explica las características generales del expresionismo y especifica las diferencias entre los...
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EXPLICA LAS CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL EXPRESIONISMO Y ESPECIFICA LAS DIFERENCIAS ENTRE LOS GRUPOS ALEMANES EL PUENTE Y EL JINETE AZUL.
El término Expresionismo alude a cualquier tipo de manifestación que propugna la intensificación de la expresión, incluso a costa del equilibrio formal.
Es un vocablo de carácter intemporal, válido tanto para calificar determinados períodos de la historia del arte, como para adjetivar un movimiento o tendencia, a un artista o a una fase creativa del mismo, en una decidida actitud que maximiza la expresión aun a costa de la deformación dramática de la realidad.
Grünewald, Siglo XV
BrueghelSiglo XVI
GoyaSiglo XIX
Emil Nolde, Siglo XX
No obstante, el término Expresionismo se refiere concretamente al arte experimental y contestatario, de vanguardia, que surge en Alemania en torno a 1905 y que se convertirá en uno de los movimientos de vanguardia que mayor repercusión ejercerá en el arte del siglo XX.
Es un movimiento comprometido que afectó a todas las esferas de la creación: pintura, escultura, arquitectura, literatura, música, cine…
Ernst Ludwig Kirchner: Autorrerato como soldado, 1915
Como el resto de los movimientos de vanguardia de principios del siglo XX, el Expresionismo rompe con los principios tradicionales del arte y, muy especialmente, a su concepción como mímesis de la realidad, a considerar la naturaleza y la realidad como única fuente de inspiración.
Trata de romper con los principios clásicos, fundamentados sobre ideales de proporción, belleza y perspectiva, en aras de lograr la máxima expresión interior del artista.
Franz Marc: El sueño, 1912
Emil Nolde: La danza alrededor
del becerro de oro, 1910
Más que un estilo artístico, fue un movimiento global, comprometido y enfrentado a una realidad con la que no estaba de acuerdo y que se reflejó de modo global en el arte.
El Expresionismo se opone al positivismo naturalista y al realismo y realiza una profunda crítica a su visión del mundo.
Tomando como partida las filosofías de Nietzsche o de Kierkegaard, los expresionistas tienen una visión del mundo de carácter nihilista o, en muchos casos, pesimista, angustiosa.
Ernst Ludwig Kirchner: Cinco mujeres en la calle, 1913
"El expresionismo es sin duda, un arte de oposición. "
Oposición en primer lugar al positivismo: ya de Nietzsche a Wedekind una parte de la inteligentsia alemana tendía a "demostrar la falsedad del espejismo positivista y trataba de romper su tensa envoltura para descubrir que dentro de él sólo se agitaban maléficas insidias.“
Mario de Micheli, Las vanguardias artísticas del siglo XX.
Ernst Ludwig Kirchner: Doble autorretrato, 1915
Este movimiento busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor, más que la representación de la realidad objetiva.
Buscaba transmitir el mundo interior del artista, su visión del mundo, sus pasiones y angustia existencial para despertar las emociones del espectador, sin preocuparse de su relación con la realidad exterior.
Lo que importa no es la imitación del modelo de la naturaleza, sino la visión subjetiva del artista.
Para mostrar y transmitir esa expresión personal, se recurrirá a la deformación de la realidad, el empleo arbitrario y expresivo del color, la simplificación y esquematización de las formas…
Emil Nolde: Naturaleza muerta con máscaras, 1911
«Expresión es lo contrario de impresión… La expresión es un movimiento del interior al exterior: es el sujeto el que imprime de sí mismo el objeto…» (Argan).
El artista pretende poner de manifiesto esa sensación interior y personal, buscando un efecto emocional en el espectador, y no la representación de una realidad física.
Renoir: Baile en el Moulin de la Galette, 1876
Erns Ludwig Kirchner: Calle
de Dresde, 1908
Frente al Impresionismo, que pretende captar la apariencia exterior (de fuera hacia dentro), el Expresionismo va de dentro hacia fuera, expresando, muchas veces de modo violento y desgarrado, las emociones y los sentimientos internos, la visión de la realidad desde el propio interior del artista. Si para los impresionistas o los realistas, la realidad era algo exterior que estos intentaban captar, para los expresionistas la realidad es un movimiento subjetivo: desde el interior hacia el mundo exterior, captado desde la más profunda interioridad, y así apelaban a vivencias personales y emocionales del mundo, no a su percepción visual.
