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EBAU LOMCE PARTE TEÓRICA
2019-20
1. Pinturas negras de GOYA
Francisco de Goya fue un pintor y grabador español. Se inicia como pintor de cartones para los tapices de
la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara y más tarde se convierte en retratista de la nobleza española,
trabajando al mismo tiempo en una serie de grabados que critican la sociedad atrasada de la España de aquel
momento.
Después de la Guerra de la Independencia, Goya, cada vez más sordo y apartado de la corte por sus ideas
liberales, se retira a su casa que él mismo llama La Quinta del Sordo y allí pinta al óleo sobre muro seco Las
Pinturas negras (1819-1823). Son 14 obras murales que fueron copiados a lienzo a partir de 1874, y que
actualmente se conservan en el Museo del Prado de Madrid.
Entre las pinturas negras destacan : Viejos comiendo sopa ( representan lo peor de la vejez con apliques de
color a brochazos ); El aquelarre (reunión de brujas que invocan al diablo trabajadas a base de manchas
deformes) y Saturno devorando a su hijo ( una escena de terror en la que Saturno decide comerse a cada
uno de los hijos que le van naciendo. Goya representa el horror del rostro con los ojos saliendo de las
órbitas, frente a la inocencia del cuerpecito del hijo).
Todas las pinturas tienen una composición desequilibrada con colores casi siempre oscuros que acentúan el
dramatismo. Estas pinturas están consideradas como precursoras del expresionismo del siglo XX.
Finalmente Goya en 1824 decide marcharse del país, y en Burdeos sigue pintando y recupera las ganas
de vivir, vuelve a una pintura más alegre y con pinceladas cortas que mucho tiempo después influirá en los
impresionistas franceses.
2.- Beethoven.
Durante la primera mitad del siglo XIX la música también supo expresar el sentimiento romántico.
Por primera vez no se tocaba solo en palacios sino también en teatros y salas de concierto con lo que los
burgueses la acogen como parte de su ocio. Se compone para grandes orquestas pero también destacan las
piezas de piano y se desarrolla la música programática: que evoca imágenes en la mente del oyente,
representando escenas, imágenes o estados de ánimo.
El autor principal fue Ludwig van Beethoven , compositor, director de orquesta y pianista alemán. Su
música se expresó en varios géneros (música para piano, música de cámara, música sacra, ópera y música
para teatro) aunque fue popular por sus sinfonías.
En sus inicios (primera etapa) su obra musical estuvo influenciada por Mozart. En su etapa media,
tuvo una crisis debido a su sordera, comienza una serie de sinfonías que tendrán una gran popularidad (5ª
sinfonía) y en la etapa final, sus obras representan emociones más intensas: sonatas para piano.
Las características generales de su música son: sonidos ásperos, explosivos, utilizando la llamada
“Sforzando” :se trata por lo tanto de una música violenta, llena de movimiento como en la 6ª sinfonía
(Pastoral) por ejemplo describe emociones a través de recuerdos de su infancia: truenos, canto de los
pájaros.,,,
3.- Cezanne.
El postimpresionismo se aplica a los estilos pictóricos de finales del siglo XIX y principios del XX posteriores
al impresionismo. La obra de Paul Cézanne se caracterizó por un uso expresivo del color, una temática
variada y una mayor libertad a la hora de trabajar las formas.
Cézannerepresenta escenas cotidianas, paisajes y bodegones bien marcados con volúmenes .Tenía interés
por las formas geométricas como un experimento que años después utilizarán los pintores cubistas.
No usa la perspectiva clásica porque no le preocupa la profundidad del lienzo , solo le interesan los objetos o
personas representadas.
Sus obras más destacadas son Las Bañistas lejanas al modelo de anatomía clásico donde utiliza la técnica del
«passage» (transición de color por ejemplo del verde oscuro se pasa al verde claro y de éste al amarillo), y
Los jugadores de cartas, una serie de cinco cuadros sobre el tema de una partida de cartas, que realizó
entre 1890 y 1895 con volúmenes definidos de manera geométrica. Los colores son tonos azules, amarillos y
las pinceladas se presentan ligeras y finas. En esta obra utiliza la técnica del facetado (representa el espacio
porfacetas) a partir de tres formas geométricas: la esfera, el cilindro y el cono.
En sus bodegones Cézanne representa los objetos desde perspectivas diferentes simultáneamente. Esto
hace que su pintura llegue a ser muy personal, alejada de los bodegones clásicos.
4.- Fauves.
Fauves es un término que surge en el Salón de Otoño de París en 1905 donde se presentaron numerosas
obras con colores fuertes y provocativos y un crítico de arte afirmó sobre ese conjunto de obras “Pero, es
Donatello entre las fieras”, fieras=fauves, debido a que en la misma sala había una escultura parecida a las
de Donatello, por lo que de la palabra fauve se derivó en fauvismo.
Las características principales del fauvismo son : el empleo del colores muy intensos, el modelado
casi plano de las figuras y las composiciones sin perspectiva.
La técnica pictórica fauvista emplea toques rápidos y vigorosos, líneas toscas y discontinuas que distorsionan
las figuras. El dibujo será un aspecto secundario para estos artistas y poco a poco evolucionan hacia una
pintura decorativa.
Los temas eran variados, puesto que pintaban tanto el mundo rural como el urbano, desnudos, interiores,
paisajes , retratos etc.
Entre los artistas fauvistas más reconocidos debemos mencionar a Henri Matisse, quien además fue el
fundador del movimiento. Matisse trabajará la teoría del color a partir de los colores complementarios
consiguiendo un mayor contraste visual y una mayor fuerza cromática. Sus obras más destacadas son “La
danza” y “La raya verde o retrato de la Sra Matisse”.
5.- Cubismo.
El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado a partir de 1907 encabezado por Pablo Picasso, George
Braque y Juan Gris .
El cubismo es considerado la primera vanguardia, ya que rompe definitivamente con la pintura tradicional:
desaparece la perspectiva clásica, trata las formas de la naturaleza por medio de formas geométricas y
representa todas las partes de un objeto en un mismo plano de modo que las figuras se descomponen.
