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SANTIAGO - JULIO 2009 - $1.500

Tema: H

ip - hop/Autor: N

ataly Miranda

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Time Graph es una revista que intenta brindarles conocimientos a las mentes revoltosas de los jóvenes, para así poder ayudarlos a pasmar todo lo que crean y construyen dentro de su imaginación.

Time Graph esta inspirada netamente en lo creativo,en lo imaginario y en lo perturbado que puedellegar a ser un joven.

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Dirección:Nataly Miranda

Dirección de Arte:Nataly Miranda

Jefa de Producción:Nataly Miranda

Diseño de Portada:Nataly Miranda

Diagramación:Nataly Miranda

Fotografía:Nataly Miranda

Editado por Time GraphNúmero de Edición 10

JUNIO, 2009Lumen # 4344, Barrio Las Rosas.

Maipú, Santiago de Chile.Fono: 9197641

Contacto: naty.6289@gmail.comSuscripción: suscripcion@tg.cl

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parcial, sin permiso de Revista Time Graph.

Las opiniones vertidas en este medio son de exclusiva

responsabilidad de quienes las emiten, aunque la mayoría de las

veces sí represente lo que pensamos.

Freehand Vectores

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INDICE

Autoretrato 2Comentario del Editor 3Créditos 4

Arts & Crafts 6Art Nouveau 7Plakaststill 8Futurismo 9Contructivismo 10Der Stijl 11Bauhaus 12Realismo Heroico 13Art Deco 14Internacional Suizo 15Modernismo Japonés 16Revival 17Pop - Art 18Sicodelia 19Punk 20Memphis 21New Wave 22Hip - Hop 23

Es un movimiento artístico que surge en Inglaterra en 1880 y se desarrolló en el Reino Unido y Estados Unidos en los últimos años del siglo XIX.

William Morris, principal

impulsor del movimiento.

Pintura de Acuarela

inspirada en el movimiento

En el primer tiempo de la Revolución Industrial, los ingleses estaban a la vanguardia del diseño. Muestra de ello es el movimiento de Artes y Oficios, una agrupación de arquitectos y diseñadores p r o g r e s i s t a s cuyo objetivo era reformar el diseño y la sociedad mediante el retorno a la artesanía, en respuesta al horror que les producían los primeros objetos industriales, bastante brutos, descuidados y desagradables estéticamente. El sistema de trabajo de Artes y Oficios se basaba en el taller medieval: el alumno aprendía un modelo establecido y después de lograr la perfección, podía proponer otro modelo que superara al de su maestro. Pero a diferencia del sistema medieval, en Artes y Oficios se unía el arte superior con el arte “servil”, con lo cual se

realizaban objetos de gran calidad, que aparte de ser útiles eran muy bellos. Entre las

ideas más características del Arts and Crafts se encuentran principios filosóficos, éticos y políticos, tanto como estéticos. Destacamos los más importantes:

a) Rechazo de la separación entre el arte

y la artesanía. El diseño de los objetos útiles es considerado una necesidad funcional y moral. b) Rechazo de los métodos industriales de trabajo, que separan al trabajador de la obra que realiza, fragmentado sus tareas. c) Propuesta de un regreso al medievalismo, tanto en la arquitectura (con el neogótico) como en las artes aplicadas. d) Propuesta de la arquitectura como centro de todas las actividades de diseño. Una idea que sería recogida por

el racionalismo de principios del siglo XX. e) Propuesta de agrupación de los artesanos en guildas y talleres, siguiendo el modelo medieval de trabajo colectivo. f) Propuesta del trabajo bien hecho, bien acabado y satisfactorio para el artista y para el cliente. Desde el punto de vista de la acción el Arts & Crafts e x p e r i m e n t ó un empuje importante en 1861 cuando William Morris fundó la empresa Morris, Marshall, Faulkner and Company.En 1890

Morris fundó la Kelmscott Press, una imprenta artesanal de la que salieron algunos de los libros impresos más

producidos de toda la historia, y que fue capaz de ejercer una poderosa influencia sobre las grandes editoriales comerciales durante varias décadas.Bolso inspirado en las

Obras de William Morris

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Es un movimiento artístico que surge a fines del siglo XIX y se proyecta hasta las primeras décadas del siglo XX. Generalmente se expresa en la arquitectura y en el diseño.

Obra de Alfons Maria Mucha

Obra de

Alphonse Mueha

importancia del Art Nouveau ha sido tan importante que hoy día hay muchos joyeros que están retomando este estilo, el diseño pasó a primer plano, y en joyería más que esta misma.

Algunos artistas que se integraron al movimiento fueron Bucheron, Després, Fouquet, Pochelon et Ruchonnet, Henri Preyster, Vallet, Bouti, René Lalique, Louis Gautrait, Durand-Leriche, Henri Teterger, Henri beber, Eugène Tourrete, Luis Masriera y los talleres de Fleuret y Marcel Bing.

Walter Crane (15 de agosto de 1845 - 14 de marzo de 1915) fue un artista inglés nacido en Liverpool que participó del movimiento Arts and Crafts. Realizó pinturas, ilustraciones, libros para niños, mosaicos, y otros objetos decorativos.

Walter Crane

(1845-1915)

una diomensión social a través del artesanado y darle a los objetos utilitarios una dimensión artística.El movimiento empezó

con Jules Renñe Lalique cuando presentó

su repertorio en el Salón de París en 1894, pero se consagra en la Exposición Universal

de 1900. Pero el movimiento no se consolida hasta que los artistas independientes, a r q u i t e c t o s , educadores, etc…no se adhieren al movimiento

iniciado por Morris. Es cuando los orfebres comienzan a pertenecer a este estilo, hacia 1910.

