danzas de mexico laboratorio de recopilación de la danza.pdf
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DANZAS DE MEXICO
(Compendio)
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SI DEJAMOS DEDANZAR
ZAPATA elimaginario nacional
FOLKLORE
Definición
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INDUMENTARIA
LEYENDAS
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LA DANZA Y SUSCOMPAÑIAS
ANTARES Cia. deDanza Flamenca
BALLET TEATRODEL ESPACIO
BARRO ROJO
CONTEMPODANZA
DELFOS DANZA
NEMIAN
LA DANZA CLASICA
ARGUMENTOS
EL BALLET enWikipedia
LA DANZA EN ELMUNDO
La Danza enArgentina
La Danza en Perú
La danza en Tahiti
LA DANZA EN LAHISTORIA
BREVEINTRODUCCION ALA DANZA
DANZASMEDIEVALES YRENACENTISTAS
LA DANZA EN LASCULTURAS DELMUNDO
LA DANZA EN LOSPUEBLOSABORIGENES
LA DANZA ENMEXICO
1.- HISTORIA
2.- PREHISPANICA
3.- MESTIZAS
4.- POPULAR
5.- MODERNA YCONTEMPO
LA DANZA ENPOWER POINTS
COMPAÑIAS
FESTIVALES
LEGADO de Pardo
DANZAS DE MEXICO
La danza está considerada como una
de las principales y más básicas
manifestaciones del espíritu artístico
y cultural de los pueblos.
Históricamente, se piensa que el
canto surgió del ella, más que el
proceso inverso, y es bien conocido
como, en la antigua Grecia, el teatro
surgió de ella al ir adquiriendo
preponderancia e individualidad
ciertos elementos del coro en las
danzas corales de los festivales
patrióticos y religiosos. La danza forma así mismo porción
considerable de la cultura de los pueblos primitivos y en
ocasiones es casi la única manifestación artística. El caso de
México no es la excepción y, desde antes de la llegada de los
españoles, una gran variedad de danzas formaba parte de los
ritos de los pueblos que habitaban el territorio de lo que es
actualmente "La República Mexicana". En muchas ocasiones,
los religiosos que evangelizaron estas tierras trataron de
extirparlas, por considerarlas manifestaciones paganas, pero
en vista de la gran dificultad que esto representaba, por su
gran arraigo entre las población indígena, prefirieron
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PERSONAJES
VARIOS TEMAS
LOS TEATROS DELA DANZA
ROYAL OPERAHOUSE - COVENTGARDEN
TEATRO Mariinski(Kírov)
MONOGRAFIAS DELOS ESTADOS
AGUASCALIENTES
BAJA CALLIFORNIA
GUANAJUATO
GUERRERO
JALISCO
MORELOS
QUERETARO
QUINTANA ROO
SAN LUIS POTOSI
SINALOA
SONORA
TABASCO
TAMAULIPAS
TLAXCALA
VERACRUZ
YUCATAN
ZACATECAS
MUSICAFOLKLORICA
EL MARIACHI
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DIAINTERNACIONALDANZA
EL HUAPANGO DEMONCAYO
ENTRETELONES
EXPOSICION
LA BAYADERA CND
PA`QUESUFREN????
PREMIOS INBA
PERSONAJES
DE MEXICO
DEL MUNDO
"adaptarlas", "cristianizarlas" y darles nuevos significados
que ayudaron su labor de evangelización u mestizaje
espiritual.
Poseedoras de aguda imaginación y de elevados poderes de
invención, las diversas razas indígenas de México modificaron
de muy diversas maneras sus ancestrales tradiciones
dancísticas. Estas modificaciones fueron, con mucha
frecuencia, más cosa de apariencia que verdaderamente
fundamentales y parece indudable que, a pesar de las
transformaciones que aun hoy día siguen teniendo lugar, el
gran número del los pasos y movimientos que se ejecutan
actualmente en las danzas tienen una gran antigüedad de
hasta siglos. Muchos de ellos se remontan seguramente a
tiempos precortesianos, al igual que algunas de las
vestimentas que se utilizan durante su ejecución.
En lo que respecta a la vestimenta, se puede ver en los
códices y relieves esculpidos que, efectivamente, constituyen
con frecuencia adaptaciones de los ropajes y adornos de la
antigüedad. En cuanto a las danzas, no existe como saber la
forma exacta que tenían. Incluso las formas más modernas
de notación coreográfica resultan hasta cierto punto
insuficientes para describir en su totalidad el complejo
fenómeno de la danza, y los indígenas americanos no dejaron
más que alguna representación de instantes dados de ciertas
danzas. Sin embargo, no parece muy aventurado afirmar que
algunas danzas conservan buena parte de sus contenidos
primitivos.
Entre los instrumentos musicales primitivos de los indígenas
mexicanos, todavía se encuentran un uso algunos
instrumentos de percusión, como tambores de diversos
tamaños y formas, en particular el teponaxtle, así como
diversos instrumentos de aliento, por ejemplo la flautas de
carrizo o de barro. También son de origen prehispánico las
pieles de diversos animales, como el venado, que se usan
como ropaje, al igual que los bellos y abigarrados penachos
hechos con plumas de diversas aves, y los espejos, que son
una adaptación moderna de las placas pulidas de diferentes
piedras que desde tiempos ancestrales refulgían entre la
vestimenta de los antiguos danzantes mexicanos.
A lo largo del extenso territorio que es México, las danzas
tradicionales tienen muy diversa importancia según las
regiones de que se trate. Hay sitios, como el istmo de
Tehuantepec y la península de Yacatán, en los que las
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Del Renacimiento
GFUdeG
LAS FIGURAS
TIPOS DE DANZA
BIODANZA
VESTUARIOS deMEXICO
DESCRIPCIONES
IMAGENES
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cenidi-danza
EL SHOTIS
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danzas rituales han desaparecido casi por completo, en tanto
que es en la región central de la República donde las danzas
continúan encontrándose con mayor frecuencia y variedad.
Los indios totonacas de los estados de Puebla y Veracruz; los
nahuas, de estos mismos estados, además de Guerrero y
México; y los huastecos de San Luis Potosí, Hidalgo y, otra
vez Veracruz, se cuentan entre los grupos indígenas que
conceden mayor preponderancia a las danzas tradicionales.
En lo que respecta al norte, los indígenas que siguen
practicando danzas antiguas son los huicholes, los coras y
los yaquis, que viven en la costa noroccidental de México, no
parecen tener la más mínima influencia española; ejemplos
son la Danza del Venado y la llamada Pascolas.
A continuación se da una lista, en orden alfabético (sin tomar
en cuenta los artículos, por supuesto, ni las palabras "Danza
de" que forman parte del título en forma mas o menos
voluntaria), de las danzas tradicionales populares más
importantes de la república, con breves descripciones de las
mismas y algunos otros datos pertinentes.
(Nota del Recopilador)
El trabajo del Recopilador se basa únicamente en aplicar las
tecnologías en la recopilación de las danzas, y de ponerle su
respectiva ilustración con la finalidad de poner a disposición de los
interesados lo mismo que está en la RED, pero concentrado en un
solo lugar.
Al final del escrito de cada danza, hemos puesto algunos links que
los lleva a un escrito más amplio para aquellas personas que quieran
profundizar un poco en la danza en cuestión
INDICE DE DANZAS.
ACATLAXQUIS
APACHES
ARCOS
ARQUEROS DE NAYARIT
ARRIEROS
CABEZA DEL COCHINO
CANACUA, DANZA ANTIGUA DE GUARIS.
CAPORALES
CONCHEROS GUANAJUATO
CONQUISTA
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CUADRILLAS ESTADO DE TLAXCALA
CUADRILLAS TEPEHUANES
CHAL DE HUEYAPAN
CHICHIMECAS
CHINELO
CHIVOS
DANZA DE LOS CUERUDOS
LA CULEBRA TALAXCALTECA
LA GUELAGUETZA
HUAHUAS
HUEHUENCHES
DANZA DE LAS IGUIRIS
DANZA DEL INDIO
LOS INDIOS BRUTOS.
DANZA DE LOS JUDÍOS O JUVIASI
Danza de KALALÁ
EL MACHOMULA
LOS MAROMEROS O “DAN MARITECA”
DANZA DE LAS MASCARITAS
DANZA DE LOS MATACHINES
DANZA DE LOS MATLACHINES
MATLACHINES Zacatecas
MATLACHINES Aguascalientes
LOS MATLACHINES DE S. L. P.
DANZA DE LOS MIGUELES Y LA FIESTA DE SAN
MIGUEL
EL MITOTE
MOROS Y CRISTIANOS
MOROS Y CRISTIANOS (DEL LIBRO ARTE POPULAR
MEXICANO)
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LOS MUDOS
LOS NEGRITOS Región Totonaca de Veracruz y Puebla
Danza de los negritos de Veracrúz
OCHO VICIOS
DANZA DEL OJO DE AGUA ESTADO DE COAHUILA
LA PALMA Jalisco
EL PALOMO de Guerrero
DANZA RITUAL DEL PALOMO DEL ESTADO DE CHIHUAHUA
LOS PASCOLAS
LOS PAIXTLES
Danza de los Parachicos
PESCADOS
DANZA DE LA PLUMA
SANTIAGOS
LOS SEGADORES
SIETE PECADOS
SONAJEROS Sur de Jalisco
TECUANES
DANZA DE LOS TEJONEROS Costa de Oaxaca
TEJORONES
DANZA DEL TIGRE Costa de Oaxaca
TOCOTINES
TOREROS
LOS TOREROS MINEROS
DANZA DEL TORITO SERRANO
DANZA DEL TORO DE PETATE Costa de Oaxaca
DANZA DE LA TORTUGA Costa de Oaxaca
DANZA DE LOS TRES PODERES
DANZA DEL TSACAM SON
DANZA DE LOS TASTOANES
DANZA DEL TUMBIS Y DEL PESCADO
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LA URRACA
LA VAQUERÍA ESTADO DE YUCATÁN
DANZA DE LAS VARITAS ESTADO DE SAN LUIS POTOSÍ
EL VENADO Y LA PASCOLA
DANZA DE LOS VIEJITOS
La danza de los voladores
EL XOCHIPITZAHUA ESTADO DE PUEBLA
ZACAMSON O LA BRINCONA
ACATLAXQUIS
· Esta danza otomí deriva
de un antiquísimo rito
prehispánico y utiliza,
como accesorio más
distintivo, un objeto que
recuerda la flauta de carrizo del dios Pan. Los
danzantes forman un arco con cañas y,
conjuntamente, acaban por formar una especie de
cúpula de este material. Es danza típica de
Panhuatlán, donde se lleva a cabo bajo el palo
volador. También puede verse el 12 de diciembre
el la Villa de Guadalupe.
ACATLAXQUI
El nombre de esta danza es de procedencia nativa
-de acatl, caña en náhuatl- se refiere al uso de
unos carrizos plegables que en ella se utilizan.
Como una docena de estas cañas adornadas con
listones, van atadas entre sí, de modo tal, que se
sueltan y extienden al ser lanzadas, lo que
produce un vistoso efecto.
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Los danzantes generalmente vestidos de blanco
con dos franjas sobre el pecho, inician sus
evoluciones, semejantes a ciertas figuras de la
contradanza, aún dentro del templo, en filas
enfrentadas que evolucionan con música de flauta
y tambor, en torno a la “maringuilla”, ante la cual
se hacen frecuentes reverencias, para finalmente
rodearla y levantarla sobre los hombros de los
danzantes, al tiempo que éstos lanzan sus
acatlxquis formando una corona sobre la
“maringuilla”, que también recibe el nombre de
Malinche.
APACHES
· Otro de los nombres con que se conoce la danza
llamada Concheros (q.v.).
DANZA DE CONCHEROS CHICHIMECAS O
APACHES
Apaches es otro de los
nombres de la danza de
concheros, y es originaria
de la región de Salinas,
San Luis Potosí. Suele
bailarse en los primeros
días de marzo, durante las celebraciones del
Señor San José. También se baila en el atrio de
las iglesias y puede durar horas en señal de
penitencia a los santos patronos.
Los apaches visten calzón y camisa de tela
brillante, chaleco y nahuilla de tela aterciopelada,
adornada con lentejuelas, carrizos, estambre y
chaquira. Utilizan una corona o penacho adornado
con plumas de colores y espejos. Calzan
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huaraches con suela de vaqueta, llevan en la
mano izquierda un arco de madera que utilizan en
algunos sones y, en la derecha, una sonaja de
guaje.
DANZA DE LOS ARCOS
• La llevan a cabo los
hombres, que por parejas
portan los extremos de
arcos decorados con flores
de papel y danzan en
hilera. Su vestimenta es
blanca y llevan pañoletas
cruzadas sobre el pecho. Esta danza, que esta
llena de pasos muy complejos y giros
sorprendentes y vistosos, puede verse en diversas
festividades de los estados de Hidalgo, México y
Puebla.
Esta danza es originaria de El Pantanal (lugar
entre pantano), situado en la parte sureste de
Tepic, Capital del Estado de Nayarit.
LOS ARQUEROS DE NAYARIT
Allí se baila una danza que los nativos llaman de
los Arqueros, cuyo origen se pierde en la noches
del tiempo, sabiéndose sólo por tradición, que
esta danza la bailaban los indígenas huicholes que
durante la conquista se remontaron a lo más
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inaccesible de las serranías nayaritas, huyendo de
la voracidad y crueldad de los conquistadores;
dejando en este lugar, como herencia artística la
mencionada danza de los Arqueros. Se cree que
los primeros misioneros cristianos imprimieron
modificaciones en los adornos de su indumentaria,
conservándose su música, sus arcos, sus pasos y
sus evoluciones.
Esta danza la bailan los indios en las ceremonias
rituales o al iniciar algún combate en las guerras
que sostenían frecuentemente con la sanguinaria
tribu de Sangangüey.
La danza consta de más de 14 sones, que se tocan
en un violín al que acompaña el ruido que
produce la sonaja, el arco y los carrizos y
cascabeles que adornan el traje del danzante.
En la actualidad, la bailan los danzantes de El
Pantanal el 4 de octubre de cada año, como una
devoción al Santo patrono del lugar: San
Francisco de Asís. Forman la danza 6 parejas
como mínimo y 10 como máximo; el grupo de
danzantes, al iniciarse la fiesta, hace su entrada
bailando hasta ocupar el frente de la iglesia, en
donde pasará el día y la noche bailando, sin más
intervalo que el tiempo indispensable para tomar
sus alimentos, los que son proporcionados por los
habitantes del mismo lugar.
DANZA DE LOS ARRIEROS
· Los danzantes llegan con sus ropajes blancos y,
en ocasiones, con chaparreras de cuero, montados
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en animales vistosamente decorados. Además de
las danzas que ejecutan, cantan, declaman y
rezan, mientras que algunos de ellos preparan el
banquete que constituye el centro de esta fiesta.
Comúnmente utilizan mandiles decorados
mientras se dedican a este menester. Los
ingredientes para el banquete se han recabado
gracias a la cooperación de todos. Cada "arriero"
debe traer algo.
DANZA DE CABALLITOS Nuevo León
DANZA DE LOS CABALLITOS
Esta danza tiene lugar el 12 de Diciembre, en las
fiestas en honor a la Virgen de Guadalupe y el 4
de Octubre, en las festividades de San Francisco
de Asís. Es una danza completamente religiosa en
la que participan 26 danzantes: trece hombres y
trece caballitos, además de un torito, una mula, la
“Malinche”, representada por una niña vestida de
blanco y el viejo de la danza, quien se encarga de
divertir a los niños con su máscara, su chicote y
su inseparable muñeca.
Entran primero los trece danzantes a pie, con una
sonaja en la mano, ataviados con pantalón
oscuro, camisa blanca, un paliacate rojo en la
cintura a manera de delantal y sobre la cabeza
una corona adornada con flores y espejos. Luego
hacen su entrada los caballitos, ataviados con un
armazón de carrizo que cubren con una tela y que
adornan con espejos de estrellita, bandas de papel
crepé o de papel de china, fundas de cojines
bordadas, guajes y escobetillas de ixtle, colgando.
Lo más atractivo de la indumentaria de esta danza
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son las cabezas de los caballitos, talladas en
madera de madroño o de “quiote” y pintadas al
gusto de cada danzante.
Después de los caballitos, entran la mula y el
torito llevando sus respectivos capitanes. Éstos
marcan las “pisadas”, las vueltas, el trote y el
tiempo para cruzar. Los caballitos utilizan una
reata para lazar al “viejo”, cuando éste se les
acerca con la intención de “robarles” la carga que
llevan atrás. El momento más interesante de la
danza, es cuando todos los danzantes “caballitos”
se toman de la mano, unidos por un machete, y
dando vueltas simulan un corral en el que
encierran al torito que, para impedirlo, los ataca y
trata de salir.
La música está compuesta por varios sones y son
interpretados por violín y tambora o violín y
guitarra.
DANZA DE LOS CHAREOS Costa de Oaxaca
DANZA DE LOS CHAREOS
Esta danza es una variante regional de la Danza
de moros y cristianos. La practican en diversas
poblaciones de la Costa, de las cuales la más
vistosa y llena de colorido es la interpretación de
Santiago Jamiltepec, cabecera de Distrito y
Municipio del mismo nombre, situado en el litoral
del océano Pacífico, al sureste de Santiago
Pinotepa Nacional, en el estado de Oaxaca.
La danza de los Chareos representa la batalla
entre dos grupos: los moros enemigos de la fe
cristiana, liderados por Pilatos, y las tropas
defensoras de la religión católica, comandadas por
el Apóstol Santiago. Dos personas enarbolan al
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frente dos banderas rojas y dos blancas; las
primeras simbolizan la sangre de los soldados de
Santiago y las segundas, la paz después de la
victoria de los cristianos.
La danza es ejecutada por dieciséis danzantes,
todos ellos hombres. Uno representa al Apóstol
Santiago, utilizando en la cintura un armazón que
simula un caballo, lo que le da la apariencia de un
jinete montado en un caballo blanco. Los demás
danzantes usan pantalón de terciopelo con
brocados dorados, y debajo del mismo llevan un
calzón tejido de algodón. Usan plumas de
avestruz en la cabeza y una de pavo real al
frente. La indumentaria se completa con un
machete y un paliacate blanco sobre los hombros.
Quien encabeza la danza usa un penacho de
plumas blancas y un sombrero con un pequeño
espejo.
DANZA DE CHICALEROS Nuevo León
EL CHINELO DEL ESTADO Morelos (TEPOZTLAN)
Se puede llegar a este pintoresco jirón de
tierra mexicana saliendo del Distrito Federal por
carretera a la ciudad de Cuernavaca y de este
lugar siguiendo por la asfáltica, recorriendo una
distancia de 24 kilómetros llegando a TEPOZTLAN.
La fiesta de mayor relieve que este pueblo
celebra durante el año, son varias y se
caracterizan por su sabor nativo; siendo las
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principales las carnavalescas y las del Santo
Patrono que se enmarca del 6 al 15 de mayo, en
las cuales el visitante puede contemplar y gozar
de toda la policromía que encierra el ambiente
con la diversidad de sus danzas regionales.
Las bandas de música van sacando a cada
barrio y habitación a los Chinelos o comparsas
para recorrer las calles y terminar en la plaza
principal en donde anuncian su llegada con un
“bombazo” empezando desde ese momento el
“brinco de los chinelos”.
Por la noche, se inicia el baile entre Chinelos,
que dura hasta las primeras horas del nuevo día,
para que nuevamente las bandas de música
acompañen a los Chinelos a su domicilio tocando
La Morena y La Golondrina, piezas regionales a
manera de despedida.
La indumentaria consiste en grandes
sombreros de palma que ellos mismos se
confeccionan con las alas vueltas hacia arriba
cubiertas con abigarrados dibujos de canutillo,
lentejuela y bordados de seda, rematando en u
penacho de plumas de avestruz en la parte
superior. Una túnica suelta que llaman “dominó”
de seda color brillante; en la espalda llevan el
“volantón” que consiste en un cuadro de distintivo
color bordado en seda con motivos típicos. La
cabeza la llevan envuelta en una pañoleta de
vivos colores llamada “mascada”.
Pero además de sus danzas hay fuegos
artificiales, sus típicas vendimias y como es
costumbre típica en la región el “jaripeo” donde se
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hacen todas las artes de la Fiesta Charra.
Los tepostecas vienen celebrando estas
festividades desde hace muchos años,
costumbrismo que vive en el alma de un pueblo
amante de sus evocaciones tradicionales.
CABEZA DEL COCHINO
· Esta celebración deriva su nombre del desfile
que se lleva acabo al finalizar y en el cual se
porta, como estandarte, precisamente una cabeza
de cerdo que ha sido adornada por las mujeres.
Para esto, utilizan flores y rollos de papel de
colores que ellas mismas han hecho, así como
botellas decoradas, pajaritos de papel de algodón ,
muñecas de trapo y una gran variedad de
golosinas. En el hocico colocan un rollo grande en
el que va el nombre de la persona a la que se
hace el regalo y ponen en la cabeza en una gran
charola adornada con cintas colgantes. Las
mujeres danzan mientras que, con una mano, se
prenden de una de estas cintas y, con la otra,
portan jícaras llenas de maíz, al tiempo que se
lamen los labios para mostrar lo sabroso que está
el animal. En días anteriores se hacen procesiones
con música en ciertos pueblos, durante las cuales
se lleva al capataz o encargado de la fiesta el
animal que se ha de sacrificarse. Esta fiesta es
típica en toda la Península de Yucatán.