A pesar de todas estas novedades la temática sigue siendo la misma: bodegones, paisajes y retratos.
Se utilizan colores apagados : los grises, verdes y marrones en la primera etapa aunque después se abre la
paleta de colores y con el tiempo se llegan a pegar añadidos a los lienzos formando collages.
En la primera etapa los cubistas pintan superficies casi superpuestas con poca variedad cromática. Luego se
pasó a una fase de cubismo analítico en la que los objetos se descomponían en diferentes planos hasta
parecer casi irreconocibles. Y finalmente hubo otra etapa llamada cubismo sintético en la que hay una unidad
compositiva, con una mezcla de elementos gráficos.
El autor cubista más conocido es Pablo Picasso que inicia el cubismo con el lienzo “Las señoritas de
Avignon”(1907) en el que vemos todas estas características : colores planos, geometría en la composición y no
hay perspectiva.
6.- Picasso.
El pintor español Pablo Picasso destaca por su importante aporte para la creación y desarrollo del Cubismo.
Además, está considerado como uno de los artistas más influyentes del siglo XX.
Su evolución artística se divide en varios periodos con características diferentes.
En primer lugar, la época azul (1901-03) en la que predominan los tonos azulados y los personajes
desamparados. Ejemplo de esta época es “El guitarrista viejo”. En esta primera etapa todavía es figurativo,
con imágenes muy alargadas y en actitud triste quizás debido a la muerte de su amigo Carles Casagemas.
Posteriormente evoluciona hacia la época rosa (1904-1906). Es cuando se instala definitivamente en París y
utiliza tonos rosas con una temática de personajes del circo, además remarca bien los contornos de las
figuras y es en esta etapa cuando comienza a geometrizar las figuras como en la obra “Familia de Arlequín”.
En 1907 pintará la obra clave del cubismo “Las señoritas de Avignon” con influencias africanas y un
rompimiento con el realismo pictórico. Es un óleo sobre lienzo que está en el MOMA de Nueva York. En
esta etapa Picasso busca una pintura pura y con formas geométricas. A pesar de que hoy es un cuadro
famoso, iniciador del cubismo, cuando lo pintó causó tanta sorpresa y rechazo que estuvo oculto en su taller
durante años, hasta que en 1916 lo mostró al público por primera vez.
En 1937 pinta el Guernica, otra obra clave de Picasso, un gran mural para el Pabellón de España de la
Exposición Universal de París. Su título se refiere al bombardeo ocurrido en ese año en la población vasca de
Guernica por parte de aviones alemanes . En toda la pintura representa la violencia ciega que estaba
ocurriendo en España durante la guerra civil.
7.- Exposiciones universales.
A lo largo de todo el siglo XIX se llevaron a cabo exposiciones universales que mostraban al público todos los
adelantos de la industria, el comercio y las artes. Eran al mismo tiempo una exhibición de poder político,
económico y creativo de todos los países participantes. Los distintos pabellones se construyeron con técnicas
avanzadas y con la finalidad de ser destruidos una vez acabara la exposición, por lo tanto son muestras de
arquitectura efímera.
En estas exposiciones se potencian unos espacios arquitectónicos de grandes dimensiones dedicados
al ocio. La primera Exposición Universal se celebró en París en 1844 para exponer las mejoras
tecnológicas del momento.
En la Exposición Universal de Londres de 1851, en Hyde Park , Joseph PAXTON, fue el que construyó el
llamado Palacio de Cristal, con enormes dimensiones, materiales ligeros y espacios diáfanos pero
desapareció en un incendio. Este edificio tuvo su réplica en Madrid, cuando en 1887 se celebró una
Exposición de Arte de las Islas Filipinas en el Parque del Retiro (Madrid) y se construyó un pabellón con
estructura de hierro y cristal también llamado el Palacio de Cristal.
En 1889 se celebró en París una Exposición Universal conmemorativa del centenario de la Revolución
Francesa. En esta enorme exposición destacaron la famosa Torre Eiffel y el Palacio de las máquinas. La
torre que servía de acceso a la exposición fue en principio una arquitectura efímera que debía desmontarse
una vez acabada la exposición pero que hoy sigue en pie y es el símbolo de París.
8.- Art Nouveau.
En los últimos años del siglo XIX la burguesía se hace fuete económicamente y encarga nuevas casas con
obras de arte diseñadas solo para ellos por lo que aparece el llamado movimiento modernista (ART
NOUVEAU). Este arte nuevo, figurativo y fantástico, se inspira en la naturaleza con formas curvas que se
entrelazan y con imágenes femeninas muy sensuales.
El Art Nouveau tiene su origen en Bélgica con el arquitecto Victor Horta cuya obra más destacada es la
casa Tassel .En Francia la figura destacada del Art Noveau fue Héctor Guimard que se hizo famoso por la
famosa entrada al metro de París. Se llamó Estilo Sezession, en Austria donde un grupo de 19 artistas
vieneses abandonan la Academia de Viena para crear un arte nuevo, dirigidos por Gustav Klimt cuya obra
principal es “El beso”. Jugendstil es el nombre que se dio al Modernismo en Alemania. Tiene las mismas
características ya explicadas y podemos destacar la renovación de la fachada del estudio fotográfico Elvira
en Munich, de August Endell. En esa fachada destaca un enorme dragón que parece sobrevolar la puerta de
acceso y completa la decoración modernista con rejas llenas de motivos vegetales entrelazados. Se le
conoce en Reino Unido como Modern Style y fue un modernismo más sencillo, sin tantas florituras y con
formas geométricas. Fue fundado por el arquitecto Mackintosh, cuya obra más conocida es “la Escuela de
Arte de Glasgow”, un edificio con líneas rectas y módulos geométricos. Además diseña muebles muy lineales
y sencillos como la famosa silla Mackintosh.