El Art Nouveau se extiende de forma espontánea por varios países de Europa, pasando después a América debido a la necesidad de liberación y “aire nuevo” de las formas ancladas en un arte que ya no tenía más que ofrecer, y que se quedó estancado en la copia y vuelta a las mismas formas. La

Fue una corriente artística y literaria que nació influenciada por el Simbolismo frente a los excesos del Romanticismo y de la retórica del seudoc las ic i smo; particularmente en las artes decorativas, reacción contra la tecnología dominantes. Este nuevo estilo surgió en una época en que las fuentes de inspiración estaban agotadas. En joyería se seguía utlizando el estilo “isabelino” de lazos y ramas, uniforme en toda Europa desde 1850, aproximadamente.

Entre los iniciadores están Walter Crame quien, inspirado por William Morris, funda en 1886 la “Arts and Crafts Society”, donde sus miembros e s t a b a n próximos al Pre-rafaelismo. Querían darle al arte

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El Plakatstil (Alemán, en castellano: estilo del cartel) fue un movimiento que se dió en Alemania y que renovó la manera de diseñar carteles publicitarios y comerciales.

Este movimiento coincide cronológicamente con el modernismo, pero se destaca justamente por ser completamente diferente. Podríamos decir que Lucian Bernhard (fundador del movimiento) crea este estilo en 1905, cuando gana la competencia patrocinada por la Cámara de Berlín de Comercio, diseñando el afiche de los cerillos (fósforos) Priester, a partir de ahi empezará a adquirir fama iniciamdo el estilo del cartel moderno. Los trabajos del Plakatstil son fáciles de reconocer ya que utilizan las siguientes caracter ís t icas: a) El cartel se reduce a la imagen del producto (de manera icónica). b) Fondo pleno. c) Además de figurar la imagen del producto, ésta convive armónicamente con el nombre del mismo. d) Sólo contiene los datos infotmativos ; ornamentos, figuras o motivos compositivos de ningún tipo. Lucian Bernhard (1897-1972). Uno de los pioneros del diseño publicitario del siglo XX.

Fósforos Priester

Nació el 15 de Marzo de 1883 bajo el nombre de Emil KAhn en Cannstatt cer-ca de Suttgart, Viena, coinci-diendo con el año de la ex-plosión del Art Nouveau. Estu-dio en la Aca-demia de Mu-nich, y en 1901 se fue a Berlín, donde la maravillosa producción industrial y comercial estaban de

manifiesto. es ahí donde conoce al exitoso diseña-dor Edmund Edel, se hace discípulo de él, y adopta el nombre de Lucian Ber-nhard. Dos años después de instalarse en Berlín, ya era conocido como inven-tor de un nuevo estilo de afiche que pronto lo haría famoso a escala interna-

cional. Su estilo, dominado por la tipografía: una letra o un slogan corto acompañaban al logotipo, gran parte de sus grandes ideas le tomaron menos de una hora en bosquejarlas De formación auto-didacta, realiza su primer cartel

estimulado por un concurso que convocó la Cámara de Comer-cio de Berlín, en 1905, para las cerillas Priester (arriba). Este primer trabajo no sólo gana el concurso, sino que convierte a Bernhard en uno de los carte-listas más cotizados interna-cionalmente, a pesar de su ex-trema juventud (22 años) y su falta de práctica profesional, en un caso que lo aproxima

históricamente a Alphons Maria Mucha, que también se hizo fa-moso con su primer cartel.Lo cierto es que podía esperarse mucho de Bernhard, No sólo por esta espléndida muestra que sig-nificó su primer cartel, sino por todos los que le siguieron hasta 1915 y por los diseños de tipos y ornamentos de imprenta, magní-ficos ejem-plos de tran-cisión hacia los objeti-vos raciona-listas.

Lucian Bernhard

Manoli

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Es un movimiento literario y artístico que surge en Italia en el primer decenio del S. XX mientras el Cubismo aparece en Francia.

Gira en torno a la figura de Marinetti, quien publica en el periódico parisiense Le Figaro el 20 de Febrero de 1909 el Manifiesto Futurista. Proclama el rechazo frontal al pasado y a la tradición, defendiendo un arte anticlasicista orientado al futuro, que respondiese en sus formas expresivas al espíritu dinámico de la técnica moderna y de la sociedad masificada de las grandes ciudades.

D e c l a r e m o s que el esplendor del mundo se ha enriquecido con una belleza nueva; la belleza de la velocidad. Un automóvil de carreras... un automóvil rugiente, que parece correr sobre una estela de metralla, es más hermoso que la Victoria de Samotracia

En 1910 ya se puede hablar de un grupo liderado por Marinetti. Trabajarán artistas como los pintores Russolo, Carrá, Boccioni, Balla o Severini. El futurismo fue llamado así por su intención de

romper absolutamente con el arte del pasado, especialmente en Italia, donde la tradición artística lo impregnaba todo. Quieren crear un arte nuevo, acorde con la mentalidad moderna, los nuevos tiempos y las nuevas necesidades. Para ello toma como modelo las máquinas y sus principales atributos: la fuerza, la rapidez, la velocidad, la energía, el movimiento y la deshumanización. Dignifica la guerra como espacio donde la maquinación, la energía y la deshumanización han alcanzado las máximas metas.

Sus ideas revolucionarias no deseaban limitarse al arte, sino que, como otros muchos m o v i m i e n t o s , p r e t e n d í a n transformar la vida entera del hombre. La estética futurista difunde también una ética de raíz machista y provocadora, amante del deporte y de la guerra,

de la violencia y del peligro. El futurismo fue politizándose

cada vez más hasta coincidir con las tesis del fascismo, en cuyo partido ingresó Marinetti en 1919. En su manifiesto hay

un punto que dice: Queremos glorificar la guerra, única higiene del mundo, el militarismo, el patriotismo y el gesto destructor de los anarquistas, las bellas ideas que matan y el desprecio a la mujer. La característica principal del futurismo es la plástica del dinamismo y del movimiento. El efecto de la dinámica se transmitía en vibrantes composiciones de color que debían producir un paralelismo multisensorial de espacio, tiempo y sonido. Al principio, se valieron

para la realización de sus objetivos artísticos de la técnica divisionista, heredada del neoimpresionismo y más tarde se aplicó la técnica cubista de abstracción como

procedimiento.

