biografía de claudio bravo

5/11/2018 Biografía de Claudio Bravo - slidepdf.com

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Claudio Bravo

Pintor de renombre mundial. Nació en Valparaíso, el 8 de noviembre de 1936 y murióen Marruecos el 04 de junio de 2011

Egresó en 1954 del colegio San Ignacio de Santiago e inició sus estudios de dibujo y pintura en el taller de Miguel Venegas Cifuentes, siendo su más connotado discípulo,

debido a sus dotes naturales verdaderamente extraordinarias. Junto con estos estudios, bailó en la Compañía de Ballet de Chile y participó en el Teatro de Ensayo de laUniversidad Católica.

En 1961 emigra a España, país en el que impone su talento como retratista de sociedad;en 1972 se radica en Tánger, Marruecos.

Después de exponer en el encuentro internacional de arte “Documenta 5″, en Alemania,se consagra junto a otros artistas hiperrealistas y accede al medio artísticonorteamericano.

En 1981, expone en la Marlborough Gallery de Nueva York, galería que desde entonceslo representa y promueve internacionalmente.

En 1994 realiza una gran Exposición individual en el Museo Nacional de Bellas Artes,que marca su reencuentro con el público chileno; a partir de ese momento, comparte sutiempo viviendo en Chile y Marruecos.

Bravo constituye una de las cimas del hiperrealismo universal, convirtiéndose en paradigma de ese género y junto con Matta, es uno de los artistas chilenos más famososen el mundo.

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Trayectoria

Bravo, que se mantiene independiente de las vanguardias, utiliza el óleo, el dibujo alcarboncillo, el pastel y el grabado, como técnicas con las que aspira a una precisión casifotográfica, con la que las formas representadas adquieren una realidad superior a la desus propios modelos: con esto crea los procedimientos claves del hiperrealismo.

Sus viajes por el Oriente le nutrieron de una rica imaginería que incorporó en sus obras,generando de esta manera una temática muy variada, que va desde los bodegones hastalos retratos psicológicos, pasando por una iconografía místico-religiosa, explorando deeste modo en la “metafísica del objeto”, que deviene en la “metafísica de la situación”.

Su oficio inigualable, que aborda con precisión fotográfica cualquier motivo, ocultatodo rastro de manualidad, trascendiendo de la mera representación visual hacia un

plano de contenidos simbólicos. Así también, la práctica artística de Bravo revela con

nitidez su distancia respecto a los factores contaminantes de la subjetividad; pone en paréntesis cualquier indicador de su personalidad al aplicar a fondo el control de lamirada sobre lo que mira, apareciendo lo mirado como pintura. La mirada elimina losobstáculos que impiden fijarla, excluyéndose él mismo como emoción.

Pero no sólo el pintor se ausenta anímicamente: también la pintura se “ausenta”, alceder su lugar a la representación; de este modo, gracias al talento y la extremaobservación que realiza el pintor para transferir al soporte el modelo, la pintura seconvierte en durazno, en mantel o en piel.

Cuando apreciamos una pintura de Bravo, asistimos al más notable triunfo de la

representación, debido a la máxima eficacia del oficio como modo de producción ymétodo de apropiación de la realidad visible.

Aportes

Bravo, que se mantiene independiente de las vanguardias, utiliza el óleo, el dibujo alcarboncillo, el pastel y el grabado, como técnicas con las que aspira a una precisión casifotográfica, con la que las formas representadas adquieren una realidad superior a la de

sus propios modelos: con esto crea los procedimientos claves del hiperrealismo.

Sus viajes por el Oriente le nutrieron de una rica imaginería que incorporó en sus obras,generando de esta manera una temática muy variada, que va desde los bodegones hastalos retratos psicológicos, pasando por una iconografía místico- religiosa, explorando deeste modo en la “metafísica del objeto”, que deviene en la “metafísica de la situación”.

Su oficio inigualable, que aborda con precisión fotográfica cualquier motivo, ocultatodo rastro de manualidad, trascendiendo de la mera representación visual hacia un

plano de contenidos simbólicos.

Así también, la práctica artística de Bravo revela con nitidez su distancia respecto a losfactores contaminantes de la subjetividad; pone en paréntesis cualquier indicador de su



personalidad al aplicar a fondo el control de la mirada sobre lo que mira, apareciendo lomirado como pintura.

