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CONCIERTOS EN LOS MUSEOS 2009 �

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Del 10 de julio al 28 de agosto��

DOSSIER DE PRENSA

Institución�Cultural�“El�Brocense”�Área�de�Organización,�Ronda�San�Francisco�s/n,�10002�Cáceres��

Tlfno:�927/�25�55�89��Fax:�927/�21�42�88�www.brocense.com��/�[email protected]�

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HABIB KOITÉ & BAMADAMali en la Voz y la Guitarra

Ficha Artística Habib Koité- Voz Solista y Guitarra Acústica

Souleymane Ann- Batería y VocesAbdoul Wahab Berthe- Bajo, Kamale N´goni y Voces

Kélétigui Diabaté- Balafón y Violín Mahammadou Kone- Percusiones Tradicionales (Tama, Dum dum,

Caragnan…) Boubacar Sidibe- Guitarra, Armónica y Voces

Habib Koité es sin duda uno de los más grandes artistas internacionales de Mali y uno de los músicos africanos que más ha vendido (250.000 discos) por todo el globo.

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En USA, uno de sus territorios de más éxito, ha colaborado con la cantante Bonnie Raitt, fue invitado al show de Dave Letterman, la revista Rolling Stone le ha llamado "la más grande estrella pop de Mali", ha sido destacado en un artículo de 2 páginas con fotos en la prestigiosa revista Vanity Fair y ha recibido críticas muy favorables en People, Entertainment Weekly y el New York Times quien dijo "su reputación como guitarrista es casi mítica".

Prueba de su popularidad es que dos temas de su primer álbum "Muso Ko" han sido incluidos en la demo de música del programa Windows Vista de Microsoft, lo que significa que sus melodías serán instaladas diariamente en millones de ordenadores personales de todo el mundo.

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Habib Koité, el griot moderno, tiene su propio estilo. Adaptó y adoptó los acordes del kamala n´goni tradicional (arpa juvenil) a su guitarra eléctrica, mientras profundizaba en las ricas tradiciones de Mali, fusionando los sonidos del tama (tambor que habla) y del bala (xilofón africano) con la música de las regiones Bambara, norte de Takamba y Songhai.

Habib Koité procede de una gran familia de griots malineses y ha trabajado con reconocidos músicos como Keletigui Diabaté y el ganador de un premio Grammy Toumani Diabaté. En 1988, Koité forma su propia banda, Bamada, con la cual recorre todo el país y da el salto internacional a través de Francia.Su álbum "Muso Ko" (Contrejour, 1995) lo llevó rápidamente a la cima de las listas europeas de éxitos de músicas del mundo.

Le siguen, ya con distribución en todo el mundo, "Ma Ya"(Contrejour, 1998) y "Baro" (Putumayo, 2001) con gran aceptación de crítica y público, de los cuales se vendieron más de 250.000 copias.

En 2005 realiza el espectacular tour mundial "Acoustic Africa" producido por la discográfica Putumayo Records, junto con dos estrellas emergentes de la música africana como son la cantante y percusionista afro-pop Dobet Gnaoré (Costa de Marfil) y Vusi

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Mahlasela, uno de los cantantes más comprometidos y luchadores por las libertades de Suráfrica.

Fruto de la extraordinaria gira de estos 3 artistas, Putumayo World Music presenta el disco Acoustic Africa (Putumayo, 2006), una colección única y cautivante de algunos de los mayores cantantes y cantautores africanos que dan sobrias muestras de dominio acústico/maestría acústica. Un álbum que nos recuerda por qué nos conmueve una canción: la melodía, el ritmo y el mensaje.

A destacar su participación estelar en la película documental y posterior DVD "Desert Blues" (Arte, 2007) sobre la música de Mali, con el grupo femenino tuareg “Tartif” y Alef Bocoum considerado el heredero de Alí Farka Touré.

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Ahora edita su primer álbum de estudio en seis años, titulado "Afriki" (Cumbancha, 2007) al cual seguirá una extensa gira mundial de presentación.

“Mi manera de tocar la música tradicional, es interpretando con la guitarra acústica los sonidos de los instrumentos tradicionales de Mali. En Mali, hay tantas etnias como ritmos y estilos musicales. En otros países africanos, generalmente predomina un único ritmo popular –m'balax senegalés, soukouss congoleño o el makosa camerunés. En Mali, en cambio, hay muchísimos ritmos populares. Hago como un viaje musical a través de Mali. Me tomo la libertad de saltar de un ritmo a otro. Durante muchos años, he tocado diferentes géneros africanos y occidentales, pero finalmente decidí concentrarme en la música malinesa. Tenemos tantos ritmos en Mali que no nos hace falta tocar música de otras latitudes. Creo que esto es una cosa que todos los artistas africanos tendrían que considerar. Sólo es cuestión de hacer un esfuerzo." Habib Koité

Web www.habibkoite.comwww.myspace.com/habibkoite

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LUAR NA LUBRE Ao Vivo

Biografía:Luar Na Lubre es hoy por hoy el grupo de música Folk más

importante del Estado. Sus último seis discos para la Multinacional Warner han vendido más de 300.000 copias.

A mediados de los 90, el músico británico Mike Oldfield, les aupó al reconocimiento internacional al grabar una canción suya, “O

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son do ar”, en su álbum “Voyager”. Esta colaboración continuó con una fabulosa gira conjunta española que les presentó ante 200.000 personas en 10 ciudades. Mike Oldfield ya lo reconoció en la rueda de prensa final “Luar Na Lubre son el mejor grupo celta del mundo”.

Su proyección internacional ha ido en aumento con giras en numerosos países: Francia, Holanda, Bélgica, Portugal, Alemania, Inglaterra, Gales, Escocia, San Marino, Italia, Chequia, Eslovaquia, Canadá, Venezuela, Argentina, Brasil, Cabo Verde, Grecia, Uruguay, Marruecos o Palestina, participando en los más importantes festivales de World Music junto a artistas de la talla de Bob Geldoff, Waterboys, The Cors...