En Italia este estilo se denomina Liberty . Su representante fue el arquuitecto italiano Pietro Fenoglio, que
construye su propia casa con líneas dinámicas y ligeras parecidas al Art Nouveau francés .En España este
estilo se llamó modernismo. La figura más importante fue Antonio Gaudí .Su obra es una mezcla de
elementos modernistas con elementos historicistas, concretamente góticos (torres de la Sagrada Familia) y
con decoración islámica (azulejos de desecho para decorar sus edificios como en el Parque Guell).
9.- Surrealismo
En 1924 en París se publica el "Manifiesto Surrealista" de André Bretón que defiende como comunes algunas
características :
• El Surrealismo creía en la existencia de otra realidad en un mundo absurdo.
• Buscó inspiración en el inconsciente, en la imaginación desbordante, en el método de la escritura
automática (el cadáver exquisito) y en el estudio de las teorías del psicoanálisis de Freud.
• Sus intenciones no se limitaron al arte ya que su finalidad era cambiar la mentalidad de la gente y
acabar con todo lo tradicional.
• El surrealismo adoptó formas muy diversas; en un primer momento fue un proyecto básicamente
literario, sin embargo en los años veinte se fue adaptando rápidamente a las artes visuales (la
pintura, la escultura, la fotografía, el cine).
• Prefieren para sus títulos misteriosos para sus obras.
Dentro del surrealismo hay dos vertientes: el surrealismo abstracto, donde artistas como Miró crean
universos muy personales a partir del automatismo más puro como podemos ver en su obra “El carnaval del
arlequín”.. Y el surrealismo figurativo con unas obras con mucho realismo pero alejadas de la pintura
tradicional en el que destacan Magritte (obra “Esto no es una pipa”), Chagall (“La novia” ) y Dalí”( La
persistencia de la memoria”) que se interesan más por la vía onírica (que se basa en los sueños).
10.- Luis Buñuel
El surrealismo ( que surge a partir de 1924 con el manifiesto surrealista de André Bretón) se desarrolla
también en las artes visuales, especialmente en la fotografía y en el cine con las mismas características de
la pintura en cuanto a la representación de lo onírico (los sueños absurdos) y además con un humor cruel, un
montaje sin sentido y con una temática escandalosa para la época. Este tipo de cine es el que realiza Luis
Buñuel , un cineasta español, cuya obra se llevó a cabo en un primer momento en España pero después en
Francia y en Méjico.
Su obra cinematográfica se puede dividir en sus inicios en España, su exilio en Méjico y su vuelta a Europa.
En 1929 define claramente el cine surrealista con la película “Un perro andaluz “, de su primera etapa, un
cortometraje mudo (hasta que en 1960 le añadieron música) escrito, producido e interpretado por el propio
Buñuel que se estrenó en París y que estuvo en cartel durante 9 meses seguidos. El guion se basa en la unión
de varios sueños de Dalí y del propio Buñuel (hormigas que salen de la mano, corte en el ojo etc.).
Después de la guerra civil se exilia en Méjico y de esta segunda etapa destaca “Los olvidados”, que retrata
de manera cruel los bajos fondos mejicanos, y de su etapa francesa de madurez “Belle de jour” en la que se
mezcla la figura de la mujer pudorosa con la de una prostituta.
DIAPOSITIVAS EBAU 2019-20
1. Pablo Gargallo : El profeta
La escultura cubista-expresionista , igual que la pintura, también rompe con lo tradicional
y se basa en formas geométricas ensambladas ( unidas) que ofrecían muchas veces
espacios huecos, por lo que las figuras ya no son presentadas como una masa compacta.
Este es el modo de trabajar que utilizó PABLO GARGALLO, escultor nacido en Zaragoza
que cuando va a estudiar a Barcelona a la Escuela de la Llotja hace amistad con Picasso y
evoluciona hacia el estilo cubista. Su obra más destacada es EL PROFETA (1933) de la
que hay siete copias, una de ellas en el Museo Pablo Gargallo de Zaragoza.
Representa a un profeta, con el bastón en la mano izquierda ,que está justo en el momento
de predicar a sus seguidores. En todo su cuerpo hay una serie de vacíos y llenos con curvas
y contracurvas que forman una gran figura casi abstracta (2,35 m). Todo el cuerpo aparece
equilibrado sobre las dos grandes piernas abiertas y bien apoyadas en el suelo.
El material utilizado son planchas metálicas (de bronce) bien ensambladas en las que incide
la luz de manera diferente según el momento del día.
2. Tamara de Lempicka : Autorretrato en un Bugatti verde.
El art déco se desarrolla en el periodo de entreguerras. Se inicia en 1925 con la inauguración del Museo de Artes
Decorativas de París en el que se mezclan pintura, diseño gráfico, diseño de moda, diseño industrial, arquitectura,
escultura, cine…..
Es un arte puramente decorativo, con preferencia por las líneas
rectas y por formas sencillas con el que se pretendía ofrecer una imagen
moderna, acorde con el nuevo siglo que estaba empezando.
La figura más representativa en pintura fue TAMARA DE
LEMPICKA. Sus retratos eran estilizados y elegantes con juegos de luces y
sombras. Este autorretrato en un Bugatti verde, pintado al óleo en 1929 fue
su obra más conocida. Hoy en día está en una colección privada en Suiza.
Se trata de un encargo para la portada de la revista alemana Die Dame en el
que vemos retratada a la propia Tamara, representada como una mujer
moderna e independiente que es capaz de conducir un coche ( algo todavía
extraño en esta época). Representa perfectamente la estética del art déco::
su pelo corto, sus guantes y su gorro, su mirada arrogante, su pañuelo al
viento que nos hace intuir la velocidad del coche.
3. Henry Moore : Figura reclinada o
inclinada Durante la primera mitad del siglo XX la escultura
abstracta interesa cada vez más junto con la búsqueda de
nuevos materiales y formas.
Henry Moore centra su escultura en la figura humana
con formas curvas que envuelven espacios vacíos que tienen el
mismo valor que la propia piedra. Esta figura reclinada es una
de las muchas que Henry Moore realizó, se conserva en la
Tate Gallery (Londres). Fue realizada en piedra en 1938.