La mirada elimina los obstáculos que impiden fijarla, excluyéndose él mismo comoemoción. Pero no sólo el pintor se ausenta anímicamente: también la pintura se

“ausenta”, al ceder su lugar a la representación; de este modo, gracias al talento y laextrema observación que realiza el pintor para transferir al soporte el modelo, la pinturase convierte en durazno, en mantel o en piel.

Cuándo apreciamos una pintura de Bravo, asistimos al más notable triunfo de larepresentación, debido a la máxima eficacia del oficio como modo de producción ymétodo de apropiación de la realidad visible.



Mario Carreño

Pintor chileno de origen cubano. Nació en La Habana el 24 de junio de 1913 y fallecióen Santiago el 20 de diciembre de 1999.

Su extensa trayectoria artística se inició en Cuba durante la década del ‘30. Realizó sus

estudios de arte en la Academia de San Alejandro en 1925, donde fue alumno deAntonio Rodríguez Morey.

Posteriormente viajó a Europa para continuar sus estudios de Artes Gráficas en laEscuela San Fernando, en Madrid, España en 1932.

En 1936 abandonó España debido a la Guerra Civil y se fue a México, donde tomócontacto con los principales exponentes del muralismo: Diego Rivera, José ClementeOrozco y Rufino Tamayo.

Tras una breve estadía en Cuba, en 1937 regresó a Europa e ingresó a la Academia

Julian de París, donde fue alumno de Jean Souverbie. Con la exposición que realizó en1939 en la Galería Berheim-Jaune, adquirió notoriedad en el ambiente de la capitalfrancesa.

El inicio de la Segunda Guerra Mundial lo obligó a abandonar Europa y se radicó en Nueva York por diez años, los que constituyeron un período muy fructífero de su pintura (“Nacimiento de las naciones americanas”).

Durante la década del ‘40 compartió su tiempo entre Nueva York y largas estadías enCuba.

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En 1942 fue visitado por David Alfaro Siqueiros en La Habana y realizaron juntos unmural, oportunidad en la que Carreño profundizó sus conocimientos de la técnica de

pintura mural que continuó desarrollando posteriormente.

En 1946 inició lo que sería una destacada labor docente como profesor de pintura en

The New School for Social Research, de New York, Estados Unidos.

Entre los años 1951 y 1954 realizó importantes actividades docentes y artísticas en LaHabana, donde fue profesor en la Escuela de San Alejandro, impartiendo un curso dearte moderno.

También en 1954 comenzó a escribir comentarios de arte en una columna semanal parala revista “Carteles” y para la edición de la revista “Noticias de Arte”.

Los acontecimientos políticos de Cuba, debido al advenimiento de la dictadura deFulgencio Batista, amenazaron nuevamente la estabilidad del artista.

El primer contacto con Chile lo tuvo en 1934 cuando conoció al poeta Pablo Neruda enMadrid, entonces surgió una gran amistad entre ellos. En 1948 viajó por primera vez aChile invitado a exponer en la Sala del Pacífico.

En 1956 recibió una invitación de la Universidad de Chile para ofrecer cursos sobre“Evolución del arte actual”.

Finalmente, llegó a establecerse en este país en 1958 permaneciendo hasta 1999, año desu fallecimiento.

Las primeras actividades docentes que realizó en Chile fueron cursos de arte en laEscuela de Verano de la Universidad Federico Santa María de Valparaíso en 1958. Alaño siguiente, dictó una serie de cursos sobre la “Evolución del arte actual” en laUniversidad de Concepción.

En 1959 junto a otros artistas y arquitectos como Nemesio Antúnez, fundó la Escuela deArte de la Universidad Católica, donde ejerció como profesor de los talleres de pinturahasta 1969, fecha en que fue nombrado subdirector de la Escuela. En 1970 asumió lacátedra de “Historia de la pintura contemporánea en Latinoamérica”.

También en 1969 reemplazó, durante un breve tiempo, al destacado crítico nacionalAntonio Romera en la preparación semanal de sus comentarios para el diario ElMercurio.

