de su autoría como pago de sus impuestos. Este sistema recaudatorio permitió que se entregaran una gran cantidad de obras a los museos de México. Colección Acervo Patrimonial Es el resultado de un programa de rescate iniciado en 1982 para reunir obras de arte, piezas de numismática, filatelia, artes aplicadas y mobiliario histórico. En los últimos años, artistas contemporáneos han donado sus obras. Ambas colecciones reúne obras de los siguientes artistas: Diego Rivera, Raúl Anguiano, Fernando Castro Pacheco, José Chávez Morado, Arturo García Bustos, Rina Lazo, Ricardo Martínez, Nicolás Moreno, Miguel Castro Leñero. José Reyes Meza, Antonio Ruiz (el Corzo), Juan Soriano, Rufino Tamayo, Alfredo Zalce, Francisco Zúñiga, Vicente Rojo, Mathias Goeritz, Pedro Coronel, Rafael Coronel. José Luis Cuievas, Sebastián, Manuel Felguérez, Francisco Toledo, Alberto Gironella, Roger von Gunten, Rodolfo Morales, Francisco Toledo, Javier de la Garza, Sergio Hernández, Dulce María Núñez, Luis Carlos Barrios, Carla Rippey, Adolfo Riestra. Nahúm B. Zenil, Héctor de Anda, Ulises Licea, Javier Marín, Tatiana Montoya, Santiago Rebolledo, Froylán Ruiz, Ángel Ricardo Ricardo, Pedro Rivera. Betsabé Romero, Yolanda Andrade, Jesús Urbieta, Boris Viskin, Cisco Jiménez, Tomás López Rocha, Gabriel de la Mora, Luis Ricaurte, Graciela Iturbide, Gilberto Acevas Navarro, Luis Nishtzawa.

El universo de Carlos Mérida Hasta el 12 de mayo. Entrada libre. Galería Quiroa del Paseo de los Museos, Casa Santo Domingo, en Antigua Guatemala. La muestra forma parte del programa cultural del Festival de Arte Paiz.

La muestra reúne obras de uno de los artistas guatemaltecos más importantes del siglo XX., el pintor, escultor, muralista y grabador Carlos Mérida. Más de 60 obras del pintor, escultor, muralista y grabador guatemalteco Carlos Mérida estarán en la exposición El universo de Carlos Mérida en la Galería Quiroa del Paseo de los Museos, Casa Santo Domingo, en Antigua Guatemala.

Las piezas que conforman esta muestra fueron seleccionadas por el curador Guillermo Monsanto, y pertenecen a recopilaciones privadas, entidades públicas y la colección privada de la nieta del artista Cristina Navas Mérida. Durante su carrera, que abarca de 1910 a 1984, Mérida tuvo relación con distintos artistas, lo que fue “determinante para idear un universo creativo que benefició a las comunidades en donde ejerció su campo de acción”, comenta Monsanto. El curador indica que “la muestra incluye objetos, fotografías y otros instrumentos de uso personal que crean un contorno social que complementa ese universo, mostrándonos una dimensión más humana y profunda de este extraordinario hombre”.

El curador afirma que la influencia y el aporte de Mérida a la pintura y al muralismo guatemalteco del siglo XX fue vital. “Creería que (sigue) muy vigente si se observan los nuevos murales de artistas más jóvenes realizados en El Trébol, las paredes exteriores del zoológico La Aurora y en Santo Domingo del Cerro”, refiere. Entre las obras expuestas hay diversidad de técnicas y materiales que van desde bronce hasta esmaltes, pasando por témperas, crayones, grafito, óleo, mosaico y materiales sintéticos. La variedad también pasa por los tamaños y las más grandes son parte de la colección prestada por el Crédito Hipotecario Nacional, que superan el metro de altura.

Colectiva Puente Cultural Guatemala-Noruega Hasta el 4 de marzo de 2011. La Antigua Galería de Arte, 4a. calle Oriente #15, Antigua Guatemala. 7832-5911. de lunes a sábado de 10 a.m. a 7 p.m. y los domingos del mediodía a 6 p.m. Contactos: artintheamericas.com artintheamericas@gmail.com

Colectiva integrada por los artistas guatemaltecos: Carlos Chaclán, Gustavo García y Jaime Ramírez. Junto a ellos dos artistas noruegos: Jan Svensen y Janne Lunder. Los cinco artistas se han unido dando origen a una excelente producción, con figuras que en algunas se perfilan claramente a la vista y en otras se adivinan combinaciónes de colores vivos, transparencias de acuarelas o con formas voluminosas, incrustadas, moldeadas que hipnotizan al espectador.