Filippo Tommaso

Matinetti

Obra de Marinetti

Futurismo. Arte y Política

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Es una corriente que cuestiona la visión de mun-do objetivista que dice que la realidad existe “ahí afuera” y que nosotros la conocemos a través de nues-tros sentidos. El constructivismo plantea que la realidad donde vivimos es el re-sultado de una con s t r ucc i ón que nosotros mismos hace-mos, en este sentido dice que no existiría una sola realidad sino tantas realidades como ob-servadores hay.El constructivismo establece que todos tenemos visiones de realidad que responden a nues-tra particular manera de ver el mundo, por lo tanto, una situa-ción no es buena o mala en sí; sino que una misma situación es de una determinada manera, dependiendo desde donde nos paremos a mirarla. En base a

esto, se podría plantear que las condiciones sociales, por duras

que sean, no producen auto-mát icamente un conjunto de exper ienc ia s determinadas en la gente, ya que no son las cosas las que nos preocupan sino las opinio-nes que tene-mos de las co-sas. La visión constructivista asume que cada

observador construye su propia realidad, privilegia el papel del observador. Esto aplicado a la psicoterapia se refiere a que como terapeutas, no nos interesamos por el acontecimiento mismo, sino por la versión que trae la persona de ese acontecimiento. No nos interesamos por el he-cho en sí, sino en cómo lo vive esa persona en par-ticular.

Como seres humanos atribuimos significados a nuestras experien-cias y de esa manera vamos cons-truyendo nuestro mundo. Sin embargo, en determinadas si-tuaciones atribuimos significados que no nos son funcionales y que nos hacen sufrir. Por lo tanto, no-sotros como terapeutas tenemos el rol de invitar a la persona a mirar la realidad desde una pers-pectiva diferente para que pue-da atribuir un nuevo significado. No cambiamos realidades sino el significado que le damos a esa realidad.En este sentido, la psicoterapia sería el arte de sustituir una cons-trucción de realidad que ya no es adaptativa para esa persona, por otra que se adapta mejor.

Fue un movimiento artístico y arquitectónico que surgió enRusia en 1914 y se hizo especialmente presente después de la Revolución de Octubre.

jorge clavijo

dplasticasantiagoapostol

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El nombre de Stijl tam-bién suele aplicársele al artista y arquitectos que alguna vez contribuyeron con él.Esta revista iba a reunir un nú-mero de artistas que compartían ciertas ideas y actitudes, que a la vez, iban a constituir en un foro donde se iba a discutir el camino que el arte moderno iba a seguir e iba a servir, a su vez, como ór-gano difusor de este nuevo arte. Esta revista que promocionaba el neoplasticismo, fue una de las más influyentes de su tiempo ya que tenía la finalidad de lograr un estilo válido, que sustituyera lo individual por lo universal. En ella, todos los artistas que co-laboraban y que abogaban por

un progreso radical de las artes, publica-ron en la re-vista críticas, teorías y mani-fiestos.El movimien-to de Stijl era considerando como una va-

riante del arte abstracto, que era característico de la moder-

nidad. Este nuevo arte no pre-tendía ser reproductivo ni ilus-trativo, tal como la había sido el arte tradicional, éste quería ser comprensible a partir de sí mis-mo, sin referencias al mundo de los objetos ni a la reproducción figurativa.Su racionalismo formal estaba basado en un amplio programa artístico, que a partir de los ele-mentos fundamentales de las ar-tes plásticas, pretendía configu-rar un nuevo mundo ideal. Para Stijl el arte era un catalizador que debía lograr un estado de armonía ideal, por esto el ideal de Stijl siempre estuvo orientado hacia la realización de obras en todas las artes.Los ideales estéticos, el lengua-je formal y las intenciones de los artistas que conformaban el Stijl, estaban contenidos en el tratado fundamental de Mondrian, titu-lado “el nuevo modo de concebir la forma en la pintura” (el cual se publicó en el primer número de la revista). En este trabajo Mondrian define el nuevo arte no como un nuevo estilo de escuela particular, sino como algo de ma-yor alcance y significación, como

la forma de expre-sión adecuada al mundo ideal.La esencia del Stijl puede describirse a t r a vé s de su i n t e n -c i ó n univer-salista, el nuevo arte era necesaria-mente abstracto, expresaba la belleza pura, y por ello debía utilizarce exclusivamente for-mas puras. Uno de los ejem-

plos más ilustra-tivos se a p r e -cian en la obra de Mon-drian.ón armado. Este es un claro ejemplo de cómo

se aplicaban las ideas funda-mentales del arte desarrollado

Gerrit Rietveld

Composition IX. 1920 Figura más utilizada

“De Stijl”, que en holandés significa estilo, fue una revista dedicada a las artes plásticas fundada por Piet Mondrian y Theo van Doesburg que surgió en 1917 y duró hasta 1931.

