educaciÓn artÍstica 40 principales davinia cruz amorós

EDUCACIÓN ARTÍSTICA

40 PRINCIPALES

Davinia Cruz Amorós

ÍNDICE• PINTORES: ESCULTORES: FOTOGRAFOS: 1. Giotto. 1. Praxíteles 1. Manuel Álvarez Bravo 2. Jan Van Eyck 2. Donatello 2. Henri Cartier-Bresson 3. Leonardo Da Vinci 3. Miguel Ángel 3. Robert Capa 4. Rafael Sanzio 4. Juan de Juni 4. Cristina García Rodero 5. Tiziano 5. Bernini 5. Juan Manuel Castro Prieto 6. El Greco 6. Gregorio Fernández 7. Caravaggio 7. Juan Martínez Montañez 8. Rubens 8. Juan de Mesa LIBRES: 9. Rembrandt 9. Antonio Canova 1. Brunelleschi 10. Diego Velázquez 10. Rodin 2. Botticelli 11. Murillo 3. Jacques Louis David 12. Francisco de Goya 4. Antoni Gaudí 13. Monet 5. Le Corbusier 14. Renoir 15. Edgar Degas 16. Cézanne 17. Van Gogh 18. Matisse 19. Picasso 20. Dalí

PINTORES

GIOTTO• Giotto di Bondone (1266-1337), pintor, escultor y arquitecto italiano del Trecento. Se limitó

fundamentalmente a pintar temas religiosos. Nació en Colle de Vespignano, un pueblo cercano a Florencia. Era hijo de un campesino llamado

Bondone, y pasó su infancia como pastorcillo en los campos. Fue discípulo del pintor florentino Cimabue. La técnica característica de Giotto fue pintar figuras

casi reales. Cuando Giotto promediaba los treinta, su fama había trascendido las fronteras de Florencia y se

extendía ya por toda Italia, a tal punto que el papa Bonifacio VIII le envió un mensajero para pedirle algunas muestras de su arte.

Giotto comenzó pronto a ocuparse de encargos de terceros, principalmente trabajos religiosos. Así, se le atribuyen como primeras obras dos series de frescos en la Basílica de San Francisco de Asís. Un primer ciclo realizado posiblemente en la primera mitad de la última década del siglo XIII, desarrolla temas bíblicos. Más adelante, entre 1297 y 1299, una nueva serie de frescos fue ejecutada por Giotto en la parte inferior de los muros de la iglesia, acerca de la vida de San Francisco de Asís. Se le solicito que pintara entre 1305 y 1306 los extraordinarios frescos de la Capilla de la Arena en Padua.

Falleció el 8 de Enero de 1337. Fue enterrado en Santa Reparata, con grandes honores por parte del ayuntamiento de la cuidad.

• Algunas obras: La expulsión de los diablos de Arezzo, La desesperación (capilla de la Arena), El homenaje de un hombre sencillo (Vida de San Francisco, en Asís) y Crucifijo de la Iglesia de Santa María Novella, en Florencia.

SUS OBRAS• La Donación de la Capa (1297-1299),

segunda escena, fresco, iglesia superior, Basílica de San Francisco de Asís.

• Temática: Es una pintura de tema religioso. Cuenta la vida de San Francisco, en Asís.

• Los sacerdotes expulsan del templo a San Joaquín por no tener descendencia (1304-1306), fresco, Capilla de Enrico Scrovegni, Padua.

• Temática: Se trata de tema religioso

• San Francisco predicando a los pájaros (1298), fresco, Basílica alta de San Francisco, Asís.

• Temática: Se trata de tema religioso. Cuenta la vida de San Francisco en Asís.

JAN VAN EYCK • Jan van Eyck (1390-1441) fue un pintor flamenco que trabajó en Brujas y en Tournai. Fue

fundador del Ars nova, estilo pictórico del gótico tardío en el siglo XV, que anuncia al Renacimiento Nórdico de Europa. En tal sentido Van Eyck es el más célebre del conjunto de pintores llamados los Primitivos Flamencos.

Van Eyck tiene como antecedentes que le influyen a los hermanos Limbourg, al escultor Claus Sluter y al poco conocido pintor Melchior Broederlam.

Es probable que Van Eyck fuera oriundo de Maastricht. En 1422 trabajó en La Haya para Juan de Baviera, príncipe-obispo de Lieja. En 1425 Felipe III el Bueno, duque de Borgoña, le nombró pintor de la corte, cargo que conservo hasta su muerte. En 1428 formó parte de una delegación que se dirigía a Lisboa para gestionar la boda entre el duque de Borgoña y la Infanta Isabel de Portugal. Jan van Eyck realizó dos retratos de la mencionada infanta.

Este periodo del arte flamenco se caracteriza por el naturalismo de vívidos colores al óleo, la meticulosidad de los detalles, la precisión de las texturas y la búsqueda de nuevos sistemas de representación del espacio tridimensional.

Lo poco que se sabe de su primera época hace que se centre la atención en la relación artística que mantenía con su hermano Hubert. Hoy se admite que pudo participar en las pinturas de algunas obras como: Las horas de Turín-Milán, Las tres Marías ante el sepulcro, La crucifixión y El Juicio Final.

De Jan van Eyck se conservan cuidadosamente firmadas y fechadas entre 1432 y 1439 nueve obras; cuatro son de tema religioso, como la Virgen del canónigo Van der Paele (1436) o la Virgen del Canciller Rolin y las otras cinco son retratos, como el de Giovanni Arnolfini y su esposa (1434).

SUS OBRAS• Adoración del Cordero, Políptico de Gante

(final de 1432), retablo, Iglesia de San Bavón de Gante.

• Temática: Se trata de un tema religioso.

• El retrato del Matrimonio Arnolfini (1434), National Gallery de Londres.

• Temática: Trata un tema cotidiano, ya que se trata de un retrato.

• Virgen del Canciller Rolin (1435), Museo del Louvre, París.

• Temática: Es un tema religioso.

Leonardo Da Vinci• Leonardo Da Vinci (1452-1519) fue un científico que aportó a la pintura el espíritu de la investigación. Su

principal contribución fue la técnica del sfumato o difuminado, que consiste en sombrear las figuras y diluirlas mediante el claroscuro en el espacio.

Cursa su aprendizaje en el taller del pintor y escultor florentino Andrea Verrocchio. Cuenta Vasari, que en el cuadro del Bautismo de Cristo, encargado a Verrocchio para la iglesia florentina de San Salvi, Leonardo “pintó un ángel que sostenía unas vestiduras, que estaba mucho mejor que las figuras de su maestro; y ésta fue la causa de que Verrocchio no quiso nunca más tomar los colores, mortificado porque un muchacho supiese más que él”. Este cuadro revela dos mundos diferentes: el de finales del Quattrocento y el nuevo del Cinquecento.

En 1482, Leonardo abandona Florencia y acude a Milán, ofreciéndose a Ludovico Sforza como ingeniero militar, arquitecto, escultor y pintor. Mientras tanto, define en la Virgen de las Rocas la composición piramidal y su celebre sfumato.

Problemas técnicas menguan hoy día la grandeza de su obra maestra milanesa: la Sagrada Cena, pintada en 1498 para el refectorio del convento dominico de Santa María delle Grazie.

A la caída del ducado de Milán, en 1499, Leonardo es ya un pintor famoso en Italia. Regresa a Florencia, donde en 1501 expone en la Anunziata el cartón preparatorio de Santa Ana, la Virgen y el Niño. La República de Florencia le encarga el fresco de la Batalla de Anghiari para decorar la sala grande del Palacio Viejo. Pero este trabajo, al igual que la Batalla de Cáscina, encomendada posteriormente a Miguel Ángel para el mismo salón, nunca se llegó a inaugurar.

Simultáneamente, inicia el retrato más célebre de su carrera y de la pintura universal: el busto de Monna Lisa, conocida también como “La Gioconda”. El propio Leonardo se sintió tan seducido por su imagen que se la llevó a Francia, donde morirá trabajando en la fortificación de los castillos reales de Francisco I.

SUS OBRAS

• La Virgen de las Rocas (1483-1486) Óleo sobre lienzo, Museo del Louvre, París. (Izquierda)


• La Sagrada Cena (1495-1498), óleo y temple sobre yeso, Refectorio del Convento de Santa María delle Grazie, Milán. (Derecha)

• Temática: Es de tema religioso.

• Retrato de Monna Lisa, llamada “La Gioconda” (1503-1506), óleo sobre tabla, Museo del Louvre, París.

• Temática: Se trata de un tema cotidiano (retrato).

RAFAEL SANZIO • Rafael Sanzio (1483-1520), dueño de un lenguaje comprensible, sereno y armónico. El atractivo

físico del pintor, su carácter cordial y la gracia de su arte, unido a la fervorosa devoción que provocaban sus obras y la feliz circunstancia de nacer y morir, a los 37 años, en la festividad del Viernes Santo, lo convirtieron en un semidios. Cuatro etapas se advierten en su vida, que se desarrollan sucesivamente en Perugia (1494-1500), Urbino (1500-1504), Florencia (1504-1508) y Roma (1508-1520).

En Perugia adquiere las tonalidades claras, las posturas elegantes y los paisajes idílicos en contacto con el maestro local Prieto Perugino. En Urbino profundiza en los estudios de la perspectiva, que habían sido una preocupación constante en los medios artísticos.

La etapa florentina se caracteriza por asimilar la composición piramidal y el sfumato leonardesco, ingredientes con el que realizará una serie de Madonas.

Pero la vida de Rafael cambia en 1508. Julio II lo convoca en Roma para confiarle la decoración de cuatro habitaciones, que han pasado a la historia con el nombre de Estancias Vaticanas. Se trata de las Cámaras de la Signatura, de Heliodoro, del Incendio del Borgo y de Constantino.

Rafael solo realizó personalmente la primera estancia, que era Sede del Tribunal pontificio del Sello y le servía a Julio II de biblioteca privada.

Fuera del Vaticano decoró con pinturas mitológicas las residencias romanas del banquero Agustín Chigi, llamada Villa Farnesina.

El campo del retrato fue otra de sus especialidades que cultivó con gran éxito. Antes de morir, entregó los cartones para diez tapices con los Hechos de los Apóstoles, que

fueron tejidos en Bruselas y expedidos a la capilla vaticana de León X.

SUS OBRAS

• La Virgen del Jilguero (1506), óleo sobre tabla, Uffizi, Florencia. (Izquierda)

• Temática: Tema religioso.

• La Escuela de Atenas (1509-1510), fresco sobre muro, Estancia de la Signatura, Palacio del Vaticano, Roma. (Derecha)

• Temática: Se trata de un tema mitológico.

• El Triunfo de Galatea (1511), fresco sobre muro, Villa Farnesina, Roma.

• Temática: Tema mitológico.

TIZIANO• Tiziano Vecellio (1490-1576) será el maestro indiscutible de la escuela veneciana, envolviendo sus obras en

tonalidades calientes, cortadas por blancos y azules intensos. Pero su mérito no está solo en el luminismo, sino en sintetizarlo como el espíritu de sus contemporáneos romanos. De ahí que en 1557, Ludovico Dolce escribiera que Tiziano había conjugado su polifonía cromática con la gracia de Rafael y con la terribilitá de Miguel Ángel.

Se forma con el pintor Giorgine que es el primero en fundir las figuras en el paisaje mediante el color. En 1508, maestro y discípulo decoran al fresco el Fondaco dei Tedeschi, el centro comercial de los alemanes residentes en Venecia. El siguiente escalón en su vida es el nombramiento que recibe, en 1516, de pintor oficial de la República. En su relación con el gobierno de la Serenísima retratará a los Dogos e intervendrá en los programas iconográficos que exaltan la imagen de la ciudad.