De esta forma la exposición crea lazos culturales; “puentes”, como sus obras: coloridas, horneadas, mezcladas o plasmadas; extendiendo y cautivando a quienes observan la majestuosidad de la creación de vínculos más allá de las fronteras. El Puente Cultural Guatemala-Noruega surgió en 2005 por iniciativa de artistas, pintores y músicos de estrechar los vínculos culturales y sociales entre estos dos países. Carlos Chaclán (1955) Escultor, originario de Totonicapán. Cuenta con especializaciones en Panamá, Perú, México y cursos a cargo de la asociación cultural Mokichi Okada, de Japón. Estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas“Rafael Rodríguez Padilla”. Ha realizado numerosas exposiciones y trabajó como restaurador del museo Popol Vuh. En la cerámica de Chaclán destaca la figura femenina: caderas aguitarradas y sensuales y delicadas curvilíneas. Presentes también están las formas de capullo, ovaladas y de semilla que, al igual que en las figuras femeninas, alude al origen de la vida.

Jaime Ramírez (1959) Acuarelista. Formado en la Escuela al aire libre del Cerro del Carmen “Max Saravia Güal”, y en la Escuela Nacional de Artes Plásticas. Diseñó el Glifo de la Bienal de Arte Paiz, obtuvo el premio Jade como Mejor Director de Arte en el área de Diseño Gráfico, premio en el III Salón de la Acuarela, y cuenta con diferentes distinciones de la Escuela Nacional de Artes Plásticas, ENAP. En una parte de su trayectoria Ramírez se dedicó al paisajismo: cielos despejados y bañadas en aguas cristalinas. Hoy se centra en rostros que intrigan, enamoran, desprecian o conmueven: seres cónicos de cuellos largos, de ojos que ven desde otra realidad y que se mueven a voluntad y proclaman expectativa. Gustavo García (1948) Acuarelista. Miembro de El Filón, grupo de artistas del Cerrito del Carmen. Al igual que Chaclán y Ramírez participa también en el grupo Agua, tierra y fuego. Su colorida hoja de vida cuenta con exposiciones nacionales e internacionales, así como galardones de la bienal de Arte Paiz, del Salón Nacional de la Acuarela, del Certamen Arturo Martinez, en Quetzaltenango y de la Fundación Rosas-Botrán. Jan Svensen Originario de Fredrikstad, Noruega. Cuenta con exposiciones individuales no sólo en su país, sino también en Estados Unidos, Francia, Dinamarca, Alemania, Venezuela, España y Egipto; así como participaciones en colectivas, Bienales, Trienales, colecciones en museos a lo largo de los cinco continentes y galardones recibidos en Polonia y Premios honorarios en Portugal. Svensen presenta una forma gráfica de un mundo distinto, de paisajes desfragmentados, con elementos desconocidos que cuentan un recorrido donde la imaginación comienza y experimenta lo que nadie ha visto. Hanne Lunder Ceramista, nacida en Oslo, Noruega, en 1956. Miembro de la Asociación Noruega de Artesanía. Graduada en cerámica, ene la Academia Nacional de Arte, Artesanía y Diseño, en Oslo (1979). Cuenta con más de 50 exposiciones individuales y colectivas en su país y en Guatemala. No sólo ha trabajado cerámica sino que ha incursionado en el campo de la fotografía y la literatura con el libro: Mitt Guatemala, fargene og kontrastenes land (La Guatemala mía, el país de los colores y las contrastes) obra que fue publicada en noviembre pasado. Sus obras a menudo toman el simbolismo, las series, relaciones, formas y experiencias de otras culturas. Los jeroglíficos mayas han sido parte importante en su trabajo, aplicándolas en formas simples hechas de arcilla.

Arquetipos, de Ferit Kuyas Hasta el 25 de febrero. Entrada libre. Galería de arte de la Alianza Francesa. 5a. calle 10-55, zona 13, finca La Aurora. 2440-2102 y alianzafrancesa.org.gt. La muestra estará abierta hasta el 25 de febrero. Se puede visitar de lunes a viernes, de 9 a.m. a 5 p.m. y sábados, de 9 a.m. al mediodía

Exposición del fotógrafo ganador de GuatePhoto 2010, Ferit Kuyas. Viviendo y trabajando cerca de Zurich, Suiza, Kuyas al graduarse de Derecho en los 80, le apostó totalmente a la fotografía. Al trabajar principalmente en proyectos personales, se publicó en varios libros. Después de ir a Shanghai para trabajo de comisionado, los viajes de Ferit le llevaron a China en varias ocasiones. Su más reciente trabajo es City of Ambition con grandes imágenes de la megalópolis Chongqing, China, publicada en octubre de 2009.