CANACUA, DANZA ANTIGUA DE GUARIS.
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Es de hacer notar que en la mayor parte de la
República, muy especialmente en Michoacán,
interviene la música en la vida y costumbres de
los indígenas, pues cuando nace un niño (o bien el
Niño Dios en la Navidad), lo arrullan con los
dulces sones regionales, hechos especialmente
para tal acontecimiento y conforme va creciendo
lo van festejando con música adecuada, según la
edad y su estado hasta que muere.
Entre las múltiples manifestaciones musicales de
Michoacán, ocupan un lugar preferente, por su
belleza, su variedad y por lo característico de sus
melodías, una serie de canciones en tarascó que
se efectúan en orden progresivo, denominadas en
conjunto, CANACUAS.
Estas tienen su origen en la región serrana de
Michoacán; seguramente en el pueblo de San
Pedro Paracho, que es cuna de la mejor música
serrana, pues además de fabricar en compositores
de canciones y sones de gusto muy refinado.
Las Canacuas es una danza tradicional que ha
sido transmitida de padres a hijos, de generación
en generación. En tarascó quiere decir “coronas” y
parece que su origen data de antes de la
Conquista. Este baile se lleva a cabo durante
cierta ceremonia.
La fiesta comienza con la bienvenida, después el
ofrecimiento; luego una serie de bailes y cantos
como la flor de canela , flor de changunga y otros
sones.
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CAPORALES
· Estas festividades, en las cuales los "caporales"
visten de charro y utilizan un torito de madera
para sus juegos, puede encontrarse en los estados
de México y Guanajuato.
CHAL DE HUEYAPAN
Este baile es bailado en varios lugares de la Sierra
de Puebla, siendo uno de ellos la comunidad de
Hueyapan. Su origen es la veneración de la
población indígena por Olienteutle y su bella hija
Xochitlcualtzin.
Cuenta la leyenda que Olinteutle, triste por la
traición de su pueblo al declararse vencido sin
ofrecer gran resistencia al conquistador español,
determinó enviar a su hija Xochitlcualtzin (flor
bonita), con unos parientes suyos que radicaban
en Hueyapan mientras él ocultaba su dolor y su
tristeza en medio de montañas inaccesibles.
La doncella, que había recibido una educación
esmerada en las escuelas de la nobleza azteca,
introdujo en Hueyapan un telar primitivo y les
enseño a las mujeres del lugar a confeccionar
“zuapayos” (chales y mantos), “cueytl” (enaguas y
faldas), Tahcopil (fajas, etc.) así como también a
teñir y a bordar.
Xochitlcualtzin que fue muy querida, respetada y
obedecida por los nativos de Hueyapan, organizó
con hombres y mujeres homenajes semanarios en
el viejo Teocalli, dedicados a la memoria de su
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padre, último monarca de aquella región.
A esta ceremonia, todos asistían vestidos de gala.
Han pasado siglos y en Hueyapan se sigue oyendo
desde muy temprana hora, el ruido que produce
el telar que Xochitlcualtzin dió a conocer. También
se oye el balido de las ovejas que van al campo, o
de las que esperan impacientes el momento de la
trasquila para que su vellón se transforme en
mantos de lana de flor.
Conforme a esta vieja tradición, se desarrolla el
baile que se conoce con el nombre del “Chal de
Hueyapan” o con el nombre de “Mantos de lana
flor”. Dentro de la danza se advierten los
siguientes cambios: Ofrenda Religiosa, Uso del
Machete, Lucimiento del Chal, Pelea con el
Machete, Baile formando Cadena y Entrega de
Flores y Panes.
CHICHIMECAS
· Otro nombre de la danza llamada "Concheros"
(q.v.)
LOS CHICHIMECAS
Esta danza proviene de Salinas, San Luis Potosí, y
la celebran en las fiestas religiosas, los
integrantes son hombres porque hay veces que
duran varios días, ayudados por el “peyote”, el
cual les da fuerza.
El vestuario es mucho muy parecido al de los
matlachines de Aguascalientes.
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La música que utilizan es el violín y el tambor y
los sones que tocan son bastantes.
LOS CHIVOS
· Durante su ejecución se utilizan como
instrumentos musicales quijadas de burro, así
como cajas de madera a las que se golpea para
llevar el ritmo, al tiempo que se raspa un palo
contra las quijadas de burro, con lo cual se
produce un ruido semejante al güiro. Los
danzantes, que hacen de chivos, llevan puestas
máscaras de madera pintadas de rojo, con
cuernos de venado cubiertos de cintas y flores de
papel, así como faldas que les llegan a las rodillas.
Es una danza típica del estado de Guerrero.
LOS CONCHEROS GUANAJUATO
Esta es quizá la danza más apegada a las
tradiciones prehispánicas, en la música, en la
indumentaria, en la coreografía, en la
organización general y sobre todo en su profundo
significado religioso.
Se ejecuta en los diversos lugares del país.
Distrito Federal, Hidalgo, Tlaxcala, Puebla, siendo
el Estado de Guanajuato, especialmente en San
Miguel Allende, donde se ejecuta mejor.
Los danzantes de nuevo ingreso van ocupando
diferentes nombres; alférez, sargento segundo y
capitanes de conquista, que con su gente están
bajo las ordenes del capitan general de una
congregación.
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Los instrumentos son una especie de mandolina
hechas de concha de armadillo y en su vestuario
usan mucho la gamuza adornada con grecas,
lentejuela y chaquira.
DANZA DE LOS CONCHEROS
Ésta es una de las pocas danzas en las que
pueden participar mujeres. Su nombre deriva de
uno de los instrumentos que acompañan la
ejecución, que es como una mandolina, pero
formada por el cuerpo de un armadillo. Entre las
danzas que han conservado algunos de sus
detalles más marcados de su origen prehispánico
se encuentra la danza llamada Concheros,
ejecutada principalmente en los pueblos cercanos
a la Capital de México. Este evento es esperado
con entusiasmo todo el año.
Los participantes se preparan con mucha
anticipación, dedicando todo el tiempo que sea
necesario para ensayar y utilizando los recursos
económicos de que dispongan para arreglar o
renovar sus atuendos.
Sin embargo, como ocurrió con la mayoría de las
danzas en México, la Danza de los Concheros,
conocida antiguamente como “Mitote”, fue
alterada en su versión original atendiendo las
disposiciones del primer Concilio Provincial
Mexicano de 1555, en donde se pedía que “las
fiestas y regocijos se encaminen al honor de Dios
y de los Santos”. Esto ha complicado, según los
expertos, el trabajo de interpretación de la
simbología y cualquier alusión a algún misterio de
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su religión, porque éstos han sido sustituidos por
las alabanzas que cantan actualmente dentro del
templo y que han creado una mezcla de confusas
expresiones que podrían hacer creer que estas
danzas, encubren el culto pagano y disimulan el
culto católico.
De cualquier forma, la danza exige un largo
aprendizaje que se logra gracias a la organización
de sus miembros, sujetos a una severa disciplina
que impone la obediencia. Un jefe de danzantes
llamado Capitán de Conquista y que está sujeto al
Capitán General que tiene jurisdicción sobre
determinado territorio, es reconocido por todos los
grupos; les siguen dos Sargentos y, finalmente,
los danzantes que son clasificados en conchero
primero de la derecha, primero de la izquierda y
así, sucesivamente según su habilidad. El último
grado corresponde al alférez, encargado de llevar
el estandarte con las imágenes religiosas.
Después de saludar en el templo a los Santos
venerados, los concheros avanzan en dos filas
hacia el atrio o la plaza, precedidos por el alférez
y siguiendo el paso que les ha sido marcado. Los
danzantes de mayor categoría ocupan el centro
del atrio y son rodeados por los concheros. Se
empieza formando un círculo dividido en 4
secciones, separadas por un alférez con su
estandarte; éstos guían a los concheros que
marchan hacia la derecha y se detienen al ocupar
el lugar del siguiente alférez, después, todos
marchan en sentido contrario, hasta que el alférez
ocupa su lugar original, terminando con dos
marchas circulares completas, a la derecha
primero, y a la izquierda después. El ritmo y el
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tono de los sones llevados por el huéhuetl y el
teponaztli, van incrementándose, de pausado y
grave a ligero y agudo.
En la siguiente etapa de la danza, cada alférez,
seguido de su sección, se dirige al centro entrando
por un radio del círculo de manera que forman
una cruz y varios círculos concéntricos. Cada
círculo de concheros danza girando en su órbita,
respetando la línea de su sección, lo que obliga a
los concheros del círculo exterior a acelerar el
paso, mientras que los capitanes del centro, casi
no se desplazan de su lugar.
En la tercera parte de la danza, donde el
acompañamiento rítmico es más acelerado, un
conchero se adelanta del lugar que ocupa y
ejecuta un recorrido alrededor del círculo
mientras baila y luce las prendas de su vistosa
indumentaria a la que ha enriquecido con nuevos
adornos.
El traje de los concheros no es el mismo para los
diversos grupos que bailan esta danza; en algunas
regiones lo usan de gamuza con adornos
pirograbados o pintados al óleo, otros usan camisa
y calzón blanco con bordados de figuras
geométricas o flores, algunos llevan sombrero de
palma de anchas alas y copa baja o penacho con
plumas.
Uno tras otro, todos los concheros tienen la
oportunidad de bailar individualmente luciendo
sus trajes y sus habilidades. Aquí su expresión se
suaviza notoriamente, ya no son ejecutantes de
un rito religioso, sino artistas que buscan el
lucimiento bailando con más desenvoltura y
gracia. En el centro del círculo, el capitán general
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con los capitanes y sus alféreces, ejecutan los
pasos que han ido marcando los concheros del
círculo exterior, pero en este pequeño grupo hay
todavía más lucimiento ya que el capitán suele
llegar a ser habilísimo bailarín y no desperdicia
esta ocasión para hacer gala de su arte.
En la actualidad, en la explanada lateral de la
Catedral de la Ciudad de México, pueden verse
distintos grupos de concheros que representan la
danza, ataviados con indumentaria tradicional,
combinada con textiles y prendas comerciales
(mezclilla, en la mayoría de los casos). La danza
suele extenderse por horas y cualquier persona
puede integrarse a ella, ya sea ocupando un lugar
en el círculo exterior o formando uno nuevo.
Ésta es una muestra viva del sincretismo, ya que
a la danza del zócalo capitalino, pueden
integrarse extranjeros que siguen los pasos
marcados por el alférez o por los capitanes y se
ha convertido en una atracción turística al tiempo
que, para muchos, significa un serio y solemne
intento por conservar las tradiciones mexicanas.
http://docs.google.com/Doc?
id=dzztzb7_3230g4r7m9cn
LA CONQUISTA
· Los protagonistas de esta danza, que
conmemora la conquista de la Nueva España, son,
naturalmente, cortés, el conquistador español; la
Malinche, una india que le sirvió de intérprete y
con la cual convivió; y el emperador indio
Moctezuma, así como otros emperadores, en
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ciertos casos. Los danzantes llevan el rostro
cubierto con máscaras o velos; los que
representan a los españoles portan arcabuces
aunque, por lo general, utilizan ropa moderna; los
que hacen de indios llevan disfraces de rayón y
penachos de plumas; frecuentemente se
distinguen los que hacen el papel de Caballeros
Águila y los que lo hacen de Caballeros Tigre,
famosas órdenes guerreras de los aztecas. Van
armados con arcos y flechas y a veces llevan
maracas; parlamentan con los españoles y luego
se enzarzan con ellos en furiosas batallas. La
danza a veces finaliza cuando los españoles
terminan por vencer a Moctezuma; en ocasiones,
continua con el bautismo de los indios y termina
en regocijo general. A veces se le conoce como
danza de los Marqueses, debido al titulo de
Marqués que adoptó Cortés, y se la puede ver en
los estados de Michoacán y Jalisco, entre otros.
DANZA DE LA CONQUISTA
Los protagonistas son Hernán Cortés, la Malinche
y Moctezuma. Se distinguen los Caballeros Águila
y Caballeros Tigre, famosas órdenes guerreras de
los aztecas, quienes llevan arcos y flechas y se
cubren la cara con máscaras. Ellos enfrentan a los
españoles, quienes portan arcabuces y, por lo
general, utilizan ropa moderna. Al vencer a
Moctezuma, se representa el bautizo de los indios
que llevan atuendos de rayón y penachos de
plumas. Esta danza se conoce en los Estados de
Michoacán y Jalisco como danza de los Marqueses,
debido al titulo de Marqués que adoptó Cortés.
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DANZA DE LAS CUADRILLAS O RIGODONES
Es un baile de salón de origen francés. En tiempos
de la Intervención Francesa, muchos de los
invasores se establecieron en Bagres, una
comunidad del municipio de Tepehuanes en el
Estado de Durango y fue en este lugar donde se
realizó el primer baile de “Rigodón”, nombre que
deriva del de su autor, Antonio Ragaud, quien lo
creó en la Provenza francesa en el siglo XVIII.
En un principio, únicamente la clase social más
favorecida participaba en ellos, pero cuando el
pueblo tuvo ocasión de conocer a los “rigodones”,
no tardaron en hacer sus propias interpretaciones,
imprimiéndoles el sello característico del alma
mestiza.
Es una danza que se baila por turnos (cuadrillas),
de manera que puede participar cualquier número
de danzantes. Aunque se ha dejado a un lado el
salón señorial, se buscan lugares amplios. Entre
cuadrilla y cuadrilla, se tocan piezas distintas, se
hacen brindis y recitaciones. Las mujeres que son
invitadas a brindar tienen la obligación de
aceptar. En ese momento la música para y el
joven debe recitar una poesía a alguna de las
muchachas concurrentes, la que debe contestar
de la misma manera; después de un juego de
recitaciones y brindis, entra la siguiente cuadrilla.
Los instrumentos más comúnmente usados en
estos bailes son el violín, la guitarra, el tambor, el
acordeón y principalmente el arpa.
La vestimenta tradicional de los hombres es
borceguí, pantalón de charro, guayabera y
mascada al cuello; para la mujer, botines de raso
y puntera de charol, enaguas de cuchillas con
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holanes, blusa escotada, rebozo y peinado de
rizos al frente, con chongo alto.
LAS CUADRILLAS ESTADO DE TLAXCALA
El origen de este baile es europeo, pues por su
forma e indumentaria, nos recuerdan bailes
franceses, españoles e italianos.
Debemos recordar que a raíz de la conquista
española en nuestro país, los hispanos trataron de
arraigar en el pueblo sus costumbres, su música,
sus danzas, una nueva religión y en general una
nueva cultura. Los indígenas lo observan todo y
trataron de imitar lo que más les llamó la
atención.
Andando el tiempo, durante la intervención
francesa, se bailan en los salones de sociedad los
“LANCEROS y las “CUADRILLAS” precisamente por
parejas que imitaban en el baile actitudes y
caravanas versallescas.
Esta danza se ejecuta en el Estado de Tlaxcala,
especialmente en los pobladores de Tepeyanco y
San Juan Totolac.
Los danzantes en número de 18 y 20, concurren a
bailar por parejas con la circunstancia de que no
intervienen mujeres, sino que éstas son
representadas por hombres disfrazados , que
lucen máscaras con facciones femeninas.
Los indígenas tlaxcaltecas que ejecutan esta
danza, le dan también el nombre de “camada” en
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la acepción de conjuntos, grupo o cuadrilla, e
imitando en parte las actitudes de lo que vieron
hacer en otros tiempos, pero imprimiendo a su
baile ciertas características propias, tales como
que los pasos se ejecutan con ritmos de clara
ascendencia prehispánica.
Los pasos son sencillos, consisten en marchas
ejecutadas al compás de la música, dando de
tiempo en tiempo, pequeños saltos. Las diversas
evoluciones que ejecutan, llevan nombres propios
tales como: La Rosa, Las Diagonales, La Canasta,
El Petatillo, El Puente, El Paseo, la Cadena, etc.,
pues en tales evoluciones se imitan lo que esos
nombres indican, por ejemplo: varias parejas han
de pasar debajo de otra que teniendo los brazos
en alto simulan un puente. Para resolverse esta
bella evolución en la “cadena” consiste en que,
colocados en doble círculo, giran unos hacia un
lado y otros hacia otro, dándose las manos de
manera que al ejecutar esta evolución tiene que
virar ligeramente sus cuerpos para poder dar una
ocasión la mano derecha y en la siguiente la
izquierda de modo que, vista la evolución desde
un plano superior parece una cadena que gira en
ambos lados.
Para terminar tan vistosa danza, en algunas
poblaciones tlaxcaltecas, como San Juan Totolac,
un individuo pasa al centro del círculo portando
un gran madero de cuyo extremo superior penden
cintas de colores, tantas como danzantes, toman
de cuyo extremo superior parte, y siempre al
compás de la música tocada con violín y guitarra y
a veces con una pequeña orquesta de cuerda o de
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viento, han de tejer siempre bailando, las cintas
alrededor del madero para luego destejerlas con
precisión y maestría.
Esta fase de la danza es netamente indígena y ha
sido descrita en varias ocasiones con el nombre de
Las Cintas, la que tiene, seguramente, un
profundo significado religiosos, en relación con la
agricultura y probablemente en el culto fálico.
Recordemos que nuestros antepasados usaron
pequeñas columnas de madera y piedra para
comprobar sus observaciones acerca del paso del
sol por el cenit.
El sol, fecundador de la tierra, se proyectará
representado por el madero en cuestión y la cinta
de varios colores, seguramente que al ser tejidas
por los danzantes sobre el madero, representarán
las flores y los frutos de la tierra.
LAS CUADRILLAS
"TEPEHUANES"
Su nombre original es "RIGODON" que se deriva
del de su aotor, Antonio Ragaud, que lo creó en la
Provenza, Francia en el siglo XVIII. Con la
intervención francesa llegaron los rigodones al
territorio nacional, los que en un principio fueron
solaz únicamente de la clase social más
favorecida; pero no tardaron en llegar hasta el
pueblo humilde, quien los interpretó
imprimiéndoles un sello característico del alma
mestiza.
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Hace mucho que las Cuadrillas desaparecieron de
los salones señoriales, desplazadas por el empuje
de nuevos ritmos, pero el pueblo, conservador
ferviente de la herencia ancestral, aún ejecuta
con pasión este baile que tiene un sabor
francamente mestizo, gracias a las modalidades
que él mismo les ha impuesto. Por su ejecución,
es en realidad una contradanza.
El ritmo de la música está adaptado a cada una de
las cinco figuras de que se compone, siendo los
instrumentos más comunmente usados el violín,
la guitarra, el tambor, el acordeón y
principalmente el arpa.
Este baile estuvo de boga en nuestro país en la
segunda mitad del siglo pasado.
Entre el pueblo humilde no había invitación
personal, bastaba con correr la voz paa que
hombres y mujeres concurrieran con oportunidad
al lugar del baile ataviados según la usanza. El
hombre, con borceguí, pantalón de charro con
aletón, guayabera, mascada al cuello. La mujer
con botines de raso y puntera de charol, enagua
de cuchillas con olanes, blusa escotada, rebozo y
peinado de rizos en la frente, con chongo alto.
(Lámina Mún. 14)
La sala debía ser de amplias dimensiones y el
piso, si no estaba entablillado, se regaba antes de
empezar el baile y después, cada vez que
comenzaba a levantarse el polvo. Las vecinas
prestaban los asientos que hacían falta.
Al empezar el baile, como una galantería los
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señores mayores ofrecían a las damas vino, las
que tenían la obligación de aceptar y era práctica
obligada de higiene pasar la palma de la mano
izquierda por la boca de la botella antes de tomar
.... o simular tomar, del contenido. Cuando era
jóven quien brinidaba el vino, la música cesaba de
tocar, éste decía un verso dedicado a alguna de
las muchachas concurrentes, la que tenía la
obligación de contestar. Venían los aplausos y
después los comentarios. Eran versos burdos,
pero veraces y en ocasiones no excentos de
donaire.
Cualquiera que fuera el número de parejas, todas
bailaban porque se procedía por riguroso turno.
Además entre juego y juego de cuadrillas se
tocaban otras piezas distintas, dos o tres que
aprovechaban quienes habían estado como
espectadores.
Bagres es una comunidad de Tepehuanes del
Estado de Durango situada en las márgenes del
rio del mismo nombre. Cuenta apenas con 360
habitantes. En tiempos de la intervención
francesa, los invasores se establecieron en ese
lugar, y todavía sus pobladores revelan a la clara
la sangre europea. Puede decirse que allí se
bailan las cuadrillas con sentido ritual, poruqe el
hacerlo es una prerrogativa que sólo se concede a
las personas mayores.
DANZA DE LOS CUERUDOS
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Danza dedicada a los viejos arreadores de ganado
de San Carlos Yautepec, en la región chontal del
Estado de Oaxaca. La danza la realizan sólo tres
personas: dos danzantes y un tercer personaje
que simula ser un toro.
Los “cuerudos” llevan una máscara gigante con
gestos exagerados, un sombrero charro conocido
como “panza de burro” y huaraches tipo “pata de
gallo”.