Renoir: Desnudo al sol, 1877
Erns Ludwig
Kirchner: Mujer bajo
una sombrilla japonesa,
1906
La impresión hace referencia a la huella que la realidad externa produce en la conciencia; en términos artísticos se diría que la naturaleza se refleja en el artista.
La expresión, por el contrario, es un movimiento desde el sujeto hacia el mundo exterior, es el artista el que se proyecta, imprimiendo su huella en el objeto.
Es, pues, una tendencia subjetivista.
Edvard Munch: El grito, 1893
Es un movimiento crítico con la sociedad del momento, que tratará de revelar el lado oscuro y pesimista de la vida moderna, la cara oculta de la modernización, la alineación, el aislamiento, la hipocresía, masificación….
Tratarán de expresar los sentimientos más íntimos del ser humano, la angustia existencial del hombre contemporáneo, la soledad, la incomunicación, sus miedos… con una gran carga dramática, pesimista y crítica, tanto del hombre como de la sociedad.
Emplearán todos los recursos pictóricos a su alcance para mostrar el impacto psicológico que produce en los artistas la cruda realidad.
Erns Ludwig Kirchner: Autorretrato como enfermo, 1917
Adaptado de: https://es.slideshare.net/carlosjavimujicarodriguez/presentacin-expresionismo-carlos-mujica
Características
La pintura es concebida como una manifestación
directa, espontánea y libre de convenciones de la
subjetividad del artista
Utilización de diversos recursos en la
interpretación subjetiva de la realidad:
desproporción y distorsión de las formas
Utilización del color y el trazo para subrayar
(expresar) simbólicamente unos estados de ánimo.
Destrucción del espacio tridimensional. Aglomeración
de las formas y figuras
Acentuación de la fuerza expresiva de las imágenes mediante el empleo de formas simples de carácter plano o con poco efecto de volumen
Predominio de trazos violentos,
empastados y agresivos, Colores
intensos y contrastados
Su realidad está basada en la experiencia emocional y espiritual, por encima de una comprensión analítica.
El fin es potenciar el impacto emocional del espectador y para ello distorsionan y exageran las formas, acentuando la expresión sin preocuparse de la realidad externa, sino de la naturaleza interna y de las emociones que despierta en el observador.
Los pintores introducen conscientemente deformaciones de carácter expresivo.
Ernst Ludwig Kirchner: Bañistas en Moritzburg, 1909
Emplearán formas audaces, violentas, en ocasiones angulosas, otras veces retorcidas, de aspecto muchas veces agresivo.
Será habitual la esquematización y simplificación de las formas para acentuar la expresión.
Ernst Ludwig Kirchner: Soldados en la ducha, 1915
El primitivismo de las esculturas y máscaras de África y Oceanía supuso una gran fuente de inspiración, pues valoraban su simplicidad, esquematización y capacidad expresiva, fruto de una creatividad humana más natural, sin contaminar.
Karl Schmidt-Rottluff: Después del baño, 1912
Max Pechstein, Nursing Mother, 1910
Karl Schmidt-Rottluff: Retrato de Emy, 1919
Se renuncia completamente a la belleza tradicional: las formas dejan de ser bellas y se distorsionan en beneficio de la expresión.
Max Pechstein: Muchacha sentada, 1910Ernst Ludwig Kirchner: Desnudo de mujer (Dodo), 1909
La composición también estará al servicio de la expresión del cuadro y serán habituales composiciones y puntos de vista complejos, dramáticos y agresivos.
Ernst Ludwig Kirchner: Erich Heckel y Otto Mueller jugando al ajedrez, 1913.Ludwig Meidner: La casa de la esquina, 1913
La fuerza psicológica y expresiva se plasma a través de colores estridentes y puros, muchas veces en grandes manchas planas y con violentos contrastes.
El color está al servicio de la expresión.