En estas mismas fechas pinta su primera obra maestra: la Asunción de la Virgen. El artista sorprende a la comunidad dotando a las figuras de un clasicismo colosal, fragmentando la composición en tres pisos y envolviendo a María en una nube dorada. En 1526 volvía a revolucionar a la sociedad veneciana con otra obra mariana realizada para esta iglesia: el Retablo Pesaro, donde rompe la simetría frontal al introducir un punto de vista lateral.

El retrato que hace de Carlos V en Bolonia iniciaba una larga colaboración artística al servicio de la monarquía española, que le recompensa con el nombramiento de pintor de corte en 1533. En el retrato ecuestre de Carlos V vencedor en Mühlberg representa el mito del poder . Pero esta fórmula áulica la simultanea con el pleno naturalismo como acredita el grupo de Paulo III y sus sobrinos.

Para la nobleza realiza ardientes “poesías”: pinturas de bacanales y fábulas mitológicas, en las que recrea a Venus, Diana y Dánae con fuertes dosis de erotismo.

En la recta final de su vida desarrolla un estilo de trazo nervioso, que anticipa la técnica impresionista, pero en el que sigue presente su mágica paleta. Es entonces cuando Lomazzo, cautivado por la soltura y la libertad de su brillante pincelada, le proclama “alquimista del color”.

SUS OBRAS

• Asunción de la Virgen (1516-1518), óleo sobre tabla, Altar Mayor de la iglesia de Santa María Gloriosa dei Frari, Venecia. (Derecha)

• Temática: Trata un tema religioso.

• Paulo III y sus sobrinos Alessandro y Ottavio Farnese (1546), óleo sobre lienzo, Galería Nacional de Capodimonte, Nápoles. (Abajo, Izquierda)

• Temática: La obra trata el tema cotidiano y el religioso.

• Carlos V vencedor en Mühlberg (1548), óleo sobre lienzo, Museo del Prado, Madrid. (Arriba, Izquierda)

• Temática: Trata sobre el tema de la Nobleza y la Realeza.

EL GRECO• Doménikos Theotokópoulos (Candía, 1541-1614 Toledo) conocido como El Greco

fue un pintor del final del Renacimiento que desarrolló un estilo muy personal en sus obras de madurez.

Hasta los 26 años vivió en Creta, donde fue un apreciado maestro de iconos en el estilo posbizantino vigente en la isla. Después residió diez años en Italia, donde se transformó en un pintor renacentista, primero en Venecia, asumiendo el estilo de Tiziano y Tintoretto, y después en Roma, estudiando el manierismo de Miguel Ángel. En 1577 se estableció en Toledo, donde vivió y trabajó el resto de su vida.

Su formación pictórica fue compleja, obtenida en tres focos culturales muy distintos: su primera formación bizantina fue la causante de importantes aspectos de su estilo que florecieron en su madurez; la segunda la obtuvo en Venecia de los pintores del alto renacimiento, especialmente de Tiziano, aprendiendo la pintura al óleo y su gama de colores; por último, su estancia en Roma le permitió conocer la obra de Miguel Ángel y el manierismo, que se convirtió en su estilo vital, interpretado de una forma autónoma.

Actualmente está considerado uno de los artistas más grandes de la civilización occidental.

SUS OBRAS• El expolio de Cristo (1577-1579), óleo

sobre lienzo, Sacristía de la Catedral, Toledo.

• Temática: Se trata de tema religioso.

• Martirio de San Mauricio y la legión tebana (1580-1582), óleo sobre lienzo, Monasterio de San Lorenzo el Real, El Escorial.


• El entierro del Señor de Orgaz (1586-1588), óleo sobre lienzo, Parroquia de Santo Tomé, Toledo.

• Temática: Mezcla el tema religioso con el tema cotidiano, ya que aparece el hecho de un entierro pero en el cielo se contemplan imágenes religiosas.

IL CARAVAGGIO• Michelangelo Merisi (1571-1610) llamado il Caravaggio, es el creador del naturalismo y del

tenebrismo pictórico. Su vida está marcada por la bohemia y su arte por la incomprensión. En 1590 se traslada a

Roma, donde su carácter arrogante y pendenciero le lleva varias veces a la cárcel y al asesinato de un hombre por riñas de juego. Condenado por homicida, huye en 1606 a Nápoles, Malta, Siracusa y Mesina. Obtenido el perdón, muere de malaria cuando regresaba a Roma. Tenía 37 años. Sus sinceras representaciones populares fueron rechazadas por el pueblo, que no quería ver en las historias evangélicas a los mismos pescadores y labriegos que habían tratado a Cristo.

La breve carrera del Caravaggio ha sido fragmentada en tres etapas. La etapa inicial corresponde a sus primeros años romanos y abarca desde 1590 a 1599. Se caracteriza por cuadros pequeños, de medias figuras, que el pintor vendía en los mercadillos ambulantes para subsistir. En este periodo temprano inventa el bodegón moderno con La Cesta de Frutas y representa a jóvenes andróginos, lánguidos, afeminados y ambiguos, bajo la apariencia mitológica de Baco o disfrazados de músicos travestidos, como El Tañedor de Laúd. Las interpretaciones religiosas también encuentran cabida en su paleta.

A partir de 1600 se inicia su Estilo Maduro, en el que funde el naturalismo con su visión revolucionaria de la luz, creando el tenebrismo caravaggiesco. En esta fase intermedia de su producción se dan cita los grandes encargos para las iglesias romanas. Algunos de ellos son: La Crucifixión de San Pedro y La Conversión de San Pablo, San Mateo y el ángel, La vocación de San Mateo y el Martirio de San Mateo. Otra obra de esta época, que atestigua la polémica que desató el naturalismo tenebrista es La Virgen de Loreto. Peor suerte corrió La Muerte de la Virgen, que fue retirada de la Scala “porque imitaba con demasiada exactitud el cadáver hinchado de una prostituta ahogada en el Tíber”.

La Etapa Final coincide con su exilio, pintando cuadros religiosos para las iglesias del sur de Italia y Malta, mientras huía de la justicia.

SUS OBRAS

• Baco (1593-1594), óleo sobre lienzo, Uffizi, Florencia. (Izquierda)• Temática: Tema mitológico.

• La vocación de San Mateo (1601), óleo sobre lienzo, Capilla Contarelli, Iglesia de San Luis de los Franceses, Roma. (Derecha)

• Temática: Trata sobre tema religioso.

• La Muerte de la Virgen (1606), óleo sobre lienzo, Museo del Louvre, París.


PEDRO PABLO RUBENS• Pedro Pablo Rubens (1577-1640). La naturaleza le dotó de un cerebro prodigioso para desenmarañar los

problemas compositivos de un cuadro y fue un mago del color. Está considerado el artista más culto de su tiempo y estuvo considerado como un sagaz diplomático al servicio de la política exterior de España. Su habilidad en los asuntos de Estado le hizo recorrer las cancillerías europeas negociando tratados de paz.

Con solo un año queda huérfano, obteniendo entonces su familia el perdón, lo que le permite abandonar el destierro (su padre fue desterrado de Amberes y tuvo que marchar a Alemania y se llevo a Rubens) y regresar con su madre a Amberes. Estudia Humanidades, entra como paje en casa de la condesa de Lalaing y cursa el aprendizaje artístico con Otto Venius. En 1598 es ya un pintor independiente. Su formación la completa en Italia.

Cruza los Alpes en 1600 para instalarse en la corte de Vicente Gonzaga, duque de Mantua. Hace escala en Roma, donde admira al Miguel Ángel, al Caravaggio y a los Carracci; en Mantua copia a Mantegna; en Génova se interesa por la arquitectura. Ocho años permanece en Italia, tan solo interrumpidos por una breve estancia en Valladolid, donde acude en 1603 con la misión diplomática de entregar unos presentes de su protector al Rey Felipe III y a su primer ministro, el duque de Lerma.

En 1608 abandona Italia ante el alarmante quebranto de salud que sufre su madre. Cuando llega a Amberes, esta ha muerto. Un año después es nombrado pintor de los archiduques, se casa con Isabel Brant e inicia las gestiones inmobiliarias para edificar la casa-taller más emblemática del barroco europeo.

Rubens dominó todos los procedimientos de la técnica pictórica. Su trayectoria como pintor religioso se inicia con los trípticos de La elevación de la cruz y del Descendimiento de

Cristo, realizados en 1611 y 1612. Rubens representó los misterios evangélicos y exaltó los milagros de los santos modernos, constituyendo la serie consagrada, en 1619, a San Ignacio y San Francisco Javier. Pero su obra cumbre es El Triunfo de la eucaristía, conjunto de veinte tapices.

Junto al heraldo de la Contrarreforma católica, emerge en la escena internacional el Rubens decorador de los grandes palacios europeos de la monarquía absoluta: la Galería de María de Medici; el Salón de banquetes de Carlos I de Inglaterra y la Torres de la Parada de Felipe IV.

Cuando en 1628 regresa a España por segunda vez, conoce a Velázquez y copia los tizianos de Felipe IV. En 1630 se casaba en segunda nupcias con Helena Fourment, que será la musa de sus composiciones mitológicas . Fruto de esta feliz etapa final son los cuadros pintados entre 1638 y 1639: el Juicio de París, el Jardín del Amor y Las Tres Gracias.

SUS OBRAS

• Don Francisco de Sandoval y Rojas, Duque de Lerma (1603). Óleo sobre lienzo. Museo del Prado, Madrid. (Arriba, Derecha)

• Temática: Nobleza.

• Enrique IV de Francia recibiendo de Júpiter y Juno el retrato de María de Medici (1621-1624). Óleo sobre lienzo. Museo del Louvre, París. (Abajo, Derecha)

• Temática: Trata el tema mitológico y la Realeza.

• Las Tres Gracias (1638). Óleo sobre tabla de roble de Polonia. Museo del Prado, Madrid. ( Izquierda)

• Temática: Trata sobre tema mitológico.

REMBRANDT• Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606-1669) es el gran intérprete de la sociedad burguesa holandesa y el

primer artista que ya no depende de mecenazgo de la corte o la aristocracia, sino que vende sus productos en el mercado.

Su madre pertenece a una familia de panaderos y su padre explota un molino de malta a orillas del río Rijn. Cursa su formación pictórica con Pieter Lastman, que le enseña los secretos del tenebrismo caravaggiesco. Rembrandt acuña un estilo propio en el que los contrastes de luz y sombra nunca serán tajantes, sino que envuelve sus figuras en penumbras graduadas, misteriosas y doradas. En 1624 abre un taller en Leyden, comenzando a pintar asuntos bíblicos y a desarrollar la técnica del grabado al agua fuerte.

En 1632, se encuentra en Amsterdam. La sociedad civil necesita grandes retratos colectivos para decorar las salas de sus respectivas corporaciones y Rembrandt realiza tres obras memorables. En 1632 los cirujanos le encargan La lección de anatomía del Doctor Nicolaes Tulp. En 1642 pinta para los arcabuceros de la Guardia Cívica la llamada Ronda de noche. En 1662, el gremio de fabricantes de tejidos le solicita el retrato de los miembros que ocupaban la mesa del gobierno para conmemorar el final de su mandato, Los síndicos de los pañeros. El dominio y la evolución que Rembrandt alcanzó en este campo se sustancia en la cumplida galería de autoretratos que el artista realizó a lo largo de su vida.

En plena madurez Rembrandt sufre una crisis financiera, humana, religiosa y artística. Su pasión por el coleccionismo contribuyó a su hundimiento económico. Rembrandt ingresa en la secta menonita. Y ante estas circunstancias, busca la expresividad interior, la sustancia espiritual y moral e intenta retratar el alma de los personajes. Surgen entonces cuadros melancólicos de sentida admiración por la época griega como Aristóteles contemplando el busto de Homero; asuntos históricos de tragedias conmociones como La conspiración de Julius Civilis y dramáticas escenas como El buey abierto en canal.