La danza, desde sus inicios, fue acompañada por
música de banda y consta de ocho sones, cada
uno diferente en melodía y pasos. Aunque en la
actualidad se tiene la costumbre de tocar sólo
cuatro sones cuando la danza no es presentada en
la festividad del Rosario.
LA CULEBRA TALAXCALTECA
Cuentan los ancianos de Papolota y Tepeyanco,
del Estado de Tlaxcala, una misteriosa leyenda
característica de nuestra raza: Existió cuando aún
no se sabía de los hombres blancos y barbados,
una doncella dotada de todas y cada una de las
gracias y encantos, adornos de la mujer, así como
de un cruel y perverso corazón y de una
extremada vanidad que la hacían complacerse en
el tormento de los mancebos que, hechizados por
su hermosura, aspiraban a su amor. Por su culpa
se libraron lances sangrientos y tenían lugar
múltiples suceso y calamidades, que la pasión por
la bella provocaba, convirtiendo a un pueblo antes
valeroso e invencible, en un puñado de hombres
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sin voluntad y sin más aspiraciones que obtener
una sonrisa o una mirada suya.
Un “TLACOTECALOTL” (divinidad) quiso librar al
pueblo de tal hechizo y entre truenos y
humaredas hizo desaparecer a la bella, quedando
en su lugar solamente la chirrionera, asqueroso
reptil que conservó el corazón maligno y perverso
de la dama.
Desde entonces, la chirrionera atormentaba con
saña a los habitantes de toda esa región,
especialmente a los jóvenes. Para aplacar las iras
de la bella mujer convertida en serpiente y para
alejar a los malos espíritus, los mancebos idearon
danzar en las afueras de la ciudad imitando el
golpe de la culebra sobre sus cuerpos, utilizando
chicotes largos y macizos que hasta la fecha son
usados para lo mismo.
Con la llegada de los “Hijos del Sol” y habiendo
sido Tlaxcala uno de los lugares en donde
permanecieron más tiempo, y teniendo en cuenta
la tendencia de los pueblos aborígenes a la
imitación, modificaron sus trajes copiando algunas
prendas de vestir españolas, lo mismo que
algunas evoluciones de los bailes iberos. En la
actualidad su atavío es un mantón estilo manila
en el que aparecen bordados infinidad de motivos
y matizados de colores con gran profusión, pieles
enrolladas en las piernas simulan botas; llevan un
chaleco a manera de coraza, el pantalón es corto
como el que usaban los españoles y cubren su
cara con máscaras finamente labradas imitando la
tez, las facciones finas y el color de los ojos de los
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invasores.
Completa el atavío, grandes penachos de plumas
de vivos colores de los que cuelgan lienzos y
cintas de variado colorido y llevan en la mano un
largo chirrión simbolizando a la legendaria
culebra.
Cada pueblo tiene su cuadrilla o camada de
danzantes, y en la época de carnaval danzan para
alejar los malos espíritus y poder, en paz, cumplir
con su prácticas religiosas.
Las cuadrillas son invitadas a bailar en las
plazuelas y en patios de las casas para estar
seguros de que “el mal” no llegará en mucho
tiempo.
La danza en sí, representa al principio la
monotonía pasiva del pueblo hechizado y
gradualmente penetra la vida y el entusiasmo
aumentando la ligereza y el balanceo de los
movimientos, en los que se observan, así como las
evoluciones la marcada influencia y estilo de los
bailes españoles; se suceden los movimientos
ligeros nerviosos, esperando al instante de estar
frente al temido animal; desenvuelve cada uno su
“CULEBRA”, la que perezosa y malévola se
arrastra hasta quedar enredada en su sitio
habitual para espiar traidoramente los
movimientos de su víctima. Los danzantes,
después de provocar al animal con molinetes
sobre él, e invitan mutuamente a principiar la
danza con la culebra hasta que simultáneamente
se lanzan al ataque. las chirrionas, tratando de
enredar con sus largos cuerpos los pies
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provocadores , descargan golpes que los
danzantes esquivan ágilmente. No logrando su
intento, la culebra desahoga su furia atronando al
aire con su chirrión.
Cuando el animal ataca a los danzantes, éstos
imitan con su cuerpo los movimientos del reptil y
sus pasos no llevan la misma longitud,
precisamente para culebrear la fila, emitiendo un
grito especial para amedrentar al compañero y
darse valor al mismo tiempo.
Termina la función de la cuadrilla al enfurecer al
animal.
DANZA DE LOS DIABLOS Costa de Oaxaca
LA GUELAGUETZA
COSTUMBRE OAXAQUEÑA
¡¡Guelaguetza!! Dulce palabra zapoteca que
implica la solicitud cordial con que los brazos
amorosos del indio, van hacia el indio hermano en
los trances más trascendentales de la existencia.
¡Prueba de solidaridad inviolable que se observa
en los pueblos y aldeas de oaxaqueñas y que sólo
se concede a los que por su honestidad
manifiesta, alcanzan la distinción de llamarse
“HIJOS DEL PUEBLO”, por sus hábitos de trabajo,
con su acatamiento a la autoridad, su protección a
la familia y su respeto a su coterráneos,
cooperación espléndida y siempre oportuna que
en forma de víveres, parcela, hogar, aportan
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todos los hijos del pueblo al hermano que sufre
los embates de la vida o celebran un suceso de
trascendencia.
¡¡Guelaguetza!! noble Guelaguetza Oaxaqueña,
que operando sobre el alma del indio desde
tiempos pretéritos, se le ha creado la grata y
fortificante convicción de no estar solo en el dolor
y encontrarse dispuesto para empresas de
fraternidad y compromisos de concordia. . .!!
“La Guelaguetza” se ofrece hoy en México sobre la
falda del cerro de Santa Isabel.
Empieza el desfile, la representación de la Ciudad
de Oaxaca. Esta representación se inicia con dos
filas de canastas enfloradas con figuras de
azucenas grandes, cisnes y corazones que hacen
valla para que entre un conjunto de encantadoras
pollas citadinas, la flor y nata de antequera,
vistiendo el típico traje de la china oaxaqueña con
su fino rebozo, amplía enagua de olán con
motivos de encaje, cabelleras de azabache
realzadas con vivos colores de listones, mascada
brillante, alhajas ricamente con guardapelos y
arracadas de oro, cadenas y anillos del mismo
metal, llevando en conjunto un artístico aderezo
de collar y de aretes de estilo Montealbán que
luce y pondera la indiscutible pericia de los
orfebres oaxaqueños y que representan su
Guelaguetza.
Continúan un grupo llevando los bellos tibores de
nuestra alfarería regional, tinajas de loza verde y
brillante, cántaros y campanas de Azompa y
Coyotepec y por último, sigue la fantástica danza
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de la pluma de Cuilapan, agresiva de color
evocadora de aspecto, ejecutando los bailes
aborígenes, usados en tiempos lejanos, cuando los
esplendores del imperio de Teozapotlán.
EL VALLE
La región del Valle tiene varios sectores típicos y
característicos en costumbres y actividades.
La descubierta es una cabalgata presidida por una
hermosa muchacha de Chilateca; este conjunto
corresponde a Ocotlán; los jinetes cargan
“Capulina” o chamarra de gamuza de venado,
amplia y colgante, como para que cubra bien el
cuerpo y el inseparable rifle 30 - 30 que pende
del hombro; sigue un conjunto de muchachas, a la
cabecera, alegres, risueñas, que llevan flores y
frutos a profusión. La Guelaguetza es un escudo
nacional hecho de carrizo y una jaula de
zenzontles. Hay que ver el arte extraordinario con
que los indios saben hacer sus primores con el
carrizo. Rico mezcal de minas, quesos y quesillos
de Yaxe; penumbras muchas penumbras y la
banda famosa de Antonio, que lo mismo
interpreta la tonada “Cantaros de Coyotepec” que
una sinfonía de los clásicos.
Sigue Ejutla y Miahuatlán; Ejutla no desmiente su
fama de ser la tierra de las mujeres guapas; trae
un conjunto encantador de muchachas con
vistosos y artísticos trajes de Coatlán; los
hombres vienen con productos nacionales y su
Guelaguetza consiste en un precioso machete
ejuteco; famoso en Oaxaca por su temple que no
pide nada al acero de Toledo y que sigue siendo la
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usanza regional, lleva grabado un mote que dice:
“POR MI RAZA Y GRANDEZA HABLARA LA
GUELAGUETZA”.
Una falange de hombres con la acostumbrada
capulina; nopales con cochinilla y jícaras con
granada que recuerda la antigua industria
regional que tanta fama y dinero prodigó a Ejutla;
matas de higuerilla y botellas de purísimo aceite
de palma cristi que es rica e inagotable, la región;
mezcal y flores. Miahuatlán trae finas esteras,
tempiate y petaquillas de palma con adornos y
alusiones especiales; conjunto de hermosas y
gentiles damitas ataviadas a la usanza lugareña;
flores y frutas; un vistoso petate con grecas y
escudo nacional como recuerdo del rumbo.
Cierra la comitiva del valle, la región de Tlacolula,
hermoso conjunto en el que la Guelaguetza se
contempla en todo su esplendor y significado.
Grupo vistoso de indias con cacles, enrolladas en
mantas de colores que atan ceñidores guindas y
adornada la cabeza en forma típica y pintoresca;
traen sendos manojos de zempazúchitl, Santa
Catarina y alfombrillas; los hombres representan
sarapes de Teotitlán del Valle con ídolos y
calendarios a colores fuertes y llamativos. Al
centro camina el grupo de la Guelaguetza,
llevando velas de cera amarilla, gruesas de
cohetes, un borrego, un marranito, un guajolote,
otro guajolote, un metate y una chilmolera; un
cántaro enflorado de legítimo mezcal de Quiatoni,
pan rebosado, marquezote, chocolate, atole y por
último una jaula con zenzontles de Xaga, famosos
por lo cantadores. No podría faltar la pintoresca y
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legendaria de pluma de Macuilzóchitl.
SIERRA JUÁREZ
Los hombres visten camisa y calzón blanco, con
sombrero negro, cacles o huaraches típicos, entre
las mujeres se destaca el grupo de Yalaltecas con
sus albeantes y amplios vestidos y su tocado
monumental; estos trajes regionales llaman la
atención por lo vistoso, lo suigéneris
inconfundibles en toda Oaxaca. Durante el desfile
tiran papelillo con la consabida leyenda: El
respeto al derecho ajeno es la paz. su música toca
tonadas lugareñas y trae begonias, cafetos,
manojos de pita, jarcia, hamacas, redes, fruta
regional y herramienta minera. (Lámina Núm.
42).
RAZA MIXE
Entra en dos alas: la presiden los ancianos
venerables portando vara de la autoridad
patriarcal. Son hombres y mujeres morenos y
broncíneos, indios de raza pura, venidos
exprofeso de sus serranías inaccesibles. Portan
jícaras con grana, racimos de plátano macho,
matas de café, canastas con chile pasilla, nueces y
flores. Durante el desfile van regando papelillos
de colores con la siguiente leyenda: “la raza Mixe
jamás fue conquistada” Ayújai. . .Ayújai. . . honor
eterno a Condoy:
Cierran la comitiva la magnífica y numerosa
banda de Mixe que indica al observador que esta
raza autóctona y aborigen, a pesar de vivir
remontada en las estivaciones de Zempoaltepetl,
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tiene afición y aptitudes para el arte de la música
y lo cultiva con deleites y predilección.
LA CAÑADA
Conjunto híbrido de gentes y productos de la
tierra caliente y de tierra fría; Tomellin, Cuicatan,
Mazatlán y Huautla en los altos. Mujeres con
tocados de jazmines y tulipanes, enagua de
olanes y mascada de colores fuertes; otras con
trajes de Tepuxila y las incomparables Huautlecas
con su indumentaria llamativa y multicolor,
cuajada de listones y bordados rojos.
Hombres con guayabera y sombreros de palma
real, que doman yeguas y toros brutos y que en el
jaripeo y becerradas dan nota de su agilidad y
destreza, moradores de las cumbres que usan
cotones, cultivan chile, café y frutas. Orquesta de
salterios, bajos de espiga y cántaros que suplen al
contrabajo, manojos de flor de caña de azúcar,
rosas de castilla, bellísimas poma-rosas,
gallardetes y tulipanes.
Como pincelada de fuerte color regional los
hombres haciendo valla, rodeando a un giro
crestón y un canahuallo que pelean con fiereza,
habilidad y fuerza; en tanto que las mujeres
recordando el surco y la sabana en que reverbera
el sol y la calina nubla los ojos, añoran
conmovidas las tierras calientes y los pueblos
abajeños, cantando la tonada más popular, la que
habla a las almas y a los pensamientos de aquella
tierra ardiente y provocadora:
Tortolita cantadora
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que a pesar de a calor,
me sigues acompañando
con tu amorosa canción
mientras la yunta sestea
y se me seca el sudor.
Como la Guelaguetza se trae un lindísimo traje de
Huauteca y una colcha pintoresca de Chinantla,
ambos objetos, verdaderos dechados de arte en
que los moradores lugareños pusieron lo mejor de
su gusto y esplendidez.
LA COSTA
Hombres y mujeres que vienen desde Jamiltepec
y Pinotepa Nacional, lindantes con el litoral del
Pacífico; los hombres con su inseparable machete
costeño, ágiles y bravíos, las mujeres con las
camisas encarrujadas, bordadas de chaquira en
flores multicolores; indios “Tecuates” de Putla con
raras y vistosas indumentarias. Traen piel de
Corzo, pieles de lagarto, racimos de coyol, quesos
y carne seca.
Su Guelaguetza consiste en una primorosa camisa
blanca con atractivos bordados en chaquira de
perfecto y escrupulosos acabado. Entre tanto se
hace la ofrenda, la música acompañante en el son
regional por excelencia (las alegres chilenas) que
es motivo para que los costeños luzcan su
agilidad, su gracia y su garbo inconfundibles.
LA MIXTECA
Tierra histórica y legendaria en que los nombres
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de Susola y Tilatongo, Coixtlaoaca y Tlaxiaco,
evocan los remotos tiempos de la raza indómita
Mixteca; varones fuertes, capitanes aguerridos,
sin miedo, multitudes patrióticas y abnegadas que
defendieron sus lares y protegieron su raza,
muchas veces lograron la victoria las huestes
numerosas e indomables de Moctezuma,
Cuitláhuac y Ahuizotl.
Cuando el viajero es cuidados y observador y pasa
por tierras mixtecas, debe saber que el suelo que
pisa está consagrado por los dioses y fortalecido
por la sangre de una raza heroica, altiva e
indomable.
Todavía en Montealbán y sus inmediaciones
encuentra el hombre de estudio, las reliquias
mixtecas que hablan de gran cultura, de magnífico
adelanto y de ímpetus raciales que a través del
tiempo y del espacio continúan simbolizando una
raza fuerte, heroica; una raza invencible.
Durante su paso los delegados mixtecos, van
tejiendo sombreros de palma, llevan manojos de
trico, artículos portátiles de talabartería,
esculturas de madera, sarapes de lana con
primorosos colores, cotones, sweteres, claves de
Tlaxiaco, loza mixteca, sombreros de palma real;
conjunto de muchachas de las ciudades del rumbo
cantando la popular y sentimental “Canción
mixteca” de López Alvarez.
EL ISTMO
Embriaguez de color, de belleza y de garbo;
conjunto de lindas mujeres sureñas istmeñas, con
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sus preciosos trajes en que el oro, los encajes, la
seda y los encarrujados alternan y se combinan
dando un conjunto que entonan a maravilla con
los rostros morenos y seductores, con la carne
joven y las miradas ardientes, con los cuerpos
enhiestos y lozanos llenos de gracia y armonía
encantadoras.
Van una parejas al centro de la rotonda y el resto
los rodea en semicírculo frontero a la tribuna para
bailar la consabida Zandunga lánguida, emotiva,
voluptuosa.
La Zandunga, cuando sus intérpretes son
auténticos como esta vez; significa el homenaje
supremo que se rinde a la mujer istmeña; es la
pleitesía superlativa, sumisa, inevitable y eterna
que se tributa a esas vírgenes morenas y lindas
en un ambiente vigorosa en que el sol, palmeras,
colorido y juventud caldean la sangre y el alma de
la raza, para traducirse en ofrendas de vasallaje
amoroso y holocausto de adoración cordial.
El istmo trae como Guelaguetza dulces, icacos,
tamarindos, camarones y quesos, jicalpextles y
bateas, más un magnífico traje de tehuana hecho
exprofeso a todo lujo para simbolizar la
Guelaguetza.
LA SIERRA
El pueblo de Yalalag se conoce oficialmente con el
nombre de Villa Hidalgo, perteneciente al ex
distrito de Villa Alta, tiene una población
aproximada de 4,000 habitantes netamente
aborígenes de los cuales escasamente el 10%
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habla español y un porcentaje menor lo escribe.
Sus mujeres toman parte activa en los trabajos
domésticos y también en la preparación del
algodón hasta formar la tela para confeccionar sus
vestidos.
El hombre dedica una gran parte de su vida la
trabajo del campo, otros a la industria como el
curtimiento de pieles, confección de huaraches,
sombreros desde la preparación de la lana y
hacen ellos mismos sus herramientas de trabajo.
La característica de la mujer yalalteca, consiste en
su manera de vestir; una túnica blanca y que le
sirve como blusa (huipil) que se adorna de
acuerdo a las posibilidades económicas de la
familia; una falda transversal rayada en color
blanco y café (extape); el complemento del traje
es el rodete que lleva enredado en la cabeza
compuesto de cordones de lana conocido con el
nombre de Tlacoyal. Como queda dicho ellas
mismas hacen sus vestidos; en el traje así
descrito existe la diferencia entre las niñas y las
jóvenes pues éstas no usan el rodete hasta que se
casan, luciéndolo por primera vez el día que se
casan. (Lámina Núm. 42).
El hombre usa el traje característico de toda
aquella región; calzón y camisa de manta,
huaraches. La mujer calza huaraches o sandalias.
APOTEOSIS
Terminado el desfile racial y situados los
conjuntos artísticamente en sus aposentos
completando además así un panorama único para
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los ojos, para el espíritu por su significación, se
escucha un nuevo cañonazo; las delegaciones se
acercan en orden desordenado hacia el escudo de
la ciudad de Oaxaca; una multitud abigarrada y
revuelta que acude solícita a consumar, en forma
simbólica y casi ritual, en entrañable homenaje de
adhesión colectiva tributado a la Revolución;
estallan cohetes y petardos a profusión, las
campanas de la vieja ciudad replican a más no
poder, nuestra banda de policía toca con mayor
fuerza y expresión posible El Dios Nunca Muere;
la multitud eleva ritualmente los brazos hacia
Donaji y lentamente. . . se levanta ritualmente un
enorme corazón rojo, de cuyo fondo surge allí
abierta una parvada de palomas blancas que
vuelan por los rumbos del cielo, llevando un
mensaje de paz y concordia para toda la
humanidad; llevando la GUELAGUETZA.
HUAHUAS
· Esta danza es propia de los totonacas y muy
semejante a la Danza de los Quetzales (q.v.). Se
utiliza un penacho de menos tamaño y menos
ostentoso que el de ésta.
HUEHUENCHES
· También llamada "huehues", en ambos casos
debido a que antiguamente se le dedicaba a
Huehuetéotl, una divinidad indígena con aspecto
de anciano y que era dios del fuego y del año, es
mejor conocida en la versión denominada "Danza
de los Viejitos" (q.v.).
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DANZA DE LAS IGUIRIS
Esta danza es originaria del Estado de Michoacán.
La bailan entre doce y veinte parejas de hombres
y mujeres de la región lacustre de los “Once
Pueblos”, especialmente con motivo de las fiestas
de San Isidro Labrador con las que dan gracias
por la buena cosecha y también, durante las
fiestas patrias.
La indumentaria de la mujer se compone de falda
muy amplia o enagua con pretina en azul cobalto
y holán en picos color naranja, faja azul o negra,
blusa blanca con bordado en punto de cruz y
quechquémitl de color naranja con grecas azules y
flecos de estambre. Llevan collares de cuentas de
papelillo azul y verde, un sombrero de copa alta
adornado con flores de papel crepé en múltiples
colores y espigas de trigo. Calzan huaraches de
traba al estilo purépecha. Cargan un arco
adornado con flores o, en cada mano, una naranja
con banderas de papel de china de colores y un
cuchillo ensartado.
La indumentaria del hombre se compone de
calzón de manta, camisa de manga larga blanca,
con bordados de punto de cruz, una faja de lana
tramada en color rojo, huaraches al estilo
purépecha, sombrero sin adornos y el mismo arco
que les sirve para adornar las evoluciones. Los
instrumentos musicales empleados en estas
danzas son chirimías, guitarras y tambores.
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INDIOS
· Un nombre más de la danza conocida como
"Concheros" (q.v.).
DANZA DEL INDIO
Es la más popular del Estado de Durango y
simboliza las luchas liberadas con otras tribus o la
defensa contra los animales que causaban daño.
Dirige la danza un monarca que indica los cambios
de coreografía y pisadas, auxiliados por sus
capitanes y el viejo de la danza.
En su vestuario predomina el rojo y lo alegran con
cuentas de chaquira y figuras de hojalata, en la
cabeza sombrero que remata con plumas vistosas;
usan huaraches.
LOS INDIOS BRUTOS.
