estela sokol | secret forest

10 June – 15 July 2011

Estela Sokol | Secret Forest

Secret Forest (Series), Upper Austria, 2011

photographic print on cotton paper | 180 x 110 cm

courtesy Zipper Galeria

installation view of Halo, Galeria Virgílio, São Paulo, 2007

Meio Dia (Midday), 2007

painted wood | 250 x 580 x 580 cm

photo: Domingues, courtesy the artist

Formal Pedagogy

At times, on days of perfect and flawless light, When things have all the reality they are able to have,

I slowly ask myselfWhy it is that attribute

Beauty to things.

Does a flower have beauty perchance? Is there perchance beauty in a fruit?

No: There is colour and form And nothing but existence. (...)

Alberto Caeiro

At times, on days of perfect and flawless light I am reminded of works of art that enable me to understand light better, such as those by Estela Sokol. This dependence on art that I have in order to succeed in seeing the world does concern me. I would have never noticed that a white cat lying by a red plastic bag would become pink had I not known an artwork that treats colour-light as Sokol’s does. The pleasing amazement that I enjoy does not originate with the pink cat, because I know that there are no pink cats: it stems from the fact that I have learned through an artwork that there are natural colour and light phenomena that bring about the magical dyeing of a white cat’s hair.

Clarabóia (Skylight), an artwork by Estela Sokol presented at her latest solo exhibition in São Paulo (Paço das Artes, January 2011), is a wall piece, namely a large white lacquered wooden circular band, 180 centimetres in diameter, with the internal side painted in a bright yellow. The part of the wall that is delimited by the circle changes colour and interacts with the artwork; it has now turned light yellow. This circular band leads me along a curvature that starts from the art object to a phenomenon of natural colour and light, and then takes me back to the sphere of art. I am dependent upon such works of art to know how to see the world and to see colour-light reflected upon my being in reality. If it is art, then it changes the hue of my understanding of things in a subtle manner.

A cor é que tem cor nas asas da borboleta (series)

(It is colour that has colour on the wings of the butterfly), 2011

PVC on stretcher | 18 x 24 cm (each)

courtesy Galerie Wuensch

What is constructive art if not art that rationally constructs forms – silent, non-discursive – which engenders a new understanding concerning reality in one’s body? As Estela Sokol stated when I first visited her at her studio, problems appear and are solved in the very act of making things. There is no inspiration from any mysterious source, there is no creative force detached from the direct manipulation of materials, colour and light. The idea is not sellotaped to the work; it is born out of the work, it buds from the construction of form. Estela Sokol belongs to a tradition of constructivism that flourished in Brazil at the end of 1950’s, in the Objetos Ativos (Active Objects) and Pluriobjetos (Pluriobjects) by Willys de Castro, in the Superfícies Moduladas (Modulated Surfaces) by Lygia Clark and in the research into colour pursued by Hélio Oiticica in his Invenções (Inventions), Relevos Espaciais (Spacial Reliefs), Bilaterais (Bilaterals) and Núcleos (Nuclei). By overlaying colour onto transparent PVC, in the series A cor é que tem cor nas asas da borboleta (It is colour that has colour on the wings of the butterfly), Estela Sokol ends up creating, by means of a subtractive synthesis of light, other colours, darkening her blues with an intersection in red, achieving black in the total intersection of all colours. The coloured, semi-translucent plastics in fluoridated colours that innovate the palette of Brazilian constructivism envelope small stretchers, overlaying fields of fluctuating colour, which remind us of the interplay between frame and surface in the work of Lygia Clark. A thin gap between the two shades of blue reveals the magenta plastic used as a first layer in the piece. A bright blue almost vanishes because it is so thin on the edge of the rectangle that it winds around the corner of the piece, highlighting the side of the stretcher, thus placing the artwork between painting and sculpture. These are often very small objects of about 15 centimetres in their largest dimension, and might even be confused with studies for larger pieces, had they not been bundled in a flock covering a large wall alongside small engravings, numerous variations in the use of acrylic and plastic pieces coated with a layer of black automotive rubber, removing the possibility of shine as well as allowing for further research into the interaction between the colour-pigment and the colour-light.

The reduced dimensions of these objects presented to the viewer in great number, handcrafted with layers of plastic over stretchers, additionally suggest a notion of ‘lesser art’, of handicraft, whilst the repetition of the objects, that differ from each other in minute details, combined with the use of materials such as plastic, acrylic, synthetic varnish and automotive rubber coating reminds us of industrial processes. The synthesis of industrialisation, handicraft and visual arts clamours for a reading linked to Bauhaus. The decision to install a wall with tens of artworks is another gesture that invokes famous images of constructive art, as it is the case of the 0,10 exhibition of 1915 in which Malevitch’s black square was installed in a corner between two walls, close to the ceiling, or photographs of Mondrian’s studio. The installation of various small artworks on a single wall is also reproduced at Sokol’s own studio in São Paulo, an experimental laboratory in light-colour lined with pieces that leave traces of colour on the white walls.