SUS OBRAS• La lección de anatomía del doctor

Nicolaes Tulp (1632). Óleo sobre lienzo. Mauritshuis, La Haya.

• Temática: Trata sobre tema cotidiano.

• La ronda de noche (1642).Óleo sobre lienzo. Rijksmuseum, Amsterdam.

• Temática: Trata de tema cotidiano.

• Rembrandt, Autorretrato a la edad de 50 años (1657). Óleo sobre lienzo. Kunsthistorisches Museum, Viena.

• Temática: Trata el tema cotidiano. (Autorretrato).

VELÁZQUEZ• Diego Rodríguez de Silva Velázquez (1599-1660) es el genio más grande del arte español. Fue un supremo

retratista, que abarcó todos los géneros pictóricos: el cuadro religioso, la fábula mitológica, el bodegón y el paisaje.

El aprendizaje lo realiza en el taller de Francisco Pacheco, de quien se convertía en yerno al casarse, en 1618, con su hija. El Sevillano marcha a Madrid en 1623 para ocupar la plaza de pintor de cámara. Realiza dos viajes a Italia: el primero, de estudios, en 1629, copiando en el Vaticano a Rafael y a Miguel Ángel, y cuyas experiencias reflejará en La fragua de Vulcano. Veinte años después acude de nuevo con la embajada para comprar estatuas clásicas y pinturas modernas. Entonces retrata a su criado moro Juan de Pareja y al pontífice Inocencio X. Esta segunda estancia en Italia se demoró tres años y se debe en parte al nacimiento de un hijo tenido con una dama romana, a quien retrato en la preciosa Venus del espejo. A su vuelta, fue nombrado aposentador de Palacio y, poco antes de morir, recibió el hábito de la Orden de Santiago.

Su estilo evoluciona, pudiendo advertirse dos épocas: su etapa sevillana y la posterior madrileña. El período sevillano está impregnado del tenebrismo caravaggiesco. La imitación del natural la atestigua su

suegro y maestro. El color es terroso y las figuras presentan contornos muy precisos, tan en boga en su ciudad natal, y que Pacheco policromaba en el mismo taller donde Velázquez aprendía.

Se especializó en interiores de cocinas, sobresaliendo la Vieja friendo huevos y El aguador de Sevilla. Algunas de estas obras tienen connotaciones religiosas, como Cristo en casa de Marta y María y La mulata. Los asuntos sacros que entonces pintó pueden resumirse en La Inmaculada y San Juan de Patmos.

Hacía 1630, tras familiarizarse con las pinturas venecianas de El Escorial y regresar de Italia, se advierte un cambio de estilo, que había apuntado ya en Los borrachos. Velázquez ha descubierto que la luz le permite capar el aire impuesto entre las figuras y los objetos. La pincelada va haciéndose fluida y espontánea, lo que lo convierte ya en un adelanto de la técnica impresionista, como se observa en la Villa Medici.

Retrato en varias ocasiones al rey, a la reina y al príncipe Baltasar Carlos, hizo lo propio con el primer ministro, el conde-duque de Olivares; efigió a los bufones de la Corte y a los artistas, poetas, políticos y militares, como el general Ambrosio de Spínola. En 1632 se suelen fechar sus composiciones religiosas, presididas por el Cristo crucificado.

La recta final de su vida se salda con dos obras maestras de la pintura universal: La familia de Felipe IV (1656) y Las hilanderas (1657).

SUS OBRAS

• El aguador de Sevilla (1620-1621). Óleo sobre lienzo. Wellington Museum, Londres. (Izquierda)


• La Venus del espejo (1650). Óleo sobre lienzo. National Gallery, Londres. (Derecha)• Temática: La obra trata de tema mitológico y cotidiano.

• La familia de Felipe IV o Las Meninas (1656). Óleo sobre lienzo. Museo del Prado, Madrid.

• Temática: Trata el tema de la Realeza.

MURILLO• Bartolomé Esteban Murillo (1617-1682). Renunció a la Corte por “vivir en Sevilla”; tampoco visitó Italia. No

gozó de esa libertad del pintor sin encargos que tuvieron los artistas de cámaras, cuyo único trabajo fue retratar al Rey, y hubo de ganarse la vida con la venta de sus obras.

La muerte se cebó en su familia: huérfano de padre y madre siendo niño, quedó pronto viudo y vio morir a seis de sus nueve hijos. Mitigó la soledad volcándose hacia la enseñanza del dibujo en la Academia del Arte de la Pintura, que fundó en 1660.

La sociedad le recompensó con la fama, aplaudiendo sus creaciones iconográficas. Su celebridad traspasó las fronteras, merced a la amistad que entabló con los comerciantes flamencos Josua van Belle y Nicolás Omazur, que le encargaron para su exportación las amables representaciones de pilluelos callejeros: pintura profana, hecha para burgueses.

Los románticos extranjeros dividieron el estilo de Murillo en tres períodos: frío, cálido y vaporoso. El período frío corresponde a la etapa juvenil. Deriva de su admiración por Zurbarán y se caracteriza por los

fuertes contrastes de luz, la precisión en el dibujo y la pincelada lisa. La serie del claustro chico, firmada en 1646, es muy expresiva de esta etapa. Otras obras de esta fase inicial claroscurista son los cuadros: Virgen del Rosario con el Niño y La Sagrada Familia del pajarito.

El período cálido se inicia en 1656 con el San Antonio. Murillo incorpora los efectos de contraluz venecianos que le inculca Herrera el Mozo. El tenebrismo desaparece, la pincelada se hace suelta y el colorido brillante.

El período vaporoso es de sus últimos años, cuando el color se hace transparente y difuminado. De 1669 son los grandes cuadros: San Francisco abrazado al Crucificado, La adoración de los pastores y Santo Tomás de Villanueva repartiendo limosna. Entre 1670 y 1674 pinta seis Obras de Misericordia para la iglesia de la Santa Caridad.

Hasta su fallecimiento, Murillo concentró toda su “gracia” pictórica en las apoteósicas visiones de la Inmaculada y en las representaciones infantiles; por ejemplo, El Buen Pastor.

El carácter afable de estos temas piadosos encuentra su correlato en el ámbito profano: Muchachos comiendo empanada, Muchachos comiendo uvas, ect; cuyas escenas callejeras le convierten en un precursor del Rococó.

SUS OBRAS

• La Sagrada Familia del pajarito (1649). Óleo sobre lienzo. Museo del Prado, Madrid.


• El Buen Pastor (1655-1660). Óleo sobre lienzo. Museo del Prado, Madrid. (Izquierda)


• Autorretrato (1670). Óleo sobre lienzo. National Gallery, Londres. (Derecha)• Temática: trata de tema cotidiano. (Autorretrato)

FRANCISCO DE GOYA• Francisco de Goya y Lucientes (1746-1828). Vivió a caballo entre los siglos XVIII y XIX, sirviendo a cuatro

reyes: Carlos III, Carlos IV, José Bonaparte y Fernando VII. A lo largo y ancho de su vasta producción anticipa los cambios radicales que va a experimentar la sensibilidad pictórica contemporánea: la ligereza de su pincelada preludia el Impresionismo, sus fantasías oníricas desembocan en el Surrealismo y su desgarrado mundo interior abre paso a la temática expresionista. Dominó todas las técnicas: la pintura mural y de caballete, los cartones para tapices y el grabado; y abundó en todos los géneros.

Se presentó por dos veces al concurso de la Academia de San Fernando en busca de la ansiada beca de Roma, pero el jurado rechaza sus cuadros. Decide pagarse personalmente el viaje a Italia y opta al premio convocado por su academia con el lienzo Aníbal cruzando los Alpes, que tampoco resulta vencedor. De regreso a Zaragoza, trabaja en la bóveda del Coreto de la basílica del Pilar y se casa con Josefa Bayeu. Su cuñado, Francisco Bayeu, en 1775 reclama a Goya para que se desplace a la Corte.

Goya es contratado por la Real Fábrica de Santa Bárbara para diseñar los cartones que sus artesanos convertirán en tapices. La moda impone lo pintoresco y Goya da un recital de tipos costumbristas: toreros, tonadilleras, actrices y gente del pueblo de Madrid. Consecuentemente, la aristocracia madrileña encargará también a Goya cuadros de diversión para decorar sus gabinetes de lectura y salas de conversación. La cucaña y El columpio, que poseen los Duques de Osuna, responden a este gusto garboso y colorista.

La influyente Casa de Osuna le proporciona un encargo religioso: los cuadros de la vida de San Francisco de Borja. Posteriormente, ahondará en la temática sacra, pintando al fresco la ermita de San Antonio de la Florida.

Entretanto, Goya no descuida el género que le iba a aupar a la fama: el retrato. Retratos colectivos e individuales, de cuerpo entero y de busto, de personajes de pie, sentados, recostados y ecuestres. Con distancia en el tiempo representó a los grandes arquitectos neoclásicos; a los literatos e intelectuales ilustrados y a la nobleza femenina. Retratando con maestría inigualables a condes, marqueses y duques, consigue ser nombrado primer pintor de cámara de Carlos IV, de quien realizará su grupo familiar, efigiándose el artista en la penumbra a imitación de Velázquez en Las Meninas.

En 1792 viaja a Sevilla, donde contrae una penosa enfermedad que le deja como secuela la sordera total. Pasa la convalecencia en Cádiz restableciéndose en el domicilio de su amigo Sebastián Martínez. Cuatro años después regresará a Andalucía para decorar el oratorio religioso de la Santa Cueva gaditana, y allí vivirá seis meses como invitado de la Duquesa de Alba. Goya gozó de la intimidad de la joven viuda Cayetana, a la que retrató como Maja vestida y Maja desnuda.

Pero la sordera y el destierro que sufren sus amigos ilustrados marcan un antes y un después en la obra de Goya. En adelante, adoptará dos orientaciones antagónicas: las amaneradas y plácidas pinturas de encargo, frente a las espontáneas y desgarradas estampas de Los Caprichos, Los Desastres, Los Disparates y los cuadros de su Serie Negra, en los que su imaginación se muestra tan desatada como su pincel.

La insuperable obra gráfica de Goya se inicia en 1799 con la serie Los Caprichos. Es una sátira sin piedad de los vicios y debilidades sociales; arremete contra la sinrazón y la injusticia. Goya se rebeló al control de la producción y editó personalmente los grabados. La jerarquía prohibió su venta.

La invasión napoleónica y la Guerra de la Independencia quedarán reflejadas en los dramáticos grabados que componen Los Desastres, y en los cuadros históricos de las jornadas del 2 y 3 de Mayo de 1808 en Madrid. En Los Desastres recoge las espantosas impresiones de la contienda, reprobando la crueldad de ambos bandos. En 1814 se ofrece al gobierno de la Regencia para “perpetuar por medio del pincel las más notables y heroicas acciones de nuestra gloriosa insurrección contra el tirano de Europa”. Goya representa La carga de los mamelucos en la Puerta del Sol y Los fusilamientos de la Moncloa.

Preso del desencanto por los desmanes de la guerra y la postguerra, Goya se refugia brevemente en el mundo de los toros y alumbra La Tauromaquia con la emoción de un viejo aficionado. Entre 1814 y 1816 graba las suertes del toreo.

En 1819 compra una finca en la ribera del Manzanares, que se llamará “La Quinta del Sordo”, donde busca refugio y retiro. Allí, de noche, decora las paredes con un mundo de aquelarres, brujas, machos cabríos y el duelo a garrotazos entre españoles. Son la expresionistas Pinturas Negras. Reflejo de esta misma desazón son los grabados de su última serie: Los Disparates, una colección de pesadillas que reflejan lo absurdo de la existencia.