Dado que la obra no reproduce la realidad exterior, sino la expresión interior, el pintor no se siente obligado a elegir los colores con un sentido de verosimilitud: los aplica de forma violenta y expresiva sobre el lienzo de un modo totalmente arbitrario, muchas veces irreal, (tal y como estaban haciendo también los fauvistas franceses).
Emil Nolde: Cristo y los
niños, 1910
Ernst Ludwig Kirchner: Desnudo tumbado frente a un espejo, 1910
Si bien, emplearán como recurso expresivo el color, que los fauvistas habían liberado de la realidad, frente al carácter sensual y atractivo los fauvistas, los expresionistas emplearán el color de un modo agresivo, exaltado, para transmitir su visión intensa y trágica de la realidad, buscando la máxima expresión.
Emil Nolde: Público en el cabaret, 1911
Fruto de esa intención expresiva, el color se aplicará habitualmente mediante pinceladas largas y gruesas, de aspecto rápido y dramático.
También será frecuente el empleo de trazos y contornos oscuros, violentos, acentuando la deformación expresiva de las formas, muchas veces de aspecto abocetado, primitivo…
Ernst Ludwig Kirchner: Fränzi delante de una silla tallada, 1910
El tratamiento del espacio y del volumen se altera intencionadamente, desapareciendo el espacio tridimensional, la perspectiva y el modelado de las formas mediante la luz.
Los cuadros adquieren un carácter plano.
Max Pechstein: Indio y mujer, 1910
Ernst Ludwig Kirchner: Dos jóvenes, 1907
Desarrollarán todo tipo de temas: retratos, desnudos, paisajes, paisajes urbanos, pero todos ellos desde una perspectiva muy subjetiva, buscando reflejar en ellos las sensaciones más intensas y su visión del ser humano y la sociedad de su tiempo.
Karl Schmidt-Rottluff: Paisaje en Dangast, 1910
Franz Marc: El sueño, detalle, 1912
Emil Nolde: La Última Cena, 1909
Kirchner: Calle Berlín, 1913
Serán muy habituales los temas que expresen los aspectos más ocultos y oscuros del ser humano y de la sociedad, en una especie de poética de lo feo, de lo perverso, de lo sórdido, de lo negativo, lo alienante, la angustia del hombre en la sociedad moderna, transmitiendo una sensación de agobio y con clara intención de crítica social.
“Después del estallido de la revolución de noviembre de 1918 imperaban la violencia, el caos, el crimen político, y la población padecía hambre; en marzo de 1919, una huelga general fue acallada sangrientamente. En La noche de Beckmann, la violencia de la calle penetra en la casa. Tres esbirros han entrado en la pequeña buhardilla y torturan y vejan a una pacífica y desamparada familia.” (Dietmar Helger)
Kirchner: Calle con buscona de rojo, 1914-25
Edvard Munch: Muerte en la habitación del enfermo, 1895
No obstante, especialmente los artistas del grupo Der Blaue Reiter, tendrán una visión más mística y espiritual del arte y sus temas no reflejarán esos aspectos tan oscuros de la realidad.
Franz Marc: Grandes caballos azules, 1911
August Macke: La joven de la chaqueta amarilla, 1913
Vasili Kandinsky: Murnau con iglesia II, 1910
Entre los antecedentes de los pintores expresionistas, pueden mencionarse:
La tradición expresionista flamenca y alemana
Goya y sus pinturas negras Los Simbolistas, y su interés por una pintura que transmita sentimientos,
estados subjetivos, fantasías…
El uso simbólicoy expresivo del Color y el primitivismode Gauguin
La expresividad en el color y la pincelada de Van Gogh, distorsión de formas, contrastes violentos de colores
Dos pintores de finales del siglo XIX deben considerarse predecesores directos del Expresionismo:
El belga James Ensor El noruego Edvard Munch
James Ensor refleja en sus pinturas una visión grotesca de la humanidad, representando a los individuos de modo caricaturesco, como payasos o esqueletos o máscaras de carnaval.
La máscara se convierte en la expresión de lo amenazador y lo desconocido que refleja la ironía sobre la condición humana.
Su temática suele ser satírica o macabra, una extraña denuncia social o una reflexión sobre la vida y la muerte, sobre la grandeza y el absurdo de la condición humana….