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La Bauhaus fue la es-cuela alemana de arquitectura y di-seño que ejerció enorme influencia en la arquitectura contemporánea, las artes gráficas e industriales y el diseño de esceno-grafías y vestuario teatrales. Fue fun-dada en Weimar en 1919 por el arquitecto Walter Gropius que pretendía combinar la Acade-mia de Bellas Artes y la Escuela de Artes y Oficios. La Bauhaus, basada en los principios del es-critor y artesano inglés del siglo XIX William Morris y en el mo-vimiento Arts & Crafts, sostenía que el arte debía responder a las necesidades de la sociedad y que no debía hacerse distinción entre las bellas artes y la arte-sanía utilitaria. También defen-día principios más vanguardistas como que la arquitectura y el arte debían responder a las ne-cesidades e influencias del mun-do industrial moderno y que un buen diseño debía ser agradable

en lo estético y satisfactorio en lo técnico. Por lo tanto, además de las clases de es-cultura, pintura y arquitectura, se impartían clases de artesanía, ti-pografía y diseño industrial y comer-cial.El estilo de la Bau-

haus se caracterizó por la au-sencia de ornamentación en los diseños, incluso en las fachadas, así como por la armonía entre la función y los medios artísticos y técnicos de elaboración.En 1925 se dedicó a la cons-trucción de una serie de sobrios edificios rectangulares de hor-migón y cristal en Dessau, es-pecialmente diseñados para ello por Gropius. El estilo de este movimiento se tornó aún más funcional e hizo mayor hincapié en la expresión de la belleza y conveniencia de los materiales básicos sin ningún tipo de ador-no. Otros arquitectos y artistas sobresalientes que componían el cuerpo de profesores de la

Bauhaus fueron el pintor suizo Paul Klee, el pintor ruso Wassi-ly Kandinsky, el pintor y diseña-dor húngaro László Moholy-Nagy (que fundó el Instituto de Diseño de Chicago siguiendo los mismo principios de la Bauhaus), el pin-tor estadounidense Lyonel Fei-ninger y el pintor alemán Oskar Schlemmer.Silla de Marcel BreuerM a r c e l B r e u e r i n v e n t ó desde su taller de acero en la Bauhaus las sillas de tubo metálico curvado, un nuevo tipo de mueble adecuado para la producción industrial y que aprovecha de forma admirable la elasticidad del material.En 1930 la dirección fue asumi-da por el arquitecto Ludwig Mies van der Rohe, que trasladó la Bauhaus a Berlín en 1932.

Este estilo fue creado por el arquitecto alemán Walter Gropius. Su propósito era diseñar para lograr

muebles de menor precio introduciendo elementos de ingeniería.

Logo Bauhaus

Silla Wassili

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El realismo heroico fue la doctrina estética del régimen nazi.

El realismo heroico de los revolucionarios conservadores reside, pues, completamente en la voluntad personal (persona individual o colectiva) que crea formas, que da forma al bruto (Gottfried Benn). Esta definición del realismo heroico por Hof se incorpora al “nominalismo”, tal como lo definió Mohler (según su lectura atenta de Georges Sorel) o la concepción “esférica” de la historia, presentada por Mohler en su famosa obra de referencia sobre la “Revolución Conservadora” alemana y por Giorgio Locchi en las columnas de Nouvelle Ecole. Esta concepción “esférica” del tiempo y la historia rompe tanto con la concepción reaccionaria y restauradora de la historia, que describe ésta como cíclica (retorno del tiempo sobre sí mismo a intervalos regulares), como con las concepciones lineales y progresistas (que ven la historia como una marcha hacia lo “mejor” según un esquema vectorial). Las concepciones cíclicas consideran que el retorno de lo mismo es ineludible (forma de fatalismo). Las concepciones

lineales devalúan el pasado, no respetan ninguna de las formas forjadas anteriormente, y contemplan un télos, que nos lleva a lo será necesariamente mejor e i n s u p e r a b l e . La concepción esférica de Mohler y Locchi implica que hay retornos pero nunca retornos de lo idéntico, y que la esfera del tiempo puede ser impulsada en una dirección u otra por una voluntad fuerte, por una personalidad carismática, un pueblo audaz. No hay pues ni repetición ni regreso a la sustancia inmóvil y ni tampoco una linearidad vectorial que progresa. La concepción esférica admira al creador de la forma, el que trasforma las rutinas y destruye los ídolos inútiles, sin importar si es artista (el Artisten-Metaphysik de Nietzsche) o un terapeuta o ingeniero. Mohler

nos sugirió una antropología heroica y concreta.

Ese estilo es conocido como “ r e a l i s m o heroico” y es Lenin el primero en propiciar su uso propagandístico (de hecho es el primero en utilizar la propaganda de esa manera y luego lo harían todas las naciones), desgraciadamente ese estilo que no

deja de tener su valor artístico y su enorme atractivo vintage se usó para sacar del medio a la maravillosa vanguardia rusa pues los camaradas pensaban que la vanguardia no era demasiado popular para sus mensajes, lo que sume a Rodchenko (mi favorito de todos los tiempos) El Lissitzky (mi constructivista favorito) y otros a la adaptación, al éxodo (algunos enseñan luego en la Bauhaus, como Moholy Nagy) o a la oscuridad.

Vladímir Ilich Uliánov

(1870-1924)

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Además del ámbito del diseño-ornamento, abarcaba también otros terrenos de la ac-tividad artística, si bien con me-nor insistencia o personalidad; es decir, se trata de un plantea-miento de alcance genérico, por más que en sentido estricto tal vez fuese una simple respuesta a la necesidad que tenía el mer-cado de un nuevo conjunto de productos para poder sustituir a los que había impuesto el modernismo.Cabe subrayar el carácter no vanguardista del art deco, pues era jus-tamente lo contrario: la expresión fiel de los deseos de una burguesía acomodada, preferentemente preocupada por conseguir el lla-mado “buen tono” en sus pose-siones materiales. De aquí que el “déco” se sitúe en un nivel distinto al propio de los sucesi-vos ismos plásticos que, desde principios de siglo, habían ve-nido dominando la actividad del