En 1823 los Cien Hijos de San Luis restauran la monarquía absoluta de Fernando VII. Goya retrata al Rey, pero siente miedo. Le recuerdan que había realizado una Alegoría de la villa de Madrid presentando al pueblo al pueblo un retrato de José Bonaparte como rey de los españoles. Es acusado de obsceno ante el Santo Oficio por la Maja desnuda. La situación se hace incómoda y busca el exilio en Francia, donde todavía tendrá tiempo de pintar La Lechera de Burdeos: el adelanto más claro del impresionismo.

SUS OBRAS

• Maja desnuda (1798). Óleo sobre lienzo. Museo del Prado, Madrid.

• Temática: Trata de tema cotidiano (Desnudo)

• Los fusilamientos de la Moncloa o Sucesos del 3 de Mayo de 1808 en la montaña del Príncipe Pío de Madrid (1814). Óleo sobre lienzo. Museo del Prado, Madrid.

• Temática: Trata sobre tema cotidiano (Guerra)

• La Lechera de Burdeos (1825-1827). Óleo sobre lienzo. Museo del Prado, Madrid.


MONET• Claude Monet (1840-1926) es el paisajista del grupo y el único de los maestros que mantuvo

fidelidad absoluta al movimiento impresionista. Deseaba pintar lo intangible, lo impalpable.

Su pasión por la atmósfera le condujo a diferentes ambientes europeos: en 1870 capta en Londres la bruma gris sobre el Támesis; en 1885 recorre el Midi francés para apropiarse del sol opulento de la Provenza; y en 1895 viaja a los fiordos noruegos con la esperanza de reproducir el aliento frío de la nieve.

Una consecuencia de esta ambición estética fue el serialismo: varias reproducciones de un mismo tema para comprobar los efectos cambiantes de la luz y del color en horas y estaciones diferentes. Sus series mas conocidas son: La Fachada de la catedral de Ruán y Ninfeas.

SUS OBRAS• Impression, soleil levant (1872).

Óleo sobre lienzo. Museo Marmottan, París.

• Temática: El tema de esta obra es el paisaje.

• Las amapolas (1873). Óleo sobre lienzo. Museo d´Orsay, París.

• Temática: Trata el tema del paisaje.

• Fachada oeste de la catedral de Ruán (1894). Óleo sobre lienzo. National Gallery, Washington.

• Tematica: Trata el tema del paisaje de edificios.

RENOIR• Auguste Renoir (1841-1919) es el retratista con mayúsculas, su interés por la figura humana

constituye su mayor contribución personal al Impresionismo.

Retrató varias veces a Monet, hizo lo propio con Sisley y dejó un retrato colectivo de sus amigos, charlando despreocupadamente en los veladores del Moulin de la Galette. Poco después pintó a Madame Charpentier y sus hijos. Desde entonces, es el más popular de los impresionistas.

Ello se debió también a que hacia 1883 se produjo en mi obra una especie de ruptura. Había llegado al final del Impresionismo y verificó que no sabía pintar ni dibujar. Entonces recupera la línea. Esta crisis se observa en sus escenas callejeras de París. Mientras en El almuerzo de los remeros compone todavía con manchas de color, en Los paraguas vuelve al dibujo y a la enseñanza de los museos. Tras estas reflexiones se retira a la Costa Azul y empieza a reproducir desnudos femeninos, caracterizados por una fuerte sensualidad.

SUS OBRAS

• El almuerzo de los remeros (1880). National Gallery, Washington. (Abajo, Derecha)• Temática: trata de tema cotidiano.

• Moulin de la Galette (1876). Óleo sobre lienzo. Museo d´Orsay, París. (Arriba, Derecha).


• Los Paraguas (1883-1884). Óleo sobre lienzo. National Gallery, Londres. (Izquierda).


EDGAR DEGAS• Edgar Degas (1843-1917) es el más atípico de los impresionistas. Pintó al aire libre y su

concepción de la pintura se basaba en el dibujo. Su inclusión en el movimiento se debe a su pincelada clara y al uso de colores puros.

Quiso ser el cronista clásico de la alta burguesía. Nos informa del ambiente del hipódromo, con sus refinados asistentes y a los jockeys ante las tribunas. Luego se adentra en el mundo del ballet y de la danza a través de un ser tan delicado como la bailarina. El tema femenino le seduce y fija su atención en la toilette: mujeres desnudas bañándose, peinándose o arreglándose ante el espejo.

La técnica y la composición de toda su producción es muy personal. Degas emplea el pastel y sus composiciones resultan instantáneas fotográficas, secuencias cinematográficas de primeros y primerísimos planos, mostrando la deuda contraída hacia la cámara en sus encuadres y enfoques.

SUS OBRAS

• En las carreras (1869-1872). Óleo sobre lienzo. Museo d´Orsay, París. (Arriba, Izquierda).

• Temática: Traba sobre tema cotidiano.

• Clase de baile (1875). Musée d'Orsay, París. (Derecha).• Temática: Trata sobre tema cotidiano.

• La Tina (1886). Hill-Stead Museum Farmington, Estados Unidos. (Abajo, Izquierda).• Temática: Trata sobre tema cotidiano (Desnudo)

Cézanne• Paul Cézanne (1839-1906) alcanza la madurez pictórica a los 50 años. Era hijo natural de un

sombrerero enriquecido y que no se casó con la madre del pintor hasta que el niño creció. En 1886 moría su padre, liberándole la herencia de penurias económicas para el resto de sus días.

Su concepción pictórica no descansa exclusivamente en la mirada sino en “la vista y el cerebro; las dos tienen que ayudarse entre sí”. Este desarrollo mutuo de los sentidos y la reflexión en el cuadro le llevan a forjar su credo artístico.

La simplificación de la naturaleza en líneas perpendiculares y diagonales, donde la pincelada de color tiene volumen y peso, aparece en sus bañistas, jugadores de cartas, bodegones y paisaje. La serie de cuadros dedica a La montaña de Santa Victoria condesa la novedad de su arte: formas geométricas construidas con grandes pinceladas verdes como el monte bajo mediterráneo, rojas como la tierra provenzal y azules como el brillante cielo del mediodía.

SUS OBRAS• Muchacha al piano (1869).• Temática: Trata sobre tema cotidiano.

• Los jugadores de cartas (1890-1892). Óleo sobre lienzo. Museo d´Orsay, París. (Izquierda).


• La montaña de Santa Victoria (1904-1906). Óleo sobre lienzo. Museo de Bellas Artes, Filadelfia, Estados Unidos. (Derecha).

• Temática: Trata sobre tema cotidiano. (Paisaje).

VAN GOGH• Vincent van Gogh (1853-1890). Fue un prodigio de potencia y fertilidad creadora. Vivió 37 años,

pero únicamente los nueve últimos los pasó entregado a la pintura, dejando, al suicidarse, 879 cuadros.

Era hijo de un pastor calvinista, y sus contactos con el arte se iniciaron en 1869, cuando entra a trabajar como marchante de la galería francesa Goupil en la sucursal de La Haya, trasladándose sucesivamente a las sedes de Bruselas y Londres, y a la casa central de París. La cadena de desengaños amorosos que sufren en estos destinos ahonda su estado depresivo por lo que fue despedido en 1876. Busca consuelo en la religión y decide convertirse en “evangelizador de los pobres”, predicando la Biblia. Su apostolado raya en el fanatismo con los mineros belgas de Borinage, que le rechazan.

Ante este nuevo infortunio, intenta salir de la crisis espiritual, volcándose en la pintura. Cultiva una temática social, a base de tonos oscuros y grises, que resume en Los comedores de patatas.

En 1886 Van Gogh fija su residencia en París, donde “deshiela” su paleta y alegra la temática de sus cuadros. Théo le presenta a los impresionistas, y aprende el valor de la pintura colorista y clara, pero reconoce que no debe afiliarse al movimiento.

Los dos últimos años de su vida transcurren en el sur de Francia. Vive en Arlés, pasando temporadas internado en el hospital psiquiátrico de Saint Rémy, y en Auvers, donde muere.

Su estilo se define por la línea firme de los japoneses y el color como gran motor de la emoción. Representa escenas de interior y culmina la serie de 43 autorretratos, en los que ensayaba pigmentos y técnicas tomando como referencia su rostro, cada vez más degradado.

SUS OBRAS

• Los comedores de patatas (1885). Óleo sobre lienzo. Museo Van Gogh, Amsterdam. (Arriba, Izquierda).


• La noche estrellada (1889). Óleo sobre tela. Museo de Arte Moderno de Nueva York. (Abajo, Izquierda).

• Temática: Trata sobre tema cotidiano, (Paisaje).

• Autorretrato de enero de 1889 con la oreja vendada (1889). Óleo sobre lienzo. Colección Stavros Niarchos, Atenas.

MATISSE• Henri Émile Benoît Matisse (1869-1954). El fauvismo es la corriente pictórica basada en el uso

arbitrario de colores intensamente vivos.

Treinta y seis años contaba Matisse cuando, en 1905, decidió participar en el Salón de Otoño, de París. En una sola sala se agruparon intencionadamente sus cuadros, todos restallantes de colorido salvaje. Una ofensa a la pintura, un atentado al buen gusto, proclama la burguesía acomodada que frecuenta el certamen. El fauvismo acababa de nacer.

Los miembros de este grupo viven cohesionados durante 1906, pero al año siguiente comienza a desintegrarse ante la seducción que produce en algunos el enfoque cubista.

El estilo de Matisse se caracteriza por simplificar el modelo, traduciendo sus formas mediante exaltadas zonas de color, que no suelen coincidir con su apariencia real en la naturaleza. El retrato de su esposa, titulado La raya verde, dominado por una rabiosa banda de esta tonalidad que secciona la cara desde la raíz del pelo a la barbilla.

En las grandes composiciones mezcla el desenfreno cromático con los ritmos curvilíneos del Art Nouveau y el arabesco del mundo musulmán, produciendo obras decorativas de gran belleza, como La Danza.

Posteriormente, una artritis le impediría pintar y consumió sus últimos años haciendo recortables de colorido brillante, donde las tijeras actuaban como pincel.

SUS OBRAS

• La raya verde (1905) Óleo sobre lienzo. Museo de Arte del Estado. Copenhague, Dinamarca.

• Temática: Trata sobre tema cotidiano. (Retrato).

• La Danza (1909). Óleo sobre lienzo. Museo de Hermitage, San Petersburgo, Rusia. (Izquierda).


• El Mantel (Derecha).


PICASSO • Pablo Ruiz Picasso (1881-1973). El Cubismo descompone la imagen en estructuras poliédricas, que reflejan

simultáneamente varios puntos de vista. En conclusión, el Cubismo reduce a cubos la figura, el objeto y el paisaje.

Los orígenes artísticos de Picasso no pueden ser más académicos. Su padre es profesor de dibujo en la Escuela de Artes y Oficios de Málaga, con quien se forma el precoz pintor durante su infancia y primera juventud, al acompañarle en sus destinos de La Coruña y Barcelona.

Entre 1901 y 1904 alumbra el Período Azul, que supone una reacción frente al Impresionismo y en el que expresa una humanidad de tipos escuálidos, infelices y dolientes en su trágica condición existencial. En 1904 se establece en París, instalándose en un edificio del barrio de Montmartre, por recordar a las barcazas del Sena. A finales de este año, abandona la melancolía y aclara su paleta iniciando el Período Rosa, en el que da vida a una tierna iconografía de personajes de circo y teatrillos ambulantes.

En 1906 Picasso contrastaba el lirismo rosa y su armonía compositiva con las obras de Cézanne, a quien el Salón de Otoño dedica una exposición, y con las máscaras africanas del Museo del Hombre. El resultado de este enfrentamiento se salda, en 1907, con Les demoiselles d´Avignon, que se considera la primera obra cubista. Los cuerpos de las mujeres estaban descompuestos en bloques geométricos y ensamblados por intersección de planos. Picasso intuía que iba a cambiar la historia de arte y continuó experimentando.