James Ensor: La muerte y las máscaras, 1897
James Ensor: Entrada triunfal de Cristo en Bruselas, 1888
Sus escenas, llenas de figuras absurdas y vistosas, de carácter irreal, estimulan la imaginación y la fantasía, constituyendo un precedente del surrealismo.
Ensor emplea la caricatura como medio expresivo de deformación de la realidad y de su visión del mundo y el hombre.
Emplea deliberadamente colores fuertes y estridentes así como pinceladas violentas y bruscas, para potenciar el efecto agresivo de sus temas.
James Ensor: Entrada triunfal de Cristo en Bruselas, detalle, 1888
La obra del noruego Edvard Munch influirá enormemente en los pintores expresionistas.
Vivió angustiado, tuvo problemas psíquicos y volcará esos sentimientos en su pintura:
La expresión en su pintura surge como resultado de su vida atormentada. Edvard Munch: La danza de la vida, 1899/1900
Sus tristes y angustiosas representaciones, basadas en sus obsesiones y frustraciones personales, abren el camino al expresionismo.
Se inspira en las formas simplificadas de Gauguin y su uso simbólico del color, así como en la técnica expresiva a través de la pincelada y el color de Van Gogh, que le servirán para transmitir agobiantes sensaciones de angustia, sufrimiento, soledad…
Edvard Munch: Ansiedad, 1894
Sus cuadros muestran una obsesión por la muerte, la enfermedad, la incomunicación, la soledad humana, el abandono, la ansiedad, la frustración, el sexo, en una visión desolada de la existencia y de la sociedad que le rodea.
Edvard Munch: En el lecho del muerto, 1895
El reflejo de sus ansiedades sexuales puede verse en múltiples retratos de mujeres, representadas alternativamente, como frágiles e inocentes víctimas o como vampiresas devoradoras de la vida.
Munch: La pubertad, 1895
Munch: Amor y dolor. Vampiro, 1894
Munch: Al día siguiente, 1894/95
Munch: Las tres edades de la mujer, 1895
Munch: Madonna, 1894/95
Munch se interesa por su mundo subjetivo, por cómo percibe interiormente el mundo y a sus semejantes, no por lo que puede captarse a través de la vista.
Por ello emplea subjetiva y expresivamente todos los recursos pictóricos:
• Deformaciones expresivas de las formas, reduciéndolas a lo esencial, simplificándolas.
• Uso subjetivo del color para acentuar el sentimiento.
• Empleo de trazos y líneas curvas sinuosas muy expresivas.
• Pincelada audaz, expresiva, como prolongación de su alma.
Edvard Munch: El grito, 1895
Sus distintas versiones de El grito (1893-1910) son la expresión de un miedo personal, pero–por su fuerza dramática- se han convertido en expresión de la angustia existencial del hombre ante una realidad cada vez más compleja y confusa.
“Estaba caminando por un camino con dos amigos. Se puso el sol. Sentí un ataque de melancolía. De pronto el cielo se puso rojo como la sangre.
Me detuve y me apoye en una barandilla, muerto de cansancio, y
miré las nubes llameantes que colgaban como sangre… Mis amigos continuaron caminando. Me quedé
allí temblando de miedo. Y sentí que un grito agudo e interminable penetraba en la naturaleza”.
Edvard Munch: El grito, 1893
El grito refleja sus propios temores y tormentos. Su fuerza expresiva se debe en gran medida a las técnicas y efectos pictóricos empleados, la estridencia del colorido y la sinuosidad de las líneas.
Se expresa la angustia y soledad del ser humano y una visión pesimista de la vida, una visión interior,
no una escena realista
Deformación expresiva: el grito de terror trae consigo la tensión y el pánico interior que destruyen la anatomía. Los rasgos de rostro desaparecen bajo el gesto.
Pincelada expresiva, ondulada, acentuando la expresión
La figura del primer plano aprieta las manos contra la cara como signo de angustia y desesperación, mientras que en segundo plano aparecen otras personas frías y distantes como queriendo significar la soledad ante los momentos de desconsuelo.
Paisaje subjetivo: el paisaje participa en ese malestar. El cielo encendido y los torbellinos parecen envolver amenazadoramente a la persona que grita.