Representa la figura de la madre protectora, en una
composición con formas redondeadas y abstractas: la cara que
no tiene rasgos definidos, el vientre que es realmente un
vacío, las caderas deformes y las piernas unidas. Lo que quiere
representar es el exterior de un cuerpo femenino que
envuelve un interior aprisionado, que no vemos realmente.
4. Charles Chaplin : El gran dictador.
El Gran Dictador es una película estadounidense (1940) que fue escrita,
dirigida y protagonizada por Charles Chaplin.
La película es una crítica al nazismo alemán que se había hecho fuerte en
Europa. Chaplin tiene un doble papel: por un lado es un cruel dictador nazi
y por otro un pobre barbero judío. Fue filmada en blanco y negro y fue la
primera película sonora de Chaplin.
Lo que pretendía esta película era una llamada de atención al público en
general sobre la extrema violencia del régimen político alemán y la
represión a la que estaban siendo sometidos los judíos.
La escena que comentamos muestra al dictador de un país imaginario,
Tomania , jugando con un globo terráqueo de plástico e imaginándose
dueño del mundo, todo en un tono de humor satírico.
Chaplin quería finalmente hacer un llamamiento a la humanidad para que
acabara la guerra y se reconciliaran los países que estaban en conflicto.
5. Frank Lloyd Wright : La casa de la cascada.
La arquitectura orgánica se caracteriza
por integrar los espacios en la naturaleza.
La familia Kaufmann encargó en 1936
esta casa al arquitecto FRANK LLOYD
WRIGHT,en Pensilvania (EEUU). Lo que
pretendía el arquitecto era construir un
espacio continuo entre la casa y el bosque
que la rodea. El edificio se adapta al
terreno pues se construye sobre una gran
cascada que sale de una roca que sirve de
base y está organizada a partir de
terrazas superpuestas. El espacio
interior no tiene paredes por lo que desde cualquier lugar se puede disfrutar de la visión del
agua, los árboles y las rocas. Un puente sirve de acceso entre la casa y el bosque que la rodea.
Los materiales utilizados son: hormigón, piedra de la zona, hierro pintado y cristal.
6. Le Corbusier : La villa Saboya.
La arquitectura racionalista o funcionalista se basa en líneas rectas, una decoración mínima y
volúmenes bien definidos.
El arquitecto LE CORBUSIER construyó
en 1929 una casa para la familia Savoye en
Poissy( en las afueras de París) que sigue
estas características racionalistas.
Este edificio tiene planta rectangular con
tres pisos sostenidos por pilotes. La
planta baja está destinada a garaje y zona
de servicio, la planta media es la vivienda y
la superior es un jardín y un solárium. El
interior de la vivienda es un espacio
continuo sin tabiques. El punto de unión
entre los espacios es una rampa en espiral
y una escalera de acceso al jardín
superior. Toda la fachada está abierta con ventanas acristaladas que dan luminosidad a la casa.
Los materiales utilizados son: hormigón, acero y cristal.
7. Francis Bacon : Retrato de Inocencio X.
El expresionismo es un movimiento que surge en Alemania a
principios del siglo XX. Representa una forma de expresar los
sentimientos, especialmente la angustia y la desesperación en una
sociedad harta de guerra y miseria.
La pintura expresionista tiene dos vertientes una abstracta y
otra figurativa. En este caso Francis Bacon pertenece al
expresionismo figurativo. Su pintura se caracteriza por colores
fuertes, composiciones agresivas y expresiones desdibujadas.
Bacon estaba obsesionado con la obra de Velázquez llegando a
vivir en España por temporadas para poder ver su obra en el
Museo del Prado.
Esta obra de 1953, basada en el retrato de Inocencio X de
Velázquez, reinterpreta el retrato del papa como un personaje
deforme, gritando sobre su trono papal como si estuviera
aprisionado. Se conserva en el Museo de Iowa (EEUU).
8. Martín Chirino : Lady Harimaguada.
Martín Chirino es un escultor canario que pertenece al estilo abstracto. Su interés por todo lo
moderno le lleva a fundar el grupo EL PASO que fue a contracorriente de la cultura franquista
de la época y que pretendía dar un paso adelante hacia la modernidad europea.
En su obra mezcla las formas de vanguardia con
las raíces de la cultura canaria. Precisamente esta
obra, “Lady Harimaguada” ,representa esa mezcla
entre ambas. Fue realizada en acero cortén pintado
para la ciudad de Las Palmas en 1996 y es allí donde
está ubicada. Representa con formas en espiral una
harimaguada, mujer dedicada al cuidado de las
ceremonias religiosas en la cultura aborigen canaria.
9. Frank Gehry :Museo Guggenheim de Bilbao.
El deconstructivismo es una reacción contra la
arquitectura tradicional. Surge en 1988 a
partir de una exposición en el MOMA de
Nueva York titulada “Arquitectura
deconstructivista”. Se trata de descomponer
los espacios creando aparentemente un caos y
abandonando los esquemas tradicionales
arquitectónicos de vertical-horizontal. Este
edificio está formado por dos módulos de
piedra caliza y cristal: uno rectangular y otro
curvado que se unen a través del techo
deconstruido y revestido de planchas de
titanio. El interior tiene tres niveles unidos por pasarelas curvilíneas y ascensores acristalados.
Este museo diseñado por Frank Gehry está en Bilbao y fue inaugurada en 1997.
10. Norman Foster : Torre Foster de Madrid (Torre Cepsa).
El estilo arquitectónico HIGH TECH (Alta tecnología)
tiene como característica principal que todos los elementos
tecnológicos del edificio quedan a la vista : los tubos de
ventilación, las escaleras mecánicas etc se convierten en
elementos arquitectónicos.
Los muros se cierran con cristales reflectantes por lo que se
potencia el aspecto brillante de la alta tecnología. La Torre Foster (2009)del arquitecto NORMAN
FOSTER, tiene todas estas características: es un edificio que
está en Madrid, de planta rectangular con 49 plantas, todas
de oficinas con una estructura de acero inoxidable y
hormigón con dos núcleos, uno de ellos externo para
aprovechar al máximo la energía solar.