mundo artístico; más bien resulta un plantea-miento de síntesis in-terdiscipli-nar, ya que afecta en especial a cuanto se aproxima al área del diseño y del grafismo, alcanzando a las denominadas disciplinas superiores, cuales la arquitectura o la plástica, aun-que siempre en tono menor. A la vez, a pesar de ser una ac-titud artística de retaguardia, el “déco” propone la asimilación parcial de ciertas corrientes contemporáneas, por más que convenientemente adaptadas, lo cual le proporciona el ambi-guo atractivo que le es carac-terístico; o sea, una tesitura extraída de los planteamientos cubista, futurista, pero con ele-mentos exóticos puramente or-namentales enunciados con lujo adocenado. Algunas de las características de este arte son: formas apiramida-das, predominio de la diagonal,

uso sistemático de franjas, opo-siciones blanco-negro, reducción anatómica a los perfiles, líneas sim-ples…Pero, por encima de todo, hay que iden-tificar el “déco” según su gusto por las com-binaciones antitéticas: aparatos de radio que

parecen templos aztecas, jue-gos de té decorados, sillones de tubo metálico oculto bajo tre-mendos almohadones, entradas de altura superior a la total del edificio al que dan acceso…Entre los numerosos artistas que cultivaron el art deco merecen destacarse J. Puiforcat, Erté, Cassandre, R.Mallet, Stevens y A. Lurçat.Característica generales: a) Se basa en la geometría imperan-te del cubo, la esfera y la línea recta, además de los imprescin-dibles zigzags. b) Tratan de re-presentar algunas abstracciones que muestran en la naturaleza. c) Representación de elementos fitomorfos se utilizan las flores, los cactus, las palmeras.

Fue un movimiento de diseño popular a partir de 1920 hasta 1939, afectando a las artes decorativas tales como arquitectura, diseño interior, y diseño gráfico e industrial, también a las artes

visuales tales como la moda, pintura, grabado, escultura, y cinematografía.

Original art deco

Art Déco

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Tras el paréntesis que significó la II Guerra Mundial, un nuevo estilo de diseño gráfico emerge en Suiza en los años 50 y llegará a ser el predominante hasta los años 70 y una referencia imprescindible en la época actual, de hecho sus teorías sobre la forma t i p o g r á f i c a siguen estando en la base de las enseñanzas que se imparten en las escuelas de diseño. Este m o v i m i e n t o es conocido como “estilo internacional”. El nuevo estilo se funda sobre las innovaciones previas de los constructivistas y especialmente de la “tipografía elemental” y tiene en cuenta a su vez la necesidad creciente de comunicación internacional y el desarrollo de un nuevo medio, la fotografía. Este estilo

se sustentaba sobre tres pilares básicos: a) El uso de una rejilla modular que dotaba al diseño de coherencia y estructura interna. b) El empleo de tipografías

sans-serif y d i spo s i c i ón asimétrica de los distintos e l e m e n t o s del diseño. c) Utilización de la fotografía en blanco y negro en lugar de ilustraciones. La impresión general era simple y racional con una estructura clara y concisa. El

estilo tuvo como centro de eclosión dos escuelas de diseño en Suiza, una en Basilea liderada por Armin Hofmann y Emil Ruder y otra en Zurich a cargo de Joseph Muller-Brockmann. Ambos habían estudiado con Ernst Keller en la Zurich School of Design donde

se enseñaban los principios de la Bahuaus y de la nueva tipografía de Jan Tschichold. Emil Ruder fomentaba en sus alumnos la utilización y el aprecio del espacio en blanco como parte integrante del diseño así como la limitación en el uso de diferentes tipografías. Los trabajos de Hofmann se caracterizaban por la acentuación del contraste entre los elementos del diseño A su vez Muller-Brockmann dictaba normas más estrictas en la composición del diseño que entendía como algo eminentemente funcional, separación de líneas de texto compactas, letras sin remate, espacio entre palabras uniforme eran algunos de sus postulados caracterizándose sus trabajos por la exploración del ritmo y del tempo de las formas visuales. El nuevo estilo pronto llegó ser la imagen oficial de muchas instituciones del país que lo usaban para posters y vehículos de publicidad y si bien al principio este tenía un marcado carácter localista pronto se extendió universalmente tanto por los propios desplazamientos.

La difusión del “Estilo Suizo” se debió principalmente a Graphis, una revista mensual publicada en Zurich desde fines de la segunda guerra mundial, que compaginó la reproducción y la discusión del arte

comercial extranjero con revisiones de las artes de la impresión.

Obra de Armin Hofmann

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ciendo referencia a los antiguos palacios imperia-les. Tam-bién está Maekawa estudio-so de Le C o r b u -sier, hizo un trabajo funcional, pero mo-derno e internacional, introdu-ciendo así nuevas estéticas ja-ponesas en los rígidos edificios contemporáneos, así integra estas nuevas técnicas construc-tivas a los jardines y a la escul-tura en sus diseños. Fumihiko Maki tuvo nuevas ideas para el planteamiento de ciudades ba-sadas en un principio de acodar alrededor de un espacio interno las nuevas necesidades urba-nas, también estaba a favor de espacios vacíos abiertos. Entre los años 70 y 80 se encuentra Isozaki Arata quien exploró las formas geométricas y de silue-tas cúbicas.

Japón ha tenido muchos cambios pero uno de los más grandes y notorio es en su arqui-tectura, y esto se da gracias al avance tec-nológico que se ha tenido principalmen-te al finalizar la segunda guerra mundial, dado que Japón se vio muy devastado y se vio en la necesidad de reconstruir muchas ciudades de este país. Gracias a esto se introdujeron nuevas técni-cas constructivas, materiales y estilos del Oeste de Japón, los cuales fueron te-niendo un contraste más grande entre las nuevas estructuras de hormigón y acero contra la arquitectura tradicional japonesa, y así de-sarrollando grandes rascacielos, dejando a la arquitectura tradi-

cional en su mayoría para usos domésticos y religiosa, viendo cada vez más ciudades con gran-

des rascacielos d e m o s t r a n d o una gran influen-za occidental.Como arquitec-

tos mo-dern istas japoneses hay mu-chos pero entre los más desta-cados es-

tán Kenzo Tan-ge el cual hizó los gimnasios nacionales en 1964 para

las olim-piadas de Tokio y el “Fuji Te-l e v i s i o n b u i l d i n g

en Odiba”, el cual utilizó una mezcla de pilares y paredes, con azoteas amplias, también utilizó un principio del voladizo en un sistema de pilares y vigas, así ha-

el “padre del modernismo japonés” Yukichi Fukuzawa, seguirá estando presente en el billete de 10.000 yenes.