Colores arbitrarios. Los colores cálidos y fríos no están compensados efecto agresivo, ofreciendo una imagen angustiada de la realidad y del mundo interior.
La escena se construye sobre un puente en donde un ocaso irreal enciende un colorido ficticio en una atmosfera angustiante y dramática generada por el movimiento violento de los colores.
Simplificación de formas: La figura del hombre, distorsionada, se asemeja a una larva en la que se simplifican los rasgos humanos.Edvard Munch: El grito, 1893
Los dos grandes grupos del Expresionismo alemán de principios del siglo XX fueron:
El Puente-Die Brücke El Jinete Azul-Der Blaue Reiter
Posición muy radical, crítica y comprometida ante la vida y la sociedad.Vocabulario estético muy simplificado: Formas reducidas a lo esencial, muy simplificadas, en ocasiones angulosas, cuerpos deformados, primitivismo, aspecto salvaje…Enorme agresividad en el empleo del color.Empleo de líneas de contorno y pinceladas gruesas.
Más tendente a la exploración formal, a lo espiritual y al lirismo. Gran carga teórica.Frente a la actitud temperamental de Die Brücke, tenía una actitud más refinada y espiritual, pretendiendo captar la esencia de la realidad a través de la purificación de los instintosFrente a la deformación de la realidad, optan por su depuración, llegando a la abstracción.
El grupo Die Brücke (El Puente), fue fundado en 1905 en Dresde por Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel, Fritz Bleyl y Karl Schmidt-Rottluff. Todos ellos eran estudiantes de arquitectura pero abandonaron esta carrera para dedicarse de lleno a la pintura.
Al año siguiente se unieron Emil Nolde y Max Pechstein y Van Dongen, y ya en 1910 lo hizo Otto Müller.
Pretendían la destrucción de las reglas y la búsqueda de la espontaneidad en el acto creativo. Para ellos el arte era algo subjetivo que dependía totalmente de su creador, en el cual lo importante era la idea y la expresión.
Kirchner: Cartel exposición 1910
El nombre del grupo expresa la voluntad de sus integrantes de abandonar el pasado caduco y hacer de puente hacia el futuro de una nueva expresividad artística.
Pretendían influir en la sociedad a través del arte, considerándose unos profetas revolucionarios que lograrían cambiar la sociedad de su tiempo.
La intención del grupo era atraer a todo elemento revolucionario que quisiera unirse y destruir las viejas convenciones, al igual que se estaba haciendo en Francia.
Karl Schmidt-Rottluff: Paisaje
de otoño en Oldenburg,
1907
Kirchner: Fränzi y Marzella, 1910
Experimentaron con el grabado y con la técnica del grabado en madera (xilografía), pues querían entroncar con las raíces arcaicas del arte alemán.
La xilografía se convirtió en el principal medio de divulgación de su obra y en su principal fuente de ingresos.
La influencia de la xilografía se reflejó en su tendencia al primitivismo y la esquematización, en sus formas aristadas y cortantes, en la simplificación compositiva y en el empleo de gruesos y violentos contornos.
Erich Heckel: Dos hombres en una mesa, 1913
Suelen emplear una línea angulosa y atormentada, con la que los motivos se deformaban hasta alcanzar efectos caricaturescos.
Empleo arbitrario del color, de aspecto fauvista, pero acentuando su aspecto agresivo, con violentos contrastes, con una intención claramente expresiva.
Pincelada gruesa, con grandes trazos.
Erich Heckel: Studio scene, 1910-11
Kirchner: Dama sentada, 1907
Simplificación máxima de las formas.
Anulación de las diferencias entre figura y fondo, de tal manera que muchas veces el fondo es tan agresivo como las figuras.
Desaparición de la perspectiva y el modelado.
Temática centrada en el desnudo, la vida y la naturaleza, reflejada de forma espontánea e instintiva, muchas veces denunciando aspectos de la sociedad burguesa, especialmente tras la marcha de los miembros del grupo a Berlín.