PRUEBA TEÓRICA:
OPCIÓN B:
1. Art Decó.
El Art Decó (también art déco o incluso art deco) fue un movimiento de diseño popular
desarrollado desde 1920 a 1939, influyendo en todas las artes decorativas como arquitectura,
escultura, pintura, diseño interior, artes visuales… En 1925 se organizó la “Exposición
Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas” en París dando nombre al movimiento.
El Art Decó alcanzó su apogeo en la década de los años 20, siendo casi puramente decorativo, por
lo que se considera un estilo burgués. A pesar del eclecticismo de sus influencias formales y
estilísticas, posee una clara identidad propia, basándose en la Revolución Industrial y generando un
nuevo repertorio de formas. Entre sus características destacan la influencia de los descubrimientos
arqueológicos del Antiguo Egipto, la utilización de líneas aerodinámicas, la geometrización de las
formas y, por último, la utilización de materiales como el aluminio o el acero
inoxidable.
Tuvo aplicaciones en el diseño de zapatos para señoras, diseño de interiores de teatros y de
rascacielos o los transatlánticos SS Normandie o Queen Mary.
El Art Decó destaca por importantes rascacielos como el “Edificio Chrysler” de Nueva
York, obra de William Van Allen. Igualmente destacable es el “Empire State Building” de Nueva
York, edificado por el Estudio de Arquitectura Shreve, Lamb and Harmon.
2. Coco Chanel.
Nacida a finales del siglo XIX en una familia humilde, Gabrielle Chanel se cría en un
orfanato, aprendiendo a coser con las monjas y son ellas las que le consiguen su primer trabajo
como costurera. Posteriormente, se dedica al mundo del cabaret, adoptando en ese momento el
seudónimo de Coco. Será uno de sus amantes el que financie su primera tienda, una tienda de
sombreros que abre en París, rápidamente extendida a otras ciudades costeras francesas.
Abre también su casa de modas. Comienzan sus grandes éxitos: crea el perfume Nº 5 y su
famoso vestido negro. Una de las tradiciones más antiguas en relación a la vestimenta es la de
asociar el color negro al luto, siendo una de las mayores revoluciones de Chanel introducir ese color
en la vida de la mujer como símbolo de elegancia. Otras de sus novedades serán el Petite Robe
Noir, el Little Black Dress o el vestido negro que revolucionó la moda y que fue calificado como el
uniforme de la mujer moderna tras ser publicado en la revista “Vogue”.
La Segunda Guerra Mundial la obliga a cerrar sus tiendas y las acusaciones de haber sido
una espía nazi la obligan a exiliarse a Suiza. A mediados de la década de los años 50, regresa a París
y reabre su negocio. En Francia no es muy bien recibido su regreso, pero triunfa en Estados Unidos
con el traje de tweed.
En la actualidad, las creaciones de Coco Chanel son fuente continua de inspiración en la
moda actual. Muchos de los gustos estéticos preferidos de Chanel siguen siendo hoy tendencias
dominantes en la moda: mujeres altas y delgadas, de piel morena, el uso de prendas sport y de
influencia masculina, la influencia marinera, los trajes como prendas elegantes o la bisutería como
sustituto perfectamente aceptable de las joyas.
3. Hergé.
Georges Prosper Remi es conocido por el seudónimo artístico de Hergé. Nace en Bélgica a
principios del siglo XX en una familia de clase media, cursando sus estudios secundarios en un
colegio religioso, lo que tendrá una influencia decisiva en su posicionamiento ideológico. Se afilió a
los Boy Scouts, estando en sus historietas presente la ética scout. En estos años es cuando crea su
primera serie oficial “Totor”.
Finalizados los estudios secundarios, Hergé ingresa en la redacción de un periódico
ultraconservador de orientación clerical y nacionalista, dirigido por el sacerdote Norbert Wallez.
Wallez idea un suplemento para jóvenes bajo la dirección de Hergé. Retomó a Totor, cambiándole
algunas letras a su nombre y le añadió la compañía de un fox terrier llamado Milú. Su primera
aparición se remonta a 1929 con el nombre de “Las aventuras de Tintín y Milú”.
Hergé concibió a Tintín como un eterno adolescente periodista y viajero, que recorre el
mundo en compañía de un plantel de secundarios que complementan las habilidades del
protagonista: Milú, el gruñón capitán Haddock, el despistado Profesor Tornasol, los policías
secretos Hernández y Fernández, su enemigo Rastapopoulos… Podemos destacar que los
personajes femeninos son escasos en sus aventuras, apareciendo la cantante de ópera Castafiore.
Hergé creó otras series con diferentes personajes, entre las que destacan “Quique y Flupi” y
“Las aventuras de Jo, Zette y Jocko”.
Hergé está considerado el padre del cómic europeo, con un estilo de dibujo inspirado en el
estadounidense McManus. Marcaría a varias generaciones de dibujantes con la corriente conocida
como la línea clara, basada en la claridad del contorno de las figuras, la depuración de cualquier
elemento accesorio y la inclusión de personajes caricaturescos en entornos realistas.
4. Alfred Hitchcock.
Alfred Hitchcock, nacido a finales del siglo XIX en Londres, fue director y productor de
cine. Fue precursor en muchas de las técnicas que caracterizan a los géneros cinematográficos del
suspense y el thriller psicológico, por lo que es considerado uno de los directores más influyentes de
la historia del cine.
Estudió ingeniería y se convirtió en dibujante industrial. Obtiene su primer trabajo en el
mundo del cine como diseñador e ilustrador de los paneles donde aparecían los títulos y los créditos
de las películas, así como de los escenarios. Un director cayó inesperadamente enfermo, siendo
sustituido por Hitchcock, iniciándose a partir de ese momento su carrera como realizador.