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El concepto de “gusto” proviene de la ilustración. Según Argan, está estrechamente vinculado con el concepto

ilustrado de TASTE (Gusto). Así se describe en la Enciclopedia: “ G u s t o ” (Encyclopédie, Vol. VII, pág. 761) Define en gusto como “…ese don de discernir

nuestros alimentos (…) que ha producido en todas las lenguas una metáfora, el llamado gusto, que “…expresa el sentimiento de las bellezas y de los defectos en todas las artes; es un discernimiento inmediato, como el de la lengua o el paladar: como éste, precede a la reflexión, es sensible y voluptuoso respecto a lo bueno”.El revival como generador de formas. En contraposición, el mal gusto: “Al igual que el mal gusto físico consiste en no verse halagado más que por condimentos muy picantes y rebuscados, también el mal

gusto en las artes consiste en no complacerse más que con ornamentos sofisticado y no ser sensible a la bella naturaleza.El gusto depravado en los alimentos consiste en elegir precisamente aquellas cosas que disgustan a las demás personas; es una especie de enfermedad. El gusto depravado en las artes consiste en complacerse con temas que sublevan a los espíritus “bien hechos”, en preferir lo burlesco a lo noble, lo preciosista y afectado a lo bello sencillo y natural: es una enfermedad del espíritu”.El taste parte de la base de que no existe definición teórica a los fines del arte, así, las decisiones históricas del artista no dependen de la razón o del juicio, sinode inclinaciones interiores, de sentimientos.Revival:Toma aspectos que interesan del pasado y los revive.Estos aspectos, según ese criterio marcado por el taste, son siempre de estilo. Gracias al revival podemos vivir la ilusión de volver al pasado sin cambiar

el presente. Porque el estilo es precisamente lo único que nos podemos permitir revivir sintemor a consecuencias sociales.Si bien los griegos siguen marcando nuestros gustos en lo que se refiere a arquitectura y a cuerpo humano, fue el nacimiento del revival tras la ilustración lo que marcó nuestro sentido del gusto. a) En decoración: Gracias al surgimiento durante el XIX de determinados estilos decorativos que todavía son símbolo de prestigio social. b) En el comportamiento social: Ya no somos victorianos, pero sus modelos, sus formas marcan todavía un El revival como generador de formas, modelo de buen gusto que imperó durante toda la modernidad.

Movimiento artístico,sociológico de cualquier otro género,que tiende a revalorizar modas o estilos del pasado.

Moda Revival

Estilo Revival Gótico

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El Pop Art es un movi-miento artístico que utiliza la técnica de la yuxtaposición de di-ferentes elementos: cera, oleo, pintura plástica; con materiales

de desecho: fo-tografías, trapos viejos, collages, assemblages...etc. Este movi-miento irónico de pintura,surge en 1960 en Nor-

teamérica.El Pop es una manifestación oc-cidental que ha ido creciendo bajo la sombra de las condicio-nes capitalistas y tecnológicas de la sociedad industrial. Nor-teamérica es el centro del pro-grama, con lo cual se produce la americaniza-ción de la cul-tura de todo el mundo Occiden-tal, en especial la de Europa.El Pop nace en dos ciudades: New York y Lon-dres.

Los temas pictóricos del “Pop Art” estan motivados por la vida cotidiana, reflejan las realida-des de una época y refuerzan el cambio cultural. La Coca-Cola, los Helados, el Seven-Up, la Pepsi-Cola, la Pasta de dientes, la Sopa de conserva, los Cigarri-llos....se convierte en la icono-grafía del “Pop Art”.El Pop Art se divide en cuatro fasesLa primera fase o pre-pop: En la cual Rauchemberg y Johns (prin-cipales exponentes) se separan del Expresionismo Abstracto.La fase de apogéo del “Pop-art”: Su obra se basa en los años 50’s

y parte de las experiencias del dibujo publicitario, el diseño y la pintura de los carteles.Principales exponentes: Andy Warhol, Roy Lichten-stein, Claes Oldenburg,

James Rosenquist, Tom Wessel-man y Robert Indiana.

Fue un movimiento artístico surgido a mediados de los años 1950 en el Reino Unido y finales de los años 1950 en los Estados Unidos.

Marilyn Monroe

La tercera fase: A mediados de los 60´s el pop americano sufre una extensión desde New York, hasta la costa Oeste y Canadá. Más tarde también llegaría hasta Europa.Última fase: Se podría decir que la última fase está determinada por el realismo radical y mordaz desarrollado sobre todo en Esta-dos Unidos, cuya mirada se diri-ge a las condiciones socialistas de las ciudades.Nacen los Hipies: La juventud que se oponía a la sociedad de consumo; consumidores de estu-pefacientes, proclaman el paci-fismo, su lema: “haz el amor, no la guerra”.Andy Warhol, fue un artista plás-tico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una exitosa ca-rrera como ilustrador profesio-nal, Warhol adquirió notoriedad mundial por su trabajo.