El origen de esta danza se pierde en la noche del
tiempo de carácter guerrero y se baila en la
Aldea, municipio de Silao de la Victoria, Gto.
Es la cacería simbólica de ciertos animales, que al
no encontrarlos, buscan al espíritu maligno que se
opone a sus deseos para quitarle la vida y
proseguir con la cacería.
Ya de regreso a ésta, en grandes fogatas preparan
el animal cazado y puestos en dos filas paralelas
los danzantes ejecutan bonitos pasos,
acompañandose con unas conchas en las que
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tocan sones muy sencillos, formados por unas
cuantas notas musicales.
LA JUDEA Semana Santa Cora en Nayarit
DANZA DE LOS JUDÍOS O JUVIASI
Esta danza es tradicional de las comunidades de
indígenas mayo y representa la lucha contra el
mal; representado por los judíos o Juviasi.
Los danzantes, ataviados de Juviasi, conscientes
de ser pecadores, buscan ser purificados para
convertirse de nuevo en mayos, lo que logran al
final de la ceremonia, cuando queman sus
máscaras, elaboradas con piel de cabra.
Los Juviasi, además de sus máscaras, visten
camisa y pantalón de uso cotidiano, faja negra de
algodón, un paliacate doblado en triangulo y
amarrado de modo que cubre la nariz y la boca,
una capa de tela blanca de forma rectangular
colocada encima de la cabeza; un cinturón de
cuero al cual insertan piolas, formando un tejido
en cuyos extremos, penden canutillos de carrizo.
La música la hacen percutiendo Juviasi tambores
de madera con parches de cuero.
Danza de KALALÁ
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(DEL LIBRO ARTE POPULAR MEXICANO)
Esta danza es exclusiva de las tierras del estado
de Chiapas. Se interpreta actualmente en una
comunidad, Suchiapa, en ocasiones de las
festividades del Corpus Cristi.
La versión contemporánea consiste en un
conjunto de comparsas y de personajes que
aparentemente se ha perdido su significación,
pero que permiten suponer la existencia anterior
de una bien estructurada danza dramática.
Una información recabada en 1940 por Carlos
Basauri describía así la danza; "Un hombre se
disfrazaba con una máscara grotesca y se
colocaba en la cintura un cuero de res y toma un
látigo con la mano. Sale del monte acompañado
de un ayudante con el cuerpo embadurnado de
negro y que representa al diablo.
Entran al pueblo de Kalalá y el diablo bailando y
con él las madres llevando a sus hijos pequeños
para que reciban una azotaina del personaje,
mientras este pronuncia unas frases en lengua
chiapaneca.
El niño recibe después "nanchis" - frutilla - del
Kalalá, que representan una deidad de los montes
que hacen que los niños crezcan fuertes y sanos.
Todo esto se ha perdido. En la versión de
Suchiapa, la calidad en que posiblemente se ha
conservado la danza gracias a una cofradía,
intervienen los siguientes personajes: EL Kalalá o
venado; el gigantillo, con una armazón semejante
que recuerda, según B. Dalhgron, la
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representación prehispánica de Quetzalcoatl, la
serpiente emplumada, la comparsa de los diablos,
teñidos de negro, el grupo de tigres, con vestuario
de tales; y el de los chamulistas, formado por
niños con los rostros pintados de blanco e
imitando en sus trajes a los habitantes de San
Juan Chamula, comunidad de Chiapas, los que
llevan además animales disecados, que puede ser
una influencia de los "abrecaminos" de la danza
de los Parachicos, que fue alguna vez la más
difundida en la región.
EL día de la fiesta todos estos grupos recorren el
pueblo hasta la iglesia, acompañándose de
tambores y flautas. El Kalalá y el gigantillo
danzan en giros burlescos, rodeados siempre por
los diablos. Los tigres corren y divierten al público
emitiendo aullidos y los chamulas espantan y
divierten a la gente con sus animales disecados.
Interviene además la comparsa de las reinitas,
personajes representados por niñas y que
acompañan danzantes con tocados de hojalata
que llaman "malinches" y músicos que tocan la
guitarra, dos flautas y sonajas.
Algunos elementos podrían vagamente recordar a
los del complejo de danzas del tigre, aunque no
existen bases para establecer tal relación
firmemente.
EL MACHOMULA
· Se denomina "machomula" a una cabeza de
caballero hecha de madera que se cuelga de las
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vigas en casa del capataz. La víspera de la fiesta
los compañeros de éste velan toda la noche
mientras cantan y, en ocasiones, hacen parodia
de orar. Para esto se pintan el rostro con fuscina.
El día de la fiesta se forma una procesión
encabezada por el capataz, montado en el caballo
de madera. Es una festividad propia de la Costa
Chica del estado de Guerrero.
MARQUESES
· Nombre con el que, en ocasiones, se denomina
"La Conquista" (q.v.).
LOS MAROMEROS O “DAN MARITECA”
Durante las principales fiestas que se celebran se
ve bajar a los indígenas de la tribu por las
escalinatas naturales que forman la Sierra Madre
del Nayar, para concentrarse en Jesús María, sede
principal y asiento de los poderes coras. En este
lugar, la tribu baila una danza que los indígenas
llaman: Los maromeros o Dan Mariteca.
El ritual y significado que tiene esta danza es el
sacrificio de sus fuerzas físicas en aras de su Dios
“THAYAUC”, que encierra para ellos la tradición de
“Bastac Nayarit” principal profeta de la raza
indígena. Esta danza procede de los antepasados
de la tribu y está exenta del espíritu y del
pensamiento de los conquistadores.
La danza consta de 50 sones, por lo que sólo los
bailan los miembros más jóvenes y fuertes de la
tribu.
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Los instrumentos que acompañan a los danzantes,
son: una flauta o pito de carrizo y un tamborcillo
“chira”, instrumento sonoro que ellos mismos
fabrican aprovechando los materiales que las
naturaleza les brinda.
DANZA DE LAS MASCARITAS
Con motivo de la invasión francesa, algunos
grupos indígenas de la región Mixteca, huyeron a
los montes y ocasionalmente bajaban a las
poblaciones con el objetivo de explorar y espiar;
cada noche aumentaba el número de curiosos que
observaba a los franceses interpretando sus
bailes. Cuando los franceses se retiraron, los
mixtecos salieron de sus escondites y, para
celebrar la liberación, se reunieron festejando a
su modo con una imitación grotesca de los bailes
franceses, deliberadamente exagerados y
ridiculizados. Se complementó la ridiculización
con el atavío, mezclando su inclinación por los
colores vivos con la arrogancia ostentosa del
uniforme de los franceses; se colocaron sobre la
cara un pañuelo blanco en el que pintaron las
facciones finas de los europeos y que,
posteriormente, fueron sustituidos por las
mascaritas de madera que dieron nombre a la
danza.
La música de la danza está integrada por una
marcha militar, que se toca al inicio y al final de
la interpretación, y por siete sones: los Molinetes,
los Callejones, la Granada, los Pabellones, la
Cadena, el Caracol y la Culebra. El ritmo de la
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música tiene un marcado aire de cuadrilla de
influencia francesa pero con sabor indígena,
sumamente alegre y sin repetir las melodías ni
una vez.
El vestuario de los personajes masculinos consta
de un calzón blanco recogido con cintas en los
tobillos, imitando una polaina; sobre éste llevan
un lienzo rectangular sin corte ni costura,
generalmente rojo, que se ciñe a la cintura con un
fajero y que es un remedo del traje suavo. Usan
una camisa de color encendido, con el corte usual
de los indígenas; sobre los hombros usan una
capa de tela brillante bordada y adornada con
cuentas, la cual se sostiene con cintas de colores
cruzadas sobre el pecho. Llevan un sombrero de
copa redonda y alas chicas coronado por un
penacho de papel multicolor.
El vestido de los personajes femeninos consta de
una falda amplia con holanes, una blusa del
mismo tipo y en los costados dos bullones de tela
brillante, roja, que ridiculiza el traje francés
femenino. También usan sombrero de petate y la
máscara o el pañuelo blanco. Calzan huaraches y
usan medias de colores vivos. Ocasionalmente
usan trenzas sobre los hombros.
Usualmente se interpreta en las fiestas del
Carnaval, en febrero o marzo. La bailan siete
parejas de las cuales, la principal, ejecuta sus
movimientos alrededor de las demás.
DANZA DE LOS MATACHINES
La danza de Matachines es diferente a la de los
Matlachines, ya que es de procedencia española y
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está considerada como una danza religiosa
cristiana.
La celebran los indígenas mayos y yaquis todos
los domingos desde la última semana de
noviembre hasta el 24 de diciembre cuando
culmina la Navidad. Los danzantes se colocan en
dos hileras. La música proviene de dos violines
que establecen un diálogo, una guitarra o un arpa
lleva la melodía y un ayal (sonaja mayo).
El matachín viste camisa y pantalón de colores,
usa paliacate amarrado a la cabeza, huaraches,
un ayal o sonaja en la mano derecha y una palma
en la izquierda. En la cabeza llevan una corona
hecha de carrizo perforado, adornado con espejos
y listones de colores que les llegan a la altura de
la rodilla.
DANZA DE LOS MATLACHINES
Es la danza de la Pluma o Palma, de origen
chichimeca. Se baila en la fiesta de la Santa Cruz,
protectora de los albañiles. También se le llama
danza de Indio o se le nombra según el santo
patrono a quien se venera. Se identifican con un
estandarte o paso camino que encabeza la
peregrinación al templo. Si dos grupos de
danzantes se encuentran, ambos inclinan los
estandartes, en señal de saludo. Es común que los
danzantes participen sólo para cumplir un
juramento o una manda.
La coreografía es sencilla y no requiere de muchos
movimientos ya que los danzantes van repitiendo
los pasos de los capitanes que van al principio y al
final de dos hileras. A su turno, según la dirección
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de las hileras, los capitanes encabezan o cierran
la fila.
Un personaje muy importante es el llamado Viejo
de la Danza; él se encarga de la organización, de
los ensayos, de la confección del vestuario y sus
accesorios y abre el camino para que pasen los
danzantes. Los instrumentos que acompañan la
danza son el violín y uno o dos tambores.
Los matlachines calzan medias rojas y huaraches
adornados con motas de estambre. En las suelas
llevan varias capas de lámina o madera para
aumentar el sonido de los pasos al danzar. Sobre
los brazos llevan espejos pequeños y en las
pantorrillas, tiras de carnaza de aproximadamente
30 cm. de largo, llamadas correlas. En la mano
izquierda cargan un arco y en la derecha una
sonaja hecha con un guaje pintado y relleno con
piedras de hormiguero para darle mejor sonido.
Los danzantes utilizan faldas de colores vivos y
túnicas largas adornadas con flecos que,
tradicionalmente, hacían de piel de venado. En la
actualidad, la nagüilla se hace con dos piezas de
rayón adornadas con lentejuela y enmarcadas con
canutillo que lleva apliques de carrizo delgado,
detenidos con estambre, acomodados
horizontalmente; en la última hilera, lleva un
fleco largo llamado pajuela. Usan una calzonera
de satín de color brillante que lleva franjas
blancas bordadas a los costados, con motivos de
flores y un chaleco abrochado por la parte trasera,
bordado con lentejuela, chaquira y canutillos; en
la parte inferior, el chaleco lleva una hilera de
carrizo con tiras de carnaza.
Lo más atractivo del vestuario es el penacho o
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monterilla, montado sobre una base de cartón,
bordado en chaquira y lentejuela; lleva plumeros
o chilillos elaborados con plumas de guajolote
pintadas con anilinas de vivos colores y trenzas de
cabello humano o crin de caballo, tejidas con
listones de colores. Por el frente, unas tiras de
cuentas ocultan parcialmente el rostro de los
danzantes.
La danza de matlachines se baila el 3 de mayo,
día de la Santa Cruz y el 12 de diciembre, día de
la Virgen de Guadalupe. En Aguascalientes la
bailan el 15 de agosto, día de la Virgen de la
Asunción, durante las fiestas conocidas como la
romería. Los huastecos acostumbran muchas
danzas durante sus fiestas patronales; una de
ellas es la de los matlachines, que interpretan por
parejas; es una danza religiosa y la bailan los
serranos huastecos fieles a sus tradiciones. Está
dedicada a Pulic Paylomlamb –el sol- y Pulic
Mimbab –la tierra-, por los beneficios recibidos.
La danza de "Los Pardos" es una variación de la
de los Matlachines. Se baila los días 3 y 15 de
mayo en homenaje a la Santa Cruz y a San Isidro
Labrador, respectivamente.
Los danzantes visten semejando al pájaro pardo,
que le da nombre a la danza. Al pantalón y a la
chaqueta gris oscuro le cosen hileras de lámina
que forman el plumaje del Pardo. En el cuello
llevan mascadas de color vivo y en la cabeza un
penacho de hojas de lámina, decorado con plumas
de colores, espejos y cuentas de papelillo. En la
mano izquierda llevan una flecha, y en la derecha
una sonaja de guaje que lleva el ritmo de la
danza.
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Llevan medias lisas y calzan huaraches pata de
gallo, que tienen cintas largas para sujetarse al
tobillo.
Otra variación de esta danza es la llamada "Danza
de la Palma" que se baila en Nuevo León en honor
a la Virgen de Guadalupe. Consta de varios sones
interpretados por un violín y un tambor. Cada son
representa una danza diferente en la que
participan hombres y mujeres. Comienza la noche
del 11 y dura hasta la tarde del 12 de diciembre.
Los personajes principales son el monarca y
cuatro capitanes que encabezan y rematan cada
una de las dos hileras de danzantes, llevando en
la mano izquierda una palma hecha de varas o
carrizo, adornada con plumas de pavo o papel de
china de colores y en la derecha una sonaja de
lámina.
Con el movimiento de las palmas se marcan los
cambios de música, rematando con el Son de la
Granada; lo que la diferencia de la danza de
Matlachines. Para bailar el Son de la Granada, los
danzantes clavan en la tierra un mástil, de 3 ó 4
metros de altura, al que le colocan en la punta,
un círculo de madera que sostiene una granada de
lámina. De la tabla de madera cuelgan listones de
colores que los danzantes tejen mientras ejecutan
la danza, cruzándose de un lado a otro e
intercambiando listones. Al terminar el son, se
abre la granada metálica y de ésta salen volando
unas palomas.
Los danzantes visten calzón y camisa de satín
bordados con lentejuelas. Sobre la espalda llevan
una capa larga del mismo material o de
terciopelo, con aplicaciones de listón y encaje, y
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bordada con motivos similares a los de la camisa y
el calzón. Llevan una corona de lámina decorada
con piedras de colores, espejos, flores, plumas de
pavo real o avestruz y listones largos de colores
que cuelgan por detrás. Calzan zapatos normales
y medias de popotillo color rosa.
MATLACHINES Zacatecas
· Los danzantes, llamados precisamente
"matlachines", utilizan faldas de colores vivos y
túnicas que, en un tiempo, eran de piel de
venado, pero en la actualidad son de rayón. Las
Túnicas son largas y van adornadas con flecos.
También llevan penachos de plumas de gallina
teñidas, con frecuencia en los tres colores de la
bandera nacional: verde, blanco y colorado
(rojas). Del penacho cuelga generalmente una
trenza de cabello humano o pelo de caballo (de la
crin o de la cola) y, por el frente, tiras de cuentas
que ocultan parcialmente el rostro de los
danzantes. Los huaraches que utilizan llevan
suelas de madera para producir más ruido con
cada paso y así llevar mejor el ritmo. Este
también se lleva gracias a las sonajas que los
danzantes portan en una mano, mientras que en
la otra llevan un arco, como si anduvieran de
cacería. Otro adorno muy común en esta danza
son los espejos de pequeño tamaño,
generalmente sobre los brazos. Esta es una de las
danzas más populares y generalizadas de México,
al grado que, en el norte, a pesar de que se trata
de danzas bastantes diferentes, a los que las
ejecutan se les denomina genéricamente como
"matlachines". Los danzantes que se consideran
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mejores en estas danza son los provenientes de
los estados de Zacatecas y Aguascalientes, ya que
se distinguen por ser los más vigorosos y
masculinos del país.
MATLACHINES Aguascalientes
MATLACHINES - MATACHINES - TATACHINES
(ESTADO DE AGUASCALIENTES)
La actual difusión de esta danza en México, desde
el centro del país hasta los Estados Unidos - entre
los comanches de Nuevo México - y hasta
Colombia, sugiere una expansión colonial y no
prehispánica; Arthur L. Campa sugiere además
que se trata de una derivación y en algún tiempo
pasado de una identidad, de la danza de los
Matachines con la de los Moros y Cristianos,
basándose en que algunas versiones de la primera
aparecen personajes, el abuelo, el torito, la
malinche, que representan la fuerza del mal.
como la representan los moros en la segunda.
Esta danza se baila en los estados de Zacatecas,
AGUASCALIENTES, Coahuila, Durango, Veracrúz,
Jalisco, Sonora, etc. etc.
Especial vigencia tiene esta danza entre los
Yaquis de Sonora, donde se baila durante la
Semana Santa. Sus intérpretes constituyen un
grupo social u organización religiosa, al que se
ingresa desde niño por una promesa hecha por los
padres y se pertenece de por vida.
La danza de los Matachines Tarahumaras, tiene
muchos elementos comunes con otras variantes
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entre los grupos indígenas del norte del país.
Tocados en forma de coronas de papel, flores y
espejos, sonajas que llevan los directores y una
vara con papel de china que portan todos los
danzantes, se agrega, sarta de cascabeles atadas
a los tobillos.
Sabor especial se le da a esta danza en el centro
del país, cambiando un poco sólo el estilo del
tocado y así en Jalisco se les llama TATACHINES,
en San Luis Potosí, CHICHIMECAS, y en
Aguascalientes, Matlachines; a estos grupos de
danzantes los podemos ver en los atrios de las
iglesias, cuando de festeja a los Santos Patronos.
A continuación se describirá el lujoso atuendo de
esta danza compuesta por más de cien sones.
Una enagüilla de franela en color rojo, 10 o 20
centímetros arriba del tobillo, abierta por los
costados inferiores, tanto de la enagüilla como del
chaleco, llevan figuras tapizadas con lentejuela y
chaquira de diferentes colores, serie de hileras de
carricillo, sostenidas por un botón, cuenta de
vidrio, figuritas de lámina, una semilla llamada
colorín o motitas hechas de estambre.
Abajo de la enagüilla llevan un pantalón o
calzonera arriba de la rodilla, bordado en las
partes laterales, llevan medias rojas y huaraches
gruesos de tres puntos, estoperoles en la suela, y
adornos en la tapa con bordados de estambre.
Un penacho o corona adornado con plumas
tricolores (de guajolote), chaquira y lentejuela,
con hilos de canutillo en forma de hondas que
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caen sobre la frente y por los lados por detrás del
penacho sale una trenza, también cuelgan
vistosas orejeras.
Una camisa de manga larga de color rojo; llevan
sonaja tricolor sujeta con holgura en la muñeca
derecha por medio de una cinta, arco en la mano
izquierda para dar mayor acentuación en algunos
pasos.
Los viejos que intervienen en esta danza son por
lo general los más hábiles bailadores, se les da
este calificativo (Huehues) por varios calificativos,
por lo general es el alma de cualquier danza
mexicana.
La actitud de los danzantes durante el desarrollo
de la danza será; tronco semiflexionado al frente,
con la vista siempre al frente, la sonaja hacía
abajo en la mano derecha a la altura de la barba;
la sonaja deberá marcar el ritmo que exige la
danza; en la mano izquierda el arco. el cual se
lleva atrás y a la altura de la cintura mientras no
se hagan evoluciones con éste.
Otra de las danzas más practicadas en la región
es la danza de la PLUMA.
Como complemento de estos apuntes del Estado
de Aguascalientes, y, para formar un cuadro
plástico con sabor hidrocálido se sugiere montar la
Pelea de Gallos; como centro ferrocarrilero, La
Rielera y con sabor campesino, El Corrido de
Jaltomate, fondos musicales de Alfonso Esparza
Oteo, teniendo como escenografía la portada del
Jardín de San Marcos.
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LOS MATLACHINES DE S. L. P.
Esta danza nació dedicada a la tierra y al sol como
un agradecimiento y protesta por la presión de los
españoles hacia ellos y sus templos.
Al principio ponían al frente a una mujer que
llamaban “Malintzin” de la que tomó el nombre de
“Los Matlachines”; hacen varias evoluciones en
forma de cuadrilla, el círculo representa al mundo
donde se encuentran los bienes y los males que
poseen, la cadena significa la unión. Se baila en el
barrio de Tziniacón, del Municipio de Tancanhuitz,
S. L. P.
MATLACHINES Nuevo León
DANZA DE LOS MIGUELES Y LA FIESTA DE
SAN MIGUEL
La fiesta del Señor San Miguel, de acuerdo con
una tradición muy antigua, exige el
nombramiento de mayordomos, que son las
autoridades morales del pueblo. La toma de
posesión del cargo de mayordomo, exige un
ceremonial envuelto en un ruidoso Mitotiliztli.
La danza rememora las danzas guerreras
prehispánicas, encarnadas en San Miguel
Arcángel, quien sustituyó a Camaxtle, el poderoso
Dios de la guerra. Es la representación de la lucha
entre el bien y el mal.