Las fotografías de Ferit han sido expuestas en museos, galerías y festivales de Europa, América y Asia. Su obra está representada en colecciones privadas, corporativas y públicas en los Estados Unidos, Inglaterra, Bélgica, Suiza, Alemania y Turquía. Recibió varios premios, entre ellos el Libro de Fotos Kodak y el Premio Hasselblad Masters. Arquetipos “Durante el año 1995 empecé a dedicar más de mi tiempo a trabajo comercial. Se me hizo más difícil centrarme principalmente en proyectos personales. Así que empecé a fotografiar durante mis viajes”, dice Ferit. Mientras hacía eso, de alguna manera estaba dejando abierta la respuesta interna a lo que sus ojos le estaban diciendo sobre el mundo exterior, convirtiéndose en una membrana de resonancia, de responder con sensibilidad a cada símbolo y a cada imagen - a veces conscientemente, pero a menudo totalmente intuitiva. “El resultado son imágenes de una calidad metafórica. He recogido estos arquetipos intuitivos con los años. Poner la mirada en ellos, me siento atraído inconscientemente en un proceso de profunda resonancia”, indica el fotógrafo y agrega:“Se trata de mostrar mis elementos de la vida, fragmentos de la realidad, a veces una verdad más profunda que normalmente esta oculta para nosotros. Por supuesto, siempre será mi propia verdad”.

Seres de luz, una atípica muestra en el El Attico Hasta el 25 de febrero. Entrada libre. El Áttico. 4a. avenida 15-45, zona 14. 2368 0853. Visite elattico.com y elattico.blogspot.com. El sábado 19 de febrero, la expositora hablará en la galería acerca de El poder de la luz, tema presente en su trabajo. La galería también muestra este mes la obra de Luis Arturo Arévalo cuyo nombre artístico es Luarta.

Acerca de esta exposición, la galería indica que “definitivamente se sale de todo el contexto de lo que El Attico ha presentado en los últimos años. Primero porque es una exposición de pintura de estudio que alude a temas que nada tiene que ver con el perfil que suele pasar las curadurías contemporáneas. Segundo porque su primera intención sobrepasa los perfiles estéticos y sus componentes formales –los cuales posee indudablemente- para dar lugar a una reflexión que desemboca en la experiencia espiritual. De allí el título con el que la autora, Aracelly Alzamora, bautizó su reciente colección”.

Hay un tercer aspecto, comunica El Attico, que es vital en la percepción del trabajo: que nace más de un sentimiento, de una inspiración relacionada con un estado de amor, paz, consenso con la vida y comprensión de los espacios de los otros. En su lectura no hay espacio para la violencia y sí hay un lugar para la vida. “A partir de ese momento, nuestras salas se transforman en un estadio experimental de vivencias más que de obra pictórica-observador. Esa, en resumen, es la magia que determinó la recepción sin reticencias, de ningún tipo, a las pinturas de Alzamora en nuestro espacio”, apunta la sala de exposiciones y centro de documentación.

“Pinceladas, composiciones y mezclas de color se dan por descotado. La artista es autora de múltiples vitrales de dimensiones considerables, en distintos recintos sagrados. Aracelly no sólo posee un rango y experiencia, su obra está entre nosotros. Sus largas ausencias de las salas de exposiciones han determinado que los pescadores de moda no la conozcan. Aracelly Alzamora comenzó a pintar en el año de 1982. Creció en una casa llena de colores y formas determinantes definitivamente en su formación”, comenta el curador de la galería, Guillermo Monsanto.

Caricaturas. Íconos y conocidos Hasta el 25 de febrero. Entrada libre. Galería Guatemala de la Fundación G&T Continental, 6a. avenida 9-08, zona 9 (interior banco G&T Continenal). Se puede visitar en horario de atención al público. Para conocer más acerca del artista y sus proyectos, visite todoartetotal.blogspot.com.

Conocer a Efraín Recinos y darse cuenta de que como él existen muchos guatemaltecos que han logrado “crear su mundo” y alcanzar reconocimiento nacional, llevó al caricaturista Pablo Piloña a representar a 24 personajes, quienes por medio de su quehacer han dejado huella en el país.

El trabajo que este artista realizó en el último semestre de 2010 se resume en la colección Íconos y Conocidos, que estará expuesta al público del 27 de enero al 25 de febrero en la Galería Guatemala del Banco G&T Continental (6a. avenida 9-08, zona 9), entidad organizadora del evento.

Piloña, cuyo trabajo como caricaturista de La Matraca del diario al día lo pone en contacto diario con la política y la crítica de aspectos negativos, buscó en esta muestra realzar aspectos positivos. “Hay muchos emprendedores en el país, artistas que crean su mundo y personas que sin ser artistas contribuyen. Esta es una forma de rendirles tributo”, explica.

En la colección hay una mezcla de personas vivas y que han fallecido, de áreas tan variadas como el activismo, los deportes y las artes. Algunos de los representados fueron invitados a la inauguración, y Piloña espera que sea en ese momento cuando le den su opinión acerca de cómo fueron retratados, ya que hasta el momento “he tratado de mantener esto como una sorpresa”, comparte.