Si miramos a su discografía, sus discos Plenilunio 1997 y Cabo do Mundo 1999 han sido disco de Oro. En el 2001 presentaron XV Aniversario, disco recopilatorio que recoge lo mejor de sus XV años de existencia, contando con la participación de músicos de excepción como Pablo Milanés, Ismael Serrano o Hevia.

En el 2002 presentaron Espiral trabajo producido por Donald Lunny, productor entre otros de Water Boys, Van Morrison, SineadO’Connor...

En el año 2004 se presentó su trabajo Hai un Paraíso,además se estrenó en cines la película-documental “UN BOSQUE DE MÚSICA” rodada por el director gallego Ignacio Vilar sobre la vida del grupo. El estreno oficial tanto del disco como de la película se realizó en Marzo de 2005 en Nueva York.

En noviembre de 2005 se presentó “SAUDADE” este disco es un viaje, dedicado a la emigración gallega por Latinoamérica. Que mira a la música en movimiento, que parte de las raíces pero se mezcla por los países donde viaja, que absorbe sus colores, sus sabores y sus matices.

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En este trabajo, Luar Na Lubre rescata poemas de Federico García Lorca en gallego dedicados a la ciudad de Buenos Aires, pandeiradas dedicadas al Ché Guevara desde Venezuela, temas compuestos por gallegos en el exterior o a su vuelta y, claro está, temas escritos por la banda tras su periplo americano...

Este disco contó con la participación de invitados excepcionales como:

ADRIANA VARELA (Argentina) CIDA AIDAM (Brasil)PABLO MILANES (Cuba) LILA DOWNS ( México) FARRUCO SESTO (Venezuela.)

CAMIÑOS DA FIN DA TERRA su anterior proyecto recogía doce canciones que nos acercaban a leyendas y misterios de los caminos, paisajes que hablan de mundos mágicos donde la naturaleza y los espíritus se funden al final de los trayectos en busca de la tranquilidad.

La Academia de los Premios de la Música ha distinguido en los últimos años a Luar Na Lubre con numerosos premios:

2007_Mejor canción en gallego : CANTO DE ANDAR2007_ Mejor álbum de música tradicional: CAMIÑOS DA FIN DA TERRA2005_ Mejor canción en gallego: HAI UN PARAISO2003_ Mejor canción en gallego: DEVANCEIROS2002_ Mejor álbum en gallego: XV ANIVERSARIO2000_ Mejor álbum de nuevas músicas: CABO DO MUNDO2000_ Mejor canción en gallego: CHOVE EN SANTIAGO1999_ Mejor canción otras músicas: TU GITANA

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En este momento y después de 24 años recorriendo los cinco continentes. Después de 26 países visitados. Después de dar las gracias en 12 lenguas diferentes...

Creemos que este es el mejor momento para publicar un primer disco en directo. Un regalo para su público y un testimonio para toda la gente que ha participado como espectador en sus más de 800 espectáculos y que han colaborado en que LUAR NA LUBREsea hoy en día, lo que es, uno de los grupos internacionales más importantes de la música celta. “Ao Vivo” recoge las 18 canciones que se interpretaron el 22 y el 23 de enero en el Teatro Colon de A Coruña con dos llenos hasta la bandera. Todos sus temas clásicos (“Tu gitana”, “O son do ar”, “Chove en Santiago”...), un tema inédito (“Axeitame polainiña”) y tres colaboraciones muy especiales de amigos como LUZ CASAL (“Camariñas”), DIANA NAVARRO(“Romeiro ao lonxe”) y PEDRO GUERRA (“Memoria da noite”). Además, “Ao vivo” recoge un documental, un DVD con el concierto completo y un bonus track muy especial con ISMAEL SERRANOcantando junto a LUAR NA LUBRE “El derecho de vivir en paz” en solidaridad con el pueblo de Gaza.

LUAR NA LUBRE son: � Bieito Romero: gaitas y acordeón

� Sara Vidal: voz � Patxi Bermúdez: Bodhran, tambor, djimbek

� Xulio Varela: Bouzouki � Xan Cerqueiro: Flautas, teclados

� Eduardo Coma: violín � Pedro Valero: guitarras � Javier Ferreiro: percusión

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LUAR NA LUBRE discografía Ao Vivo, 2009

Camiños da fin da terra 2007 Saudade 2005

Hai un Paraíso 2004 Espiral 2002

XV Aniversario 2001 Cabo do Mundo 1999

Plenilunio 1997 Ara Solis 1993 Son do Ar 1988

Web: www.luarnalubre.com

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FELIPE CAMPUZANOE ISIDRO ORTEGA

Felipe Campuzano:

Nace en Cádiz en el seno de una familia de músicos.

Cursa la carrera de piano en el Conservatorio de Cáiz, completando los estudios de piano y composición en Madrid, logrando el Premio Nacional “Fin de Carrera”. A partir de entonces recibe numerosos premios nacionales e internacionales: “Manuel de Falla”,

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“Sagitarios de Oro” de la Academia de Santa Cecilia de Roma, Primer Premio del Festival de Londres en su edición de 1980 etc.

Designado por el Ministerio de Asuntos Exteriores, ha dado recitales en diversas universidades americanas, centro de Europa y Emiratos Árabes.

Su importantísima creación como compositor ha dado la vuelta al mundo, destacando muy especialmente de entre todas, su obra “Andalucía Espiritual”

Web: www.felipecampuzano.com

Isidro Ortega:

Nace en Trujillo (Cáceres). Realiza los estudios superiores en el Real Conservatorio de Madrid (piano, armonía, contrapunto y composición).

Obtiene el Premio “Fin de Carrera” en piano y el Premio Nacional como “Becario Distinguido” en los estudios de “Armonía” y “Virtuosismo del Piano”.