Making Of or not (Series), Upper Austria, 2011

photographic print on acrylic | 30 x 20 cm


This laboratory was moved, for forty days, to the expanse of white Austrian snow at the beginning of 2011. With the flawless sun light on snow-white, Sokol captured, in photographs, traces of prosaic objects of intense colour such as latex balls and acrylic sheets. The colour of these objects stains the white snow in the Secret Forest series, or at times lights up as a neon light in the Polarlicht series. As if investigating a source of alternative energy, the artist herself appears in the series Making of or not imbedding colour power plants into the ice. In one of the photos, the purple of the vinyl ball seems to be leaking onto the white soil whilst, in the distance, the artist carries an object-reactor of green energy.

The exhibition also includes a series of acrylic and PVC objects that create bulging shapes that appear to come off the wall: Ofélias (Ophelias) – serialised and juxtaposed, they create a grey tunnel from which fluorescent green shines as neon light. However, it is pure colour-light pulsating in a time tunnel that transports us to other constructivist experiences.

Within the perfect and flawless light of this exhibition, art has all of the reality that it is able to have. And despite not understanding why I call such clarity of form beauty, I understand that it is a form that clarifies my chaos in understanding the world.

Paula Braga, May 2011

¹Colour is not a mere feature of the butterfly; on the contrary, it is colour that becomes manifest in the butterfly – the butterfly is a body of colour. The title of this series is yet another reference to Fernando Pessoa’s heteronym:

A butterfly passes in front of meAnd for the first time in the Universe do I notice

That butterflies have neither colour nor movement,Similarly to flowers which have neither scent nor colour.It is colour that has colour on the wings of the butterfly,

It is in the movement of the butterfly that the movement happens,It is scent that has scent in the scent of the flower.

The butterfly is only a butterflyAnd the flower is only a flower.

(Alberto Caeiro)

partial installation view of Clarabóia (Skylight), Paço das Artes, São Paulo, 2010-2011

Clarabóia (Skylight), 2010 | painted wood | 180 x 190 x 40 cm (left)

Ofélias (Ophelias), 2010 | PVC and Plexiglas | 160 x 500 x 64 cm (right)


Pedagogia Formal

Às vezes, em dias de luz perfeita e exacta, Em que as cousas têm toda a realidade que podem ter,

Pergunto a mim próprio devagar Por que sequer atribuo eu

Beleza às cousas.

Uma flor acaso tem beleza? Tem beleza acaso um fruto?

Não: têm cor e forma E existência apenas. (...)

Alberto Caeiro

Às vezes em dias de luz perfeita e exata, lembro de obras de arte que me fazem entender melhor a luz, como as de Estela Sokol. Preocupa-me essa dependência que tenho da arte para conseguir enxergar o mundo. Eu nunca repararia que o gato branco, deitado ao lado da sacola vermelha de plástico, ficou cor de rosa, se eu não conhecesse uma obra que trata da cor-luz, como a obra de Sokol. O deslumbramento prazeroso não vem do gato cor de rosa, porque eu sei que não há gatos cor de rosa: vem de eu saber, de eu ter aprendido com uma obra de arte, que existem fenômenos naturais da cor e da luz que causam a mágica do tingimento dos pelos brancos.

Clarabóia, obra de Estela Sokol, apresentada na última individual da artista em São Paulo (Paço das Artes, janeiro de 2011), é uma peça de parede, uma grande fita circular de madeira laqueada de branco, com 180 centímetros de diâmetro, cuja face interna é pintada com um amarelo luminoso. A parte da parede delimitada pelo círculo muda de cor, interage com a obra; agora é amarelo claro. Essa fita circular me conduz numa curva que vai do objeto de arte a um fenômeno da cor e da luz natural, e então retorna à esfera da arte. Dependo de obras assim para saber ver o mundo e ver a cor-luz da arte refletida sobre meu estar na realidade. Se é arte, muda sutilmente a cor do meu entendimento das coisas.

O que Fazer com uma Bexiga

(What to Do with a Balloon), 2011

rubber on stretcher | 15 x 15 x 5 cm (each)

courtesy Galerie Wuensch

O que é a arte construtiva senão uma arte que racionalmente constrói formas – silenciosas, não discursivas – que engendram no corpo um novo entendimento perante a realidade? Como Estela Sokol afirmou quando a visitei pela primeira vez em seu ateliê, os problemas surgem e são solucionados no fazer. Não há inspiração de nenhuma fonte misteriosa, nenhuma força criativa separada da manipulação direta dos materiais, da cor e da luz. A ideia não é adesivada ao trabalho; nasce dele, brota da construção da forma. Estela Sokol pertence a uma tradição do construtivismo que no Brasil floresceu no final dos anos 1950, nos Objetos Ativos e Pluriobjetos de Willys de Castro, nas Superfícies Moduladas de Lygia Clark, e na pesquisa da cor empreendida por Hélio Oiticica nas Invenções, Relevos Espaciais, Bilaterais e Núcleos.