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EL MITOTE
ESTADO DE DURANGO
Por medio de esta danza los ejecutantes dan
gracias por una merced o milagro concedido
pagando esta bailando en los atrios de las iglesias
en las festividades religiosas.
Las pisadas son fuertes y variantes manteniendo
el pie abajo de la rodilla por lo que se llama sones
de abajo.
La bailan los indígenas tepehuanes del Mezquital,
Estado de Durango.
MOROS Y CRISTIANOS
· Como su mismo nombre lo indica, esta no es una
danza de origen indígena, sino que fue
introducida al país por los frailes que en el siglo
XVI vinieron a el como misioneros. Los
participantes de ambos bandos llevan el rostro
cubierto con pañuelos o con mascaras y cubren su
cabeza con cascos que llevan símbolos para
distinguirlos entre si. En el caso de los moros, el
símbolo es una media luna y en el de los
cristianos una cruz, que también llevan bordada
en lentejuela sobre la capa o manto que además
portan. La vestimenta puede variar mucho, al
grado que se pueden ver incluso "cristianos"
vestidos de charros. A ambos lados del lugar en el
que la ceremonia tiene lugar, se colocan bancas
que representan los bastiones de los dos bandos
que sostienen la contienda. De un lado se sientan
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los reyes, las princesas y, en general, los
bautizados. Del otro se colocan los seguidores de
Mahoma. La representación, que dura uno o dos
días, consta de batallas, parlamentaciones y
danzas. Los actores, que nunca cesan de moverse,
utilizan al hablar un tono declamatorio muy
agudo, una especie de falsete.
MOROS Y CRISTIANOS
(DEL LIBRO ARTE POPULAR MEXICANO)
Más que ante una danza en este caso, estamos
ante un complejo de danzas dramáticas cuyo
argumento presenta en última instancia el
enfrentamiento del bien, encarnado por los
cristianos, y el mal, simbolizado por los Moros o
herejes.
El combate fingido, tema central de la danza de
los Moros y Cristianos, es una de las motivaciones
universales de la danza. Se practicó en la Grecia
clásica, en la España visigótica y en el México
prehispánico.
El mismo tema sugiere el tema de esta danza:
España, durante la guerra de la reconquista que
durante siete siglos sostuvo contra los
musulmanes.
La danza de los Moros y Cristianos se convirtió en
un símbolo de la lucha de reconquista y gozó de
enorme popularidad durante ésta. Avanzaba junto
con la frontera y se difundía en las zonas
liberadas. Se hizo casi imprescindible en la
celebración de festejos reales, municipales o
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religiosos. Intervenían en ella los reyes, los
gremios, la nobleza y su servidumbre. Se le
reconoció con diferentes nombres: “Entremés” -
que adquirió su significado de pieza teatral corta
intercalada en una representación mayor hasta
bien entrado el siglo XVI- “Escaramuzas o
combates” y en ellos ya aparecen elementos que
perduran hasta nuestros días, como el castillo que
arde después del desalojo de los moros
defensores, la conversión de éstos a la “verdadera
fe” y la intervención de personajes sobrenaturales
-leyenda de la conquista- como Santiago,
Carlomagno o un anónimo ángel, que en lo más
recio del combate decidían el triunfo sobre la
herejía.
Al terminar la guerra de conquista la danza ha
alcanzado su máximo esplendor y difusión. A
finales del siglo XV los moros son arrojados de sus
últimos reductos en la península Ibérica. Este
hecho no le quita actualidad al tema de la danza,
ya que casi simultáneamente al descubrimiento de
América inaugura una nueva cruzada.
El nuevo continente está poblado de herejes
riquezas que deben ganarse para el dominio
temporal y espiritual de España. La danza de los
Moros y Cristianos se renueva como símbolo de la
conquista de las nuevas tierras.
Los conquistadores introducen los festejos de
moros y cristianos en América desde épocas muy
remotas. La primera noticia de su interpretación
en México se remonta a 1524, apenas tres años
después de la caída de Tenochtitlán, cuando los
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españoles reciben a Cortés en Coatzacualcos en
su camino a las Hibueras con “. . .ciertas
emboscadas de cristianos y moros, y otros
grandes regocijos e invenciones. . .” Según cuenta
Bernal Díaz del Castillo, el 11 de agosto de 1529
los españoles celebran el séptimo aniversario de
la caída de la capital azteca con una escaramuza
de moros. En 1538 la fiesta alcanza gran
esplendor, y en la plaza de la ciudad de México se
construye un réplica escenográfica de la ciudad de
Rodas y actúa como gran maestre el marqués
Cortés, que venció a “. . .dos capitanías de turcos
muy al natural, a la turquesa, con riquísimo
vestido de seda carmesí. . .”, según el mismo
Bernal, en 1562 cuando el bautizó de Jerónimo
Cortés, nieto del conquistador, . . . más de
trescientos a caballo hicieron una concertada
escaramuza. . . . Pero si los datos anteriores nos
informan sobre la práctica de la danza de los
españoles y sus descendientes para celebrar sus
triunfos sobre los naturales, otros cronistas nos
narran cómo la misma danza fue enseñada por los
misioneros a los indígenas y aceptada por éstos
con entusiasmo, acaso por parecerse a uno de sus
propios festejos. En 1539, según Motolinía, se
celebraba por primera vez la danza en Tlaxcala
por indígenas y en ella cupo a Cortés, que en este
caso no asistió personalmente, sino que fue
representado el dudoso honor de comandar al los
derrotados turcos.
Desde temprana época, pues, arraigó la danza de
Moros y Cristianos en México y figuró en las
celebraciones más fastuosas de la época colonial,
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bien de carácter civil como la celebración de la
reconquista de Orán en 1733, bien de carácter
religiosos como la consagración de la catedral de
Puebla en 1649. Pero sobretodo se celebró en las
fiestas patronales de cientos de poblados, como se
hace hasta nuestros días.
La difusión actual de la danza es vastísima. En
España donde sigue siendo una de las
representaciones populares predilectas, algunas
como la de Alcuy en Alicante, goza de amplísimo
prestigio; en Portugal, donde la representación de
Neves es un acontecimiento; en casi toda
América, con especial difusión en México, Brasil,
Guatemala y otros países centroamericanos. En
otros países como Uruguay o la Argentina, se
sigue celebrando en pocos lugares; pero mucho se
recuerda su anterior esplendor. Incluso en las
Filipinas dejó huella la danza de los Moros y
Cristianos y se celebra actualmente como se hace
también en Nuevo México y en los Estados Unidos
de Norteamérica.
En México la danza de Moros y Cristianos o sus
variantes es la más ampliamente difundida desde
el norte del país. En Sonora y Chihuahua, hasta
Chiapas y Tabasco, si bien alcanza más vigor y
variedad en la parte central de la República, de
donde proceden los ejemplos más notables.
La danza de Moros y Cristianos tiene una temática
amplia y con muchas variantes, que pueden
agruparse en cuatro ciclos: el Santiago, por la
intervención de este santo; el de Pilatos, que
transcurre en Jerusalén; el Granadino, referente
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a la reconquista de esta región y el Carolingio,
característico por la intervención de Carlomagno y
sus doce arrojados pares. Estos ciclos no se
presentan puros, sino intercambiando sus
elementos temáticos y sus personajes.
En su proceso de introducción y adaptación a la
Nueva España, la danza de Moros y Cristianos
produjo “variantes” locales, en las que se
adoptaba la estructura y temática pero se
cambiaban los participantes. De este tipo son los
fingidos combates entre mexicanos católicos y
chichimecas paganos, que con tanta frecuencia se
celebraron en la época colonial.
También es una “variante”, aquella en que los
cristianos se convierten en los conquistadores
españoles y los moros en los paganos señores de
Tenochtitlán. A esta variante pertenecen la danza
de la Conquista del Estado de Guerrero y la
espectacular danza Oaxaqueña de la Pluma.
Ya acabada la Colonia surgen nuevas “variantes”,
demostrando la vitalidad de la tradición, en que
los cristianos se identifican con valerosos
mexicanos y los moros con zuavos y otras tropas
intervencionistas francesas; danzas que son muy
notables en Puebla y espléndidamente
escenificadas en Huejotzingo durante su famoso
carnaval. (Lámina Núm. 51). Existe otro tipo de
variantes locales, en que la danza se ajusta a las
condiciones del lugar y del tiempo, respondiendo a
las más diversas motivaciones.
Entre ellas, una merece especial atención: la
danza de los Tastoanes, del Estado de Jalisco,
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aparentemente hoy extinta pero que gozó de
mucha popularidad en el siglo pasado, en la que
por extrañas razones el esquema general se
invierte, ya que en ella Santiago, además de ser
golpeado y apresado muere a manos de paganos.
Una variante que rebasa los límites regionales y
tiene amplia difusión, es la danza de los Santiagos
o Santiagueros, que es fundamentalmente una
expresión del ciclo Santiago, en la que este
personaje lleva atado sobre un armazón en la
cintura un caballo de madera.
La influencia de la danza de Moros y Cristianos es
perceptible en muchas otras danzas, como sería la
de Las Sonajas, La danza Azteca o de Los
Concheros y la de Los Matachines.
Por último de la danza de los Moros se han
derivado algunas danzas en que la parte
dramática se ha perdido en beneficio de la
coreografía. La más representativa de estas
danzas, es “Las Paloteadas”, en la que se usan
garrotes o “palos” con los que se realizan
complejas evoluciones en las que dominan
reminiscencias de los combates de la de los Moros.
Estas danzas están difundidas en los Estados de
México, Veracruz, Michoacán y Guanajuato.
La danza de los Moros y Cristianos propiamente
dicha, se celebra actualmente en las fiestas
patronales. Su organización recae en un maestro
que conserva los textos escritos y que se encarga
de la puesta en escena y de la celebración de los
ensayos. El maestro por lo general no interviene
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en la representación.
Los dos bandos contendientes se identifican por su
vestuario y estandarte, siendo el de los cristianos
con cierta frecuencia la bandera mexicana. El
número de danzantes es variable, desde tres en
Michoacán hasta más de treinta en Puebla; cada
uno de ellos se ha memorizado su papel y lo
recitará a una seña del maestro. Es aún frecuente
el uso de máscaras o de largas barbas postizas,
junto con lentes ahumados que caracterizan al
personaje y a la vez procura el anonimato del
danzante, aunque su identidad sea por todos
conocida.
El acompañamiento musical más generalizado es
el de la banda de aliento, aunque no es el único y
puede encontrarse grupos que aún utilizan el pito
y el tambor. La partitura tiene sones específicos
para cada momento de la danza; “paseo”,
“batalla”, “llanto”, etc. y su interpretación
también obedece a instrucciones del “maestro”.
La danza comienza generalmente tras de pedir
permiso en la iglesia, con el encuentro de los dos
ejércitos, el moro y el cristiano, que envían
embajadores. Estos sostienen largas discusiones
teológicas respecto a la superioridad de la Virgen
o de Mahoma, cuyo tenor puede ser el siguiente:
¿Quién ha dicho a esos traidores,
que el sacro profeta excelso
no ha de tener el poder,
la grandeza y el respeto,
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de nuestro gran Alcorán
a quien rendido venero?
¿No es aquesta una osadía?. . .
(Del rito de Teotihuacán, en el libro “La población
del valle de Teotihuacán”, por Manuel Gamio y
colaboración).
Estos discursos se resuelven por el combate
individual entre los embajadores. Otros paladines
son enviados al rescate con función de combate,
para que al fin se enfrenten por una o varias
veces los dos ejércitos, de donde sale vencedor el
bando cristiano gracias a la intervención de un
ángel o santo en lo más arduo del combate, ante
el cual, loe Moros se convencen de su idolatría y
se convierten o perecen a manos de sus
vencedores.
El gran final puede ser el incendio del reducto
Moro, que arde en brillante fuego de artificio.
LOS MUDOS
· Llamados así por estar prohibido hablar durante
todo el tiempo que dura la ceremonia, y aun todo
el día de la fiesta, si bien esta costumbre no es
exclusiva de esta festividad, sino que recurre en
otras de diverso tipo. Se utiliza vestimenta
femenina y se portan pelucas primitivas hechas de
fibra de maguey trenzada con cintas de muchos
colores. Se encuentran estas danzas en varios
pueblos nahuas del estado de Guerrero.
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LOS NEGRITOS Región Totonaca de Veracruz y
Puebla
Los esclavos negros traídos de África por los
españoles fueron distribuidos en las regiones
donde abundan trabajos agrícolas. En esta región,
o sea el señorío de los Totonacas fue destinada
gran parte para el cultivo de la caña de azúcar,
destinado también gran número de negros
importados.
Cuenta una vieja tradición, que una negra
impulsada por los sublimes sentimientos
maternales, decidió acompañar a su único hijo
haciéndolo de contrabando.
Un día el negro fue mordido por una víbora;
acudió la madre acompañada con los demás
negros a recoger al paciente y siguiendo los ritos
de sus ancestros lejanos, aprisionó a la víbora y
con ella hicieron una ceremonia en torno al
lesionado y esperando que por un milagro se
aliviara; esta ceremonia consistió en bailes, grito
e invocaciones, en derredor del negro enfermo,
teniendo la madre aprisionado al animal
fuertemente por la cabeza.
En el sitio de la tragedia estuvieron como
espectadores todos los Totonacas de la
Encomienda, presenciando hasta los movimientos
más insignificantes, procurando también captar
las voces y las palabras del conjunto.
El Totonaca de instinto imitativo muy marcado, de
mística psicológica y socarrón, comenzó a poner
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en práctica aquella ceremonia, pero en forma
burlesca. Al principio fue para ellos un mero
ensayo infernal; pero con el tiempo fueron
perfeccionando sus pasos y evoluciones hasta
lograr lo que en la actualidad podemos contemplar
una danza bien organizada sobre compases del
violín y la guitarra.
INDUMENTARIA
Consiste en pantalón ancho de pana o terciopelo
negro con bordados y adornos de colores y flecos
de seda brillante, camisa blanca y cruzando el
penacho y la espalda dos triángulos de la misma
tela del pantalón, y dos más que sirven como
delantales con los mismos adornos y flecos; éstos
con los movimientos agitados del danzante
producen ondulaciones llamativas.
El sombrero es de palma forrado de seda negra, el
ala levantada en la parte delantera sujeta al
frente de la copa y adornada con espejitos, flores
de papel de vivos colores y unos pequeños
penachos distribuidos en el borde del ala
(garsones) sobre el frente; pendiente del
sombrero un fleco ancho que tapa gran parte de
la cara para defender los ojos, pues antiguamente
los garsones eran de vidrio; hoy recurren al
plástico. (Lámina Núm. 81).
La danza se integra normalmente con doce
individuos que son: un caporal, una maringuía, un
subcaporal, un Pilatos o bufón y el resto lo forman
ayudantes.
Personificando a la madre del enfermo, está la
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“Maringuilla”, hombre vestido de mujer; lleva una
jícara pintada en rojo (sacual colorado) un
pañuelo de seda y dentro de él la víbora.
Y como en toda danza mexicana, completa este
cuadro el “Pilatos” o bufón, una especie de
“espíritu chocarrero” que alegra y abre campo a
los danzantes.
Danza de los negritos de Veracrúz
En la danza de los negritos se
conocen 3 variantes: 2 de ellas en
la zona serrana del totonacapan los
negros "amarillos" (smukuku negros) y los negros
altos o "emplumados" (xatalhman); la otra es la
de los negritos de la costa (lakapunkswa negros) o
negro agachado.
Los primeros toman su nombre del color de sus
trajes, los negros altos deben su nombre al
tamaño de las plumas con que adornan el frente
de su sombrero y los negritos de la costa son los
que prevalecen en la región de Papantla; bailan
inclinandose hacia el frente por lo que son
conocidos como negros agachados.
La vestimenta de los negritos consiste en prendas
de pana de color negro, con flores bordadas con
chaquiras y lentejuela en llamativos colores;
pantalón con flecos dorados en la parte inferior.
Sobre la camisa blanca de uso diario arremangada
hasta el codo se colocan medios circulos sobre el
pecho y la espalda, y dos mandiles en forma de
medios circulos también, uno adelante y otro
atrás, en los que cuelgan flecos dorados. Además
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llevan un sombrero forrado de pana color negro y
en la parte de atrás con papel de china negro
encrespado simulando el pelo de esta raza: El
frente del sombrero va levantado y adornado con
tres o seis espejitos redondos y en el filo de arriba
unas plumas blancas. Usan botín de piel color
negro con tacón alto.
El caporal de los danzantes o "pushco" lleva en la
mano una cuarta o fusta propia del que cabalga,
el supervisor de la plantación cañera o de la
estancia ganadera, todos llevan un pañuelo de
color pastel enrollado al cuello.
La maringuilla es un danzante vestido de mujer;
viste un traje blanco con velo o ropón en la
cabeza que le cubre el rostro. El vestido blanco
denota la orientación de los evangelizadores para
inculcar la nueva religión a los indigenas, quienes
usaban esta prenda cuando cuando les eran
administrados los sacramentos eucarísticos que en
la liturgia católica significan pureza.
Lleva en la mano un sacual envuelto en una
pañoleta donde va oculta la serpiente de madera,
atrapada, sometida, para poder hacer la curación
toda vez que representa al pérfido reptil que
asestó su picadura mortal al negro del cañaveral.
Se complementa el elenco con un pilatos
desarrapado y travieso, que cubre el rostro con
una careta o máscara, montado en una vara larga
con cabeza de caballo; corretea a los niños que a
veces se espantan.
Este conjunto coreográfico se conoce como una
"cuadrilla" y se integra con 9 danzantes y una
"maringuilla". Se colocan dos al frente y el
caporal; dos en segundo plano y la maringuilla,
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dos en la tercera fila y el xocotillo (niño).
La música se acompaña con instrumentos
europeos, un violín y una guitarra, los negritos de
la sierra usan castañuelas. En casi todos los
sones, la maringuilla baila con el caporal y
después con cada uno de los negros, a veces baila
un negro con otro.
Durante el zapateado se baila con el cuerpo
inclinado y los brazos caidos ( en actitud tal vez,
de busqueda de la culebra malvada); otras veces,
con el brazo izquierdo, con el puño cerrado,
cubriendose el vientre.
Etiquetas: Danzas
http://miveracruz.blogspot.com/2007/04/danza-
de-los-negritos.html
OCHO VICIOS
· Es una representación en la que, además de las
ocho personas que representan los vicios, existen
papeles tales como el de "ángel", el de "diablo", el
de "la muerte", el de "el doctor" y el de "el padre".
Los diálogos se entremezclan con diversas danzas
y su duración total es de más de una hora. Es
muy semejante a la llamada "Siete Pecados"
(q.v).
DANZA DEL "OJO DE AGUA"
ESTADO DE COAHUILA
Esta danza es bailada al sur de la ciudad de
Saltillo, capital del estado de Coahuila, un barrio
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que se llama "Ojo de Agua"en donde cada año a
partir de 1840, el segundo domingo de septiembre
se celebra la fiesta religiosa dedicada al Cristo
Crucificado del Ojo de Agua.
Hay informaciones de que los tlaxcaltecas llevaron
a ese lugar del norte sus danzas, las que a través
del tiempo sufrieron modificaciones hasta
madurar en ésta que ha sido aceptada por el
pueblo de Coahuila.
Bastante variada en figuras coreográficas entre
las que observamos las siguientes: La Flor, La
Cruz, La Víbora, La Escalerilla, La Piña, El juego
de cuatro en fondo.
Los danzantes usan guaje en la mano derecha con
piedrecillas de hormiguero para llevar el ritmo, y
en la mano izquierda una flecha que hacen sonar
en determinados momentos de la danza.
Forman la directiva de la danza: El jefe, dos
capitanes, el "viejo"y la Malinche.
El traje es mucho muy parecido al de los
matlachines de Aguascalientes, Zacatecas y
Chichimecas del Estado de San Luis Potosí.
DANZA DE PALMA Nuevo León
LA PALMA Jalisco
(DEL LIBRO ARTE POPULAR MEXICANO)
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Como todas las danzas del occidente de
México, la de la PALMA o de la OFRENDA, se ha
estudiado poco. El nombre de la Palma lo toma del
palillo rotado en un vistoso abanico de plumas que
portan los bailarines en la mano izquierda y que
mueven al ritmo de la música.
A veces la palma se sustituye por una cruz de
madera acorde con el contenido religiosos de la
danza. De éste se deriva el otro nombre de la
danza: a Ofrenda, que se baila ante los santos
patronos para ensalzarlos o bien para pedir o
agradecer sus favores, como más frecuente.
Se ha atribuido a esta danza, origen huichol;
aunque esta suposición carece de fundamento. La
semejanza de algunas de las figuras de esta
danza de las Sonajas de la misma religión, como
“La Cruz”, “La Vívora”, de danzas mestizas
desarrolladas en la época colonial.
Otras evoluciones se originan en épocas más
modernas: “Dónde estás” o “Los Perejiles”,
posteriormente a la formación de los sones
religiosos de los que toman su nombre en el siglo
XIX. Por último, figuras como “El Danzón”, son de
introducción reciente y nos revelan el proceso de
continua evolución que siguen las danzas.