Dentro del cubismo se mantuvo en el primer plano de las vanguardias entre 1907 y 1916. Durante este período, se advierten dos fases: el cubismo analítico (1907-1911) y el cubismo sintético (1912-1916).

El Cubismo Analítico hace que Picasso se centre en el paisaje y en la figura humana. El método de trabajo sigue siendo: descomponer geométricamente las formas y luego ensambrarlas, mostrando sus cuatro planos en el lienzo. Pronto se da cuenta de que este camino le llevaba a perder contacto con la realidad, le conducía a la abstracción y, en 1912, lo abandona al descubrir las posibilidades del collage.

El collage inaugura el Cubismo Sintético. Supone la ventaja de incorporar los objetos reconocibles a las pinturas. Pero la solución tampoco le satisfizo y a partir de 1916 recupera la presencia humana y el color.

La crítica daba por sentado que Picasso abandonaba el Cubismo. Luego descubrió que Picasso lo academizaba, alternando obras cubistas con otras realistas, según la convenienza del tema.

SUS OBRAS

• El viejo guitarrista (1903) Óleo sobre tabla. Art institute, Chicago.


• Les demoiselles d´Avignon (1907). Óleo sobre lienzo. Museo de Arte Moderno, Nueva York.


• Guernica (1937). Óleo sobre lienzo. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.

• Temática: Trata sobre el tema de la Guerra.

DALÍ• Salvador Dalí (1904-1989), que, a través de sus ensoñaciones y recuerdos, dará rienda suelta

al pavor por el contacto físico con el sexo contrario, al miedo a la castración y a la obsesión enfermiza por la impotencia, la muerte y la putrefacción.

Dalí se adhiere al grupo surrealista en 1929, cuando acude a París para rodar la película Un perro andaluz. Ese mismo año se enamora de Gala, que será su musa, madre, amante, confidente y marchante de sus obras, consiguiendo para el artista fama mundial y fortuna.

Dalí se pone a trabajar en la configuración de un método experimental propio, que denominará paranoico-crítico, y que apoyará en su portentosa habilidad como dibujante académico.

Dalí observa que el paranoico sintetiza de forma lógica sus delirios; interpreta el mundo exterior en virtud de sus obsesiones. Dalí estima que el pintor surrealista no debe limitarse a ser un mero agente pasivo que plasma de forma automática sus sueños en el cuadro; tiene también que participar en la elaboración de las confusas imágenes que recuerda cuando se despierta, asociándolas con nuevas vivencias.

El resultado del método paranoico-crítico daliniano será la imagen doble que representa al mismo tiempo dos o más realidades.

El calculado esnobismo de Dalí y su descarada actitud mercantilismo harán que, en 1939, el intransigente Bretón, “papa del Surrealismo” y su “gran inquisidor”, le expulse del movimiento.

SUS OBRAS

• La persistencia de la memoria (1931).• Temática: Tema surrealista.

• El rostro de Mae West (1934-1935). Gauche sobre papel de periódico. Art Institute, Chicago.

• Temática: Trata el tema surrealista.

• Sueño provocado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes de despertar (1944). Óleo sobre lienzo. Colección Thyssen, Madrid.

• Temática: Trata sobre tema surrealista.

ESCULTORES

PRAXÍTELES• Praxíteles nació en Atenas con el siglo y extendió su actividad hasta el año 330 a.C. Aprendió

con su padre, Cefisódotos el Viejo, y el pintor Nikias fue su habitual policromador. Obras de juventud, realizadas en la década 380-370 a.C., como el Sátiro escanciador y el Apolo sauróctonos, apuntan la fórmula de su estilo maduro: temas agradables, llenos de encanto, tratados con suavidad y reflejados a través de un rítmico contoneo sinuoso, que se ha dado en llamar curva praxiteliana.

Su obra maestra data del año 360 a.C. Es la sensual Afrodita saliendo del baño. Se trata del primer desnudo íntegro femenino del arte griego, en el que imprime las suaves formas redondeadas de su amante Friné.

La gracia y la serenidad de la Afrodita Cnidia motivó que fuera muy solicitada por la clientela del mundo antiguo.

El único original que se conserva de Praxíteles es Hermes con el niño Dionisos en brazos.

SUS OBRAS

• Apolo sauróctonos (380-370 a.C).

• Temática: Trata sobre mitológico.

• Afrodita saliendo del baño o Afrodita Cnidia (360 a.C) Copia romana en mármol. Museo Vaticano, Roma.


• Hermes con el niño Dionisos (330 a.C) Mármol. Museo de Olimpia, Grecia.


DONATELLO• Donatello (1386-1468), fue el escultor más influyente del siglo XV. En su producción se distinguen tres

cualidades y tres épocas.

Sus cualidades son el dominio que ejerció sobre todas las técnicas y materiales, la profundidad psicológica con que expresa los sentimientos humanos, y su imaginación creadora para definir la tumba, el púlpito, la cantoría, el altar y el monumento ecuestre del Renacimiento. En cuanto a las etapas, se advierte una fase inicial de adolescencia y madurez en Florencia, que abarca de 1404 a 1443; su estancia en Padua entre 1443 y 1453; y el posterior regreso a Florencia, donde desarrolla un arte expresivo y nervioso.

Tras viajar a Roma con Brunelleschi y aprender los secretos de la fundición del bronce en el taller de Ghiberti, los primeros trabajos de Donatello en Florencia son estudios psicológicos destinados a decorar los principales edificios góticos de la cuidad: apóstoles, profetas y patronos gremiales. En este último edificio realiza dos obras señeras. Una es el evangelista San Marcos. El otro santo protector es el enérgico San Jorge. La vitalidad que desprende esta imagen resultó tan original a los florentinos como las novedades técnicas que incorpora el relieve de la Muerte del Dragón. Donatello simultaneaba aquí por primera vez la perspectiva lineal con el schiacciato, consistente en graduar la composición mediante una sucesión de planos aplastados.

Se asocia con el arquitecto Michelozzo, componiendo un equipo artístico que dará forma a la tumba y al púlpito.

En 1428, Donatello y Michelozzo contrataban el de la catedral de Prato, en la esquina sur de la fachada, que serviría también para exponer la principal reliquia del templo: el Cinturón de la Virgen. En 1433, disuelta la sociedad laboral con Michelozzo, Donatello volverá a utilizar la arquitectura suspendida y la ternura infantil en su obra más dinámica: la Cantoría para los niños cantores de la catedral de Florencia.

Su siguiente apuesta plástica se centra en el altar de piedra o bronce, que va a sustituir al retablo de madera policromada. En 1440 realizaba el tabernáculo de la Capilla Cavalcanti, en la iglesia de Santa Croce de Florencia, con el tema de la Anunciación y tres años después marchaba a Padua con el propósito de labrar el de la basílica de San Antonio. Antes de abandonar Florencia, exalta el cuerpo del adolescente en el David que constituye el primer desnudo masculino del arte europeo.

Cuando Donatello llega a Padua, cuenta 58 años y es el escultor más aclamado de Italia. Realiza los espectaculares bajorrelieves con los Milagros de San Antonio para el altar mayor del santo. Labró un segundo monumento que propaga su fama por toda Europa: la estatua ecuestre del caudillo Erasmo de Narni, “El Gattamelata”.

Los últimos años de Donatello transcurren en Florencia, donde sufre una crisis religiosa anti-humanista. Donatello visualiza esta predicación en la demacrada y temblorosa Magdalena penitente, que parece la negación de la belleza renacentista. Esta fecha en 1454 inicia un conjunto de obras dramáticas que anticipan la angustia y la terribilitá de Miguel Ángel.

SUS OBRAS• San Jorge (1415-1417) Mármol.

Museo Nazionale del Bargello, Florencia.


• Monumento ecuestre del condotiero Erasmo da Narni, “ El Gattamelata” (1447-1453). Bronce. Plaza del Santo, Padua.


• Magdalena Penitente (1454-1455). Madera policromada. Museo dell´Opera del Duomo, Florencia.


MIGUEL ÁNGEL• Miguel Ángel alcanza el grado de “divinísimo”. Fue arquitecto, urbanista e ingeniero, poeta y

pintor, sobresaliendo con maestría inigualable en todos estos campos, pero el artista se consideraba escultor.

Forja su genio en el jardín mediceo de la Plaza de San Marcos, en Florencia, donde estudia las obras antiguas coleccionadas por Lorenzo “El Magnifico”. A este ambiente humanista corresponde el relieve juvenil de la Virgen de la escalera.

A la muerte de Lorenzo “El Magnifico” se pone de parte del gobierno popular promovido por Savonarola y, tras la caída del dominico , abandona Florencia, estableciéndose en Roma. En la Ciudad Eterna esculpe un Baco. Fue adquirido por el banquero Jacopo Galli y este le consigue un encargo Jean Bilhéres de Lagraulas, que desea una Piedad para su tumba. Es la primera vez en su vida que acomete este tema iconográfico.

La fama de su talento se propaga por Italia y sus paisanos florentinos lo reclaman para confiarle la ejecución del David en un bloque gigantesco de mármol de Carrara. En 1501 iniciaba los trabajos y en 1504 en “Gigante” se colocaba junto a la Puerta del Palazzo Vecchio. Está inspirado en la estatuaria clásica y testimonia los profundos conocimientos anatómicos que poseía el artista, que por necesidades expresivas agranda la cabeza y la mano derecha. Es también un hito en su evolución escultórica, marcando la transición entre el estilo “dulce” y el “terrible”.

En 1505, Miguel Ángel proyecta para Julio II un monumento grandioso. Constaba de tres pisos distribuidos en estructura piramidal: la base se adornaba con Victorias flanqueadas por esclavos. La planta intermedia contenía relieves en sus frentes representados y cuatro grandes imágenes en las esquinas: Moisés, San Pablo, La vida activa y La vida contemplativa; finalmente, en el ático, Julio II aparecía sentado en la silla gestatoria, sostenida por dos ángeles.

El programa iconográfico escondía un sentido alegórico que pretendía armonizar la fama temporal con la salvación eterna del Papa. En cualquier caso, el Moisés y los Esclavos sirven para mostrar dos aspectos del arte de Miguel Ángel: la potencia dramática o terribilita y el inacabado o non finito.

Esta características vuelven a aparecer en los sepulcros mediceos. Cada mausoleo presenta tres figuras: el difunto sentado dentro de un nicho y dos desnudos recostados a sus pies. Bajo Giuliano, sitúa la Noche y el Día; y bajo Lorenzo aparecen la Aurora y el Crepúsculo.

A partir de 1550, Miguel Ángel ya solo realiza variaciones sobre un tema iconográfico que le ha conmovido desde la juventud: la Piedad de María. El artista tiene setenta y cinco años, y se autorretrata en la figura de Nicodemo.

A esta obra dramática le siguen la Piedad Palestrina y la Piedad Rondanani. El 12 de febrero de 1564 el artista estaba trabajando en esta imagen: dos días después caía enfermo y el 18 él artista moría a los noventa años de edad.

SUS OBRAS

• Piedad (1498-1499). Mármol. Basílica de San Pedro del Vaticano, Roma. (Arriba,Izquierda).


• David (1501-1504). Mármol. Galería de la Academia, Florencia. (Abajo-Izquierda).• Temática: Trata sobre el tema del desnudo.

• Moisés (1515). Mármol. San Pedro in Vincoli, Roma. (Derecha).• Temática: Trata sobre tema religioso.

JUAN DE JUNI• Juan de Juni (1507-1577) aglutina tres sensibilidades en su estilo: la francesa, la italiana y la española. De

Borgoña capta el dinamismo de los paños con los escultores locales envuelven sus pesadas figuras y toma prestada la composición iconográfica que le hizo célebre: el Entierro de Cristo. En Florencia aprende a redondear los perfiles de las telas; en Bolonia funde la rigurosa simetría de los entierros franceses con el estremecimiento de los personajes que asisten al sepelio de Jesús; y en Roma adopta el clasicismo de Miguel Ángel. En 1534 era nombrado Obispo de León y aparece Juni trabajando en la fachada y en la sillería coral del convento leonés de San Marcos.