Injuve, artes visuales Hasta el 11 de marzo. Entrada libre. Horarios: de lunes a viernes, de 9:30 a.m. a 1 p.m. y de 2 p.m. a 5 p.m. Sábados de 10 a.m. a 2 p.m. Centro Cultural de España. Vía 5, 1-23 zona 4, 4º Norte. 2385-9066 y 67. Visite cceguatemala.com.

El Área de Artes Visuales del Centro Cultural de España en Guatemala trata de acercar al público algunos de los temas de mayor vigencia en el medio social, cultural y político del país, a través de los lenguajes y las herramientas propias del arte contemporáneo. Esta muestra reúne a los ganadores de los Premios Creación INJUVE que, desde hace 25 años, ponen de manifiesto lo más significativo de la creación jóven en España.

Estos premios ofrecen una precisa toma de temperatura tanto de la situación artística actual en España, como de la sensibilidad de la franja generacional a la que pertenecen, la así llamada juventud, en la que desde las revueltas de los años 60 se ha depositado la tarea de encarnar la experiencia del tiempo presente.

El curador de la exposición es Jesús Carrillo. Participan: Alba Aguirre, Tamara Kuselman, Mikeldi Pérez, Empar Buxeda, Sabel Gavaldón, Marta Madrid, Jonathan Notario, Ariadna Parreu, Álvaro Rojas, Tania Castellano, Alexandre Montourcy, Alba Mora, OPN Studio, Andrés Paduano, Jorge Tur Moltó, S. Alejandro G. Salgado, Christelle Faucoulanche, María Lorena Sánchez, y Federico Vladimir Strate.

Óleos de William Kalwick en La Antigua Galería de Arte asta el 28 de febrero. Entrada es libre. La Antigua Galería de Arte, 4a. calle Oriente #15, Antigua Guatemala. 7832-5911. Visite kalwick.com y artintheamericas.com. Horario de atención: de lunes a sábado, de 10 a.m. a 7 p.m. y domingos del mediodía a las 6 p.m. A William Kalwick le apasionan los mayas que viven en las zonas del altiplano guatemalteco. Como artista se encuentra fascinado por sus trajes, tradiciones y costumbres y se considera un cronista de su historia.

Cada año visita Guatemala para asistir a importantes celebraciones, como en la ciudad de Sololá, donde las festividades en honor a la Virgen de la Asunción proporcionan una fuente de inspiración inagotable para su labor artística. Kalwick, por séptimo año consecutivo, expone obra reciente en La Antigua Galería de Arte.

William (Bill) Kalwick Jr. nació en Atlantic Highlands, Nueva Jersey. Recibió gran influencia de su padre William J. Kalwick I quien había realizado estudios con el artista Húngaro-norteamericano Lajos Markos (1917–1993) . Bill estudió con su padre hasta su graduación de la preparatoria y luego en la Art Students League, en la Ciudad de Nueva York. En 1981 se mudó a Houston, Texas para convertirse en discípulo de Lajos Markos.

Las pinturas de Bill cubren un amplio rango de temas. Sin embargo, se le conoce más por aquellas pinturas que plasman la vida de los mayas de Guatemala, escenas con temática figurativa romántica y sus retratos. William Kalwick realizó su primera exposición individual en julio de 1985, en el Museo Histórico y de Arte de Lufkin, Texas. En 1955 expuso en el Museo Ixchel. También ha exhibido sus trabajos en el National Cowboy Hall of Fame, en la Exposición Prix del Oeste, en la ciudad de Oklahoma. Actualmente es Presidente de la Asociación de Arte Cívica de Houston y miembro de la Fundación de Arte Lajos Markos.

Fotografía. Esa historia a la vuelta de la esquina Hasta el 30 de abril de 2011. Entrada libre. Espacio ce! 6a. avenida Norte entre 3a. y 4a. calles, Antigua Guatemala. Antigua Compañía de Jesús. 7832-1276 y 7832-1268 Visite aecid-cf.org.gt.

Esa historia a la vuelta de la esquina es una exposición híbrida que combina varias líneas de información que van de la textual a la evocativa, para contribuir a la cicatrización de esa herida a través de la toma de consciencia y de posición. La curaduría artística y museografía de la muestra está a cargo de Emiliano Valdés. A través de acervos de fotografía guatemalteca y del trabajo de reconocidos fotógrafos que han abordado el tema de la memoria y la historia, el recorrido por estas salas nos enfrenta con el pasado reciente a través de espejos con memoria que nos confrontan con nuestra propia visión de los hechos

El trabajo de fotógrafos como Daniel Chauche, Daniel Hernández-Salazar, Moisés Castillo y Luis González Palma, entre otros, se unen al de numerosos fotógrafos documentales que capturaron, durante la segunda mitad del siglo XX, los hechos que definieron el presente de nuestro país para plantearnos algunos de las múltiples formas de acercarse a la historia nacional. Las imágenes nos ayudan no sólo a recordar sino, sobre todo, a poner en perspectiva las distintas fuerzas que dominaron las esferas políticas, sociales y humanas de nuestro entorno. Es con esa información que el espectador puede acercarse al pasado desde su presente personal. Otros proyectos, como los desarrollados por Andrea Aragón y Ángel Poyón, se suman a las líneas factual y fotográfica para propiciar una revisión del pasado desde el presente. Así, por medio de una gran gama de formatos fotográficos e información en distintas formas, la exposición acerca a la historia y la memoria para ayudar a su conciliación y fortalecimiento mutuo.