La danza de La Palma se practica casi
exclusivamente en el Estado de Jalisco y es de las
que año con año concurren a las festividades del
Santuario de Zapopan, uno de los más
importantes del país y al que llegan muchas
danzas , siempre numerosas y espléndidamente
presentadas. La danza de La Palma, se presenta
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con sus intérpretes que portan tocados de
hojalata, de los que cuelgan penachos de pluma o
mascadas de colores sobre trajes brillantes y
elaboradamente bordados, mientras que al ritmo
de sonajas y palmas se realizan complejas
evoluciones siguiendo la melodía de un violín. Es
una de las que contribuyen al esplendor y bien
ganada fama del Santuario de Occidente.
EL PALOMO de Guerrero
Esta danza es originaria de San Miguel
Totoloapan, situado en la margen izquierda del
Río Balsas del Valle de Tierra Caliente.
Se baila en festividades religiosas,
principalmente el 3 de mayo, en honor de la
Santa Cruz.
Los danzantes son en número de 23: un
“monarca”, 6 “capitanes”, 14 “palomos” y 2
“malinches, cada uno de cuyos personajes tienen
sus sones y zapateado especiales.
El elemento de la danza es el monarca que,
acompañado de las malinches o solo, ejecuta
pasos y evoluciones vistosas.
En cada una de las dos filas, hay tres
capitanes o solo ejecuta varios pasos y
evoluciones. En el Estado de Guerrero, esta danza
es acompañada por los siguientes instrumentos:
Dos violines, guitarra y tamborita.
Esta danza también es ejecutada en
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matrimonios, bautizos y en las fiestas de carácter
social. Cuando se trata de un casorio, se
acostumbra levantar frente a la casa una
enramada bastante amplia sostenida con horcones
y adornada con follaje y guías de papel. Los
novios y los padrinos se instalan en un sitio
especial dentro de la enramada al llegar al templo
y la música toca la marcha “felicidades” que puede
afirmarse , es el himno de la Tierra Caliente.
Con los novios llega la comitiva nupcial y
empieza la fiesta en que abundarán desde El
Palomo, sones y gustos.
DANZA RITUAL DEL PALOMO
DEL ESTADO DE CHIHUAHUA
Ceremonias nativas. Son las que se refieren a la
vida cotidiana de los tarahumaras en contraste
con las de la iglesia.
Ceremonia nativa es la que se desarrolla en el
patio comunal de una casa y NO en el atrio de la
misión religiosa cristiana.
Pocos rasgos comunes se encuentran en ambas
ceremonias. En las ceremonias nativas no hay
rasgos extranjeros, porque básicamente son
antíguos y cualquier modificación refiérese a una
sustitución de materiales y no a los cmabios del
patrón cultural.
La mayor parte de las ceremonias nativas incluye
la idea de la "cura ceremonial" . Así todas
incluyen el sacrificio de algún animal y las danzas
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del Rutubiri, Yumari y la del Palomo en un patio
especialmente preparado para el canto Shaman
(adivino o curandero).
Todas las casas que habitan los tarahumaras
tienen patio o pedazo de tierra redondo o
cuadrado de unos diez metros de diámetro; en la
parte oriental hay una plataforma con tres cruces
que marcan el sitio del altar. El patio circular
representa el mundo, las cuatro direcciones son
las puertas del mundo y todo lo que es usado en
el patio debe ser dedicado a ellos: "a los dioses".
Yummamari,. Es la danza que abre o cierra toda
festividad tarahumara, según ellos les fue
enseñada por los venados, casi siempre se
acompaña de bebidas alcoholicas y licencia sexual.
Rutuburi,. Es una danza inspirada en el guajolote,
uno de los animales sagrados para ellos. Es la
danza principal y la más solemne.
El Palomo.- Es la danza ritual dedicada a la madre
tierra. Es bailada entre las danzas anteriores,
representa la pureza del espíritu, imitando en su
ejecución los movimientos de este animal; es una
danza comunal tarahumara y una de las más
antíguas (Lámina Nº 13)
Consiste en cruzar el patio de la danza, los
hombres y las mujeres marchan a la derecha del
Saweame (jefe de la ceremonia) y las mujeres a
la izquierda con paso brincado, todos danzan
hacia el centro y se retiran tres veces.
Danza Ritual Tarahumara.- Después se cruzan de
unlado hacia otro lateralmente y finalmente al
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rededor del patio en contra del sentido del reloj.
Esto es fundamental y similar a otras danzas
excepto por los tiempos que son más rápidos.
En todas las ceremonias un poco antes del ocaso,
comida y bebida (tesguino, cerveza de maíz) son
ofrecidas a los concurrentes; esto es hecho en
honor del sol (Nonurugami, dios padre), canta el
Shaman y la gente contesta "Matretara,
Slahuapo", que dice gracias, gracias todo esta
bien.
LOS PARDOS Zacatecas
LOS PASCOLAS
· Los participantes en estas danzas llevan
máscaras, pero rara vez se cubren la cara con
ellas, sino que acostumbran colocarlas sobre un
oído. Las máscaras, de color negro, van adornadas
con cejas, bigotes y barbas de pelo natural. Los
danzantes llevan también un sarape alrededor de
las caderas, atado de manera que forme una
especie de calzón. De este cuelgan campanitas
que tintinean durante el baile; va sujeto con un
cinturón de cuero y un paliacate rojo. También
forma parte del atuendo un collar de pequeños
triángulos de nácar, denominado "rosario". Los
danzantes se atan el cabello fuertemente sobre la
coronilla con un listón, formando un moño, y
cuelgan de sus pantorrillas capullos de mariposas
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que hacen de sonajas al compás de la danza.
Además llevan el ritmo golpeando entre sí unos
instrumentos metálicos que llevan en las manos.
Acompañan asimismo la danza un arpa y un
violín.
LOS PAIXTLES
· También llamados "paistes" o "paixtles",
constituyen una de las pocas danzas
precortesianas que parecen haber quedado libres
de influencias hispánicas. Los danzantes se cubren
el cuerpo con el heno que se halla colgado de los
ahuehuetes y portan bastones tallados en su
extremo en forma de cabeza de venado. Con estos
acompañan el ritmo, junto con las maracas que
también llevan. Usan Máscaras para cubrirse el
rostro y cintas de colores sobre la cabeza. Esta
danza se puede contemplar en los estados de
Jalisco y Nayarit.
Danza de los Parachicos
Esta danza tuvo origen en Chiapas de Corzo,
ciudad situada en el margen derecho del Río
Grijalva. Utilizando la vía fluvial, los nativos
celebran las fiestas del santo patrono, San
Sebastián, el 20 de enero, con una serie de
juegos pirotécticos imitando un combate naval;
las barcazas son adornadas convenientemente y
los tripulantes disparan cohetes que iluminan con
sus coloridas luces la obscuridad del espacio.
Cuenta la tradición que una noble mujer
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morada de Chiapas, Doña María de Angulo, tenía
un hijo adolescente muy enfermo, y durante una
época de hambre y sequía que sufrió el pueblo,
ella prometió a San Sebastián el sacrificio de sus
bienes para que sanara a su hijo de la
enfermedad que padecía.
Entonces subieron al joven enfermo a un carro, lo
ataron a un madero se San Sebastián y así,
semidesnudo fue paseado por el pueblo, mientras
la madre repartía sus riquezas entre los
hambrientos moradores de la población.
Y el milagro se realizó; el hijo de Doña María de
Angulo, recobró la salud completamente, con lo
que ella, agradecida a San Sebastián, prometió
solemnemente que patrocinaría sus festivales año
con año, y como se trataba de un santo joven ,
según el Martirologio Romano, ella prometió una
danza "para el chico", de cuyo nombre nació el de
la danza de "PARACHICOS".
El baile, cuenta la leyenda, y como esta es más
bella que la historia, aceptémoslo como origen de
la danza.
Primeramente, los danzantes recorren las calles
como invitando a la población a admirar su danza
y a tomar parte en la fiesta. Una vez que se ha
terminado el recorrido, siempre al son de la
música, se coloca frente a la iglesia o plaza
principal y comienza su vistosa danza, cuyos
pasos son muy sencillos.
Consiste en pasos sencillos y saltos rítmicos, al
compás de una música alegre, para luego
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continuar con un zapateado de pasos complicados,
cuya música varía previo anuncio del cambio de
evolución.
Los temas musicales se llaman: Son de los
Parachicos, Zapateado y Chuntas.
Los instrumentos que acompañan a la danza son:
una flautilla de carrizo, acompañada de un
pequeño tamboril.
http://docs.google.com/Doc?
id=dzztzb7_4223ft5m5gmw
PESCADOS
· Participan en esta danza los "pescadores", que
portan redes; los "pescados", que llevan pequeños
peces de madera colgados de los hombros; y el
"lagarto". Este tiene una armazón de madera,
dentro de la cual va un hombre que hace que el
"lagarto" abra y cierre el hocico y que, en un
momento dado, deja en libertad una cola de
alambre de púas y se pone a dar vueltas a gran
velocidad, tratando de alcanzar con ésta a los
"pescadores". Es semejante a la danza llamada
"Tortuga" (q.v.) y propia, al igual que esta, del
estado de Guerrero.
DANZA DE LA PLUMA
La Danza de la Pluma (Danza de la pluma) es una
cruz-cultural conquista la danza, parte del ciclo de
Danzas Conquista, y estrechamente relacionado
con el Matachín bailes.
Antes de la presencia española en América, a
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mediados del siglo XIV, los mixtecas del norte
conquistaron el Valle de Oaxaca.
Aunque los mixtecas y zapotecas eran los feroces
enemigos, formaron una alianza para defenderse
de un enemigo común, el imperio azteca.
Alrededor de ese momento los mixtecas rindió
homenaje al Dios de la Danza (Yya Yaasitasaha).
Su efigie fue representado con un casco azul con
una corona de oro coronado con plumas de largo
dispuestos en forma de un ventilador; por un lado
se celebró un sonajero, en los demás flores.
La primera mención en las crónicas de los
conquistadores españoles de la cruz-cultural de
danza en Oaxaca (y predecesor de la moderna
Danza de la Pluma) tuvo lugar en Cuilapan. En su
palacio, el marqués del Valle de Oaxaca, Martín
Cortez (el hijo mestizo de Hernán Cortés), y su
amante Doña Marina (La Malinche) realizó un
baile para la celebración del nacimiento de sus
dos hijos. Una escaramuza fue promulgada en
representación de Cortez y Montezuma, en la que
el propio Martín desempeñado parte de su padre.
La moderna Danza de la Pluma evolucionado de
esta forma de danza ritual zapoteca en Oaxaca
bajo la influencia de los colonizadores españoles.
Incorpora la lucha entre Moctezuma y Cortés, el
cristianismo y el paganismo, con algunas
variaciones en cuanto al vencedor final. Ha
profundo significado cultural e importancia, con
bailarines de comprometerse por un período de
tres años, e implica mucho ritual de preparación y
la participación de la comunidad. El elemento
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esencial de reciprocidad, de "pagar sus cuotas" en
beneficio de la comunidad, se pone de manifiesto
los bailarines de 'compromiso.
Si bien la Danza de la Pluma se realiza en todo
Oaxaca, Teotitlán del Valle es una de las dos
únicas comunidades que todavía practican la
danza como un ritual religioso.
Teotitlán del Valle (cuya traducción del náhuatl es
"Lugar de los Dioses en el Valle") es el más
antiguo conocido asentamiento en el valle de
Oaxaca, sino que se conoce como el corazón
espiritual del Valle Sagrado de Tlacolula.
Teotitlán del Valle es considerado el guardián de
la cultura zapoteca del valle, y su presentación de
la Danza de la Pluma es conocida. Teotitlán del
Valle es aclamado en todo el mundo para el
zapoteco tejidos que produce.
DANZA DE LOS QUETZALES Puebla
SANTIAGOS
· Santiago el Mayor es el santo patrono de
España; de él deriva esta danza su nombre.
Obviamente se trata de una danza de origen
hispánico, parecida a la de moros y cristianos,
sólo que aqui el actor principal es el santo. En
ocasiones, Santiago utiliza un caballo real y, en
otras, su disfraz incluye, por delante, una cabeza
de caballo de madera y por detrás, las
correspondientes ancas. Es, pues, una danza de
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carácter bélico que los frailes españoles
introdujeron para mostrar cómo el apóstol
encabezó la lucha contra los moros.
LOS SEGADORES
· Es una especie de representación danzada en la
que los personajes principales son: el capataz,
que paga a sus trabajadores con billetes de
tiempos de la Revolución, llamados "bilimbiques";
los peones, que adoptan una actitud de
haraganería; y la "mujer" de la tienda de raya,
que en realidad es un hombre. Este porta una
canasta sobre la cabeza y utiliza pasos pequeñitos
para indicar su "feminidad". Se puede ver esta
danza en algunos pueblos del Estado de México.
SIETE PECADOS
· Es semejante a la llamada "Ocho Vicios" (q.v.),
sólo que el número de "enemigos del alma" aquí
se reduce a siete.
SONAJEROS Sur de Jalisco
Esta danza recibe su nombre de las sonajas
con que sus ejecutantes se acompañan y que
pueden ser de dos tipos: o bien unos bastones
huecos de unos .60 cm. de longitud, en cuyo
interior se han puesto piedrecillas, o bien un palo
labrado del mismo largo, con incisiones en las que
se insertan pequeñas ruedas de hojalata que
vibran al golpear el palo en el suelo.
La danza se realiza en las principales
festividades religiosas: como la de San Juan
Bautista, santo patrono del pueblo de Tuxpán,
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Jalisco. Sus miembros forman una sociedad que
está al mando de un jefe ante el cual los
intérpretes prestan juramento de bailar con fervor
y entusiasmo, respetar al público, no ingerir
bebidas alcohólicas y otras formas de
comportamiento que constituyen un código. Son
aproximadamente 30 en número y al bailar se
forman en dos filas y en orden de jerarquía: los
principales a la cabeza y los niños aprendices al
final. Muchos de los intérpretes de la danza
cumplen su “manda”, promesa que se hace a una
imagen para pedir o agradecer un favor.
Muchas de esas promesas son de por vida y
fueron hechas por los padres, por lo que es
frecuente la participación de niños en la danza
que cumplen así su manda y se adiestran en la
interpretación.
Como se mencionó, la danza se acepta como
originaria de Tuxpán, pero su práctica se ha
extendido por otros lugares del Estado de Jalisco,
donde presenta pequeñas variaciones.
El traje tradicional consta de una camisa
blanca con adornos tejidos al frente y a la
espalda, un pañuelo de color al cuello, pantalón
blanco con una faja de color y calzoneras rojas o
negras sobre el pantalón y polainas. No ha de
faltar el chistosos que caracteriza a la danza
mexicana.
En Michoacán, en Narauján, la danza de las
Sonajas o del Señor, reúne elementos de esta
danza y variante de la de Moros y Cristianos,
evidencia de un proceso de contacto que otorga a
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las manifestaciones coreográficas de su origen, un
nuevo carácter.
TECUANES
· Su nombre viene del náhuatl, lengua en la que
"tecuani" quiere decir "tigre", personaje que es el
único que se encuentra de seguro en esta
representación danzada, pues los demás varían
notablemente de un lugar a otro. Durante la
danza, la bestia persigue a los niños y a su vez es
perseguida por los hombres. Estos llevan
máscaras y usan botas o chaparreras, así como
enormes sombreros y chaquetas de fibra de
maguey con la manga derecha rellenada con
trapos o algodón. Portan así mismo látigos con los
que se golpean unos a otros, tratando de acertar
a la manga rellenada para no causarse daño, al
tiempo que ejecutan un taconeo complicado y de
gran precisión. Es prácticamente la misma danza
que la conocida como "Tlacololeros" y, a pesar de
los grandes cambios que ha experimentado y
sigue experimentando gracias a la fantasía de los
ejecutantes, preserva con seguridad sus
arraigadas raíces de la época precortesiana.
DANZA DE TECUANIS O TECUANES
Es prácticamente la misma danza que la conocida
como "Tlacololeros". El personaje central de estas
danzas es el "tecuani", voz náhuatl que quiere
decir "tigre" o "jaguar", es decir, "el que come
gente".
El ritual expresa la dificultad para domar la tierra.
El jaguar era símbolo de la tierra; los campesinos
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buscaban la manera de cazarlo, hasta que lo
logran con la ayuda del Dios de la lluvia. Con el
tiempo se han incorporado personajes como la
muerte, el diablo y la bruja.
Los cazadores llevan máscaras y usan botas o
chaparreras, sombreros enormes y chaquetas de
fibra de maguey. Portan látigos con los que se
golpean unos a otros, tratando de acertar a la
manga derecha que está rellena de trapos o
algodón, al tiempo que ejecutan un taconeo
complicado y de gran precisión.
DANZA DE LOS TEJONEROS Costa de Oaxaca
Dentro del ciclo de danzas dramáticas del
Tigre, puede incluirse la danza de los Tejorones,
de la Costa Chica de Guerrero y Oaxaca y algunas
otras zonas de ese Estado.
Los Tejorones son una agrupación que tiene
por finalidad danzar en las fiestas de carnaval y el
Jueves de Corpus, por el pueblo divirtiéndolo con
sus travesuras y bromas, que van de acuerdo con
la categoría de los demonios o anticristos que
ellos mismos se atribuyen.
Los Tejorones tienen en su repertorio varios
juegos o danzas, la del tigre, del guajolote, del
coyote, etc.
La del tigre es una danza con diálogos muy
semejantes a los Tlacololeros y a la de los
Tecuanes, y como éstas, consiste en la
representación de la cacería de un tigre que viene
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causando daños entre la gente y bienes de la
comunidad. En este caso el tigre, que ha matado a
varios animales domésticos y herido al cazador, es
localizado por un perro en lo alto de un árbol
donde, venciendo sus temores, el cazador lo
mata. El cuerpo del tigre es recogido junto con el
de los animales domésticos por hombres
disfrazados de mujeres que remedan la
preparación de un mole o barbacoa en celebración
de su muerte, la gente se divierte sobre la
improvisación de parte de los danzantes.
TEJORONES
Dentro del ciclo de danzas dramáticas del Tigre,
puede incluirse la danza de los Tejorones, de la
Costa Chica de Guerrero y Oaxaca y algunas otras
zonas de ese Estado.
Los Tejorones son una agrupación que tiene por
finalidad danzar en las fiestas de carnaval y el
Jueves de Corpus, por el pueblo divirtiéndolo con
sus travesuras y bromas, que van de acuerdo con
la categoría de los demonios o anticristos que
ellos mismos se atribuyen.
Los Tejorones tienen en su repertorio varios
juegos o danzas, la del tigre, del guajolote, del
coyote, etc.
La del tigre es una danza con diálogos muy
semejantes a los Tlacololeros y a la de los
Tecuanes, y como éstas, consiste en la
representación de la cacería de un tigre que viene
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causando daños entre la gente y bienes de la
comunidad. En este caso el tigre, que ha matado a
varios animales domésticos y herido al cazador, es
localizado por un perro en lo alto de un árbol
donde, venciendo sus temores, el cazador lo
mata. El cuerpo del tigre es recogido junto con el
de los animales domésticos por hombres
disfrazados de mujeres que remedan la
preparación de un mole o barbacoa en celebración
de su muerte, la gente se divierte sobre la
improvisación de parte de los danzantes.
**********relacionado con el “Charape” de
Michoacán, bebida hecha con piloncillo.
Los autores que han profundizado con su estudio,
aseguran que desciende del jarabe gitano y su
aparición parece venir de finales del siglo
diecisiete y principios del siglo dieciocho el hecho
que en los albores del siglo diecinueve ya
circulaban ampliamente por el centro del País. A
todo lo largo del último teniendo como puntos de
difusión México y el Bajío, se extendió por todo el
Territorio Nacional hasta California y Centro
América y en diversos rumbos se aclimató de tal
modo, que llegó a constituir “modelos regionales”
aprovechando la música local, por lo tanto está
considerado el jarabe como música y baile
nacional.
El jarabe de los pueblos era muy diferente a que
se bailaba en las ciudades. En los Estados de
Guanajuato, Jalisco, Colima y Nayarit,
especialmente en la costa, es donde se bailaban
los mejores jarabes. Es muy común ver bailar
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espontáneamente, solo se requiere que haya
música y gente. Ahora cuando se prepara con
anticipación, se coloca una plataforma de madera
sobre una área excavada o se entierran ollas
debajo, con objeto de producir gran resonancia.
Se prevén de mariachis e individuos que cantan
con falsete; en esta forma el baile puede seguir
horas enteras con los bailadores improvisando
pasos y los trovadores improvisando versos.
DANZA DE LOS TEJORONES
La danza de los Tejorones es representada en
época de Carnaval. Los danzantes se cubren con
máscaras y ropas gastadas y llevan en la cabeza
un cono cubierto con plumas de gallo. Algunos
representan animales como el tigre, la vaca y el
perro. La máscara del tejorón tiene rasgos
humanos, negros o blancos, dependiendo del
lugar donde se represente. Otro personaje es
María Candelaria, mujer de los Tejorones.
Como todos los bailes de Carnaval, la danza de los
Tejorones rompe con las normas, transgrede el
status quo y da rienda suelta a los instintos
sexuales. Los Tejorones reciben insultos de los
niños del pueblo que se aproximan para
hostigarlos y huir; ellos reaccionan con agresiones
de todo tipo: insultan, ridiculizan y atrapan
hombres y mujeres ignorando tabúes.