Como concertista ha actuado en la amplia geografía española, en programas de TVE (“Minutos Musicales”, “Martes Musicales”, “Agenda Cultural”, etc..) en Radio Nacional de España (“Tercer Programa”, “Galería de Intérpretes”, “Música Española”, entre otros)

Entre sus diversas composiciones destaca el villancico “Llega Navidad” a cuatro voces mixtas y solista. Esta obra fue estrenada en TVE en enero de 1975. A partir de 1997 lo interpretan, por todo el mundo, el “Coro de niñas cantoras de Ucrania”. Fue obra obligada en el concurso de villancicos del Excmo. Ayuntamiento de Madrid en la Navidad de 1998.

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DISCOGRAFÍA: � Felipe Campuzano e Isidro Ortega: Concierto en directo desde

el Palacio de San Carlos de Trujillo

� Felipe Campuzano e Isidro Ortega: Concierto “Cáceres Patrimonio de la Humanidad”

PROGRAMA�

ISIDRO ORTEGA

Notas de viaje/Cáceres en el Tiempo/Recuerdos Berroqueños/Paisaje extremeño/LLega Navidad...(Música original: Isidro Ortega)

Candilejas Concierto de Aranjuez

Verdes campiñas Camino verde

FELIPE CAMPUZANO Desde la Rábida (Guajiras)

Embrujo (Vol. Sevilla) Mar y Tierra (Nocturno) Las Salinas (Vol. Cádiz) Potpourri sudamericano

FELIPE CAMPUZANO- ISIDRO ORTEGA (A dos pianos)

Dos cruces Love story

Amor es mi canción Tema de Lara

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EL TÚNEL DEL TIEMPO

Ernesto Schmied: Flautas históricasJuan Carlos de Mulder: Laúd, guitarra barroca, tiorba...

Un viaje muy especial a través de la historia de la música. Partiendo del Medievo nos iremos adentrando en los diferentes estilos de música, el renacimiento, el barroco, el clasicismo, el romanticismo y algunas escuelas del siglo XX.

Dos instrumentistas que recrean las diferentes atmósferas de cada época con un toque muy personal utilizando medios mínimos para lograr un compromiso tímbrico y estilístico de gran belleza.

Un recorrido a través de los sonidos de este túnel del tiempo.

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Ernesto Schmied Flautas históricas

Especialista en flautas históricas ha actuado en numerosas salas de concierto en Latinoamérica, Europa, Oriente medio y norte de África. Es frecuente invitado de importantes festivales:

Festival Internacional de Santander, Houde Muziek Utrecht, Quincena Musical Donostiarra, Calw Festspiele, etc. Colabora con diversas agrupaciones de cámara cuyo repertorio abarca desde el renacimiento al barroco (Camerata Iberia, Extramundi, Scordatura, La Españoleta.) y ha sido solista invitado por diversas orquestas (Orquesta Sinfónica de Madrid, Orquesta Concerto, Orquesta de Cámara de Música Barroca do Porto, Orquesta Schola Cantorum y Concierto Español).

Es director del grupo Speculum especializado en el Ars Nova español. Han sido invitados en numerosos festivales de todo el mundo. Cabe destacar su gira europea de 2005 con el programa: “El Quijote de las Tres Culturas”.

Dentro de su amplia discografía sobresalen el CD de música Española del renacimiento para la casa americano-nipona MA Recordings titulado Songs and Dances from the Spanish Renaissance(1996) y el primer trabajo discográfico del grupo Speculum, Fumeux fume par fumee (1998), premiado con el prestigioso Choc de Le Monde de La Musique en enero de 2000. Desde el pasado 2006 se ha embarcado en la serie de grabaciones dedicadas íntegramente al Cancionero de El Escorial B. Coproducida por la Comunidad Autónoma de Madrid y el sello Openmusic, la serie ya cuenta con tres volúmenes y una grabación en curso que será editada en 2010.

Como director artístico del Festival de Música Infrecuente (Conde Duque, Madrid 2001-2008) ha potenciado una programación

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ecléctica en consonancia con las exigencias de un público moderno que busca la novedad dentro de los límites que acota la calidad. También dirige el Festival de Música Infrecuente de Santillana del Mar que se desarrolla a lo largo del mes de septiembre desde el año 2000 y en donde han sido invitados agrupaciones y solistas de prestigio internacional.

Desde el pasado 2008 dirige el Festival Internacional de percusión ATAPERCU. En él se dan cita las figuras más importantes de la percusión y durante cuatro días se puede asistir a conciertos en diferentes escenarios de Atapuerca. Durante el próximo mes de julio podremos disfrutar de un cartel único con figuras como Jorge Drexler, Jojo Mayer o Juanjo Guillem.

Juan Carlos de Mulder Laúd, guitarra barroca, tiorba...

Nace en Lima y estudia en los conservatorios de Madrid, La Haya y Toulouse.

Ha trabajado como continuo en producciones de opera barroca y oratorio bajo la dirección de Ph.Herrewege, J.C. Malgoire, Nigel Rogers, Jordi Savall y Eduardo López Banzo entre otros.

En el campo de la música de cámara ha colaborado con: Albicastro Ensemble, Hesperion XX, La Romanesca, Orphenica Lyra y actualmente colabora con grupos como: Speculum, Al ayre español, Accademia del piacere, La Folia, Músicos del Buen Retiro, Trulla de voces, Capella de Ministrers, Magios ,etc.

Ha realizado más de 50 grabaciones de música antigua desde el medievo al preclasicísmo.

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Ha compuesto música para la Compañía Nacional de Teatro Clásico (Misántropo - Moliere, La vida es sueño - Calderón) y Una noche con los Clásicos (Marsillach) y recitales de poesía y música con Carlos Hipólito, Arturo Querejeta, M. Jesús Valdés, Adolfo Marsillach y Amparo Rivelles.

Actualmente compagina su trabajo en diversos grupos de cámara con la Dirección del grupo Camerata Iberia con el que ha grabado: Songs and Dances from the spanish renaissance (MA recordings), Música en torno al teatro de Calderón (Jubal), Barroco del Perú (Alma records) y La Spagna (Verso).

Como solista de vihuela ha grabado: El Maestro - Luys Milán (RTVE) y Fantasías y diferencias (Fonti musicali) y Diego Pisador (Verso).