En España se acomoda el brío fogoso de la regiliosidad castellana. Deambula por varias villas castellanas, y en 1541, se traslada con carácter definitivo a Valladolid. El motivo de su establecimiento en la ciudad del Pisuerga es la realización del Entierro de Cristo para la capilla funeraria del obispo fray Antonio de Guevara. Las emociones de los personajes sacros mueven a la aflicción; introduce un latigazo sorpresivo que mantiene en vilo al espectador, obligándole a participar en la acción dramática. Solo se conserva de este espléndido conjunto el grupo central en el Museo de Escultura vallisoletano, como el concluido en 1571 para el canónigo Rodríguez, permiten aproximarnos al resultado final de una obra que le encumbró al primer puesto del mercado artístico de Valladolid.

Las aportaciones de Juni se extienden también al cambio del retablo. En 1545 contrata el de la parroquia de Santa María de la Antigua. El manierismo arquitectónico vibra en su ensamblaje. El desbordado dramatismo que tensa en todo el conjunto culmina en el desgarro episodio del ático, con la Virgen desmayada bajo la cruz. A esta obra monumental le siguen el retablo principal de la catedral soriana de Burgo de Osma y el de la capilla privada de los Benavente.

En su testamento dejaba las honras fúnebres al cuidado de los hermanos de la Quinta Angustia. En torno a 1567 debió de labrar la conmovedora Dolorosa titular.

SUS OBRAS

• Entierro de Cristo (1541-1543). Nogal policromado. Museo Nacional de Escultura, Valladolid.


• Retablo mayor de Santa María de la Antigua (1545-1562). Madera Policromada: arquitectura de pino e imaginería de nogal. Altar mayor de la Catedral, Valladolid.


• Virgen de las Angustias (1567). Madera policromada. Iglesia penitencial de Nuestra Señora de las Angustias, Valladolid.


BERNINI• Bernini dominó todas las disciplinas artísticas, pero su vocación fue la escultura. Los rudimentos

de la profesión los adquiere con su padre, que en 1605 se traslada con toda la familia desde Nápoles a Roma. El joven Bernini copia las antigüedades greco-latinas del Vaticano y admira el arte de Miguel Ángel.

El material que utilizó fue el mármol y tanto las figuras aisladas como los grupos tendrán un punto de vista frontal. El profesor Wittkower ha dividido la producción escultórica de Bernini en cuatro etapas:

- La etapa juvenil corresponde a los encargos mitológicos y bíblicos del cardenal Scipione Borghese para decorar su villa. Son obras influidas por la línea serpentinata del manierismo, en las que da rienda suelta al virtuosismo técnico en el tratamiento de la textura de la piel, y al estado psicológico de los héroes griegos y judíos.

- En 1624 era elegido papa su amigo Urbano VIII y Bernini inicia la época llamada alto barroco, que se caracteriza por la importancia conferida al ropaje para apoyar el impacto emocional. Las telas revolotean y se arrebujan en grandes masas de efecto claroscurista, que le permiten policromar la imagen con la luz.

- Entre 1640 y 1645 se desarrolla el período medio. Son los años del pontificado de Inocencio X y Bernini consigue un puñado de logros. Unificó todas las artes, logrando el supremo espectáculo de la teatralidad barroca en el interior de un templo con el Éxtasis de Santa Teresa. Dio forma al monumento funerario papal en la tumba parietal de Urbano VIII.

- Hacia 1665 Bernini evoluciona hacia el estilo tardío, buscando el expresivismo y la espiritualidad. Las figuras se alargan y los ropajes se retuercen y agitan, como muestran los Ángeles con los atributos de la Pasión.

SUS OBRAS

• David (1623-1624). Mármol. Galleria Borghese, Roma.


• Tumba del Papa Urbano VIII (1627-1647). Bronce dorado y mármol. Basílica de San Pedro del Vaticano, Roma.

• Temática: Trata sobre tema cotidiano. (Tumba).

• San Longinos (1629-1638). Mármol. Basílica de San Pedro del Vaticano, Roma.


GREGORIO FERNÁNDEZ• Gregorio Fernández (1576-1636) es el maestro del barroco castellano. En su producción se

advierten dos etapas: una fase manierista, que alcanza hasta 1616; y un período de madurez, donde afianza el naturalismo.

Sus obras, de talla completa y bulto redondo, están teñidas de patetismo, caracterizándose en su etapa de esplendor por el modelado blando del desnudo y la rigidez metálica de los ropajes. Son telas pesadas, que se quiebran en pliegues geométricos. Paños artificiosos, que contrarresta con los postizos realistas que aplica a sus imágenes: ojos de cristal, dientes de marfil, uñas de asta y grumos de corcho para dar volumen a los coágulos de sangre.

La actividad de su taller y el prestigio de su estilo proyectó su influencia por el norte y el oeste español. Trabajo para las iglesias diocesanas, las cofradías penitenciales, la nobleza y el rey. Pero sus mejores clientes fueron las órdenes religiosas.

Como creador de tipos iconográficos, dio forma definitiva en Castilla al modelo de la Inmaculada y al de la Virgen de la Piedad. En 1619 terminó el Cristo atado a la columna. En cuanto a su famoso Yacente fue regalado por el monarca en 1614 con el propósito de que los religiosos se convirtieran en directores espirituales del Real Sitio.

De sus célebres pasos procesionales, el más alabado es el del Descendimiento. Fue contratado en 1623 y consta de siete figuras vestidas a la moda del siglo XVII, con el propósito de que la escenografía sacra fuera más fácilmente comprendida por los fieles.

SUS OBRAS

• Cristo Yacente (1614-1615). Madera policromada. Convento de los Capuchinos. El Prado, Madrid. (Arriba, Izquierda).


• Piedad (1616-1617). Madera policromada. Museo Nacional de Escultura Policromada, Valladolid. (Abajo, Izquierda).


• Paso del Descendimiento (1623-1624). Madera policromada. Iglesia penitencial de la Vera Cruz, Valladolid. (Derecha).


JUAN MARTÍNEZ MONTAÑÉS • Juan Martínez Montañés (1568-1649). El virtuosismo técnico que confirió a sus imágenes y el

dominio con que pulsó la fibra del populismo habían puesto en tela de juicio su carácter mortal.

Se forma en Granada en el taller de Pablo de Rojas, pasando muy joven a Sevilla. Ya no abandonará esta ciudad, salvo una estancia en la Corte, donde acude en 1635 para modelar en barro el retrato de Felipe IV. Su estilo clásico e idealizado, propio del manierismo, a cuyos postulados jamás renunció. Construyó retablos e imágenes para España y las Indias.

Como retablista se muestra un ferviente partidario de las estructuras arquitectónicas claras, gobernadas por el orden corintio y decoradas con ángeles y elementos vegetales. Tres tipos destacan en su repertorio: retablos mayores de composición rectangular, como el de San Isidoro del Campo; arcos de triunfo, según se observa en el dedicado a San Juan Bautista; y tabernáculos-hornacinas, entre los que sobresale el de la Cieguecita.

En el campo de la escultura devocional y piadosa definió los modelos del Niño Jesús y de la Inmaculada. En 1606 fundía la ternura con la gracia inocente, consiguiendo en el Niño Jesús del Sagrario sevillano.

A la Purísima la concibe como una Virgen niña guardando una composición trapezoidal. Su obra maestra es “La cieguecita”.

En 1602 había realizado el Cristo del Auxilio y un año después, realiza el Cristo de la Clemencia. El nazareno de Jesús de la Pasión, concluido hacia 1615 para la cofradía de su mismo nombre, es su única talla procesional.

SUS OBRAS• Cristo de la Clemencia (1603-1606).

Cedro de La Habana. Policromía de Francisco Pacheco. Catedral, Sevilla.


• Niño Jesús (1606-1607) Cedro de La Habana. Cofradía Sacramental, Parroquia del Sagrario. Sevilla.


• Inmaculada “La Cieguecita” (1629-1631). Cedro de La Habana. Capilla de San Juan Bautista, trascoro de la Catedral. Sevilla.


JUAN DE MESA• Juan de Mesa (1583-1627), cuya gran aportación a la escultura andaluza de su tiempo es haber

introducido el naturalismo en los ambientes clásicos donde se formó. Consultaba el natural y estudiaba los cadáveres, imprimiendo a sus crucificados los signos de la muerte. Este dramatismo ha llevado a la crítica moderna a denominarlo “el imaginero del dolor”.

A expensas de las hermandades penitenciales acuño los tipos procesionales del Crucificado y Nazareno, que la Contrarreforma y el arte hispalense hicieron suyos. Sus grandes interpretaciones cristíferas aparecen formadas con el detalle realista de una espina perforando la oreja y la ceja de Jesús.

La serie de crucificados que labró se abre con el Cristo del Amor el más patético de su catálogo artístico, cuyo expresivismo irá atemperando en obras sucesivas: el Cristo de la Conversión del Buen Ladrón y el Cristo de la buena Muerte. Realizaba en 1622 su obra más personal y también su crucificado más perfecto. Se trata del Cristo de la Agonía. Un cristo de grandes contrastes, entre la vida y la muerte, entre la tierra y el cielo, elevándose.

Mesa abordaba en 1620 la que sería y es aun su imagen devocional más famosa y respetada: el imponente Jesús del Gran Poder. Un corpulento nazareno con la cruz al hombro. En su corta y brillante carrera profesional talló santos y vírgenes, siendo su último trabajo Nuestra Señora de las Angustias, en la que trabajó hasta momentos antes de su muerte.

SUS OBRAS

• Jesús del Gran Poder (1620). Cedro en la cabeza, manos y pies; pino en el cuerpo. Basílica del Gran Poder, Plaza de San Lorenzo. Sevilla.


• Cristo de la Agonía (1622). Cedro policromado. Parroquia de San Pedro. Vergara, Guipúzcoa.


• Nuestra Señora de la Angustias (1627). Madera policromada. Iglesia de San Pablo. Córdoba.


ANTONIO CANOVA• El italiano Antonio Canova es el mayor representante del movimiento neoclásico. Hijo y nieto de canteros,

rechaza la idea del artesano gremial a favor del artista creador. Así lo acredita en Dédalo e Ícaro: una alegoría de la escultura. El grupo fue premiado y con el dinero que obtiene se marcha a Roma para estudiar los modelos de la antigüedad clásica.

La fascinación que sintió el Neoclasicismo por la escultura antigua indica a Canova la dirección correcta de su arte. Teseo y el Minotauro, Amor y psiquis abrazados, ect; son ejemplos brillantes de su producción mitológica. Otra clave de su estilo es la calidad sensorial que transmite a sus estatuas, apoyada en un lustroso acabado que luego patinaba con piedra pómez, desvaneciéndose así el tópico de frialdad con el que se cataloga cualquier escultura neoclásica. Realiza los sepulcros parietales de los potífices Clemente XIII y Clemente XIV que lo elevan a la santidad de la religión del arte. El triunfo de las tumbas papales le conduce a Viena para labrar en la iglesia de los Agustinos el Monumento funerario de María Cristina de Austria.

Canova acude en 1802 a París reclamado por Napoleón, donde retratará al emperador, a su madre Leticia y a su hermana Paulina Bonaparte Borghese, recostada semidesnuda sobre un diván y efigiada como Venus victoriosa. Ésta es su obra maestra, en la que aparece reflejada toda una época bajo la sensualidad del cuerpo femenino. A la caída de Napoleón regresará a París, enviado por el Papa, para recuperar los tesoros vaticanos expoliados por los franceses; esta gestión le valdrá el marquesado de Ischia.