Trabalhando com a sobreposição da cor em PVC transparente, na série A cor é que tem cor nas asas da borboleta¹, Estela Sokol vai criando, por síntese subtrativa de luz, outras cores, escurecendo seus azuis com uma intersecção no vermelho, chegando ao preto nas áreas de intersecção total de todas as cores. Os plásticos coloridos, semi-translúcidos, em cores fluoretadas que inovam a paleta do construtivismo brasileiro, encapam pequenos chassis, em sobreposições de campos de cor flutuantes que nos remetem aos jogos entre moldura e superfície de Lygia Clark. Uma fina fresta entre dois azuis revela o plástico magenta como primeira camada usada na peça. Um azul brilhante quase some de tão fino na borda do retângulo, e dobra a esquina da peça, salientando a lateral do chassis e inserindo a obra numa transição entre a pintura e a escultura. São por vezes objetos muito pequenos, com cerca de 15 centímetros em sua maior dimensão, e que podem ser confundidos com estudos para peças maiores, se não viessem em bando, cobrindo uma enorme parede, ao lado de pequenas gravuras, de inúmeras variações no uso do acrílico e de peças em que o plástico recebeu uma camada de emborrachamento automotivo preto, selando a possibilidade do brilho e propiciando outros estudos sobre a interação da cor-pigmento com a cor-luz.

A dimensão reduzida desses objetos que nos são apresentados às dezenas, feitos à mão, com camadas de plástico sobre chassis, sugere ainda a noção de “arte menor”, de artesania, ao passo que a repetição de objetos, que diferem um do outro por pequenos detalhes, aliada ao uso de materiais como plástico, acrílico, esmalte sintético e emborrachamento automotivo, remete a um processo industrial. A síntese de industrialização, artesania e artes plásticas grita por uma leitura vinculada à Bauhaus. A decisão por instalar essa parede com dezenas de obras é outro gesto que invoca imagens célebres da arte construtiva, como a exposição 0,10 de 1915, quando o quadrado negro de Malievitch foi instalado na quina entre duas paredes, rente ao teto, ou fotografias do ateliê de Mondrian. A instalação de vários pequenos trabalhos em uma só parede reproduz, ainda, o próprio ateliê de Sokol, em São Paulo, um laboratório de experimentos com a cor-luz forrado com peças que deixam rastros de cor nas paredes brancas.

Polarlicht (Series), Upper Austria, 2011

photographic print on acrylic | 30 x 20 cm


Esse laboratório foi transferido por 40 dias para a extensão branca da neve austríaca no início de 2011. Com a luz exata do sol batendo no branco-neve, Sokol captou fotografias dos rastros de objetos prosaicos de cor intensa, como bolas de latex e placas de acrílico. A cor desses objetos mancha a neve branca em algumas fotografias da série Secret Forest, ou acende-se como uma luz de néon na série Polarlicht. Como se estivesse investigando uma fonte de energia alternativa, a artista aparece em fotos da série Making of or not plantando usinas de cor no gelo. Em uma das fotos dessa série o roxo da bola de vinil parece vazar no solo branco enquanto ao longe a artista carrega um objeto-reator de energia verde.

A exposição conta ainda com uma série de objetos em acrílico e PVC que formam grandes barrigas saltando da parede, as Ofélias. Seriadas e justapostas, constroem um túnel cinza dentro do qual um verde fosforescente brilha como um néon. Mas é pura cor-luz pulsando num túnel de tempo que nos transporta a outras experiências construtivistas.

Na luz perfeita e exata dessa exposição, a arte tem toda a realidade que pode ter. E eu, sem entender porque chamo de beleza a essa clareza de forma, entendo que é uma forma que clareia meu caos de entendimento do mundo.

Paula Braga, maio de 2011

¹A cor não é uma mera característica da borboleta; ao contrário, é a cor que se manifesta na borboleta – a borboleta é o corpo da cor. O título dessa série é outra referência ao heterônimo de Fernando Pessoa:

Passa uma borboleta por diante de mimE pela primeira vez no Universo eu reparo

Que as borboletas não têm cor nem movimento,Assim como as flores não têm perfume nem cor.

A cor é que tem cor nas asas da borboleta,No movimento da borboleta o movimento é que se move,

O perfume é que tem perfume no perfume da flor.A borboleta é apenas borboleta

E a flor é apenas flor.(Alberto Caeiro)

partial view of the artist’s studio, São Paulo, May 2011

courtesy the artist

Estela Sokol was born in 1979 in São Paulo, where she lives and works. In 2002, she graduated in Printmaking from Centro Universitário Belas Artes, São Paulo.