Kirchner: Escena de una calle de Berlín, 1913
Kirchner: La calle, 1913-14
La vida metropolitana de Berlín, más hostil y menos amable, se reflejó en la temática de las obras de los pintores de Die Brücke: Los aspectos más negativos de la vida urbana, los transeúntes, los edificios, los coches, el sombrío mundo del bebedor, el submundo del cabaret y las prostitutas centraron la temática de sus producciones, cargadas de un cierto grado de crítica y denuncia social.
Formas muy simplificadas, angulosas, contrastadas, primitivismo en los trazos
Deformación expresiva de los personajes y las formas, para resaltar aún más la expresividad
Colores muy contrastados para transmitir mejor la diferente expresión de los personajes.
Aspecto bidimensional, desaparición de la perspectiva
Paleta estridente y trazos angulosos para mostrar los oscuros deseos que laten en el fondo de los seres humanos.
Encuadre forzado, expresivo.
No respeta la apariencia de la realidad ni en color, proporciones, formas, espacio…
Pincelada gruesa, nerviosa, expresiva
Colores arbitrarios, estridentes
Contraste de colores y actitudes entre los personajes masculinos y femeninos
¿Dos damas de alta sociedad o dos prostitutas alrededor de las que revolotean los hombres?
Rostros deformados, como máscaras
Personajes grotescos, alargados, delgados y un tanto alucinados, no exentos de crítica, pasean por una ciudad, cuya representación perspéctica también se deforma
Transmite la soledad y la angustia de la sociedad urbana contemporánea
Imagen patética de la realidad y de la vida y sociedad moderna, exagerada por la determinación de la forma y el uso del color.
Tema cotidiano con intención crítica ante la sociedad burguesa, a la que retrata de modo cruel (despreocupada e inconsciente de los problemas políticos), que se pasea por la calle sin comunicación alguna.
Emil Nolde, persona especialmente religiosa, se adhirió temporalmente a este grupo.
Emplea un colorido agresivo, brillante e intenso, aplicado con una pincelada violenta.
Sus personajes se simplifican y deforman hasta parecer figuras salvajes y grotescas (el dibujo es torpe, primitivo, infantil; los rostros parecen máscaras deformes), exaltando violentos sentimientos , muchas veces en cuadros de temática religiosa.
Su pintura provoca un shock visual y emocional en el espectador, que escandalizó profundamente.
Emil Nolde: Danza alrededor del becerro de oro, 1910
Emil Nolde: Santa María Egipciaca entre los pecadores, 1912
Munich era desde finales del siglo XIX una ciudad de gran actividad cultural.
Allí surge en 1911 el grupo expresionista Der Blaue Reiter (El Jinete Azul), fundado por Vasili Kandinsky y Franz Marc, e integrado por artistas como Paul Klee, August Macke y Alexei von Jawlensky.
Estos artistas presentaban una formación más sólida en artes que los de El Puente y tendrán mayores contactos e influencias de las corrientes artísticas extranjeras del momento, especialmente cubismo y futurismo.
Vaslily Kandinsky: Diseño para la portada del almanaque "Der Blaue Reiter“, 1911
Der Blaue Reiter no fue ni una escuela ni un movimiento unitario, como lo fue originalmente Die Brücke, sino una reunión de artistas convencidos de la necesidad de lograr un arte expresivo, reflejo de sus inquietudes personales y espirituales.
Eran un conjunto de artistas que defendía la libertad de experimentación y de creación, que se agrupó para dar a conocer sus obras. No tenían un programa común ni ninguna pretensión de reforma social o política.
Por ello, no presentan un estilo homogéneo, sino que cada uno de ellos optará por su visión personal.
“En esta pequeña exposición no intentamos difundir una forma específica o determinada. Lo que queremos es presentar, a través de las distintas formas aquí representadas, las diferentes maneras mediante las cuales se manifiestan los deseos internos del artista.”
Primera Exposición de los directores del Jinete Azul.
Paul Klee
Franz Marc
Vaslily Kandinsky
August Macke
El nombre Der Blaue Reiter- El Jinete Azul, corresponde a un cuadro de Kandinsky de 1903, y fue elegido, en palabras del propio Kandinsky, por el gusto por el azul de sus dos fundadores, y por su gusto por los jinetes y al de Marc por los caballos.