Su producción cinematográfica se podría dividir en distintas etapas. En primer lugar hay
que destacar la denominada Etapa inglesa, con películas como “El hombre que sabía demasiado” y
“Los 39 escalones”. Posteriormente, David O. Selznick, productor estadounidense, lo contrataría
para trabajar en Hollywood iniciándose así su Etapa estadounidense en la que sobresalen títulos
como “La sombra de una duda”, “Psicosis”, “Los pájaros”, “Rebeca”, “Encadenados”, “La ventana
indiscreta”, “Con la muerte en los talones”…
Entre las características principales del cine de Hitchcock se podría destacar la importancia
de la forma antes que el fondo de sus películas; la perfección técnica, lo que supone un ahorro de
costes de las películas debido también a sus “story-boards”; la aparición de un falso culpable,
convertido en un inocente contra el mundo y que debe realizar una transferencia al verdadero
culpable; el Macguffin, claramente visible en “Psicosis”, en el que engaña al espectador en la trama
de la película; su preferencia por las actrices rubias, como Tippi Hedren y, por último, sus cameos,
participando Hitchcock en muchas de sus películas.
5. Bauhaus.
Bauhaus (“casa de la construcción”) es el nombre de una escuela de artes y diseño fundada
en el primer tercio del siglo XX por el arquitecto Walter Gropius en la ciudad alemana de Weimar.
Esta escuela propuso un sistema de aprendizaje innovador en el que el arte, la artesanía y la
tecnología se articulan e integran en el entorno de la arquitectura. Las clases se organizaban en
talleres creativos donde se trabaja de forma colectiva bajo la supervisión de un artista.
En sus realizaciones la forma de cada objeto viene determinada por su función, por lo que se
pronuncian a favor de una austera racionalidad, compatible con la producción industrial en serie y
su comercialización. Nace así el concepto de diseño contemporáneo, caracterizado por la
simplicidad de líneas, con formas geométricas y abstractas influenciadas por el Cubismo.
En la evolución de la escuela se distinguen tres fases: se trasladará primero desde Weimar a
Dessau, y después a Berlín, donde fue clausurada por Hitler en 1933 cuando la dirigía el arquitecto
Ludwig Mies Van der Rohe.
Entre los artistas más significativos que trabajaron en la Bauhaus se encuentran Paul Klee,
desarrollador de un lenguaje geométrico; Vassily Kandinsky, importante al establecer las
conexiones entre forma y color; y Oskar Schlemmer, creador de escenografías teatrales,
coreografías y figurines, como en su Ballet Triádico, donde pone de manifiesto su concepto de
movimiento y de abstracción.
6. Cristóbal Balenciaga.
Cristóbal Balenciaga Eizaguirre, más conocido por Balenciaga, fue un destacado diseñador
de moda español nacido a finales del siglo XIX en Guetaria, Guipúzcoa. Considerado uno de los
creadores más importantes de la alta costura, desempeñó su trabajo en París, siendo contemporáneo
de Coco Chanel y Christian Dior.
Tuvo un pleno dominio de la costura y del manejo de los tejidos gracias a su madre,
costurera de profesión. Sus señas de identidad son los tejidos con peso, enriquecidos con bordados a
mano, lentejuelas o pedrería. Destaca también por el tacón bajo, la falda por debajo de las rodillas,
la manga a tres cuartos y la manga murciélago. Se muestra partidario de los vestidos de color negro,
los abrigos cuadrados sin cuello ni botones, el vestido túnica y los impermeables trasparentes.
Impuso un estilo innovador presentando una línea de hombros caídos, cintura pinzada y caderas
redondas.
Considerado el padre de la alta costura, nunca trabajó el Prêt-à-porter, excepto en los trajes
de azafatas de Air France. Su clientela era la alta sociedad, la realeza o las grandes actrices, como
Fabiola de Bélgica, Grace Kelly, Greta Garbo, Marlene Dietrich…
En el taller de Cristóbal Balenciaga se formaron modistos como Paco Rabanne, Óscar de la
Renta y Hubert de Givenchy. La marca Balenciaga sigue presente actualmente en bolsos, zapatos,
complementos, playeras…
En su ciudad natal se localiza el Museo Balenciaga.
7. Jackson Pollock.
Jackson Pollock fue un pintor estadounidense nacido a principios del siglo XX. Es la figura
más importante del Expresionismo Abstracto, movimiento desarrollado durante el segundo tercio
del siglo XX. Está influenciado por el psicoanálisis de Jung, la obra de Picasso y la pintura del arte
aborigen americano, en especial la pintura de arena practicada por los indios americanos.
Pollock practicaba el “estilo all over”, denominado así porque llena toda la superficie del
soporte y evita la existencia de un único centro de atención y de una jerarquía de las formas; la
pintura es como un continuo que podría expandirse más allá de los límites del lienzo.
Fue el representante más significativo de la denominada “Action Painting” (pintura de
acción o gestual), según la cual hay que realizar la pintura en un mínimo de tiempo, gracias al
desarrollo de una acción gestual rápida sobre el lienzo. Conseguía este resultado con la técnica del
“dripping” (goteo), que consistía en hacer gotear o salpicar la pintura sobre la tela sin tensar,
colocada en el suelo. Y en lugar de pinceles utilizaba palos, cucharas, botes agujereados y como
material una pasta espesa mezclada con arena y vidrio molido.
Pollock alternaba el trabajo propiamente pictórico, dominado por el automatismo psíquico,
con días y semanas de reflexión ante la obra emergente. En el momento de pintar, ejecutaba una
especie de ballet onírico y salvaje en torno a la tela mientras escuchaba música a todo volumen.
Titulaba sus cuadros al final del proceso creativo, pues argumentaba que no podía predecir
su aspecto definitivo. A pesar de todo, para no influir en el espectador prefería darles un número,
llamarlos “sin título” o referirse a ellos por la fecha de creación.
8. The Beatles.
The Beatles fue una banda de pop/rock inglesa activa durante la década de los años 60,
siendo reconocida como la que tuvo más éxitos comerciales en la historia de la música popular.