Recent solo exhibitions include Licht Konkret, Galerie Wuensch, Linz, Austria (2011); Clarabóia, Paço das Artes, São Paulo, Brazil (2010); Dawn for Interiors, Bisagra Arte Contemporáneo, Buenos Aires, Argentina (2010); Sol de Inverno, Palácio das Artes, Belo Horizonte, Brazil (2008); Halo, Galeria Virgílio, São Paulo, Brazil (2007); Meio Dia e Meia, Centro Universitário Maria Antonia, São Paulo, Brazil (2006); Lastro, Centro Cultural São Paulo, Brazil, (2003). Future solo exhibitions include Polarlicht, Bisagra Arte Contemporáneo, Buenos Aires, Argentina (2011) and A Morte das Ofélias, Galeria Anita Schwartz, Rio de Janeiro, Brazil (2011), as well as participations in the III Bienal del Fin del Mundo, Ushuaia, Argentina (2011) and the XVI Bienal de Cerveira, Portugal (2011).

Selected group exhibitions: Nova Escultura Brasileira, Centro Cultural Caixa Econômica Federal, Rio de Janeiro, Brazil (2011); Arte Lusófona Contemporânea, Memorial da América Latina, São Paulo, Brazil (2011); Acervo, Zipper Galeria, São Paulo, Brazil (2011); Light Art Biennale, Linz, Austria (2010); Silêncio, Zipper Galeria, São Paulo, Brazil (2010); Outras Perspectivas, Texprima, São Paulo, Brazil (2010); Além do Horizonte, Galeria Amarelo Negro, Rio de Janeiro, Brazil (2010); Vistas a Perder de Vista, Galeria Penteado, Campinas, Brazil (2010); Notas do Acervo, Galeria Anita Schwarts, Rio de Janeiro, Brazil (2010); De Passagem, Galeria Mendes Wood, São Paulo, Brazil (2009); Graphias, Memorial da América Latina, São Paulo, Brazil (2009); Obra Menor, Ateliê 397, São Paulo, Brazil (2009); Trajetórias em Processo, Galeria Anita Schwartz, Rio de Janeiro, Brazil (2009); Nova Arte Nova, Centro Cultural Banco do Brasil, Rio de Janeiro and São Paulo, Brazil (2009); Sete Paralelos, Casa do Olhar, Santo André, Brazil (2008) and BR 2005, Galeria Virgílio, São Paulo, Brazil (2005).

Awards: Brasil Arte Contemporânea, Fundação Bienal São Paulo, Brazil (2010); Temporada de Projetos Paço das Artes, São Paulo, Brazil (2009); Edital Revelação MACC, São Paulo, Brazil (2004); Projéteis FUNARTE de Arte Contemporânea, Rio de Janeiro, Brazil (2005) and 34° Salão de Arte Contemporânea Luiz Sacilotto, São Paulo, Brazil (2006).

Acknowledgements

The artist would like to thank: Aircube, Paula Braga, Fábio Cimino, the Embassy of Brazil in London, João Guarantani, SESC-SP, Carlos Vicalvi, Pablo Vilar, Winfried Wuensch and Zipper Galeria.

Ministry of External Relations

Antônio de Aguiar PatriotaMinister of External Relations

Ruy Nunes Pinto NogueiraSecretary General of External Relations

Hadil Fontes da Rocha ViannaUndersecretary General for Cooperation,

Culture and Trade Promotion

George TorquatoDirector of the Cultural Department

Joaquim Pedro PennaHead of the Division for Cultural Promotion

Embassy of Brazil in London

Roberto JaguaribeAmbassador

Helena Maria GasparianHead of the Cultural Section

Credits

exhibition management & catalogue design João Guarantani

translation (including poems byAlberto Caeiro/Fernando Pessoa) & revision

Nadia Kerecuk

printed byAldgate Press, London

Catalogue circulation: 1,500 copies

© texts: the author andthe Embassy of Brazil in London

© images: the artist, the photographer (Pablo Vilar,if not otherwise stated) and the galleries

Published by the Embassy of Brazil in Londonfor the exhibition Estela Sokol: Secret Forest

10 June – 15 July 2011

gallery 32

32 Green Street | London | W1K 7AT+44(0)20 7399 9282 | www.gallery32.org.uk

Opened in 2001, Gallery 32 is an exhibition space maintained by the Embassy of Brazil in London.

Hosting a varied programme of exhibitions, screenings and talks, Gallery 32’s main aim is to promote Brazilian culture in all its vibrancy, with a focus on modern and

contemporary art, architecture and design.

Tuesday to Friday, 11am-6pm | Saturday, 11am-5pm

gallery 32

detail of Secret Forest (Series), Upper Austria, 2011