En 1994 Mario Carreño dejó de pintar debido a varios infartos cerebrales que leimpidieron continuar su trabajo.

Fue una figura muy destacada en el medio artístico cultural chileno. Obtuvo el Premio Nacional de Arte, mención pintura, Chile en 1982.



Trayectoria

Las motivaciones primordiales de la pintura de Mario Carreño fueron su preocupación por el destino del hombre en el mundo de hoy, el respeto por la tradición clásica y la búsqueda de raíces telúricas.

La figura humana siempre estuvo presente a través de todas las etapas del artista, le preocupó especialmente la frágil y débil estabilidad del hombre, amenazado por conflictos bélicos y atrocidades humanas, en los que sugiere la terrible imagen de un“mundo petrificado”.

En la pintura sugiere dos universos, uno real y objetivo, otro, de sueño y de ilusión,donde el artista inventa y deja de lado el ordenamiento lógico. Esta fue una constante enla obra del maestro, intenta poner en la tela razón e intuición, intelecto e imaginación.

Comenzó en los años ‘30 siendo un pintor figurativo, de estilo monumentalista y lineal,con cierta influencia del período clásico de Picasso. Durante la década del ‘50, despuésde una etapa surrealista, se vuelca hacia un arte abstracto, de gran rigor formal, que se

prolonga hasta comienzos de los ‘60 (“Recinto Alucinante” de 1961 e “Imaginación delcomienzo”).

Tras una breve incursión en la corriente informalista en 1963, durante una estadía enParís, Carreño reencontró en el oficio depurado y en las formas esculturales un lenguajeapto para conjugar su deseo de pureza formal y su sensibilidad. A partir de entoncesreflejó en la pintura su visión apocalíptica del destino del hombre.

Un mundo amenazado por los horrores de una guerra atómica surgió en 1964, con unaserie de dibujos y acuarelas a tinta, pincel y plumilla; seres a medias, medias estatuas sequiebran y despedazan en medio de paisajes límpidos, desnudos. Aparecen cieloscirculares, intensamente azules, el desierto chileno infinitamente horizontal que serompe en conos truncados, en abruptas pirámides que transmutan la cordillera andina.

El paisaje chileno del norte, la costa con sus acantilados, el desierto, la mole andina, semostraron en los cuadros de Carreño con una extraña fuerza telúrica.

A partir de 1970, el paisaje nortino fue una constante en sus obras: “”Aurora devolcanes” de 1974; “Tierra de volcanes” de 1975; “Sueño fragmentado”, “Silenciocordillerano”, “Nacimiento de una calcinada geografía”.

El empleo de la paradoja fue una constante en sus obras, formas rotundas que sedespedazan, silencio poblado de resonancias irreales, consiguiendo así patentizar su

preocupación por el choque de conceptos contradictorios, razón e intuición, intelecto ysensación.

En obras como “Estudio para una morfología post-atómica” de 1967 y “Columnas detiempo inmóvil”, muestran esta temática, en la que extrañas columnas formadas por trozos de anatomía y miembros humanos, apiñados, se encuentran reunidos en forma

caprichosa, como por obra de fuerzas atroces.



Carreño realizó una serie de figuras femeninas frente al mar, inspiradas en losmascarones de proa de la casa de Pablo Neruda en Isla Negra. “Mujer con guitarra”corresponde a 1972, hay allí un paisaje de sueño, exento de alusiones chilenas, evadidohacia sugestiones clásicas y del surrealismo italiano.

Toda la obra del artista estuvo traspasada por el espíritu caribeño de su origen, que sereveló en la exuberancia y sensualidad de las formas, los tonos cálidos, incluso en loshechos dramáticos de muchas de sus creaciones como “Sueño Fragmentado” y“Silencio Cordillerano”, en que los cuerpos desmembrados reflejaron el quiebre social.

Aportes

Mario Carreño fue una figura muy destacada en el medio artístico cultural chileno.

El hecho que tomara la nacionalidad chilena significó para el país tener un creador y uncolaborador constante en la educación y cultura.

Su nombre estuvo presente en la fundación de la Escuela de Arte de la UniversidadCatólica, en la realización de cursos teóricos y de talleres de pintura; en la creación deobras como el monumental mural en el Colegio San Ignacio y el del Casino de Viña delMar.