Enterados los ingleses de su presencia en Francia le invitan en 1815 a Londres para que opine sobre los mármoles del Partenón que Lord Elgin había trasladado al Museo Británico. Bajo este efecto realiza Las Tres Gracias, que le solicita el Duque de Bedford.

El último de los grandes encargos extranjeros le llega del Congreso de representantes de Carolina del Norte, que desean una estatua del primer presidente de los Estados Unidos, George Washington, vestido como un emperador romano. Washington aparece renunciado al poder y, con este gesto, Canova pretende encarnar la virtud de la honestidad del pueblo americano.

SUS OBRAS

• Sepulcro de Clemente XIII (1783-1792). Mármol. Basílica de San Pedro del Vaticano, Roma.

• Temática: Trata sobre tema cotidiano. (tumba).

• Paulina Bonaparte Borghese como Venus victoriosa (1804-1808). Mármol. Galleria Borghese, Roma.

• Temática: Trata sobre tema cotidiano. (Autorretrato).

• Las Tres Gracias (1815-1817). Mármol. Victoria and Albert Museum, Londres y National Gallery of Scotland.


RODIN• Auguste Rodin (1840-1917), en sus comienzos sería rechazado en los salones oficiales y, en

1889, expondría conjuntamente con Monet en la galería Petit.

Rodin estuvo sentimentalmente unido a los impresionistas. Reaccionó contra los modelos inmóviles que hacían los académicos. Centró su atención en la naturaleza y abandonó el acabado perfecto de la obra para dejar zonas pulidas junto con otras en bruto, por cuyos picos y grietas se quiebra la luz, creando un claroscuro pictórico.

Su trabajo más ambicioso fue Las Puertas del Infierno, encargadas en 1880 para el futuro Museo de Artes Decorativas de París; sin embargo, el Gobierno francés canceló el proyecto. Para extraer su iconografía se inspiró en el “infierno” de La Divina Comedia de Dante, y el poemario Las flores del mal de Baudelarie. Aquí emergen varios modelos que reproducirá más tarde de modo independiente, como Las tres sombras del ático o El pensador, que observa desde el dintel los horrores de los condenados que se precipitan al vacío: desde el relieve plano al altorrelieve tridimensional, y en las que transmite todas las propiedades de ilusionismo pictórico.

Otras obras memorables son Los burgueses de Calais, El beso y el doble retrato psicológico de Balzac, en busto y de pie.

SUS OBRAS

• Las Puertas del Infierno (1880-1917). Bronce. Museo Rodin, París.


• Los burgueses de Calais (1884). Bronce. Museo Rodin, París.


• Monumento a Balzac (1891-1898). Bronce. Cruce entre en el boulevard Raspail y el boulevard Montparnasse, París.


FOTÓGRAFOS

MANUEL ÁLVAREZ BRAVO• Manuel Álvarez Bravo (1902-2002) fue un fotógrafo y cinefotógrafo mexicano. Reconocido por

plasmar el paisaje y la gente de su país con maestría y originalidad.

Su padre fue un profesor que se dedicaba a la fotografía y a la pintura. Álvarez Bravo fue burócrata en varias dependencias, intentó estudiar contaduría, pero en 1915 inició su camino hacia en el quehacer artístico y se inscribió en la Academia de San Carlos para estudiar arte y música.

Su primera influencia importante la tuvo en 1923 al conocer fotógrafo alemán Hugo Brehme. Para 1925 obtuvo su primer premio en un concurso local en Oaxaca. Iniciaba la historia de uno de los padres de la fotografía Mexicana, Contrajo matrimonio con Lola Martínez de Anda, quien asumió la misma profesión.

Por aquellos tiempos conoció a Tina Modotti, Diego Rivera y Pablo O´Higgins. Estas amistades lo estimularon ideológica y políticamente hacía el carisma social que distingue toda su obra: plasmar la cultura e identidad mexicanas, adentrándose con gran imaginación en la vida urbana y la de los pueblos, los campos, la religión, el paisaje y las tradiciones.

En 1930 Tina Modotti fue expulsada de México por sus afiliaciones comunistas, y le heredó a Álvarez Bravo su trabajo en la revista Mexican Folkways fotografiando a los muralistas de la época.

SUS OBRAS

• El Ensueño (1931) Plata/Gelatina.


• Obrero en huelga asesinado (1931) Plata/Gelatina. (Izquierda).• Temática: Trata sobre tema cotidiano (muerte).

• Los agachados (1932-1934). Plata/Gelatina. (Derecha).• Temática: Trata sobre tema cotidiano.

HENRI CARTIER-BRESSON• Henri Cartier-Bresson (1908-2004) fue un célebre fotógrafo francés considerado por muchos el

padre del fotorreportaje. Predicó siempre con la idea de atrapar el instante decisivo que viene a significar “imágenes a hurtadillas”. Se trataba de poner la cabeza, el ojo y el corazón en el mismo momento en el que se desarrolla el clímax de una acción.

Tuvo la oportunidad de retratar a personajes de la talla de Pablo Picasso, Henri Matisse, Marie Curie, Edith Piaf, Fidel Castro y Ernesto Guevara. También cubrió importantes eventos, como la muerte de Gandhi, la Guerra Civil Española, donde filmó el documental sobre el bando republicano, en la que estuvo en la Unidad de Cine y Fotografía del ejército galo o la entrada triunfal de Mao Zedong a Pekín. Cartier-Bresson fue el primer periodista occidental que pudo visitar la Unión Soviética tras la muerte de Iósif Stalin.

Su obra fue expuesta, en el museo del Louvre, en París, en 1955. Fue cofundador de la agencia Magnum. Junto a su esposa, la también fotógrafa Martine Frank, creó en el año 2000 una fundación

encargada de reunir sus mejores obras. Falleció el 2 de agosto de 2004 en Céreste, al suroeste de Francia.

En 2003, Heinz Bütler dirigió la película suiza Henri Cartier-Bresson – Biographie eines Blicks, interpretado por el propio Cartier-Bresson.

Cartier-Bresson es una figura mítica en la fotografía del siglo XX. Uno de sus mejores biógrafos lo apelaría como “el ojo del siglo”.

En el año 1983 recibió el Premio internacional de la fundación Hasselblad.

SUS OBRAS

• Retrospectiva de fotografías de Henri Cartier Bresson en Alcalá Henares (1932).


• Berkshire, Ascot, -Reino Unido- (1953).


• Brasserie Lipp (1969)


ROBERT CAPA• Robert Capa (1913-1954) nació en la ciudad de Budapest, en el seno de una familia judía con buen pasar

económico. Su madre una diseñadora de modas y su padre un pensador intelectual con influencias aristocráticas.

Condenados en su adolescencia a vivir vagando por la ciudad por la instauración del taller de sus padres en la casa, después de que éstos perdieran el local a raíz de la depresión económica de 1929. En estas andanzas conocería a una de las mujeres que más influyó en su vida, Eva Besnyo, quien desde muy joven tuvo un gran interés por la fotografía. Ella y su especial gusto por este arte motivaron el primer contacto de Endré con la fotografía.

Ya hacia sus florecientes diecisiete años Endré conoce a una de esas personas que moldearían su vida con excelentes consejos, apoyo económico oportuno, conexiones apropiadas, sugerencias artísticas y concepciones acerca de la vida. Se llamaba Lajos Kassak, quien se decidió a ayudar a cualquier artista con corrientes constructivistas. Dio a conocer la fotografía como un objeto social mostrando las injusticias del sistema capitalista y presentando trabajos en sus seminarios.

En 1929 la situación política iba mal con la imposición de un gobierno fascista en el Hungría, lo que obligó al joven Endré a salir del país por la falta de un gobierno democrático y garantías económicas.

Tras su paso por Alemania, viaja a París, donde conoce al fotógrafo David Seymur quien le consigue un trabajo como reportero gráfico en la revista Regards para cubrir las movilizaciones del Frente Popular.

Entre 1932 y 1936 Ernest Friedmann conoce a la fotógrafa alemana Gerda Taro que acabaría siendo su novia. Para tratar de aumentar la cotización de los trabajos de la pareja a menudo rechazados, inventan el nombre del fotógrafo norteamericano Robert Capa utilizado por ambos.

Al estallar la Guerra Civil Española en julio de 1936, Capa se traslada a España con su novia para cubrir los principales acontecimientos de la contienda española. Implicado en la lucha antifascista y con la causa de la República, estuvo presente en los principales frentes de combate, desde los inicios en el frente de Madrid hasta la retirada final de Cataluña.

Es mundialmente famosa su fotografía Muerte de un Miliciano, en el frente de Córdoba en 1936. En enero de 2008 se encontró una valija perdida por Capa donde están innumerables negativos de tomas que efectuó en la Guerra Civil Española.

En 1937, Capa cubrió también diferentes episodios de la invasión japonesa de China, ya en los prolegómenos de la II Guerra Mundial.

Durante la II Guerra Mundial, está presente en los principales escenarios bélicos de Europa, así desde 1941 a 1945 viaja por Italia, Londres y Norte de África. Plasmó asimismo en imágenes la liberación de París.

En 1947 creó la agencia Magnum Photos, donde Capa realizó un gran trabajo fotográfico, no solo en escenarios de guerra sino también en el mundo artístico, entre las que se incluía Pablo Picasso, Ernest Hemingway y John Steinbeck.

En 1954, encontrándose en Japón fue llamado por la revista Life para reemplazar a otro fotógrafo en Vietnam, durante la Primera Guerra de Indochina. En la madrugada del 25 de mayo, mientras acompañaba a expedición del ejército francés por una espesa zona boscosa, pisó una mina y murió.

SUS OBRAS

• Miliciano herido de muerte (1936). (Arriba, Izquierda).• Temática: Trata sobre el tema de la Guerra.

• Guerra Civil, Bilbao (1936). (Abajo, Izquierda).• Temática: Trata sobre el tema de la Guerra.

• Playa Omaha, en las proximidades de Collevile-Sur-Mer. (1944). (Derecha).

• Temática: Trata sobre el tema de la Guerra.

CRISTINA GARCÍA RODERO• Cristina García Rodero (1949) es una fotógrafa española. Licenciada en Bellas Artes por la

Universidad Complutense de Madrid, comienza su carrera docente en 1974 dando clase de dibujo en la Escuela de Artes y Oficios de Madrid. En 1983 comienza a impartir clases de fotografía en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid. Ha sido la primera española que ha entrado a trabajar con la agencia fotoperiodística Magnum.

Sus primeras obras aparecen en los concursos universitarios a finales de los años sesenta. En 1973 se plantea la tarea de fotografiar costumbres y fiestas para lo que recibe una beca.

Su obra fotográfica se podría enmarcar en el reportaje, aunque desde un punto de vista muy personal.

Su obra se encuentra en diversas colecciones permanentes: - En España, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid; Instituto Valenciano de Arte

Moderno, Valencia; Museo de las Peregrinaciones, Santiago de Compostela; MUSAC, León; Fundación Banesto, Madrid;…

- En Estados Unidos: Museum of Fine Arts, Houston; Seattle Art Museum, Washington; The Getty Center for the History of Art and the Humanities, Santa Mónica, California: J. Paul Getty Museum, Santa Mónica, California; W. Eugene Smith Memorial Fund. International Center of Photography, Nueva York; George Eastman House, Rochester, Nueva York; Center for Creative Photography, Tucson; Museo Meadows, Dallas;…

- En otros países: Maison Européene de la Photographie, Lausana: Foundation Select, Lausana; Museo de Bellas Artes, Caracas; Centro Portugués de la Fotografía, Oporto; Collection de l´Imagerie, Tregor, Francia;…

SUS OBRAS

• The Venue


• Cristina García Rodero.


• Trapos sucios se lavan en casa.