El tigre es quien tiene el poder: representa el mal
y lo prohibido, y siempre tiene a los Tejorones en
su contra, tratando de alcanzarlos para violarlos
como hombres o como mujeres, imitando un coito
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heterosexual u homosexual. El tigre salta en
todas direcciones, juega con su cola y se enfrenta
duramente con la vaca hasta que la pelea termina
con la violación de alguno de los dos. Los
Tejorones llevan en la mano una sonaja, y
utilizan también escopeta, machete, matraca,
pistola y lazo.
DANZA DEL TIGRE Costa de Oaxaca
DANZA DEL TIGRE
La Danza del Tigre es la que se interpreta en
Veracruz; en la población de San Juan Colorado,
al norte de Santiago Pinotepa Nacional.
El tema es la cacería de un tigre mítico con la
ayuda de un perro. Inicia con la búsqueda del
tigre y cuando el perro lo encuentra, comienza a
ladrar alrededor del árbol en el que se oculta.
Doce danzantes acompañan a los cazadores,
bailando alrededor del lugar en donde está el
tigre. Cuando los cazadores le disparan, no lo
dañan, porque es mágico. Los danzantes que
representan al perro y al tigre, realizan pasos
espectaculares y acrobacias simulando una pelea.
Doña Catalina, dueña del perro, le da unos ajos a
su esposo para que cure su escopeta y pueda
romper el hechizo. Finalmente, mata al tigre y le
quita la piel tirándolo a una barranca.
Todos los personajes son interpretados por
hombres. El vestuario consta de pantalón blanco
de algodón, con un calzón de colores sobrepuesto,
camisa y dos paliacates, uno en la cabeza y otro
en la mano. Usan una gorra adornada con
95/124https://sites.google.com/site/laredanzaudg/la-danza-en-mexico/mestizas/danzas/dab
chaquiras de colores. El tigre viste traje amarillo
moteado y una máscara de madera, con facciones
del felino, y en los ojos tiene espejos. El cazador
usa chaparreras, chaleco de gamuza y sombrero;
su esposa lleva falda, rebozo, sombrero y una
camisa bordada con flecos en los hombros.
DANZA DE LOS TLACOLOLEROS Guerrero
TOCOTINES
La danza de los Tocotines toma su nombre de una
de las primeras formas musicales creadas en el
país, después de la Conquista: el “Tocotín”
fomentando por los franciscanos del colegio de
Santiago Tlaltelolco para difundir la doctrina
cristiana, utilizando posiblemente formas
musicales con fuerte influencia prehispánica y
textos en mexicano creados exprofeso para que se
popularizara.
Para el siglo XVIII estos cantos y bailes habían
enraizado tan profundamente que Gage, viajero
inglés, los confunde con sobrevivencias
prehispánicas en las que sólo se ha modificado el
texto, que cuenta la vida de los santos en el lugar
de la de los Dioses. Por aquel entonces “tocotín”
es un hombre genérico que se aplicaba
indiscriminadamente a los cantos y danzas que
practicaban los indígenas de la parte central del
país, independientemente de su contenido.
En la actualidad, la danza de los Tocotines todavía
posee cierta ambigüedad. Por ejemplo, en el
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pueblo de Chignautla, en la Sierra de Puebla, se
nombra así a una danza de la conquista, que es
una variante de la de Moros y Cristianos, con
textos en la lengua náhuatl y se escenifica la
abdicación de Moctezuma en favor de los
conquistadores encabezados por Cortés. En
Papantla se llama así a los voladores.
A unos cuantos kilómetros, en Teziutlán, una
danza del mismo nombre es totalmente distinta,
sin contenido dramático y de finalidad puramente
coreográfica.
Esta última forma, la coregorafía, parece ser la
más frecuente en la danza de los tocotines que
actualmente se practica en los Estados de Puebla,
Hidalgo y Veracruz, alrededor de la región
conocida por la Sierra de Puebla. Se baila en las
celebraciones religiosas, y está vinculada a la
iglesia, además, por la organización de sus
intérpretes en congregaciones jerarquizadas, con
su “Pilato” o ejecutivo y el cabecero o capitán.
El vestuario más generalizado para esta danza,
tiene mucho en común con el de las otras danzas
de la Sierra de Puebla y de la región totonaca del
Tajín. Consiste en un pantalón corto rojo fuerte,
camisa blanca con adornos triangulares y un
ceñidor de anchos flecos sobre el pantalón.
Acompañándose con un violín, tamborcillo y flauta
de carrizo con un amplio repertorio de sones, los
danzantes realizan las complicadas figuras que
constituyen la finalidad de su interpretación. La
semejanza de la música, vestuario y evoluciones
de esta danza, con la de Las Guaguas o Quetzales
97/124https://sites.google.com/site/laredanzaudg/la-danza-en-mexico/mestizas/danzas/dab
cuando se realiza sin utilizar la cruz giratoria, ha
hecho que se confundan éstas en la Sierra de
Puebla y se integra en una sola danza.
TOREROS
· Debe su nombre a que uno de los danzantes
lleva sobre el sombrero un pequeño toro de
madera o paja y los movimientos tienen relación
con la fiesta del toreo. Varias danzas algo
distintas comparten esta denominación; en
algunas de ellas los "toreros" usan traje de
charros.
LOS TOREROS MINEROS
Proviene de la región minera de Guanajuato y
data del siglo pasado. Esta danza representa los
siete cambios en los cuales el metal extraído de la
tierra queda convertido en barras de metal.
Primero,. Se inicia el trabajo, los capitanes
marcan los pasos de esquina y ramillete.
Segundo.- Pabellón de paños.
Tercero.- Recoger, amontonar, vaciar y conducir
en las tolvas y canastillas el metal.
Cuarto.- Transporte de la carga al molino.
Quinto.- Mineral moliso conducido a los depósitos
de beneficio.
Sexto.- Transporte a otros depósitos donde la
labor será perfeccionada.
98/124https://sites.google.com/site/laredanzaudg/la-danza-en-mexico/mestizas/danzas/dab
Séptimo.- Nos indica la revoltura del metal en el
tanque de oxidación donde debe recibir el último
beneficio.
DANZA DEL TORITO SERRANO
Esta danza se baila en San Pablo Macuiltianguis,
en la Sierra Juárez. El torito es representado por
una mujer que intenta tirar al hombre. El baile
comprende tres partes, introducción con el
Mosquito Serrano, especie de himno regional,
luego el Jarabe y finalmente El Son del Torito. Los
versos que acompañan el baile son de carácter
chusco y se dicen en zapoteco serrano, mientras
que la música es interpretada por una banda de
viento tradicional.
DANZA DEL TORO DE PETATE Costa de
Oaxaca
El origen de esta danza está bien documentado
históricamente: se sabe que se bailó por primera
vez en 1911, en la comunidad de Santiago
Collantes, Oaxaca, para agasajar a Francisco I.
Madero, entonces presidente de la República.
Los personajes de la danza son el toro, los
caporales y su jefe, Don Francisco o Pancho, su
esposa María Domínguez o la Minga y su hija. Los
caporales danzan alrededor del toro, que baila
siempre en el centro; el jefe de los caporales y
Don Pancho bailan con la Minga. Los caporales se
colocan en círculo alrededor de éste y recitan
versos divertidos. Al final se tienen que enfrentar
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al toro y dominarlo. El hombre que representa al
toro se oculta dentro de una estructura de
carrizos forrada con petates. Los caporales visten
pantalones a la rodilla y camisa de colores vivos y
detrás de ésta cuelgan tiras de papel brillante.
Sobre el pecho usan un listón cruzado con un
moño en el cruce. Los caporales, además de la
soga para lazar al toro, usan sombreros
adornados con un lienzo brillante y cuatro
espejos. El jefe de los caporales se distingue
porque utiliza un sombrero diferente,
chaparreras, binza (látigo de cuero de res) y un
machete falso, colgado del hombro derecho.
Don Pancho usa una máscara que representa a un
hombre blanco, de nariz aguileña y barba larga y
blanca. Su esposa la representa un hombre que
lleva una máscara femenina, también blanca, con
ojos azules y cabellera rojiza. La Minga viste falda
larga y blusa de colores llamativos. Su hija es una
muñeca envuelta en un rebozo.
Los instrumentos que acompañan esta danza son
dos trompetas, dos saxofones y un tambor.
DANZA DE LA TORTUGA Costa de Oaxaca
La tortuga es un elemento recurrente en a
cosmogonía de los pueblos de la costa donde hay
más población afro mestiza.
Esta danza la interpretan 14 personajes: un
Pancho, una Minga principal y 6 capataces con sus
6 Mingas. El Pancho representa a un español que
lleva un látigo, y los capataces, como tienen la
confianza del Pancho, también usan un látigo,
aunque sean afromestizos. La Minga principal es
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la esposa del Pancho, danza y coquetea con todos
para recibir besos y provocarle celos a su marido.
La Minga trae una muñeca en los brazos, como si
fuera su hija y la va ofreciendo para que la
abracen. Si alguien se niega a cargala o
abrazarla, la Minga le dice a su esposo y éste se
encarga de castigar el desaire; pero si reciben a la
muñeca, el Pancho se molesta, de modo que
también aplica un castigo que consiste en bailar
con la Minga. Los que no quieran cumplir la
penitencia tienen que donar una prenda de valor
o dinero que después será usado para comprar las
bebidas alcohólicas que toman los danzantes.
Al final de la danza, el Pancho llega con el
personaje de la tortuga y éste "pone" huevos que
él regala a los invitados especiales.
Todos los danzantes usan máscara. Los vestidos
de las mujeres, elaborados con telas floreadas, les
llegan al tobillo y están cubiertos con una manta
negra de encaje. Calzan huaraches y medias.
Todas las mujeres, excepto la Minga principal, se
cubren la cabeza con una mantilla. La Minga,
principal lleva un vestido más elegante y un
rebozo cruzado sobre el pecho en el que acuna a
la muñeca. Usa peluca y zapatillas.
Los atuendos masculinos se hacen con ropa vieja
y deshilachada. Usan sombreros, paliacates y
calzan huaraches. El Pancho, en cambio, usa
chaparreras y calza botas con espuelas. Tiene una
reata o soga de lazar, un cuerno de vaca al
hombro y una binza o látigo de cuero de res. El
vestuario de la tortuga se forma con un bastidor
de madera en forma de caparazón forrada de tela.
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DANZA DE LOS TRES PODERES
Es otra danza de tipo moralizante, como las
llamadas "Siete pecados" y "Ocho vicios",
introducidas por los misioneros españoles para
evangelizar a los indios. Sus protagonistas son el
arcángel San Miguel, el diablo y la muerte, que
generalmente porta su guadaña como emblema
DANZA DE TSACAM SON San Luis Potosí Ver
“ZACAMSON O LA BRINCONA”
DANZA DEL TSACAM SON
Esta danza, también llamada "la Brincona", es
originaria y ejecutada por indígenas de la
Huasteca. Es una ofrenda a los cuatro vientos y a
la Madre Tierra y está especialmente relacionada
con el cultivo de la caña de azúcar.
El vestido de los danzantes está formado por
camisa y calzón blanco de manta. En la espalda
llevan un cuadro azul, que se anuda al cuello, y
en la cabeza, otro amarillo con tres listones.
Llevan además una tablita de cedro con un árbol
pintado, sostenida de la frente. El significado de
este árbol se relaciona con el nombre de "Akich
mon" o Aquismón, que significa "pozo al pie de un
árbol de guásima".
Los danzantes van descalzos y en la mano
derecha llevan un chinchín o sonaja con plumas
de colores, hecho con un guaje y con semillas de
k’uhuap. El jefe da las señales con el kutsil’e que
son varitas con plumas de guajolote pintadas de
color rosa, que representan un ramo de flores.
Las mujeres también participan. Ellas van
descalzas, usan una nagua negra, blusa blanca de
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manta con un holán y sobre ésta un quechquémitl
bordado de colores, pero predomina el rojo.
Llevan el cabello trenzado con estambre rojo, lo
que forma un tocado al que llaman "petop". Su
atuendo se complementa con aretes y collares de
colores, una bolsa de manta tejida llamada talega
y una jícara, hecha con el chinchín o guaje,
también pintada de colores; con predominio del
rojo.
La música parte de dos instrumentos de cuerda:
un arpa y un rabel de cedro. La danza consta de
más de 75 sones, de los cuales unos son bailados
en la mañana, otros en la tarde y los últimos al
amanecer. En cada son se hacen pasos diferentes.
DANZA DE LOS TASTOANES Jalisco y
Zacatecas danza dentro de la clasificación de
"Moros y Cristianos", bailada en honor a Santo
Santiago, varía las fechas dependiendo el lugar,
las más conocidas son las que se llevan a cabo en
los poblados de San Juan de Ocotán , Jocotán,
Nestipac, Santa María Tequepexpan y Tonalá en
Jalisco y en Nochistlán y Moyahua en Zacatecas.
Generalmente se celebran en el mes de Julio y en
cada lugar varían los personajes, el vestuario, la
música y la ejecución, conteniendo únicamente en
similitud, la temática de la festividad. LA lucha
entre el bien y el mal, representados por Santo
Santiago y los tastuanes.
DANZA DE LOS TUMBIS Michoacán
DANZA DEL TUMBIS Y DEL PESCADO
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En la región lacustre de Michoacán el tema de la
pesca es recurrente por ser ésa la base de la
alimentación y de la economía de la región.
Tumbi quiere decir joven en la lengua purépecha.
En esta danza se representan las faenas de pesca
en la que los jóvenes bailan con una pequeña red
llamada Cheremekua. Los danzantes lucen la red
en la entrada o Inchapikua y en la representación
de la pesca. Las huananchas o mujeres bailan con
movimientos suaves y cadenciosos, mientras los
jóvenes lo hacen con energía y vitalidad
cubriendo sus rostros con máscaras.
Ellos visten calzón y camisa de manta con
bordados de colores. Llevan un pequeño sombrero
adornado con listones y flores y calzan huaraches.
Ellas llevan un enredo de lana, mandil bordado y
rebozo.
Esta danza se baila en la Noche de Muertos y en
Navidad. Se tocan 5 sones.
La danza de los pescados es una variante de la de
los Tumbis en la que los pescadores llevan redes y
pescados de madera colgados de los hombros, y
participa además un lagarto representado por un
danzante ataviado con una botarga de madera,
que tiene la particularidad de que le permite abrir
y cerrar el hocico. En un momento de la danza, el
lagarto saca una cola de alambre de púas y
empieza a dar vueltas para tratar de golpear con
ella a los pescadores, que lo evitan brincando.
La danza del pescado blanco o Urapiti Uarakua es
semejante a las anteriores y la ejecutan los
purépechas de Janitzio para agradecerle al lago de
Pátzcuaro la pesca obtenida. Puede ser
acompañada por una banda de viento u orquesta
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de cuerdas (violines, guitarra, vihuela,
violonchelo y contrabajo). Los hombres visten
camisa y calzón de manta bordados en punto de
cruz, una faja o ceñidor, sombrero y huaraches.
Las mujeres usan un rollo de paño rojo, enagua y
huanego de manta bordados en punto de cruz,
fajilla, rebozo y huaraches.
Para la danza utilizan una red llamada chichirro,
que elaboran con un armazón de carrizo forrada
de manta, con la que atrapan el pescado blanco.
La danza de las mariposas o Parakata Uarahriecha
es otra variación de las anteriores. El tema
también es la pesca con una red que, en este
caso, tiene forma de alas de mariposa. Los
hombres llevan la red y zapatean con fuerza;
mientras que las mujeres danzan suavemente.
Esta danza, como las anteriores, también es
originaria de Michoacán. Se baila en las
principales fiestas del pueblo, tanto religiosas
como cívicas y su acompañamiento musical es
ejecutado por una orquesta de cuerdas.
El hombre viste camisa y calzón de manta
finamente bordados en punto de cruz, faja o
ceñidor, sombrero y huaraches. La mujer usa un
rollo de paño rojo, enagua de manta y huanego,
ambos bordados en punto de cruz, fajilla, rebozo y
huaraches. Llevan además collares de papelillo de
diferentes colores.
LA URRACA
Esta danza es un ritual, que es bailada por puros
jóvenes de la tribu cora, pues se requiere mucho
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vigor y esfuerzo físico para soportar el bailarla
durante tres días consecutivos, con poco alimento
que es ofrecido por el mayordomo o el gobernador
de la tribu, así como un poco de peyote que es
frotado en el cuerpo y masticado por los
danzantes para adquirir mayor fuerza y brío para
la ejecución.
Encontramos en esta danza, alguna similitud con
la danza de “La Pluma” o “La Palma” del Estado de
Durango, pues en la indumentaria de los
danzantes de ambas, se emplea una gran palma
de madera adornada profusamente con papel de
colores, imitando flores y pequeños espejos que
brillan al sol cuando se ejecutan los movimientos
del baile.
Además la colocación de los danzantes en hilera b
algunas evoluciones les dan mayor similitud.
Cuenta la tradición que la danza de “La Urraca” se
bailaba desde tiempos muy remotos en homenaje
a sus antiguas deidades, debiendo cubrirse el
rostro con un pañuelo fino, para poder ponerse en
comunicación con el Dios principal, señalándose
esta parte de la indumentaria como una gran
muestra de respeto.
En la danza interviene una mujer (la maringuía),
que tiene parte muy importante en la ejecución;
el resto lo forman 14 danzantes, colocados en
hileras por parejas, tomando la mujer el segundo
lugar de una de la hileras.
La música es acompañada con un violín, que los
mismos indios coras fabrican.
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Suelen bailar esta danza durante alguna fiesta
cívica, por ejemplo en la toma de posesión del
nuevo gobernador de la tribu; pero es más común
que se ejecute durante algunas fiestas religiosas,
por ejemplo, el Jueves de Corpus, el día de la
Candelaria y el 12 de diciembre, en honor de la
Virgen de Guadalupe. Se ejecuta principalmente
en el poblado de Jesús María.
Los ritos usados para la música son de tipo
binario, concebidos con compases de dos por
cuatro, marcadamente indígena, por lo que
podemos considerar esta danza como una de las
más puras.
LA VAQUERÍA ESTADO DE YUCATÁN
La costumbre de una fiesta anual, en la que
participaba todo el pueblo, que se remonta al
“Cuch” Maya, fue revivida durante la colonia con
los festejos anuales en honor al Santo Patrono y
los que se efectuaban en las haciendas con motivo
del recuento del ganado o de la recolección de la
cosecha, esto dió lugar a la actual fiesta
tradicional o “Jarana del Pueblo” llamada
VAQUERÍA.
Estas fiestas que a veces duran más de tres días
se hacen en las trojes o simplemente bajo una
enramada profusamente adornada con banderitas
y cadenas de papel de brillantes colores. “Todo el
pueblo queda invitado, se prepara la “Cochinita
pibil” y el pozole de maíz endulzado con miel de
caña para las mujeres, y con miel de anís para los
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hombres.
Con la cabeza de cochino puesta sobre una batea,
adornada con cintas de colores que las muchachas
toman de la punta, recorren el pueblo al rito de la
“Angaripola”, desde el lugar donde se hizo “la
pibil” hasta la enramada donde se efectuará la
fiesta.
El encargado de organizar el baile o “Bastonero”
escoge compañero a cada una de las muchachas,
sin tomar en cuenta rango o condición, de esta
manera resulta que el peón más pobre puede ser
el compañero de la hija del patrón.
El timbal, que evoca el sonido del antiguo
“Tunkul”, es la única señal que esperan los
jóvenes, impecablemente vestidos de blanco, para
acercarse a su pareja ataviada con su hermoso
“terno” y llevarla al centro, donde frente a frente
comienzan a bailar “Aires Yucatecos”, que es el
primer número que se baila en la “Vaquería”, al
que la siguen “Jaranas” de 3x4 (lentas nacidas de
la jota aragonesa) y de 6x8 (rápidas procedentes
de la jota valenciana) y muchos sones de
inspiración popular tales como: “Amapolita”, “La
Morena de mi Pueblo”, “Bertha Minelia”, “Nicte
Há”, “La Última Jarana”, etc.
La música solamente se detiene al grito de
“Bomba” y cuando alguno de los bailarines se
adelanta para decir versos, muchas veces
improvisados que por su ingenio despiertan el
entusiasmo de la concurrencia.
Durante la fiesta se hace entrega de la cabeza del
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cochino al que resulta elegido para portar al
cerdo, organizar y presidir el festejo del año
siguiente. (Lámina Núm. 84).
El son del “Torito” es el último zapateado y sólo le
siguen las “Dianas”, que son la señal de que la
fiesta ha terminado.
La música y la danza continúan siendo fuerza vital
en nuestros pueblos. En la actualidad existen en
la península de Yucatán dos tipos de fiestas, “La
Vaquería” común a toda la península, “Los Arcos”
y “Fiesta del Palmar”, tradicional de la ciudad de
campeche.
DANZA DE LAS VARITAS ESTADO DE SAN LUIS
POTOSÍ
Esta danza es originaria de la Huasteca Potosina.
Se baila en el poblado de Tamaletón y sus
alrededores y en el Municipio de Tancanhuitz, del
Estado de San Luis Potosí.
Actualmente se baila en honor de San Miguel
Arcángel y la Virgen de Guadalupe; pero como
todas las manifestaciones indígenas de esta
índole, siempre han sido para pedir mercedes a
deidades o dar gracias por lo recibido. Es seguro
que esta danza que debe ser muy antigua, fue
ejecutada ante las divinidades precortesianas,
especialmente la Diosa Tierra, la Madre Tierra
(Pulic Mimbab) que todo lo da, y de quien
recibimos sustento y abrigo.