Ha dado clases en las universidades de Salamanca,Valencia y Mexico DF, ha sido profesor de instrumentos antiguos de cuerda pulsada en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid del 2004 al 2008.

En la actualidad es profesor invitado en la Academia de Música Antigua de la Universidad de Salamanca y el Curso Internacional de Música Antigua de Daroca de la Institución Fernando el Católico ( Zaragoza).

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Programa El túnel del tiempo Sostenuto & Grazioso Mauro Giuliani (1781 - 1829)Midnight & Lachrymae John Dowland (1563 - 1626)Ricercare Anónimo (s. XVII)Calata alla spagnuola Joan Ambrosio Dalza (fl. 1508)Tradicional japonesa Autor anónimo (s. XV)Gymnopédie Erik Satie (1866 - 1925) Pavana al ayre español Gaspar Sanz (s. XVII / XVIII)Cumbes Santiago de Murcia (ca. 1682 – ca. 1740)Preludio & Gigue Johann Sebastian Bach (1685 – 1750)Mort Astor Piazzolla (1921 - 1992)Frog galliard John Dowland (1563 - 1626)Cassandra Anónimo (s. XVII)La volta Michael Praetorius (1571 - 1621)Serenata Franz Schubert (1797 - 1828) Canarios Anónimo (s. XVII)

Web: www.openmusic.es

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ANA MARIA, luz de Fado

Voz - Ana Maria Guitarra portuguesa – Guilherme Banza

Guitarra clásica - Nelson AleixoBajo acústico - Fernando Araújo

Ana María encarna un caso atípico en la escena de la música portuguesa actual y, más concretamente en el ámbito del Fado. Nacida en el año 1952 en Angola, antigua colonia portuguesa, en

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1975 tuvo que exiliarse y abandonar su país a causa de la guerra pasando desde entonces a residir en Portugal.

La trayectoria vital de Ana María es de una crudeza sin límites: adoptada de niña, padeció la guerra, el desarraigo y la tristeza, aunque no por ello ha perdido la alegría, el orgullo y la vitalidad que la caracterizan.

Hace unos años Ana María descubrió que su madre biológica aún vivía en Angola, lo que supuso un vuelco vital de primer orden.

Su talento artístico hizo posible que fuese la artista invitada para viajar a Angola en un viaje oficial del Primer Ministro portugués. Preparó a conciencia el viaje, la idea del reencuentro con su madre biológica y el regreso a su país de origen resultaban de enorme emotividad. Ambos países se hicieron eco del caso como si de una epopeya vital de primer nivel emocional se tratase. Ana María actuó en la capital de Angola para sus paisanos en un recital inolvidable. Una vez de regreso a Portugal, Ana María trató de que su madre viajase en su encuentro para recuperar el tiempo perdido con la desgracia añadida de que, pocos meses después, su madre fallecía, truncándose así su deseo.

Ana María comenzó a interpretar fados en Alfama y es, quizás, el sufrimiento de su alma el que tenga mucho que ver con la pasión y calidez de su canto, con esa voz cristalina y limpia que hace frente, como un titán, a la saudade.

Desde hace unos pocos años a esta parte Ana María canta en dos de las más importantes casas de Fado de Lisboa, “A Travessa do Embucado” y “La Taberna d´el Rei”. También ha sido la fadista que recientemente se ha incorporado al proyecto Fado & Co.

En 2003 grabó su primer y único disco de estudio hasta la fecha: “Trago Fado nos sentidos”, trabajo producido por el

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también compositor Fernando Araújo, un disco en el que interpreta nuevos temas pero también algunos inolvidables clásicos caso deSódade, canción que ha inmortalizado Cesária Évora, Queda do Imperio de Vitorino, etc. “Trago Fado nos sentidos” ha recibido excelentes críticas de público y medios de comunicación.

Su popularidad artística es una realidad que transciende fronteras y de tal modo ha realizado giras y actuaciones en multitud de países europeos.

En Octubre de 2004 Ana María actuó para Bill Gates en un acto organizado por el Gobierno de Portugal.

Su primera actuación en España se produjo el 30 de Enero de 2005 en el Festival Internacional de Músicas del Mundo y Nuevas Tendencias, INTERPARLA, Madrid, actuando más tarde en Asturias y para la Universidad de Cantabria con motivo del Día Mundial de los Derechos Humanos.

Las actuaciones de Ana María son como un viaje que, partiendo de Portugal, se adentra por en tierras africanas, viaja hasta Brasil y retorna a Lisboa, en un hermoso periplo lusófono en el que tiene cabida y se mezcla la lengua, la música y la cultura.

Ana María es capaz de hacer surgir el mar a través de su voz, es capaz de conmovernos con un solo quejido, con uno solo de sus lamentos.

Ana María demuestra con su canto que el Fado es más que un género musical, que el Fado es un sentimiento universal.

Ana María: “El fado no tiene color ni fronteras”.

Web: http://www.elcohete.com/pages/anamaria.htm

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URS KARPATZ Voces Gitanas

Ficha Artística DIMITRI Líder-Canto-Percusión-Sitar

BÉBÉ Canto - Guitarra - Acordeón GOASHE Viola - Violín KANGOU Contrabajo

KATSOFANE Violín - Coros KINEZO Cymballums

LOLIK Canto - Percusión MATCHO Saxofón-Clarinete-Flauta

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Ciertamente es el pluralismo lo que caracteriza a los mejores URS KARPATZ, grupo polifónico, polirítmico y poli-instrumentalista.

Este grupo goza de una extraordinaria variedad etnomusical, interpreta en romaní, la lengua de los gitanos, un repertorio de gran calidad, reflejo y eco de la cultura gitana en Europa. Los miembros del grupo son de cultura ucraniana, húngara y romana. VIOLÍNES, PEQUEÑO Y GRAN CYMBALLUM, CONTRABAJO, PERCUSIONES, ACORDEÓN, SITAR, FLAUTA, CLARINETE Y SAXO SE MEZCLAN ADECUADAMENTE CON LAS VOCES.