Formada en Liverpool, estuvo constituida por John Lennon (guitarra rítmica, vocalista), Paul
McCartney (bajo, vocalista), George Harrison (guitarra solista, vocalista) y Ringo Starr (batería,
vocalista). Enraizada en el skiffle y en el rock and roll de los años cincuenta, la banda trabajó con
distintos géneros musicales, que iban desde las baladas pop hasta el rock psicodélico, incorporando
elementos clásicos en sus creaciones.
Tuvo una enorme popularidad, apareciendo la moda de la “Beatlemanía”, convirtiéndose en
modelos que eran imitados por una juventud que se vistió y peinó como ellos. Llegaron a ser
percibidos como la encarnación de todos los ideales progresistas, extendiendo su influencia en las
revoluciones sociales y culturales de la década de los años 60.
Su álbum “Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club” es considerado su obra maestra. Entre las
principales canciones del grupo podríamos destacar: “Love Me Do”, “She Loves You”, “Can´t Buy
Me Love”, “Yesterday”, “Help”, “Strawberry Fields Forever”, “Here Comes Sun”, “Hey Jude”…
The Beatles aportaron innovaciones importantes a la historia de la música, siendo el grupo
que inició las giras multitudinarias y los conciertos en los grandes estadios. Fueron también los
primeros en lanzar los álbumes musicales con las letras impresas, iniciando igualmente las
retransmisiones televisivas y los vídeos musicales.
9. Botero versus Giacometti. Se trata de dos autores, con obras totalmente diferentes, aunque ambos tenían en común que eran al mismo tiempo pintores y escultores. Cronológicamente se sitúan también en épocas también diferentes puesto que Giacometti pertenece a la primera mitad del siglo XX mientras que Botero continúa trabajando en este siglo XXI.
Las esculturas y pinturas de Botero tienen mucho volumen (no se trata de obesidad, el artista lo que pretendía era que hubiera rotundidad, una presencia muy fuerte que impactara al espectador). En su obra podemos ver (casi siempre) la alegría de la vida, el baile, la unidad de la familia. Además, la obra de Botero nos lleva a ver referencias de artistas como Rubens cuyas mujeres representaban la belleza de la época o si vamos mucho más lejos a la famosa Venus de Willendorf .Esta influencia la podemos ver en su obra “Maternidad” (1989) ; mientras que las pinturas y esculturas de Giacometti son frágiles, casi fantasmagóricas, representa a seres angustiados, silenciosos que parecen a punto de resquebrajarse, como podemos ver en su obra “El hombre que camina” (1961) o “El perro” (1954), en las que apreciamos el aislamiento del hombre del siglo XX.
Evidentemente son dos cánones de belleza contrarios que podríamos representar como líneas: la vertical de Giacometti versus la horizontalidad de Botero.
10. Zaha Hadid.
Zaha Hadid fue una arquitecta anglo-iraquí nacida en Bagdad a mediados del siglo XX y
fallecida en Miami en 2016. Estudió Arquitectura en Londres, siendo considerada la primera mujer
arquitecta superestrella. Fue premiada con numerosos galardones como el Premio Mies Van der
Rohe y el Premio Pritzker.
Zaha Hadid es una de las representantes de la corriente arquitectónica denominada
“Deconstrucción” o “Deconstructivismo”, originada en la exposición organizada en 1988 por el
Museo de Arte Moderno de Nueva York. Se desarrolla en los años 80 y 90 del siglo XX, estando
definida por sus formas irregulares y aparentemente inestables, en combinaciones carentes de
armonía y proporción. El resultado es un edificio que parece desafiar las leyes de la gravedad,
siendo la forma el resultado de la fantasía.
Zaha Hadid destaca por su fusión con el paisaje y el espacio circundante. Apuesta por la
plasticidad, la arquitectura orgánica, el movimiento, las líneas curvas, la utilización del color
blanco, las terminaciones angulosas, la búsqueda de la luz a través de grandes fachadas acristaladas
y la utilización de materiales modernos como la fibra de vidrio y el poliéster.
Entre sus obras destacan el “Museo MAXXI” en Roma, el “Palacio de la Ópera de
Guangzhou”, el “Centro Acuático de Londres” y el “Galaxy Soho” en Pekín. En España son
reseñables el “Pabellón Puente” en Zaragoza, las “Bodegas Viña Tondonia” en Haro y la “Estación
de Euskotren” en Durango.
Zaha Hadid también realizó diseños de interiores, mobiliario, zapatos y joyas.
1.
El nombre de esta obra es Caminante frente al mar de nubes. Su autor es Caspar David Friedrich.
Su cronología es del primer tercio del siglo XIX. Se encuentra en el Kunsthalle de Hamburgo, en
Alemania.
Esta pintura de óleo sobre lienzo se adscribe al Romanticismo pictórico en Alemania, caracterizado
por la utilización de colores fríos y la importancia concedida al paisaje.
Friedrich representa a un viajero vestido de negro mirando a un mar de nubes a sus pies, siendo
representado de espaldas y apoyado en un bastón como muestra de su debilidad ante la naturaleza.
Predomina en el paisaje las cadenas montañosas, demostrando la soledad del hombre ante el mundo
rural.
2.
El nombre de la obra es La Libertad guiando al pueblo. Su autor es Eugène Delacroix. Su
cronología es de finales del primer tercio del siglo XIX. Se encuentra en el Museo del Louvre de
París, en Francia.
Esta pintura de óleo sobre lienzo se adscribe al Romanticismo pictórico en Francia, caracterizado
por la importancia del color sobre el dibujo, las luces vibrantes y las composiciones dinámicas.
Delacroix representa la Revolución de 1830 que provocó la caída de la monarquía de Carlos X. Las
figuras se organizan en una única pirámide ascensional cuya cima es la bandera francesa. Los
muertos aparecen en primer plano, destacando la figura femenina que simboliza la Libertad. El
autor se autorretrata en la obra con un sombrero de copa y un arcabuz como muestra de su
compromiso político.
3.
El nombre de esta obra es Día de verano. Su cronología es del último tercio del siglo XIX. Se
encuentra en la National Gallery de Londres.