Vasili Kandinsky: El jinete azul, 1903
El Jinete Azul, era mucho menos contestatario que el grupo El Puente.
Frente a la actitud temperamental y radical de Die Brücke, pretendían superar la realidad captando su esencia y depurándola, en una búsqueda de lo espiritual en el arte que despertase sentimientos en el espectador.
Los artistas del grupo coincidían en una visión del arte no como imitación, sino como expresión del interior del artista y en la que imperaba la libertad creadora y la expresión subjetiva en sus obras.
Franz Marc: El sueño, 1912
August Macke: Chicas bajo los árboles, 1914
Desean realizar un arte subjetivo y espiritual, yendo más allá de lo superficial y para ello –frente a la deformación expresiva de Die Brücke- proceden a depurar las formas y tratan de despertar el sentimiento del espectador, liberando las formas de cualquier superficialidad.
Compartían ciertas actitudes con los expresionistas de El Puente, pero tendían más a una purificación de los instintos y lo que querían era captar la esencia espiritual de la realidad; en este sentido sus actitudes eran más refinadas y especulativas, produciendo un arte más exquisito, subjetivo y espiritual que el de Die Brücke.
Franz Marc
Vaslily Kandinsky
A diferencia del violento expresionismo de Die Brücke, las obras de Der Blaue Reiter eran más amables y líricas, predominando en ellas las líneas curvas y los contrastes de colores más suaves, en contraposición a las obras más agrias, de líneas quebradas y contrastes cromáticos más exaltados de Die Brücke.
August Macke: Sombrerería, 1914
En general poseían una cierta visión mística del arte y mostraban su interés por el simbolismo y las formas de arte que consideraban más genuinas: el primitivo, el popular, el infantil y de los enfermos mentales.
Frente al uso del grabado de los artistas de Die Brücke, los de El Jinete Azul se interesaron por el uso de la acuarela.
Mostraron gran interés por la música, el arte más abstracto y el que menos referencia toma del exterior, pero capaz de generar intensos sentimientos en el oyente. Con su pintura, tratarán de realizar algo semejante, un arte expresivo pero con un lenguaje formal cada vez más depurado, lo que derivará en el tránsito de un arte figurativo a uno más abstracto.
Concretamente Kandinsky es considerado el padre de la abstracción pictórica.
Vasili Kandinsky: Cosacos, 1910/11
Vasili Kandinsky: Primera acuarela abstracta 1910
Kandinsky se dio cuenta de que la representación del objeto en sus pinturas era secundaria e incluso perjudicial y que la belleza de sus obras residía en la riqueza cromática y la simplificación formal.
En su obra “De lo espiritual en el arte”, expresa:
“Una teoría artística basada en la posibilidad de un arte no figurativo, en la forma y el color como elementos básicos de un lenguaje que pretende crear emociones mediante esos recursos plásticos que ha puesto en juego el artista. Son los colores los que proporcionan sentido a los motivos.”
Vasili Kandinsky: Composición VII, 1913
Vasili Kandinsky: Improvisación
26, 1912
En 1911 Kandinsky pública De lo espiritual en el arte, en el que expresa que la obra de arte nace del artista, mediante una creación misteriosa, enigmática y mística.
Para Kandinsky, el camino de la pintura debía ser desde la pesada realidad material hasta la abstracción de la visión pura, con el color como medio, por ello desarrolló toda una compleja teoría del color.
En La Pintura como arte puro, libro de 1913, sostiene que la pintura es ya un ente separado, un mundo en sí mismo, una nueva forma del ser, que actúa sobre el espectador a través de la vista y que provoca en él profundas experiencias espirituales.
Vasili Kandinsky: Improvisación 30, 1913
Franz Marc quería expresar a través de sus lienzos el misticismo de la naturaleza, empleando un colorido brillante altamente simbólico y formas curvas y estilizadas, simplificadas en sus poéticas pinturas de animales, que tratan de expresar el sentimiento de una naturaleza idealizada.
Franz Marc: El sueño, 1912
Franz Marc: Grandes
caballos azules, 1911
Franz Marc: Pequeños caballos
amarillos, 1912
Franz Marc: Vaca
amarilla, 1911
August Macke
En sus pocos años de vida realiza una pintura tranquila, amable, alejada de cualquier rasgo de agresividad.