Los pasos de la danza y las evoluciones están de
acuerdo con la música, que va marcando el ritmo
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a seguir; así como cada son musical marca los
diferentes cambios de paso que ha de bailarse.
La música es tañida en una flautilla de carrizo o
en un rústico violín, sin más acompañamiento que
el tintineo de los cascabeles, siendo su concepción
muy ingenua, el perfil melódico de lo más sencillo,
aunque el número de sones por ejecutar es
bastante grande. (Lámina Núm. 67).
Los danzantes, generalmente dispuestos en
parejas o formando círculos, toman determinadas
actitudes de animales, imitando algunos de sus
movimientos, por cuya razón los sones se llaman:
El Tejón, El Tlacuache, El Murciélago, La Mariposa,
etc.
DANZA DE LAS VARITAS
Hay varias versiones de la danza de "Las Varitas",
pero la más popular es la de la región huasteca.
En sus orígenes era diferente a la que vemos hoy
ya que ha sido comercializada. La Danza de la
Varitas de Coatzatlán es una versión que conjunta
varias características de diferentes danzas de
"varitas" de la regiones huasteca y nahua.
La danza es parte de una fiesta que empieza
desde muy temprano tocando sones alegres que
saludan al sol y termina con el día, con sones
tristes a los que les dan nombres de animales
como del conejito o del caballito; de flor de
enredadera, entrada, salida, etc.
Se baila formando dos filas o un círculo,
alternadamente, con lo que representan el vuelo
de las golondrinas alrededor del sol. Los pasos
cambian de ritmo: pasan de veloces y ágiles a
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lentos y pausados; pero siempre la coreografía se
esmera en crear lineas que imitan los
movimientos de dichos animales.
El espíritu de la fiesta es el personaje del
tradicional "viejo" o "anciano", danzante que es
respetado por todos por la comunidad.
Los bailadores visten calzón y camisa de manta y
4 pañuelos rojos: dos cruzados al frente y en la
espalda y dos colgando de las puntas en ambos
lados de la cintura. Llevan además un gorro
cónico negro rematado en un abanico rojo, un
cuchillo de madera en la mano derecha y en la
mano izquierda una varita adornada con listones
de colores (amarillo, rojo, anaranjado, blanco,
azul y verde), un elástico con cascabeles sujetos
en ambas rodillas y descalzos.
El vestuario del viejo es semejante, pero no lleva
la varita ni el cuchillo y se cubre la cabeza con
algodón que simula canas. Lleva un bastón blanco
con espirales negras en cada mano, y siempre
conserva su posición encorvada. La máscara del
viejo tiene nariz aguileña y está pintada de color
blanco.
Los instrumentos musicales usados en esta danza
son un tambor de doble parche de cuero de jabalí
y una flauta de carrizo.
DANZA DEL VENADO Sonora y Sinaloa
EL VENADO Y LA PASCOLA
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ESTADO DE SONORA
(DEL LIBRO ARTE POPULAR MEXICANO)
Estas danzas exclusivas de los grupos indígenas
del noroeste de México, se cultivan en la
actualidad principalmente por dos grupos: los
yaquis de Sonora y los mayos de Sinaloa. Aunque
se trata de danzas diferentes, se ejecutan siempre
juntas y se integran en algunas partes. Se
celebran en todas las fiestas religiosas e inclusive
en las familiares, pero nunca con tanto fervor
como durante la Semana Santa.
Entre los yaquis, al sonar el repique de campanas
que anuncian la apertura de la Gloria, al mediodía
del sábado ya que hasta 1964 este grupo no había
aceptado la reforma litúrgica de estas fiestas,
frente a la iglesia, un músico que toca una flauta
de carrizo y un tambor de doble parche
simultáneamente, empieza a tocar primero con
ritmo incierto y cambiante y luego con más
firmeza y regularidad.
Entonces irrumpe el baile de los pascolas con la
sonaja en la mano y cubriéndose el rostro con la
máscara. Mientras tanto, el danzante que hace de
venado se coloca la cabeza disecada del animal,
del que toma nombre, y aguarda que empiecen a
tocar los instrumentos que lo rigen: el tambor de
agua y los raspadores. Cuando esto sucede, bailan
simultáneamente el venado y los pascolas, cada
cual al ritmo de sus propios instrumentos.
Cesa después de la danza de los pascolas y
continúa el venado, al que se ha agregado el
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canto que interpretan los mismos instrumentistas.
Cuando termina esta danza, todos los intérpretes,
encabezados por su propio gobernador, se dirigen
a una enramada -construcción provisional de
troncos y ramas- donde empiezan a tocar con
ritmo vivo un arpa y un violín. Con esta música
danzan los pascolas uno tras otro.
Llevan en este caso la máscara hacia atrás,
descubriéndose así el rostro y la sonaja metida en
la faja. Bromean entonces con el público y con
ellos mismos, mientras el venado, despojado de la
cabeza disecado, observa seriamente. Al terminar
el son del arpa y el violín, vuelve a prepararse el
músico de la flauta y el tambor, para repetir la
danza realizada en el atrio. Esta sucesión se
continúa hasta entrado el domingo, cuando casi al
mediodía se retiran los danzantes.
Muchas veces se ha narrado la patética muerte
del venado, pero la verdad es que ésta no está
incluida en la representación. Su descripción
corresponde , según algunos informantes yaquis,
a uno de los sones de la danza de los Coyotes,
que casi no se interpreta en la actualidad. Otros
sugieren que alguna vez finalizaba la danza con
este son de los coyotes, pero nadie recuerda si
eso era obligatorio.
Creemos que puede afirmarse que este episodio
debe tenerse como excepcional y que no es la
característica de la Danza del Venado como se
afirma.
Respecto a la Danza del Venado, se ha insistido
en su origen prehispánico. Algunos elementos se
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inclinan a confirmar está hipótesis, como los
instrumentos que en ella se usan; un tambor que
consiste en una jícara semiesférica colocada sobre
un recipiente con agua, que se golpea con una
baqueta de madera, y dos raspadores de madera
sobre jícaras invertidas que hacen resonar, que
parecen ser características de la región y a los
que no se les ha localizado antecedente europeo.
La letra de las canciones entonadas en lenguaje
nativo, pocos indicios ofrece respecto a su origen.
Para el espectador tiene un carácter lírico y
poético.
Son de este tenor: “Viene la luz del día y puedo
distinguir los objetos de mi alrededor”, dice una.
“Ahora el sol está alto y las aves disfrutan su luz
yendo de un lado a otro”.
“Entre los arbustos juega el venado”, “En verano
llegan las lluvias y el pasto crece; entonces tiene
el venado sus nuevos cuernos”, dicen otras letras.
Pero sus significado real no se ha aclarado,
aunque muchos investigadores se inclinan por un
contenido mágico.
El vestuario del Venado consiste en un pañuelo,
con el que cubre la cabeza desde arriba de los
ojos, sobre el cual se ajusta la cabeza del venado
disecada con algunos adornos en el cuello luce
collares de chaquira y lleva el torso desnudo:
sobre el pantalón se coloca un reboso que le cubre
por el frente y por atrás hasta la rodilla y que se
ata a la cintura con una faja. (Lámina 75 y 76).
A esto se agregan las sartas de capullos secos de
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mariposa -tenábaris- atados a los tobillos y un
cinturón de pezuñas de venado que junto con las
sonajas que el bailarín tiene en las manso,
funciona como instrumento.
Las actitudes del bailarín copia los movimientos
nerviosos o sosegados del venado según esté
vigilante, tenso o tranquilo. El comportamiento
del bailarín fuera de la danza, es serio; pleno de
conciencia que la tradición impone a su papel .
Los pascolas, tres por lo general, sueltos y
bromistas llevan la contrapartida. Durante la
danza en que se acompañan el violín y arpa,
desarrollan entre sí una competencia de habilidad
a través de complicados pasos.
Visten un sarape gris o café liado a la cintura con
una faja de color azul o rojo, de tal forma que
aparece como un pantalón de montar; llevan
también tenébaris y un cinturón de cascabeles,
que junto con una sonaja como horquilla con
discos de metal entre sus astas, contribuyen con
su sonido a la brillantez de la danza, También
llevan el torso descubierto y collares de chaquira
al cuello.
La cabeza va descubierta y se lleva un mechón de
cabellos sujeto por una cinta de color que llaman
“vela”. Portan además una pequeña máscara de
madera decorada en blanco y negro, a la cual se
agregan barbas, bigotes y cejas de fibra. Para
cubrir el rostro cuando se baila junto con el
venado, e irá hacia atrás cuando se acompaña del
arpa y el violín. Como la sonaja se tocará en la
mano se guardará en la faja en los mismos casos,
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aunque no pudo obtenerse información del por
qué esos cambios.
La práctica de la danza tiene variantes conforme
la interpretan los mayos, yaquis de Sonora,
yaquis y yumas de Arizona, pero con tantos
elementos semejantes permiten considerarla
como la misma e inferir su común origen.
DANZA DEL VENADO
Esta danza yaqui también se le conoce en la
región como "Juego del Venado y los Coyotes" y
es una expresión ritual en la que se se venera a
la naturaleza.
La figura principal de la danza es un venado, y el
danzante que lo representa porta sobre la cabeza,
sujeta con correas bajo la barbilla, una cabeza de
venado disecada.
La danza inicia con el sonido de un tambor y un
bule de agua que toca un músico, mientras que el
danzante que representa al venado se coloca un
paño blanco y encima de él, la cabeza disecada
del animal. Luego, el mismo danzante toma dos
sonajas de bule y las hace sonar, rítmicamente,
mientras realiza movimientos que muestran al
animalito en actitud de carrera, observación,
reposo y temor.
Después de esta introducción llega el turno de la
entrada de los coyotes, ante los cuales el venado
se retira algunos pasos; a continuación se da una
persecución en la que el coyote, con movimientos
precisos y cautelosos, acecha y ataca al venado,
quien huye, haciendo evoluciones violentas y
nerviosas. Ambos muestran una extraordinaria
agilidad y hacen gala de su buen humor. Esta
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representación termina con la muerte del venado.
La danza del venado no obedece a una coreografía
detallada y pre-establecida ya que los danzantes
más bien crean de manera libre sus paasos y sólo
se sujetan al ritmo de la música. Los instrumentos
usados son la flauta o bule de agua, el tambor, el
raspador y los cascabeles y tenabaris (capullos de
mariposa secos). Los dos últimos los lleva el
danzante: hacen sonar los cascabeles que cuelgan
de un cinturón colocado sobre una faja azul con la
que se sostienen el enredo que les cubre las
piernas. Las tiras de tenabaris las llevan atadas a
los tobillos.
La cabeza del venado está adornada con cintas de
color, mascadas, flores de papel o naturales. El
danzante lleva el torso descubierto y en el cuello
se cuelga rosarios o collares de chaquiras blancas
con medallas.
La Danza del Venado normalmente se alterna con
las danzas de Pascolas.
DANZA DE LOS VIEJITOS (T'ARCHE UARAKUA)
Michoacán
<Imagen: Danza de los Viejitos>Es la danza más
representativa de los indígenas P’urhepechas que
ocuparon la región Lacustre con centro en el lago
de Patzcuaro de la sierra alrededor de la ciudad
de Uruapan. El espiritu de esta danza es de
caracter "Magico-Religioso", pues se cree que se
ejecutaba en honor de el Dios Viejo Tata Juriata)
o Padre Sol. También se dice que en ella se
tratabe de poner en manifiesto el papel de los
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"Ancianos Consejeros", mostrando sus energias
ante la comunidad. Tiene además carater satiro
pues con ella los indigenas se burlaban de el
conquistador español, que a muy pronta edad
sufrian oscases de energias. Durante la ejecución
se pone de manifiesto el gran sentido humoristico
de el indígina "P’urhepecha". Al bailar, sus
movimientos de viejos encorvados se convierten
de pronto en alarde de destreza y agilidad, en
estruendosos zapateados con presición ritmica.
Se atavian con el traje tradicional de la región y
que consiste en: Calzon y camisa de manta
bordados en punto de cruz, ceñidor, gaban de
lana, mascaras sonrientes de ancianos
desdentados, con el color rozagante y sonrosado
de la juventud, sombrero con listones de colores,
huaraches con suela de madera y el rustico
bordon de "Otate". La danza es originaria de la
isla de "Jaracuaro" y se acompaña con conjunto
de cuerdas. Uno de los musicos más destacados y
virtuoso es "Gervacio Flores" (Tata Gervacio), que
tiene su conjunto en la isla de Jaracuaro en la
region lacustre de el Lago de Patzcuaro.
DANZA DEL VOLADOR Región Huasteca
La danza de los voladores de papantla La
región del totonacapan
Que en su momento de mayor
esplendor se ubicó entre los rios
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cazones y papaloapan (o de las mariposas), no
podría entenderse sin mencionar cuatro de sus
perfiles que le dan fisonomía: la pirámide del
Tajín, la cerámica conocida como "caritas
sonrientes", la aromática vainilla, y la danza de
los voladores.
Hasta hace 4 ó 5 decadas, era indispensable
buscar en el monte el palo volador o árbol de la
fecundidad (Tzakatkihui), que es una madera
fuerte y resistente propia de esta región; una vez
localizado, el tronco era despojado de sus ramas y
derribado a hachazos; se cargaba en hombros y
después se acostumbró cargarlo sobre rodillos de
madera, no permitiendo que ninguna mujer se le
acercara ni lo tocara, y nadie brincara sobre él.
Los integrantes de la cuadrilla debían guardar
abstinencia sexual y etílica los 7 dias anteriores a
la danza como condición purificadora del cuerpo
para celebrar el rito cósmico.
Del mismo modo, se ofrendaba tabaco,
aguardiente, gallinas o pollitos vivos antes de
sembrar el palo, "para que los dioses no
desprendieran el mortero llevándose a los
voladores hasta perderlos entre los cielos", según
cuenta la leyenda que ha esparcido la fantasía de
los ancianos, quienes parece que todo lo han
visto.
Los totonacas de la antiguedad debieron celebrar
con este rito ligado a los fenómenos climáticos y
por ende a la agricultura, los acontecimientos y
fechas más significativas de sus anates, como el
equinoccio de primavera, la ceremonia del fuego
nuevo o nuevo sol, el entronizamiento de un
nuevo gobernante, etc.
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Son varios los historiadores que coinciden en que
los voladores era una ceremonia de plegaria al
sol; por ello buscaban el árbol más enhiesto
(Zuelania guidonia), para que la alegoría de su
danza fuera grata a los cielos, para que
escucharan la oración y el ruego de su música
plañidera producida por la flauta de carrizo y el
tamborcito, para que conmovidos derramaran sus
dones sobre la faz de la tierra en forma de aire,
calor y lluvia, para producír la fertilidad de
siembras y montes.
Durante la danza se observa que las reverencias
del músico-danzante sobre el tecomate, ya
sentado en la primera ronda o ya parado en la
segunda, se orientan hacia los 4 puntos
cardinales, empezando por el oriente, por donde
amanece el mundo y la luz, girando siempre a la
izquierda; el vuelo de descenso de los 4 voladores
describe 13 círculos correspondientes a igual
número de años que multiplicados por 4 periodos
representados por los voladores nos dan 52,
número que componía un siglo prehispánico, al
final del cual se apagaban todas las hogueras, se
oscurecía la tierra y en imponente ceremonia
llena de temor y misticísmo, el sacerdote, en el
templo principal rompía la noche cuando encendía
el fuego nuevo, asi sabían que los dioses les
habían permitido morar sobre la tierra otro siglo.
Los voladores (en totonaco "kosne" significa, "el
que vuela"), identifican plenamente, con galanura
y suntuosidad, a la región del totonacapan, y por
su enorme riqueza folklórica, son heraldos de
nuestro país en el concierto universal
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DANZA DE LOS VOLADORES
El jueves de Corpus Christi se ha establecido en
Papantla, Veracruz; el día del Volador. Esta
impresionante danza desafía la gravedad para
saludar al padre Sol y solicitar la llegada de las
lluvias.
En sus orígenes, este rito se conocía como kos’niin
o vuelo de muertos, y es parecido a la danza de
huahuas, es decir, ambas usan un aparato
giratorio. La diferencia es que el volador gira en
un plano horizontal, y el huahua lo hace en forma
vertical, en una cruz que va unida a una rueda.
Ambas danzas, ancestralmente, estuvieron ligadas
al culto de las deidades de la fertilidad.
La danza del volador es el preámbulo de la
ceremonia del vuelo y consiste en un taconeo
similar al de la danza de los viejitos y la de los
negritos. Tanto la danza como el ritual siguiente
son ejecutados por cinco hombres que
representan los 4 puntos cardinales y el eje que
va de la tierra al cielo.
La ceremonia se inicia con la elección del árbol
que será utilizado como poste; luego se hace un
hoyo en el suelo en el que se pone un poco de
maíz, recordando que se trata de un rito de
fertilidad, un chorro de aguardiente y un
guajolote vivo o una gallina negra que será
aplastada por el poste al momento de enterrarlo;
la sangre sirve para fortificar a los voladores. Al
palo se le cuelgan cuatro cuerdas desde un
armazón de madera que se suspende de una
plataforma del mismo material, colocada en la
punta del palo.
Una vez que el palo, de 25 a 30 metros de largo,
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ha quedado colocado, el primer danzante sube,
ayudado por las cuerdas que cuelgan de la
estructura de madera y, desde la plataforma de la
punta, hace invocaciones a los cuatro vientos o a
los cuatro puntos cardinales, luego se arrodilla y
se inclina hacia atrás quedando casi en posición
horizontal. En esta postura toca la flauta y el
tambor en honor al sol. Los otros cuatro
danzantes suben al poste hasta llegar a los
armazones de madera, se atan los pies y la
cintura y comienzan a girar, desenredando las
cuerdas por lo que van descendiendo al tiempo
que inclinan su cuerpo hacia atrás hasta quedar
totalmente de cabeza y continuar el descenso
hasta el suelo.
Cada volador da 13 vueltas alrededor del palo,
que multiplicado por 4, son 52 vueltas, que es el
número del ciclo del calendario totonaco. La
rotación de los aparatos simboliza el movimiento
de los astros. Los voladores visten calzón largo de
algodón blanco, camisa blanca de algodón con
alforzas en el pecho y cuello en V en el cual
enredan un paliacate rojo. En la cabeza llevan un
ostentoso tocado con el que representan aves
asociadas al sol: la guacamaya, el águila, el
quetzal y la calandria.
A través de los años, generación tras generación,
esta danza se ha mantenido vigente, la tradición
se conserva con orgullo y ha trascendido el
tiempo y las fronteras.
EL XOCHIPITZAHUA ESTADO DE PUEBLA
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El baile se ejecuta en las fiestas hogareñas que
celebran los grupos indígenas de la Sierra Norte
del Estado de Puebla, con motivo de la entrega de
novios, de imágenes de santos y muchas veces
por simple deseo de alegrar sus hogares y reunir
familiares, compadres y amigos.
Los hombres van provistos de un pequeño huacal
en el que llevan los obsequios destinados a los
contrayentes o al jefe de la casa y las mujeres
llevan canastos que contienen las más hermosas
flores que produce la región.
Por la forma especial del baile y la naturaleza de
los pasos, se le llama también “Huapango” y se
ejecuta por costumbre en los pueblos indígenas de
Cuetzalá, Xochitlán, Huahuaxtla, Tzinacapan,
Tzicuialn y otros más de la Sierra Poblana.
El Xochipitzahua, se baila en diferentes partes de
la República Mexicana, como en la Huasteca
Veracruzana, en Hidalgo y en el propio Estado de
México, Lámina Núm. 46).
Lo único que cambia en los demás Estados, es la
indumentaria propia del lugar.
“ZACAMSON O LA BRINCONA”
“Zacam” significa chiquita, y “Son”, música; se
baila en la delegación de Tempate, Aquisman, del
Esatado de San Luis Potosí, es religiosa porque la
ofrecen a los cuatro vientos y a la Madre Tierra,
antes de empezar la danza riegan con vino de la
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caña de azúcar la tierra, el arpa y los raveles
(violincitos) para que los acompañen con gusto,
por esto es profana.
Esta danza es prehispánica y la bailan en las
principales fiestas religiosas, en ella imitan como
en muachas otras movimientos de los animales.
“Aquisman es uno de los pintorescos pueblos
enclavados en la región de la Huasteca Potosina,
fuente inagotable de arte y tierra privilegiada en
donde la madre naturaleza ha derramado
incontables dones”. (Del libro de Internados de
Escueles Primarias S. E. P.).
Fuentes:
Indumentaria mexicana
http://galeon.hispavista.com/hechoenmexico/itl6.html
de la fuente mencionada se tomo la mayor
Historia General del Arte Mexicano
Danzas y Bailes Populares
Mompradé Electra
Gutiérrez Tonatiuh
Universidad Veracruzana
http://www.uv.mx/Popularte/Esp/scriptphp.php?sid=512
Danza de la Pluma
http://www.metamorfosisdocumentationproject.com/plumaProject.html
Trabajo de Recopilación
Sandra Rosalia López García
Antologista
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Profesor Luis Benjamín.
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