Camino de piedra, esculturas de David Halfon Hasta el 19 de febrero. Entrada libre. Galería El Áttico. 4a. avenida 15-45, zona 14. 2368 0853. Visite elattico.com y davidhalfon.com. “No me interesa sacar una forma de la piedra, sino dejar que la piedra hable por sí sola. Yo intervengo, pero la piedra tiene su decir en el acto, en el proceso”, así describe el escultor David Halfon el concepto de la serie Camino de piedra, la cual se dxpone en El salón del coleccionista de la galería El Áttico.

El artista señala que esta colección comenzó como idea hace un par de años y se concretó en los últimos seis meses, luego de haber vuelto de una estancia de cuatro años en Francia. “Estoy jugando mucho con espacios vacíos, con fragmentaciones, con formas nuevas de esculpir”, anota el artista. Cuenta que al principio de su carrera trabajó con terracota y bronce, pero: “va en contra de mi personalidad, porque me gusta que cada pieza sea única”, por lo que en 1999 optó por dedicarse al mármol. El escultor reconoce que este material no es muy comercial, pues en Guatemala “a la gente le encanta el bronce”, pero él prefiere trabajar “materiales nobles con una expresión moderna, contemporánea. Mantener mis raíces claras, saber cuáles son mis fundamentos”. Sobre el origen de su carrera, Halfon comenta: “Yo siempre supe que era creativo, desde que estudié publicidad. Sabía que mi poder está en las manos”. Esto hizo que después de graduarse fundara el centro cultural Casa Azul, en el que impartió clases de escultura, luego de haber obtenido la maestría de arte con especialización en escultura, en Georgia, EE.UU. Posteriormente cursó la Maestría en Fundición de Bronce, en San Diego, California. Sin embargo, ahí entendió que no es lo que le atrae: “Me di cuenta de que la fundición de bronce no es nada artístico. Es aprender cómo el bronce se va a comportar, y al fin y al cabo yo no soy un científico ni un ingeniero; soy una persona creativa a la que le gusta crear”.

Retrospectiva de tintas de Elena Rodas Hasta el 31 de marzo. Horario hábil. Entrada libre. S.A.E.C.X., 11 calle 22-53 zona 3, Quetzaltenango. Más información: 5228-0416 y saecx21@gmail.com. Visite saecx.blogspot.com.

La sede de Servicios Artísticos Educativos Culturales de Xela (S.A.E.C.X) y Mundo Artístico exhiben la obra de Elena Rodas de Marroquín, quien nació en Santiago Atitlán Sololá (1943). Desde su juventud reside en Xela y ha realizado enteramente su obra artística en dicha ciudad.

Ha participado en exposiciones colectivas internacionales representando a Quetzaltenango junto con otros artistas plásticos. Graduada en Técnico Artístico en Artes Plásticas en la Escuela Regional de Arte Humberto Garavito de Quetzaltenango.

Elena Rodas domina las técnicas de acrílico, óleo, tinta y crayón pastel seco. Su estilo es figurativo creativo. En su obra predomina la técnica del óleo con espátula. Como ilustradora, su trabajo se encuentra en revistas de España, poemarios y libros infantiles.

El arte textil de Priscilla Bianchi Inauguración Jueves 17, 6:30 p.m. Entrada libre. Museo Ixchel del Traje Indígena, 6a. calle final zona 10. 2331-3622 y 2331-3634. Visite priscillabianchi.com.

Priscilla Bianchi exhibe una nueva selección de sus obras, inspiradas en los diseños de los trajes indígenas guatemaltecos. La exposición Art Quilts se realiza junto a la presentación del libro Arte textil y diseño Guatemalteco: La obra artística de Priscilla Bianchi. Además, será el lanzamiento oficial de la serie de sellos postales Arte Textil de Guatemala.

Originaria de Guatemala, Priscilla Bianchi es artista de quilts, diseñadora, educadora, y una personalidad reconocida en el arte textil contemporáneo. Su obra multicultural forma parte, entre otras, de la colección permanente del Museo de las Artes y Diseño de Nueva York. Bianchi ha publicado dos libros sobre su trabajo: ¡Caliente Quilts! (Krause Publications, 2007) y Arte textil y diseño Guatemalteco: La obra artística de Priscilla Bianchi. (Banco Industrial, 2010).