JUAN MANUEL CASTRO PRIETO

• Juan Manuel Castro Prieto (1958) es un fotógrafo y positivador español. Licenciado en Ciencias Económicas por la Universidad de Alcalá de Henares. Desde joven realiza sus primeros trabajos fotográficos, pero destaca como positivador en Blanco y Negro. Es miembro de la Agencia Vu desde el año 2000.

En 1990 viaja a Cuzco junto a Juan Manuel Día Burgos para positivar los negativos de Martín Chambi. Allí comienza su trabajo personal “Perú, Viaje al Sol”.

En 1992 es seleccionado para la exposición “Open Spain, Documentary Photography” que itinerará por EEUU y España y participa en la exposición “En Avión” en el Palais de Tokio, París.

En 1993 expone en la Casa Cabrera de Cuzco y en el Instituto Gaudí de Lima. En 1995 participa en la exposición “Fotografía Española”. En 1998 publicó el libro Juan Manuel Castro Prieto en la colección Biblioteca de fotógrafos madrileños. Participa

en el proyecto “Visión Mediterránea”. Viaja a La Habana para positivar la exposición “100 años de fotografía en Cuba” con Juan Manuel Díaz y Paco Salinas.

En 1999 participa en la exposición “150 años de fotografía española”. En 2001 se inaugura su exposición “Perú, Viaje al Sol”. Se publica su libro “Perú, Viaje al Sol”. En 2002 recibe el Premio Bartolomé Ros a su trayectoria fotográfica en la edición de PhotoEspaña. En este

mismo año, viaja a Pachuca a positivar la exposición del archico Casasola. En 2005 participa en la exposición “Ten views. Contemporary Spanish Photography” en el Tokio Metropolitan

Museum of Photography. En 2006 participa en el proyecto “Visiones de Marruecos”, para ello viaja a Marruecos y realiza el trabajo que

recogen la exposición y el libro publicado al respecto. En 2007 expone “Esperando al Cargo” en la sala José Saramago de Leganés. Expone en el Musée D´Orsay,

París. Publica el libro “Juan Manuel Castro Prieto” como parte de la colección PhotoBlosillo, cuidadas monografías de los fotógrafos españoles más importantes.

SUS OBRAS

• La Seda Rota. (Izquierda).• Temática: Trata sobre tema cotidiano.

• ¿Para qué más palabras?. (Arriba, Derecha).• Temática: Trata sobre tema cotidiano.

• “Perú, Viaje al Sol“. Perú, 2000. • Temática: trata sobre tema cotidiano.

LIBRES

BRUNELLESCHI• Filippo Brunelleschi (1377-1446) comenzó siendo orfebre y escultor. El conocimiento de estos

oficios le lleva, en 1401, a participar en el concurso para fundir las segundas puertas del Baptisterio de Florencia, que el jurado adjudicó a Ghiberti. Marchó a Roma con el propósito de estudiar de cerca la estatuaria clásica. Pero las ruinas de la Ciudad Eterna cambian su vocación hacia la arquitectura.

En 1418 vuelve a participar con Ghiberti en otro célebre certamen florentino: la construcción de la Cúpula de la catedral y se alza vencedor. La solución que le da el triunfo consiste en cubrir el tambor octogonal con dos cúpulas superpuestas. Las obras se iniciaron en 1420 y, tras dieciséis años de trabajos, el pontífice Eugenio IV la consagraba el 25 de marzo de 1436.

La audacia de Brunelleschi brilla también en los edificios de nueva planta que traza. Trata de conjugar en sus proyectos los elementos y las proporciones de la tradición romana con la perspectiva renacentista, que el mismo inventó.

Tan novedoso lenguaje personal aparece en el Hospital de los Inocentes y en las basílicas del Espíritu santo y San Lorenzo. En este último edificio levantó además, la Sacristía Vieja, cubierta con cúpula sobre pechinas.

En 1429 diseñaba la Capilla Pazzi para uso funerario de esta familia de banqueros florentinos de Santa Croce.

SUS OBRAS

• Cúpula de Santa María de las Flores (1420-1436). Florencia. (Arriba, Izquierda).• Temática: Trata sobre tema religioso.

• Planta e interior de la nave de la Basílica de San Lorenzo (1421-1428). Florencia. (Abajo, Izquierda).


• Capilla Pazzi (1429). Iglesia de Santa Croce, Florencia. (Derecha).• Temática: Trata sobre tema religioso.

BOTICELLI• Sandro Boticelli (1447-1510) se formó en un taller de orfebrería y que en 1470 trabajaba en

Florencia como artista independiente. La pintura que desarrolla es mitológica y tiene un contenido moralizante.

Para la villa de Castello realiza dos cuadros singulares: La Primavera y El Nacimiento de Venus, que simbolizan el “Amor” y la “Belleza”.

La Primavera es un horóscopo destinado a celebrar bodas de su propietario.

En el Nacimiento de Venus interpretó esta leyenda como el nacimiento de la Belleza en la mente del hombre a través de la fertilización de la divinidad.

El modelo femenino de graciosa postura y armoniosos bucles se repite en Palas domando al Centauro. La obra se convierte en una alegoría del conocimiento político de Lorenzo y de su buen gobierno sobre la cuidad de Florencia.

A partir de 1492, las siluetas flotantes, los vestidos de gasa y los tocados complicados desaparecen. Todo el encanto de la línea caligráfica se torna en nerviosismo dramático con la muerte de Lorenzo y la predicación de Savonarola. Dirige sus predicaciones contra los coleccionistas de cuadros mitológicos y contra los pintores, y censura a los artistas por escandalizar al pueblo, pintando a los seres sagrados de modo deshonesto.

Boticelli ilustra sus sermones y destierra el espíritu profano de su producción. Sus últimas obras están empapadas de un fuerte sentimentalismo religioso, que enlaza con la espiritualidad gótica.

SUS OBRAS

• La Primavera. Uffizi, Florencia. (Izquierda).• Temática: Trata sobre tema mitológico.

• El nacimiento de Venus (1482). Temple sobre tabla. Uffizi, Florencia. (Derecha).• Temática: Trata sobre tema mitológico.

• Palas domando al centauro (1482). Temple sobre lienzo. Uffizi, Florencia.


JACQUES-LOUIS DAVID• David (1748-1825) representa al pintor político que no duda en poner su arte al servicio de la

propaganda.

En 1785 pinta en Roma El Juramento de los Horacios. David se centra en el momento en que los Horacios reciben las espadas de su padre, comprometiéndose a defender el futuro de Roma hasta la muerte. Lo que llamó la atención es el abandono intencionado de la narración literaria de la historia para concentrarse en la expresión pasional de un instante dramático. Esta impresión trágica es la que cautivó a los espectadores. Técnicamente abusa del claroscuro, mientras que la composición de los personajes en un mismo plano deriva de los bajorrelieves clásicos.

David regresa a París en olor de multitudes. A la anterior obra le sigue otra de inspiración griega: La muerte de Sócrates o Marat asesinado.

Cuando la Revolución estalla, David es nombrado diputado y vota la decapitación de Luis XVI. David impone las modas y el gusto: peinados cortos y sueltos en los hombres, túnicas a la romana en la vestimenta femenina y diseño clásico en el mobiliario, como resume en el retrato de Madame Récamier. Organizó el ceremonial y la puesta en escena de los fastos revolucionarios. Caído Robespierre, fue encarcelado y, tras recobrar la libertad, rindió culto a las glorias imperiales de Bonaparte con su célebre retrato ecuestre de Napoleón cruzando los Alpes y La coronación de Napoleón en Notre-Dame.

Después de Waterloo, huye a Bruselas, donde aclara los tonos neutros de su paleta anticipado el Romanticismo.

SUS OBRAS

• El juramento de los Horacios (1784). Óleo sobre lienzo. Museo del Louvre, París.


• Marat asesinado (1793). Óleo sobre lienzo. Museo de Bellas Artes, Bruselas.

• Temática: Trata sobre tema cotidiano (muerte).

• Retrato ecuestre de Napoleón pasando el puerto alpino del Gran San Bernardo (1800). Óleo sobre lienzo. Museo de Malmaison, París.

• Temática: Trata sobre tema cotidiano (retrato).

ANTONI GAUDÍ• Antoni Gaudí (1852-1926). Fue una mezcla de intelectual burgués, artesano medieval y

bohemio modernista, que formula las leyes totalizadoras del urbanismo, al proyectar la ciudad, la casa, sus objetos y los muebles que lo decoran. Destaca su afinidad política con el partido conservador de la Lliga Regionalista y sus creencias religiosas.

En 1878 se diploma por la Escuela de Arquitectura de Barcelona, donde recibe una formación historicista. El neomudéjar dominó El Capricho, mientras que el neogótico está presente en el leonés Palacio episcopal.

Estas obras despiertan la admiración del empresario textil don Eusebio Güell, que se convertiría en el gran cliente de Gaudí, encomendándole la construcción de su finca de recreo en el barrio periférico de las Corts, de su palacio urbano en el corazón de las Ramblas y de la cripta para los oficios religiosos de la colonia obrera de Santa Coloma de Cervelló, así como una ciudad-jardín vanguardista en la Muntanya Pelada, que ha recibido el nombre de Parque Güell.

En la cripta y en el parque Güell se encuentran ya todos los rasgos de su estilo maduro. Sus fuentes de inspiración subyacen en la naturaleza: la geología, la botánica y la zoología.

Gaudí construye en el barcelonés Paseo de Gracia dos obras para burguesía catalana: La Casa Batlló y La Casa Milá.

Todos estos trabajos fueron el laboratorio experimental para un proyecto titánico que le ocupó íntegramente su vida y que dejo inacabado: el templo expiatorio de La Sagrada Familia, una catedral fantástica, emblema de la pujante y cosmopolita ciudad condal.

SUS OBRAS

• Cripta de la Colonia Güell (1898-1917). Santa Coloma de Cervelló, Barcelona. (Arriba, Izquierda).


• Casa Milá o La Pedrera (1906-1910). Paseo de Gracia esquina con la calle Florencia, Barcelona. (Abajo, Izquierda).


• La Sagrada Familia (1883-1926). Barcelona. (Derecha).• Temática: Trata sobre tema religioso.

LE CORBUSIER • Charles Édouard Jeanneret, apodado Le Corbusier (1887-1965), teórico, urbanista y

arquitecto.

Le Corbusier postula el orden armónico en la arquitectura, regulada por un canon de proporciones humanas. Para ello elaboró el Modulor. El Modulor tendría también su aplicación práctica en el campo del diseño, extendiéndose al mobiliario y a los objetos comunes.

Como urbanista concibió, en 1922, un plan para la ciudad contemporánea de tres millones de habitantes. En 1958 haría realidad este proyecto al ponerlo en práctica en Chandigarh, la nueva capital hindú del Punjab, por encargo del príncipe Pandit Nehru.

Como arquitecto, su máxima preocupación fue la casa, tanta la villa individual como el bloque de pisos. En ambos casos debían elevarse sobre pilares a semejanza de los palafitos y cubrirse por una terraza-jardín plana. El resto de la estructura se limita a un andamiaje de hierro y cemento sometido a un plan libre. La Villa Savoye, construida entre 1928 y 1930, y el edificio de apartamentos dúplex de Marsella, llamado Unité d´Habitation, iniciado en 1947, son obras maestras de esta mentalidad.

A partir de los años 50, Le Corbusier comienza a explorar la curvatura y a presentar el cemento armado en su estado natural con su superficie rugosa, sin pulimentación posterior. Dos obras religiosas; se trata de la capilla para peregrinos de Notre-Dame du Haut y el monasterio dominico de Sainte Marie de la Tourette.

SUS OBRAS

• Villa Savoye (1928-1930). Poissy, Francia.


• Unité d´Habitation (1947-1952). Marsella, Francia. (Izquierda).• Temática: Trata sobre tema cotidiano.

• Capilla de Notre-Dame du Haut (1950-1954). Ronchamp, Francia. (Derecha).• Temática: Trata sobre tema religioso.

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