Las diverses influencias etno-musicales de Urs Karpatz

En el siglo XII, después de su migración a Europa, los "Roms" gitanos, pueblo nómada, se estableció en un primer momento a la Grecia bizantina, después a través de los Balcanes remontaron hacia la Europa del Este y más tarde hasta la Europa Central.

Algunos se establecieron durante varios siglos en el Imperio Germánico y formaron así el grupo de los Manouches, después se extendieron a Francia, desde donde bajaron hasta Andalucía donde nació el grupo de los Gitanos.

Las músicas llamadas gitanas son la mayoría de veces, músicas tradicionales de los países “adoptados”, pero interpretadas de manera tan espectacular por los gitanos, que se convierten, a los ojos del mundo, en algo de su propiedad.

Pero al lado de estas músicas i instrumentos prestados, existe una tradición oral de cantos y de música polifónica y polirítmica extremamente viva. Estas melodías gitanas se dividen en dos géneros: los cantos lentos y líricos (loki gili) y las canciones de bailar (kheli maski gili). La función de estos cantos - según los propios intérpretes - es la de explicar la multiplicidad de las músicas tradicionales de la Europa del Este y de los Balcanes. Los gitanos

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llaman también "hablar verdadero" a estas piezas lentas, ya que su contenido tiene que ser verdad, tiene que ser fiel a la realidad, reflejar acontecimientos '"verdaderos" y pensamientos "verdaderos".

Hoy la cuna cultural gitano-europea más variada, la encontramos sin duda en Rumania, gracias a las tradiciones que se han conservado y a las influencias pluri-étnicas. La influencia húngara al oeste, eslava al norte, balcánica y oriental al sur, no han hecho sino enriquecer el patrimonio musical de este país.

Urs Karpatz, los caminos gitanos...

Urs KARPATZ está lejos de ser un grupo gitano habitual. Su historia no es banal y daría para hacer una película.

Al principio del camino, hay un hombre, Dimitri, descendiente de corsarios y de gente viajera. De telón de fondo, una infancia bastante movida… A la edad de 4 años, huye para incorporarse a un campamento romaní a poca distancia de su casa "para hacer lo que yo quiera". Adolescencia tumultuosa, deseos de viajes y de música. Empieza entonces su larga ruta siguiendo el rastro de los gitanos a través de todos los países de la Europa del Este.

Un día, después de uno de sus viajes en compañía de gitanos nómadas domadores de osos en una ruta de Bosnia, Dimitri salva de ahogarse a un niño de la tribu. Como testimonio de su agradecimiento, el pare, jefe de la tribu, le ofrece un osito amaestrado. ¡Presente imposible de rehusar! Es así como Dimitri decide hacer renacer en Occidente el oficio de domador de osos, asociándolo a la música gitana.

Empieza en ese momento la búsqueda de músicos, 8 cantantes entre los mejores, los más atípicos y orgullosos sobretodo de ¡no rehusar su cultura Romaní! Así, en 1993, el grupo URS KARPATZ ve la luz. Es en agosto de 1993, con motivo de las Noches

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Gitanas de Saint-Raphaël (Francia) cuando URS KARPATZ da su primer concierto. ¡Y fue un gran éxito! Rápidamente, el grupo se embala y se presenta el año 1993 una treintena de veces en Francia, asociando conciertos y espectáculos de osos.

A comienzos de 1995, sale un primer CD en Francia, con canciones de conciertos dados en las Noches Gitanas de St Raphaël en agosto de 1993 y en Saintes Maries de la Mer, en mayo de 1994. Y ya los tenemos en diciembre de 1995 en el Teatro du Tourtour de París durante 5 semanas.

El grupo va creciendo a ritmo de un nuevo álbum por año: en diciembre de 1999, cuando sale "Chemins de Tsiganie" consiguen llenar el Teatro de l'Européen de París durante 3 semanas! El álbum "Routes et Racines" es presentado con 3 conciertos excepcionales en el Bataclan de París en noviembre de 2000, durante la última noche, se les otorga el PREMIO ROMANES 2001. Su último álbum “Tsinghindia” sale en 2003, gozando de un percusionista gitano del Rajastan como invitado.

Siguiendo el rastro de Urs Karpatz

Las giras triunfalesEn Francia:Scène Nationale d'Albi, Scène Nationale d'Alençon, Amneville,

Centre Culturel d'Athis-Mons, Scène Nationale de Belfort, OMCB de Bellegarde, Théâtre de Béthune, Théâtre du Colisée de Biarritz, Scène nationale de Besançon, Bourges, Cannes, Cahors, Chaumont, Scène Nationale de Cherbourg, Cournon d'Auvergne, Centre Culturel de Cesson Sévigné, Centre Culturel de Dourdan, Centre Culturel de Faches-Thumesnil, Centre Culturel de La Ferté Bernard, Fontenay, Théâtre de Gradignan, Grasse, Guérande, Centre Culturel de Hazebrouck, Lannion, Les Ulis, Lunéville, Luxeuil-les-Bains, Lyon, Macon, Palais des Congrès du Mans, Maronne, Le Mée sur Seine, Le Jam à Montpellier, Centre Culturel de Massy, Centre Culturel de

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Melun, Théâtre de la Princesse Grace de Monaco, Montauban, Théâtre de Montélimar, Montreuil, Montgeron, Nexon, La Villette à Paris, Centre Culturel de Poitiers, Puteaux, Théâtre de Roanne, Rilleux, Les Saintes-Maries-de-la-Mer, Scènes du Jura, Strasbourg, Saint-Dié, Centre Culturel de St Genis Laval, St Gervais, Théâtre de St Quentin en Yvelines, Villefontaine, Centre Culturel de Villepreux, Vitré, Vanves, Wittenheim...

También en Suiza, Bélgica, Canadá, Andalucía, Cerdeña, Alemania, Holanda...