La más reciente de sus publicaciones se presentará el jueves 17 junto a una nueva muestra de la artista. Además, los motivos de sus obras dan vida a una nueva colección de sellos postales, la cual será presentada oficialmente el mismo día. El lanzamiento de la serie postal se perfila ya de interés para los filatelistas pues es la primera vez que se imiten sellos con motivos de trajes indígenas. En total son 10 estampillas, con detalles de trajes de diferentes regiones del país, en su mayoría utilizadas por la artista para lograr la contemporaneidad en sus obras, trabajadas en diferentes técnicas de las artes visuales.

José Toledo exhibe Relieves y esculturas en la ENAP

Inauguración Martes 15 de febrero, 6 p.m. Entrada libre. Escuela Nacional de Artes Plásticas “Rafael Rodríguez Padilla” (ENAP), Sala Enrique Acuña. 6a. avenida 22-00 zona 1 (interior Centro Cultural Miguel Ángel Asturias). Abierta hasta el 2 de marzo. Visite la página del artista: www.pepotoledo.com.

Relieves y Esculturas, del escultor José Pepo Toledo, presenta 35 diseños, en tres materiales para un total del 105 obras. Muchos extraídos de sus más recientes exposiciones, Ciudades Utópicas y Esculturas Peligrosas, que se complementan con nuevas series desarrolladas por el artista, dentro de las piezas, las inspiradas en Taurus y El Grito que actualmente se muestran en el renovado Paseo de la Sexta.

Acerca de la obra de Pepo Toledo, Efraín Recinos ha dicho: “Cuando era niño le interesaba la paleontología; admiraba a los dinosaurios que existieron hace 65 millones de años. De ahí fue creciendo su afinidad por los animales. Esta exposición muestra más que nada su amor por la humanidad”.

Guillermo Monsanto, crítico de arte, dice: “Fauna, flora, abstractos… a todas sus propuestas les ha otorgado valores propios de lo tridimensional. Todas y cada una de ellas emiten una esencia especial que las define”.

Pepo Toledo nació en Guatemala en 1951 es casado con cuatro hijos, es empresario, productor de cine, promotor de arte y literatura, trabaja actualmente en la documentación histórica de artistas guatemaltecos y es autor y editor de trece libros a la fecha. En su experiencia artística ha participado en diversas exposiciones colectivas de pintura.

Ciudades utópicas, esculturas de José Toledo Hasta el 17 de marzo. Entrada libre. Galería Ana Lucía Gómez, 16 calle 7-30 zona 14. 2332-7649. Horario: de lunes a viernes, de 9 a.m. a 1 p.m. y de 2 p.m. a 6 p.m. Sábados de 9 a.m. a 1 p.m. Obra del escultor José Toledo Ordóñez, quien en esta muestra presenta piezas de gran formato. La colección, conformada por 20 piezas, está dividida en cuatro grupos.

El primero lo componen las Macrociudades, que son esculturas de entre 33 y 48 cm de alto. Luego vienen las Megaciudades, integrado por seis conjuntos de rascacielos con altura que varían entre los 66 y 89.5 cm. Las Hiperciudades son tres cuyas alturas van entre los 2.03 y 2.93 m. Por último están las Ultraciudades, representadas por la escultura que se colocará desde mañana en la calle frente a la galería y que tiene una altura de 3.81 m.

Además de las piezas ubicadas en la galería Ana Lucía Gómez, en la calle cercana al recinto (16 calle y 7a. avenida de la zona 14) se puede observar una estructura escultórica iluminada, que forma parte de la colección Ciudades Utópicas. La obra quedará como legado a la ciudad, mientras que la muestra se expondrá en la galería hasta el 17 de marzo de 2011. Las obras están trabajadas en lámina, y aunque Toledo afirma que prefiere el color metálico, exaltado únicamente con barnices, la muestra incluye algunas piezas en tonos rojos y azules. Además, la iluminación también conferirá colores a las obras, tanto la expuesta en el exterior como en la galería.

Este conjunto de piezas forma parte de Esculturas peligrosas, cuya primera parte se expuso en Casa Santo Domingo, en julio de 2010. El escultor indica que sus obras “representan la Creación, y está dividida en tres áreas: los animales, las plantas y el ser humano”. Los animales los presentó con el título Bestiario, luego las plantas fueron representadas en Bosque Urbano. Ahora le tocó el turno al hombre, el cual se refleja en las Ciudades Utópicas.

Muestra fotográfica Con título Hasta el 24 de febrero. Entrada libre. Cantón Exposición. Vía 5, local 3, Cuatro Grados Norte, zona 4. Contactos: 2385-9048 y cantonexpo@gmail.com. Horarios: de martes a viernes, de 11 a.m. a 1:30 p.m y de 2:30 p.m. a 6 p.m. Sábados, de 11 a.m. a 1 p.m.