Esta pintura de óleo sobre lienzo se adscribe al Impresionismo, estilo pictórico caracterizado por el
interés por la luz, la pincelada suelta y la pintura al aire libre.
La autora, Berthe Morisot representa a dos mujeres en un momento de relax paseando en barca por
un río. Destacan los efectos de la luz que se refleja en el agua y la armonía de los suaves colores. La
composición está muy estudiada a base de tres planos: en el primer plano aparecen las dos jóvenes
destacando la joven del vestido claro que ocupa el centro del cuadro, un segundo plano está
ocupado por el agua y los patos y un tercer plano con la arboleda del fondo. A pesar de la pincelada
rápida y empastada, apreciamos dosis de dibujo, especialmente en los rostros de las mujeres.
4.
Esta obra se denomina Noche estrellada. Su autor es Vincent Van Gogh. Su cronología es de finales
del siglo XIX. Se encuentra en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, en Estados Unidos.
Esta pintura de óleo sobre lienzo se adscribe al Postimpresionismo, estilo pictórico caracterizado
por la importancia del lado subjetivo, humano, emocional y sentimental que les alejaba del
Impresionismo.
Van Gogh representa en primer término dos cipreses, con un dinamismo vertical que se desprende
de ambos y también de la aguja de la iglesia del pueblo contrapuesto al remolino horizontal de las
estrellas. Dos enormes espirales que se enroscan transmiten su agitación al cielo intensamente azul.
Once estrellas iluminan el firmamento, mientras una luna de color naranja parece confundirse con el
sol.
5.
El nombre de la obra es Guitarra y periódico. Su autor es Juan Gris. Su cronología es del primer
tercio del siglo XX. Se encuentra el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid.
Esta pintura de óleo sobre lienzo se adscribe al estilo artístico del Cubismo Sintético, caracterizado
por la interrelación de los componentes del cuadro en una visión unitaria, con una mayor
luminosidad y valoración del color.
Juan Gris nos muestra una serie de objetos sobre una mesa a modo de bodegón. Destaca de manera
predominante una guitarra donde la angulosidad ha dejado paso a formas redondeadas,
característica de los últimos años del artista. Aparece detrás un periódico, elemento recurrente desde
la aparición del collage. Copas, fruta y partitura completan la composición.
6.
La obra se denomina Aristide Bruant. Su autor es Toulouse-Lautrec. Su cronología es de finales del
siglo XIX. Se encuentra en el Art Museum de San Diego, en Estados Unidos.
Este grabado pertenece al Postimpresionismo, estilo pictórico caracterizado por la importancia del
lado subjetivo, humano, emocional y sentimental que les alejaba del Impresionismo.
Toulouse-Lautrec nos muestra a Arístide Bruant, cantautor vestido con un traje de terciopelo negro,
sombrero de fieltro y bufanda roja. Los carteles fueron difundidos por toda la ciudad de París con
motivo de la actuación del artista en el café-concierto Ambassadeurs.
7.
El nombre de esta obra es El pensador. Su autor es Auguste Rodin. Su cronología es de finales del
siglo XIX. Se encuentra en el Museo Rodin de París, en Francia.
Esta escultura de bulto redondo de bronce se adscribe al Impresionismo, estilo artístico
caracterizado por la importancia de la luz y la captación del instante.
Rodin representa a un hombre desnudo, con los brazos, las manos y los pies sobredimensionados
(influencia de Miguel Ángel), en actitud reflexiva. Todos los músculos están en tensión, crispados
por el esfuerzo. La factura poco pulida de la estatua provoca, en su superficie, fuertes sombras que
ayudan a transmitir al observador el sufrimiento del pensador.
8.
Esta obra se denomina Casa Milá o La Pedrera. Su autor es Antoni Gaudí. Su cronología es de
principios del siglo XX. Se encuentra en Barcelona.
Este exterior arquitectónico se adscribe al Modernismo español, estilo artístico caracterizado por la
reinterpretación de las formas de la naturaleza a través de la geometría, utilizando líneas curvas o
helicoidales.
Gaudí concibió esta obra de ritmo ondulante como un gran pedestal de roca erosionada para un
grupo escultórico con la Virgen del Rosario, que al final no fue colocado. La arquitectura se
convierte así en un organismo vivo con referencias al mundo natural: se asemeja a un grupo de
montañas excavadas (de ahí el nombre popular de “Pedrera”), con arbustos metálicos en los
balcones y cumbres nevadas con chimeneas antropomórficas.
9.
Esta obra se denomina La persistencia de la memoria. Su autor es Salvador Dalí. Su cronología es
del primer tercio del siglo XX. Se encuentra en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, en
Estados Unidos.
Esta pintura de óleo sobre lienzo se adscribe al Surrealismo Figurativo, estilo pictórico
caracterizado por su interés por la vía onírica, mostrando sus obras un realismo fotográfico.
Dalí representa un escenario onírico compuesto de elementos reales y extraños: un paisaje costero y
rocoso, una figura amorfa tumbada en la playa que parece muerta o exhausta -es un autorretrato de
Dalí-, una mesa o pedestal, un pequeño árbol seco, un reloj cubierto de hormigas, otros tres de
formas extravagantes por su naturaleza blanda y una mosca posada sobre uno de ellos.
10.
Esta obra se denomina La máquina de coser electrosexual. Su autor es Óscar Domínguez. Su
cronología es de la década de los años 30 del siglo XX. Se encuentra en el Museo Nacional Centro
de Arte Reina Sofía de Madrid.
Esta pintura de óleo sobre lienzo se adscribe al Surrealismo Figurativo, estilo pictórico
caracterizado por su interés por la vía onírica, mostrando en sus obras un realismo fotográfico.
Óscar Domínguez destaca en esta obra el cuerpo luminoso de una mujer desnuda sobre un fondo
oscuro. Se encuentra boca abajo y con la cabeza cubierta. Sus piernas están siendo devoradas por
una planta carnívora, mientras sobre su espalda cae un hilo de sangre de un embudo que es vertido
desde la cabeza de un toro.