En los grandes escenarios parisinos:

Le Trianon: 10 julio 2003, Le New Morning: marzo 2001, Le Bataclan: 3 días noviembre 2000, L'Européen: 3 semanas enero 1999, Le Théâtre du Tourtour: 5 semanas enero 1996

Los Festivales:

Festival de Musique Tzigane du Trianon Paris, Labeaume en Musique, Festival Métisse à Nantes, Angers l'Été, Chaumont l'été, Chorus des Hauts de Seine, Festival Correspondances de Terves, Festival d'Auvers-sur-Oise, Festival de la Baie de Concarneau, Festival de L'Abbaye de Sylvanes , Festival de Nitting, Radio France Montpellier, Festival de Robion, Festival de Saint Florent sur Cher, Festival de Vivonne, Festival des Abbayes de St Paul les Dax, Festival d'Ici et d'Ailleurs, Festival du Cloître des Jacobins à Toulouse, Été Musical en Bergerac, Festival international tsigane de Strasbourg , Jazz en Artois, L'Été Musical de St Léonard, La Fête à Léon, Latina 2000 au Puy en Vellay, Les Jeudis du Port à Brest, Les Musicales de St Martin de Londres, Les Nuits du Sud à Vence, L'Été du Grand Jardin en Haute-Marne, Festival SIVOM à Givrand, Festival Ziva de Bourges, Festival Musique en Bourbonnais, Festival Concerts de Vollore, Festival de Gramont, Festival L'Été à Pau…

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Urs Karpatz, testimonios

A propósito de los conciertos:

"Urs Karpatz no se deja influir por las modas... su cultura romaní transpira a través de cada una de sus composiciones o de sus interpretaciones. Música vibrante, música viva, música gitana!"

Tony GATLIF, cineasta"Se podría decir de entrada, que son como salidos de un libro

de dibujos, de tanto como se corresponden a la idea que nos hacemos de los Gitanos. Músicos y cantantes, fornidos como labradores errantes, pero cada uno de ellos es un virtuoso de su instrumento, generoso, a veces malicioso, siempre auténtico. La complicidad con el público se establece sin problema. Es entonces cuando los Urs Karpatz ofrecen un baño de salud, y te sientes mucho más vivo habiéndolos encontrado."

Jean FAVRE, Director del Teatro du Tourtour "Los Urs KARPATZ no son gitanos de altos vuelos. Han crecido

al aire libre, en contacto con la naturaleza. Tienen unas gargantas como surgidas de un film de Kusturica y nos equilibran hacia una música que hace desaparecer los sofás y sacar la moqueta..."

Gérard BIARD, periodista A propósito del CD:"Urs KARPATZ me ha robado el corazón inmediatamente…En efecto, esto que realiza este grupo, se sitúa

maravillosamente en la prolongación de la obra de los maestros gitanos desaparecidos. I se puede constatar que Urs KARPATZ trabaja con un profesionalismo poco usual en los gitanos "in situ". En las antípodas de las músicas gitanas "para turistas", los intérpretes de Urs KARPATZ, sin la menor concesión a la galería y con virtuosos instrumentistas perfectos, consiguen su objetivo con prestancia. Y dan más fuerza a aquellos que defienden que Nietzsche tenía razón

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cuando declaraba "Sin la música, la vida sería un error..." ¡Larga vida a los Urs KARPATZ!

Marcel CELLIER Etno-Musicólogo

Discografía'Fusions Bohémiennes' - 2008 'Best Of Urs Karpatz' - 2006 'Tsighindia, pájaros de paso' 2003 'Autour de Sarah' - 2001'Routes et Racines' - 2000'Chemins de Tsiganie' - 1998'Voix Tsiganes' - 1996'Gipsy Voices' - 1995'Musique tsigane traditionnelle vivante' - 1994

Web:

www.urskarpatz.com

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OREKA TX Nömadak Tx en directo

Concierto de OREKA TX con la colaboración especial de AZIZA BRAHIM. Proyecto en gira Nomadak Tx.

El sonido surge del movimiento. Un auténtico músico debe moverse, debe viajar. Y entonces encontrará nuevos sonidos. Nomadak tx cuenta la historia de dos músicos en movimiento. Oreka Tx ha viajado con su txalaparta, un instrumento musical único, que ellos entienden como un lugar de encuentro, de diálogo. Se han encontrado con músicos y realidades de pueblos lejanos, desde Mongolia al Sáhara, de Laponia a la India. En esos viajes se ha

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recopilado material visual y sonoro con un objetivo claro: poder compartir esa música, esos sonidos, esas imágenes, esas vivencias. El sueño se ha convertido en realidad y todo ese material se ha plasmado en una película documental, un CD doble, un DVD, y un novedoso espectáculo que ahora os presentamos.

Nömadak Tx en directo Es música que se ha compuesto viajando y el oírla nos invita a

viajar.

Oreka TX, acompañado por músicos reunidos para la ocasión, nos invita a un curioso concierto-viaje que mezcla música e imágenes sobre el escenario.

La música interpretada en directo está basada en la banda sonora de la película “Nömadak tx”. En directo, la riqueza de su sonoridad y variedad de instrumentación aportan a la txalaparta un entorno insólito y acogedor, donde la txalaparta evoluciona hacia nuevos horizontes.

Los músicos interpretan música creada a raíz de sus viajes por la India , Laponia, El Sáhara y Mongolia, junto a otros músicos que aparecen en una gran pantalla. Esta pantalla, situada al fondo del escenario, se convierte en una ventana desde donde poder ver y conocer diferentes lugares y personas. Este nuevo concepto de concierto multimedia tiene como herramienta la experimentación y la fusión, y la interacción cultural como objetivo.