Fotografías de Gabriela Morataya, Tíffani Cantoral y Michelly Ramazzini. “Una nueva generación irrumpe en el escenario artístico de Guatemala con obras y actitudes que desbordan los conceptos tradicionales desde los cuales se acostumbra a apreciar los fenómenos artísticos. Los nuevos artistas no buscan, por ejemplo, hacer gala de sus habilidades técnicas para crear obras que confirmen la sensibilidad estética de los conocedores y el “buen gusto” de los consumidores —para que a su vez ellos los confirmen como artistas—, sino propiamente sobrepasar esos prejuicios de clase (y ese círculo de complacencias mutuas) para abordar directamente a los espectadores en su cotidianidad con obras que son en sí mismas experiencias que se suman para construir una conciencia que ya no es sólo estética sino también moral y humana”, escribe Juan B. Juárez acerca de la exposición Con Título.

Esta nueva actitud y esa ambiciosa pretensión es lo que está detrás de las fotografías de Gabriela Morataya, Tíffani Cantoral y Michelly Ramazzini. Como se puede ver, se trata de imágenes que no están dictadas por la “inspiración”, ni son parte de la “belleza” del entorno, ni hallazgos fortuitos debidos a azar o la casualidad, sino que son imágenes construidas a partir de un concepto de lo real, de un aspecto de la realidad, a partir del cual se vuelven significativas. Así mismo, lo que transmiten no es un mensaje edificante derivado de datos científicos alarmantes sino una especie de sabiduría instintiva, o mejor dicho son imágenes construidas sobre esa sabiduría y sobre ese instinto. De allí también que la forma de articular las imágenes también cuente en el propósito comunicativo de cada obra, de cada artista.

La instalación de Gabriela Morataya, titulada Vida, va más allá de los prudentes consejos con relación al uso de ese recurso vital. La llave del agua, el chorro, adquiere en la larga secuencia de imágenes no sólo características de personaje dramático sino también funciones simbólicas: es el medio a través del cual se manifiesta lo subterráneo y, además, el vínculo que la vida humana guarda con sus orígenes profundos y misteriosos. Cancelada la fuente, el chorro-personaje muestra sus inertes cualidades minerales y, a la luz de la luna, su soledad, su tristeza, su esterilidad y sinsentido adquieren magnitudes cósmicas. Con la serie Que nadie vea, Michelly Ramazzini se sitúa en el ambiguo territorio de la conciencia en el que se traslapan la intimidad y la moralidad, el pudor y la vergüenza, el deseo y el temor, la ingenuidad y el cinismo. Las imágenes de sus fotografías aluden, más que a los secretos íntimos que descubre su cámara o a las transgresiones que retrata infraganti, al malestar interno de la conciencia, que lo mismo se expresa en el cándido rubor que enciende la mejilla de una niña que en la mirada turbia del que se siente culpable. Entelequia , de Tíffanni Cantoral, a diferencia de la mayoría de fotógrafos, no está puesta en lo momentáneo y lo fugaz sino en el espacio temporal que ocupa una vida humana. Ese tiempo espeso que no pasa sino que, como en el tronco de los árboles, se acumula en el cuerpo arrugado de experiencia, en la piel apergaminada de sabiduría, que es la forma en que perdura la belleza.

El amor no es como lo pintan Apartir del martes 15 de febrero, durante todo el mes. Entrada libre. Horarios: de lunes a viernes, de 10 a.m. a 6 p.m. y los sábados de 10 a.m. a 4 p.m. La Casa Azul, Diagonal 6 14-83, zona 10. Teléfono: 2368 2178.

Catorce artistas visuales muestran su percepción acerca del desamor. Con esta actividad la galería de La Casa Azul celebra su segundo aniversario. La colectiva presenta una obra de reciente creación en la cual desarrollan por tema principal el desamor, basados en experiencias personales.

Entre los artistas que participan se encuentran: Alejandro Anzueto, Juan Pensamiento, Eny Hernández, Sandra Monterroso,

Fátima Anzueto, Luis Pinto, Andrea Aragón, León Aguilera, Alejandro Azurdia, Cecilia Cóbar, Irene Carlos, Ileana Gálvez, Ichigo Tock y Ugo Hernández.

Exposición de serigrafías en el Museo Carlos Mérida Hasta el 31 de marzo. Museo Nacional de Arte Moderno Carlos Mérida Finca La Aurora, zona 13. 2472-0467.

Exposición de serigrafías en el Museo de Arte Moderno, del Taller Arte Papel. La muestra reúne serigrafías de connotados artistas de Guatemala, El Salvador, Honduras, Costa Rica, Brasil, España, República Dominicana y Estados Unidos.