Andy Warhol

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Usualmente se refiere a arte inspirado por la experiencia psicodélica inducida por drogas como la marihuana o el LSD pero la palabra psicodélico fue inventada por el psicólogo británico Humphry Osmond y significa “manifestando a la mente”. Desde esa definición todos los esfuerzos artísticos de proyectar el mundo interior

de la psiquis pueden ser considerados “psicodélicos”. De todas formas en el lenguaje común la expresión Arte psicodélico se refiere sobre

todo al movimiento artístico de la contra cultura de los sesenta aunque después tuvo renacimientos especialmente en los noventa retomado por el movimiento Rave y ayudado por las nuevas tecnologías de la computación. Las artes visuales psicodélicas existieron paralelamente a la Música psicodélica. Posters de

conciertos, portadas de discos, shows de luces, murales, revistas de historietas, p e r i ó d i c o s underground y más, reflejaban no sólo los patrones caleidoscópicos de las alucinaciones en LSD sino también

sentimientos sociales, políticos y espirituales revolucionarios inspirados por estos estados psicodélicos de conciencia. Característ icas:a)Patrones parecidos a un Caleidoscopio, fractales o inspirados en los diseños persas conocidos en inglés como paisley pattern. b)Colores brillantes y / o altamente contrastantes. 3) E x t r e m a p r o f u n d i d a d de detalle o e s t i l i z a c i ó n del detalle. 4)Mutación de objetos y algunas veces collage. 5 ) I n c l u s i ó n de motivos fosfénicos otros entópicos.

Se puede considerar al arte psicodelico como un intento de reflejar estados alterados de conciencia u s u a l m e n t e producidos por el uso de substancias psicodelicas o el estar influenciado estéticamente por estos. Así pues habría que tomar en cuenta el contacto y uso de substancias psicodelicas como hongos alucinogenos, peyote o ayahuasca por parte de múltiples culturas alrededor del mundo.Más claramente se dieron casos en los movimientos modernistas del arte en los cuales artistas usaban drogas psicodelicas como

fuente de inspiración. Un claro antecesor del arte psicodelico fue el movimiento surrealista en su búsqueda de reflejar y crear imágenes y experiencias fantásticas y alucinatorias. Así también los surrealistas cultivaron un especial atención a los

sueño.

Es la adaptación al español del inglés psychedelia, un neologismo formado a partir de palabras griegas “manifestar”.

La palabra psicodélico fue inventada por el psicólogo británico Humphry Osmond y significa “que manifiesta el alma”.

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Se caracteriza en la industria musical por su actitud independiente y amateur. En sus inicios, el punk era una música muy simple y cruda, a veces descuidada: un tipo de rock

sencillo, con melodias simples de duraciones cortas, sonidos de guitarras a m p l i f i c a d a s poco controlados o ruidosos, pocos arreglos e instrumentos, y, por lo general, de compases y

tempos rápidos.Las líneas de guitarra se caracterizan por su sencillez y la crudeza del sonido amplificado, generalmente creando un ambiente sonoro ruidoso o agresivo heredado del garage rock. El bajo, por lo general, sigue solo la línea del acorde y no busca adornar con octavas ni arreglos la melodía. La bateria por su

parte lleva un tempo acelerado, con ritmos sencillos de rock. Las voces varían desde expresiones fuertes e incluso violentas o desgarradas, expresivas caricaturas cantadas que alteran los parámetros convencionales de la acción del cantante, hasta formas más melódicas y elaboradas.Las características del punk rock fueron precedidas por el garage tock, recrudeciendo más el sonido fuerte del rock y con composiciones menos profesionales, influenciados por el sonido de la “Invasion Britanica, y cogiendo elementos del sonido ruidoso del garage rock de The Stooges o Vrlrvrt Underground. También se recogen influencias del frenético surf rock. Estas variadas influencias se conocen ahora como proto-punl. Dentro

de las mismas se puede incluir también entre las influencias tempranas a Bobby Fouler Four autor del sencillo “I

Fought the Law”, que fuera versionado por The Clash, y

a Moderns Lovers autores de “Rooadrunner” dados sus ritmos acelerados, no tan cercanos al punk rock posterior pero si alejado del rock convencional y típico de la época, con acordes simples pero aún sin distorsión o volumen alto.Con el tiempo el género tomaría diferentes caminos y en su paso evolucionaría en muchos subgéneros y recogería influencias de otros estilos musicales. Los subgéneros del punk se definen a veces por características musicales, y en otros casos por el contenido del mensaje o la ideología que lo inspira En los inicios también surgió el estilo hardcore punk que se caracterizó por ser una versión más rápida de la forma sucia de tocar el punk.

Es un género musical dentro del rock que emergió a mediados de los años 1970. Se caracteriza en la industria musical por su actitud independiente y amateur.

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El movimiento era una reacción contra los diseños “caja negra” post-Bauhaus de los 1970s y tenía un sentido del humor del que carecían los diseños negros, pulidos y aburridos de esa

época. Una época de minimalismo, en la que los productos tales como máquinas de escribir, edificios,

c á m a r a s , v e h í c u l o s l u c í a n t o d o s parecidos

y carecían de personalidad e individualismo.En cambio, Memphis ofreció piezas brillantes, coloridas e impactantes. Los colores que usaban contrastaban con los negros oscuros y marrones del mobiliario Europeo. La palabra Buen Gusto no se asociaba normalmente con los productos de Memphis. Esto hacía sugerir que el diseño de Memphis era muy superficial, aunque el grupo intentó desarrollar una nueva y creativa aproximación al diseño.

El 11 de Diciembre de 1980, Ettore Sottsass organizó una reunión con algunos diseñadores famosos, para formar un grupo de diseño colaborativo. Se llamó Memphis después de que la canción de bob dylan, “stuckInside of Mobile” sonara repetidamente durante esa tarde.Su inspiración estaba nutrida de otros movimientos como Artdeco y Pop Art, estilos como el Kitsh de 1os 1950 y temas futurísticos. Sus conceptos estaban rígidamente en contraposición con el supuesto “Good Design”, fuerte en Alemania.El concepto de diseño de Memphis se basaba en una mezcla de estilos, colores y materiales del siglo 20.