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Oreka Tx

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�Aziza Brahim

Los Músicos del Directo:

Aziza Brahim (Voz y Tabal) Harkaitz Martínez (Txalaparta de madera y piedra, tubos y bidón)

Igor Otxoa (Txalaparta de madera y piedra, tubos y bidó) Iñigo Egia (Tablas indias, cajón, bodhram y otras percusiones)

Mixel Ducau (Saxo, Clarinete y guitarra) Mikel Fernández (Operador de sonido) Carlos Salaberri (Operador de luces)

Web: www.nomadaktx.com

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Pilar Boyero Canción española

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Acompañada por el trompetista Jerry González y

La Sound Music Big-Band

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Pilar Boyero nace en Cáceres. Estudia Derecho en la Universidad de Extremadura, fue alumna de canto y piano en el Conservatorio Profesional de Música de Cáceres durante cinco años y solista del Coro de la U.E.X.

Decide dedicarse profesionalmente a la Copla en 1992 tras hacer despuntado en este género actuando en emisoras locales, fiestas de barrio, festivales, etc.

Más tarde participa en el cálido homenaje que se celebra en Cáceres al maestro Juan Solano, compartiendo cartel con figuras consolidadas como Lolita Sevilla, Paquita Rico, Mª José Santiago, etc, suponiendo este acto su definitivo lanzamiento, recibiendo magníficas criticas y empezando a ser considerada como una realidad de nuestra Copla.

Gracias a esto puede disfrutar de numerosas actuaciones por toda Extremadura, siendo incluida en los programas de actividades tanto de la Junta de Extremadura como de las Diputaciones Provinciales de Cáceres y de Badajoz (Estivalia, Otoño Musical, etc.)

En 1995 saca al mercado nacional su primer L.P. editado, con el título de “El Cante Mío”, en los estudios Jammin de Mérida. Dicho trabajo discográfico sonó en las principales emisoras de radio dedicadas a la música española (Cadena Dial, Radio-l., etc.):

Se presenta con frecuencia fuera de la región, actuando en hogares extremeños como el de Igualada (Barcelona), Vitoria, etc, así como en teatros y salas de Madrid.

En Mayo de 1995 actúa en Madrid ante las cámaras de T.V. del Canal 47 como artista invitada en el programa, “Las noches del 47”, presentado por el maestro Bazan.

Es incluida en el espectáculo de Canción Española y Flamenco “Quejio” ideado por el guitarrista flamenco J.A.Conde.

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En Febrero de 1996 es acompañada al piano por el famosa pianista Felipe Campuzano en una actuación celebrada en el Auditorio San Francisco de Cáceres.

En Abril de ese mismo año realiza una gira por Marruecos, actuando en centros educativos dependientes d ela Embajada Española.

En 1998 comienza su gira de verano presentándose, en un concierto acústico (piano, contrabajo y voz), en el legendario Centro Cultural Ateneo de Madrid. Esta gira concluye, tres meses después, en el Palacio de Exposiciones y Congresos de Salamanca, actuando acompañada de su orquesta.

El 28 de mayo de 1999 realiza la presentación de su segundo disco “Pilar Boyero Canta al Maestro Solano”, con un concierto en el Auditorio de Cáceres.

En septiembre de 2002, participa en el espectáculo musical “Extremadura, los sonidos de un pueblo”, producción de la Junta de Extremadura para los actos del día de Extremadura en el teatro romano de Mérida.

Desde principios de 2002 imparte un ciclo de conferencias bajo dos epígrafes: “La copla, recuperación de un patrimonio común” y “La copla y las leyes, el derecho de la pasión”; también editadas en revistas culturales.

Y en este año estrena su espectáculo “Una vida entera”, un ambicioso proyecto musical en el que se rodeó de figuras internacionales de la música como el trompetista americano Jerry Gonzalez, el pianista gaditano Chano Domínguez (ambos protagonistas del film de Fernando Trueba “Calle 54” ) el genial Jorge Pardo, saxofonista-flautista de jazz-flamenco y el aclamado violinista

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Ara Malikian; los cuales se han involucrado a fondo en el proyecto y se han subido por primera vez al escenario con Pilar a modo de anticipo en un concierto celebrado en Guadalupe en agosto de 2002.

El 4 de junio de 2004 presenta su nuevo disco “una vida entera” acompañada por el pianista gaditano Chano Domínguez y el trompetista Jerry Gonzalez, en el Gran Teatro de Cáceres y siguiendo así por diversos teatros de la región extremeña.

El citado trabajo significa un antes y un después en la vida de la artista que comienza así un periplo de conciertos y promoción a nivel nacional:

El diario el Mundo, El Correo, Contraportada en la Razón, ABC, Ocio Latino, Revista Escenarios, Interviú, Lecturas, 20 Minutos, Cambio 16, etc.

El 25 de enero de 2005 presenta su disco en Madrid en la Sala Galileo Galilei de Madrid, cerrando la última edición de dos telediarios: Tele 5 y TVE-1 y más tarde es invitada a: lo + Plus, Espejo Público, España Directo, Caliente y Frio, Vive la Vida (Tele Madrid.)

El 7 de junio de 2005 ofrece “la Copla: recuperación de un patrimonio común” en Casa Patas, Madrid.

En ese mismo año es super-olé en Radiolé, dos veces con sus dos singles: “Una vida entera” y “me embrujaste” y posteriormente haría una gira con la citada emisora de radio. Goma-Espuma, Radiolé., Radio-taxi, se hacen eco de su trabajo.

El 6 de junio de 2006 vuelve al Auditorio de Cáceres de la mano de Jorge Pardo y Jerry González con el espectáculo “El derecho a la pasión”.

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En los años 2006 y 2007 participa en los premios de cine San Pancracio, Festival solidario de repercusión Nacional, acompañada por una Big-Band.

En abril del 2007 organiza un homenaje a la figura del maestro Solano, junto a la asociación musical cacereña compartiendo escenario con Maria Vidal.

Es colaboradora de los programas radiofónico “La Costa Oeste” y “El sol sale por el oeste” en canal Extremadura Radio, en el que ha mantenido un sección de copla “La bien hablá” durante tres años.

En el 2008 participa en el espectáculo mujeres en el que representa la copla y comparte escenario con artistas femeninas de otros estilos.

El 6 de abril del citado año presenta la primera gala de los premios de la música en Extremadura, convocada por Extremeña Sonora.