Esta es una colección iniciada hace un promedio de 30 años. Las piezas que la integran son serigrafías realizadas en los talleres Arte Papel, pionero en la región y con galardones internacionales

Exposiciones permanentes

Dibujos-ilustraciones de mitos y leyendas Exhibición permanente. Museo de la Universidad de San Carlos, Musac. 9a. avenida 9-79, zona 1. 2232-0721 y2232-7666, info@musacenlinea.org y musacenlinea.org. En 2006 el maestro Enrique Anleu donó al Musac una colección de 32 dibujos a tinta, acuarela y acrílico sobre papel,

elaborados por él, con la única condición de ser difundida por todos los medios que lo soliciten y en préstamo cuando así sea requerida. La muestra se puede visitar de lunes a viernes, de 9:30 a.m. a 17:30 p.m. y sábado de 9:30 a.m a 1 p.m. Admisión: nacionales Q1, extranjeros Q8.

USAC en el nuevo milenio Exhibición permanente. Museo de la Universidad de San Carlos, Musac. 9a. avenida 9-79, zona 1. 2232-0721 y2232-7666, info@musacenlinea.org y musacenlinea.org.

La Universidad de San Carlos de Guatemala cumplió el 31 de enero, 334 años de fundación. Conozca en esta muestra un óleo

del Rey Carlos II, quien a la edad de 15 años y bajo la tutela de su madre, firma en 1676 la Real Cédula en la que autoriza la creación de la Educación Superior en Guatemala, luego de 128 años de haberlo solicitado el Obispo Francisco Marroquín. La muestra se puede visitar de lunes a viernes, de 9:30 a.m. a 17:30 p.m. y sábado de 9:30 a.m a 1 p.m. Admisión: nacionales Q1, extranjeros Q8.

El Universo para que lo descubras Exhibición permanente. Museo de la Universidad de San Carlos, Musac. 9a. avenida 9-79, zona 1. 2232-0721 y2232-7666, info@musacenlinea.org y musacenlinea.org.

Muestra fotográfica que consta de 49 imágenes de amplio formato con increíbles vistas del cosmos, captadas por el Telescopio

Espacial Hubble. Forma parte de la exhibición original “De la Tierra al Universo” llevada a varios países alrededor del mundo, por el Año Internacional de la Astronomía en 2009. La muestra se puede visitar de lunes a viernes, de 9:30 a.m. a 17:30 p.m. y sábado de 9:30 a.m a 1 p.m. Admisión: nacionales Q1, extranjeros Q8.

Sabor y aroma Exhibición permanente. Museo de la Universidad de San Carlos, Musac. 9a. avenida 9-79, zona 1. 2232-0721 y2232-7666, info@musacenlinea.org y musacenlinea.org.

La cultura maya y española formaron en nuestro país una base culinaria mestiza, conozca los alimentos propios de

Mesoamérica y los traídos de otros continentes, en esta muestra se presenta la vasta riqueza de nuestros platillos que constituyen un patrimonio cultural inmaterial. La muestra se puede visitar de lunes a viernes, de 9:30 a.m. a 17:30 p.m. y sábado de 9:30 a.m a 1 p.m. Admisión: nacionales Q1, extranjeros Q8.

Prensa, papel y tinta Exhibición permanente. Museo de la Universidad de San Carlos, Musac. 9a. avenida 9-79, zona 1. 2232-0721 y2232-7666, info@musacenlinea.org y musacenlinea.org.

Presenta una muestra de veinte títulos de la Biblioteca del Libro Antiguo del MUSAC que contienen grabados monocromos y

coloreados a mano, que ilustran las investigaciones científicas de los años de 1740 a 1840, creados con las principales técnicas del calcograbado en el siglo XVIII, y el litograbado a partir del siglo XIX. Del 24 de abril al 29 de julio. La muestra se puede visitar de lunes a viernes, de 9:30 a.m. a 17:30 p.m. y sábado de 9:30 a.m a 1 p.m. Admisión: nacionales Q1, extranjeros Q8.

Revalorando lo nuestro

Exhibición permanente. Museo de la Universidad de San Carlos, Musac. 9a. avenida 9-79, zona 1. 2232-0721 y2232-7666, info@musacenlinea.org y musacenlinea.org.

A raíz de los terremotos de Santa Marta la ciudad se traslada al Valle de la Ermita, a la Universidad se le designa la manzana 79

de los planos correspondientes. Aprecie las vicisitudes que tuvieron que solucionarse para la construcción del edificio, así como también el proceso de restauración para devolverle su belleza original. La muestra se puede visitar de lunes a viernes, de 9:30 a.m. a 17:30 p.m. y sábado de 9:30 a.m a 1 p.m. Admisión: nacionales Q1, extranjeros Q8.

Publique su actividad La agenda cultural de Magacín se publica el domingo. Su intención es informar las actividades que marcarán el acontecer cultural y artístico durante la semana, así como recordarlas hasta el último día de vigencia.

El cierre de edición de nuestra agenda es el jueves al mediodía. Envíe la información* de su actividad a magacin@sigloxxi.com.

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