Se poscicionó más como una moda que como m o v i m i e n t o a c a d é m i c o y esperaba borrar el Internacional Style donde

Posmodern i smo había fallado, prefiriendo más un renacimiento y continuación

absoluta del Modernismo, que una mera re-lectura de éste.El Grupo Memphis integró a diseñadores que crearon una serie de productos altamente influenciadores de los años 1980s. Estaban en desacuerdo con ajustarse a la época y desafiaron la idea de que los productos debían seguir formas, colores y texturas convencionales.El trabajo del grupo de Memphis se ha descrito como vibrante, excéntrico y ornamental. Fue concebido por el grupo para ser un “capricho” que, como todas las modas, acabaría muy rápidamente. En 1988, Sottsass desmontó a grupo.Mientras que Memphis influenció a diseñadores tales como Philippe Starck, la continua subida del Minimalismo en los años 90 consideró una vuelta a la “seriedad”.El grupo Memphis, integrado por diseñadores italianos militantes del diseño radical, la vanguardia y de otros equipos de diseño como Studio Alchimia, produjeron monumentales y vistosos diseños “neopop” que causaron gran sensación a nivel mundial desde 1981.

Fue un movimiento de arquitectura y diseño industrial muy influenciador de los años 1980.

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El concepto “new wave” fue el termino utilizado por el periodismo, la gente de las discográficas y los programadores radiofónicos para designar a los nuevos sonidos que comenzaban a nacer terminando la década de los años 1070 y la llegada de losaños 1980.El final del punk como alternativa comercial, obligaba a los distintos actores del ambiente musical a buscar alejar cualquier reminiscencia a su legado de rudeza, m e n s a j e s directos y escándalos. Por ese motivo fue dejado de lado el término post punk, y apareció con fuerza el de New wave, que aludía a un movimiento artístico-intelectual, supuestamente parecido al que estaba ocurriendo. En Estados Unidos, por ejemplo, se dio una dicotomía bastante extraña entre lo que era punk y lo que se consideraba new

wave. Dentro del primer estilo se consideraba a bandas como Richard Hell, mientras que en el segundo estaban Blondie y Talking Heads.Optar por la etiqueta new wave era adquirir un estatus diferente y, además, tener más posibilidades de ser contratado por una multinacional. Así se subieron al carro nuevas agrupaciones como

The Cars, The Go Go´s, Pere Ubu, Jonathan Richman, The B-53´s, REM, Devo, The Blasters, The Residents y otras tantas más, que habían moldeado su

sonido a partir del género punk.Todo era new wave, y bajo esta premisa, dentro de sus límites caben proyectos tan diferentes como el grupo The Motels o el bizarro art punk de Pere Ubu.Bandas revisionistas del rock como the Basters eran

New wave, pero también lo era el dance punk de estética kitsch de los B.52´s.Sin embargo, con esfuerzo podemos encontrar características que cruzan el estilo y que van más allá de lo meramente musical. Acerca de este último punto, podemos fijarnos en la aparición de la tecnología aplicada al sonido, que se hace instrumento en

el sintetizador.Pa ra le lamente , y en algo que había quedado d e s c u i d a d o con el punk, se hace visible una p r e o c u p a c i ó n

constante por el tema estético.

Se utiliza generalmente para definir a un género musical dentro del rock que nació a fines de los años 70 y evolucionó durante los años 80.

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El hip hop como música surgió a finales de los años 1960, cuando las fiestas callejeras o “block parties” se volvieron frecuentes en la ciudad de N.Y especialmente en el Bronx, debido a lo poco accesibles que resultaban para su gente los clubes y discotecas que había en zonas pudientes de la Gran Manzana, como The Loft y Studio 54. Las fiestas callejeras se acompañaban de funk y soul, hasta que los primeros DJ’s empezaron a aislar la percusión y extenderla, puesto que la canción se volvía más bailable. Esta técnica ya era común en Jamaica (en la música dub),lo que propició que la comunidad jamaiquina participase en dichas fiestas. Esta adaptación de beats más tarde fue acompañada con otra nueva técnica fresca llamada rapping. Una figura destacada, considerada por muchos como el padre del hip hop, es DJ Kool Herc, que ocasionó, junto a otros DJ’s como Grandmaster Flash, que dos de los elementos del hip hop nacieran y se desarrollaran. Por una parte, se creó la figura

del “Maestro de ceremonias”, que era el que presentaba al DJ. Poco a poco, la figura del MC fue adquiriendo más importancia, ya que recitaba sobre los beats (ritmos de hip - hop) con textos cada vez más ingeniosos. Al mismo tiempo, se empezó a bailar, reservando el mejor movimiento de baile para cuando la canción se paraba momentáneamente (es decir, cuando hacía un “break”). Este fenómeno originó el término B-boy (break-boy), que sería “el chico que usa el break”, y así nació el movimiento brakdance.A pesar de que los graffitis ya se realizaban en los años 1960 por razones pol í t icas, no se incluyeron en la cultura hip hop hasta que, en los años 1070 y 1071, la ciudad innovadora en cuanto a grafitis dejó de ser filadelfia, tomando el puesto N.Y con los writers (escritores),

llamados así por pintar, sobre todo, grandes letras de colores con sus seudónimos. Entre ellos, los escritores más d e s t a c a d o s fueron Phase 2, Seen y Futura 2000.El graffiti rápidamente se hizo un hueco en la cultura, puesto que no sólo permitía decorar las paredes con el nombre o el grupo del propio grafitero sino que también se empezaron a hacer graffitis que nombraban

a crews o grupos de breakdancers, y a DJ’s o MC’s, a la vez que se pintaban las zonas donde se organizaban las famosas Block parties. Con

técnicas como la mezcla de audio (proceso utilizado en la grabación y edición de sonido) y el scratching.

Es un movimiento artistico y cultural que surgio en Estados Unidos a finales de los años 1960 en las comunidades afroamrecanas y latinamericana.

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