También en abril inaugura con un concierto intimista la exposición de fotografía “Foto Sur”

A finales de ese mes ofrece un concierto, con motivo de la festividad de San Jorge en Cáceres y que representa por multitud de escenarios durante todo el verano. Acompañada por el pianista y maestro Rafael Rabay.

Durante todo este año, ofrece también un ciclo de conferencias bajo el epígrafe la “copla recuperación de un patrimonio común”, con la obra social de Caja Extremadura en distintos puntos de la región.

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El 21 de mayo de 2008 recibe un emotivo homenaje en el Gran Teatro de Cáceres, por parte de artistas plásticos que conciben para ella “Divina Pilar”, una exposición de 50 obras sobre la artista.

El pasado 7 de septiembre en el Teatro José Carrera de Fuenlabrada (Madrid) ofrece un espectáculo homenaje al gran poeta granadino Carlos Cano, importante referencia en la carrera musical de la artista, acompañada por el pianista y maestro de Carlos Benjamín Torrijos.

Aparece en el último número de la revista Cáceres, la cual entrega un singles con una pista multimedia en la que se ofrecen fotos de la grabación y de los artistas que hicieron legendaria la canción “me embrujaste” partitura de esta letra y una breve historia de los acontecimientos ocurridos en su época, además de la canción interpretada junto a Chano Domínguez y Jerry González.

En la revista Extremadura en el nº 18 aborda la vida de la artista con una visión muy cariñosa y particular

En la actualidad dirige y presenta “soy lo prohibido”, programa de radio dedicado a la copla y al bolero en canal Extremadura radio.

Colabora en la tertulia mujeres del programa en días nuestros en Canal Extremadura Televisión.

A finales de noviembre participa en el proyecto de poesía y música llamado “Cáceres Manhattan” junto al poeta Santiago Tovar y el compositor Carlos Ojeda.

En diciembre de 2008 presenta la gala “Menudos Corazones” junto al afamado Manuel Bandera para Canal Extremadura TV.

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Desde primeros de 2009 prepara un libro homenaje a Juan Solano son la editorial Ramalama y el lanzamiento de su 4º disco. El día 21 de febrero es pregonera del Carnaval de la ciudad cacereña.

El día 5 de marzo presenta un nuevo espectáculo. “La Copla y el Cine” dentro de la semana de Festival Solidario de cine español de Cáceres acompañada por una Big-Band.

JERRY GONZÁLEZ nació en 1949 en el barrio del Bronx de la ciudad de Nueva York. El creció con la música afro-cubana y el jazz, que dejaron un impacto profundo en su apreciación musical, y moldearon su trabajo futuro como artista. Cuando joven, González escuchaba los álbumes de jazz de su padre de músicos como: Louis Armstrong, Charlie Parker o Miles Davis. Mientras estudiaba en la escuela intermedia, comenzó a tocar la trompeta y luego las congas.

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González completó sus estudios formales en el New York College of Music y la New York University. Fundador del Grupo Folclórico y Experimental Neoyorquino, González ha profundizado en los orígenes afrocubanos de su música y en el jazz, apartándose así de la tendencia mayoritaria de las formaciones latinas de New York, dedicadas principalmente a la salsa en los años setenta.

Legendarios artistas latinos como Mongo Santamaría, Tito Puente o Eddie Palmieri, sirvieron de fuentes importantes de inspiración musical para él. El siempre dice que "..el espíritu de nuestra madre África viajó al Caribe, Sudamérica, Norteamérica y…nuestra música es un reflejo de nuestra experiencia en la ciudad de Nueva York y nuestra concienciación de las raíces culturales".

Conocido como percusionista, González comenzó su carrera artística como conguero y trompetista en 1970, interpretando su propio estilo de jazz latino con el internacionalmente famoso Dizzy Gillespie. Con el respaldo y apoyo del maestro Gillespie, González pudo lograr fundir el ritmo básico africano a los elementos de jazz sin comprometer la esencia de ninguno de los dos. El año siguiente, González se unió a la banda de Eddie Palmieri, "El Son" por un periodo breve antes de moverse a trabajar con el "Conjunto Libre", la banda dirigida por el gran timbalista, Manny Oquendo.

Inevitablemente, el talento de González lo llevó a formar su propia banda. Su iniciativa fue tomada al final de los años 1970, con una banda llamada "Ya Yo Me Cure" y lanzó un álbum con el mismo nombre en 1979. Sin duda, su verdadero talento afloró con su segunda banda: "Jerry González and the Fort Apache Band" , un territorio de encuentro y de mestizaje en el que las tradiciones latinas y del jazz se codean con absoluta normalidad. Junto a su hermano Andy, crearon una de las propuestas más sugerentes que han aparecido en el jazz en los últimos años. Los dos primeros álbumes de la banda fueron grabados en vivo en conciertos Europeos. Estos fueron seguidos por su álbum que fue un gran éxito: "Rumba para

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Monk" en 1989, ganando el reconocimiento de la "Academie du Jazz"francesa con el premio "Jazz Record of the Year".

González y la banda subsiguientemente lanzaron Moliendo Café en 1991. El álbum una vez más demostró la calidad de la banda para tocar jazz inspirado en la música latina con genuina sensibilidad y virtuosidad. Poco después siguieron otros dos álbumes magníficos: Crossroad en 1994 y Pensativo en 1995. Ambos ganaron una nominación a los premios a los Premios Grammy. González y su Fort Apache Band, también ganaron críticas muy favorables por su contribución al video documental sobre el jazz latino, "Calle 54", dirigido por el cineasta, Fernando Trueba. El trabajo también incluyó interpretaciones de famosos artistas cubanos y latinos incluyendo a Tito Puente, Paquito D'Rivera, Machito, Danilo Pérez, Chucho Valdés o Ray Barretto. En el escenario del jazz, Jerry González ha colaborado con estrellas tan reconocidas como George Benson, Kenny Dorham, Anthony Braxton, McCoy Tyner, o Tony Williams.

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