Suele emplear una paleta luminosa, armónica, sin estridencias, con pinceladas libres.
Experimenta con la simplicidad de las formas, con el uso expresivo del color y las aportaciones del cubismo órfico de Delaunay, indagando en la relación entre formas y colores.
Sus temas suelen ser sencillos, cotidianos, amables, como figuras en parques, niños jugando o mujeres paseando en calles o contemplando escaparates.
August Macke: Dama con chaqueta verde, 1913
El suizo Paul Klee perteneció por poco tiempo al Jinete Azul, siguiendo su propio camino expresivo, evolucionando hacia la abstracción e, incluso, al surrealismo.
Klee se dejó influir por el cubismo de Delaunay, a la vez que se adentró en los dominios del inconsciente.
Pintó alegres y poéticas composiciones, de suaves tonalidades y de aspecto en ocasiones infantil, con armonías cromáticas delicadas y de ensueño, que generalmente usó para crear composiciones sencillas y semiabstractas o incluso efectos que las asemejan a mosaicos.
Su mundo surge de su propia realidad interior. Parte de su obra es abstracta, aunque conserva en general cierta referencia al objeto, de carácter simbólico.
Paul Klee: Senecio, 1922
Paul Klee: La casa giratoria, 1921
La Primera Guerra Mundial acaba con la actividad del grupo, Marc y Macke mueren en ella, pero su influencia se hará sentir tras la guerra.
En 1919, Walter Gropius fundó la Escuela de la Bauhaus en Weimar, escuela de diseño y arquitectura: en ella impartieron clases artistas como Feininger, Klee o Kandinsky.
Vasili Kandinsky: En blanco II, 1923
Tras la I Guerra mundial, surge un nuevo movimiento expresionista, conocido como Neue Sachlichkeit (Nueva Objetividad, 1918-1933), con una actitud de crítica política y muy comprometida socialmente, técnica y formalmente heredero del expresionismo anterior.
Inmersos en el clima de la derrota y la crisis de postguerra, estos pintores se caracterizan por su pesimismo al describir los horrores de la guerra y su dura crítica a la sociedad burguesa de la época.
Frente al arte subjetivo de los expresionistas anteriores, recuperan la figuración en sus cuadros, llenos de acidez, crítica social y política, incluso violencia.
George Grosz: Alemania, un
cuento de invierno,1918
Temática de denuncia social, próxima a lo vulgar, que resalta los aspectos más sórdidos de la realidad: corrupción, víctimas de la guerra, deshumanización de la vida, escenas de la gran ciudad con figuras perdidas entre edificios o inmersas en ambientes industriales, trasfondos de miseria, prostitución, violencia, etc.
Los personajes y objetos son tratados de forma grotesca, caricaturesca, desindividualizada.
Otto Dix: Veteranos de guerra jugando a las cartas (1920)
Sus principales componentes fueron:
• Georg Grosz, famoso caricaturista que en su obra satirizaba a los diversos estamentos sociales, especialmente a los militares.
• Otto Dix, que representó de forma realista los males de la sociedad.
• Max Beckmann, autor de retratos y atormentados trípticos de un realismo descarnado, llenos de figuras angulosas bordeadas de contornos negros, con escenas a veces estremecedoras.
Cuando los nazis llegaron al poder en 1933, persiguieron a todos los artistas expresionistas y consideraron sus pinturas como Arte Degenerado.
George Grosz: El Funeral (Dedicado o Oskar Panizza), 1918
Max Beckmann: Cuadro de famiia, 1920
Max Beckmann:
La noche, 1919
Oscar Kokoschka busca la expresión a través de la materia pictórica y el color, con una pincelada empastada, impetuosa… La novia del viento
Oscar Kokoschka: La novia del viento, 1914
OTROS PINTORES
Egon Schiele, OTROS PINTORES
Egon Schiele: La muerte y la doncella, 1915
Marc Chagall Amedeo Modigliani
Retrato de Jeanne Hebuterne, 1919París a través de la ventana, 1913
Georges Rouault, vinculado inicialmente al Fauvismo.
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