En 1993 la Casa Moneda de Chile lanzó un sello que reproducía su obra “Tarde-Amanecer” de 1977. Esta fue impresa en homenaje al evento “Chile, capital de la

cultura Iberoamericana”.

En 1998 el Instituto de Cooperación Española presentó un libro titulado “Los añosgeométricos de Mario Carreño 1950-1962″, en el que se incluyeron 44 reproduccionesde las obras que realizó en ese período y fotografías de murales e inauguraciones deimportantes exposiciones suyas. Este libro fue el resultado de un proyecto coordinado

por el investigador Emilio Ellena, especialista en arte latinoamericano.

Recibió numerosos premios y distinciones, entre los que se destacan: Primer premio endibujo, concurso del diario El Mundo, de La Habana, Cuba (1922); Primer premioafiches para los carnavales (1936), La Habana, Cuba; Premio de honor, Salón Oficial dePintura, La Habana, Cuba (1937); Premio de adquisición concurso afiches “ModernPublicity”, Container Corporation of America, Chicago, Estados Unidos (1946); Premionacional de pintura, Salón Oficial de La Habana, Cuba (1954); Medalla de honor,Exposición Interamericana de Arte, Universidad del Estado de Florida, Estados Unidos(1951); Premio internacional Guggenheim, New York, Estados Unidos (1956); Premioanual del Círculo de Críticos de Arte, Santiago, Chile (1959); Premio Nacional de Arte,mención pintura, Chile (1982); Medalla de oro, Universidad Católica de Chile, Santiago(1982); Premio concurso de murales para la Clínica del Trabajador en Rancagua, Chile(1983); Medalla de bronce, Neruda 80 Años, Chile (1984); Profesor emérito de laFacultad de Arquitectura y Bellas Artes de la Universidad Católica de Chile, Santiago

(1993); Premio medalla de honor 1997, Fundación Pablo Neruda, Santiago, Chile(1997).



Expuso en diversas partes del mundo y sus obras han sido adquiridas por importantesmuseos internacionales como Museum of Modern Art de Nueva York, Estados Unidos;Museum of Art de San Francisco, California, Estados Unidos; Museo de Bellas Artes deCaracas, Venezuela; Carroll Reece Museum de Tennessee University, Estados Unidos;Museo de La Habana, Cuba; Musée d’Art Moderne de Ceret, Francia; Museo de La

Plata, Argentina; Museo de Arte Moderno de América Latina, O.E.A. Washington D.C;The Metropolitan Museum, Miami, Estados Unidos.

Las obras de Mario Carreño se han transado en conocidas subastas internacionales,como en la de arte latinoamericano en Sotheby’s de Nueva York, donde en febrero de1999 el cuadro “La diosa del Mar” fue vendido en US$ 321.500.



Roberto Matta

Pintor chileno. Nació en Santiago el 11 de noviembre de 1911 y murió en Tarquinia,Italia en el año 2002.

Realizó la enseñanza secundaria en el Colegio de Los Sagrados Corazones y losestudios superiores en la escuela de arquitectura de la Universidad Católica de Chile dedonde se tituló en 1933. Su formación artística se inició en los Talleres Libres de laEscuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile, donde fue alumno del pintor HernánGazmuri.

En el año 1933 decide viajar a Europa, donde tras recorrer varios países decideinstalarse en París. Allí trabajó con el arquitecto Le Corbusier, tomó contacto conintelectuales españoles y conoció a los poetas Rafael Alberti y Federico García Lorca enMadrid.

En 1936 se instaló en Londres, donde trabajó con Walter Gropius y Moholy-Nagy,también se relacionó con artistas e intelectuales británicos como Henry Moore. Duranteese año Matta tuvo una breve estadía en Portugal, invitado por la poetisa chilenaGabriela Mistral quien despertó en él su interés por la poesía del cubano José Martí ylos postulados del mexicano José Vasconcelos en torno a la creación de brigadasculturales.

Entre los años 1937 y 1940 Matta definió su vocación artística. En 1937 conoció aGordon Onslow-Ford, joven oficial de la marina inglesa, quien tras ver sus dibujos loincitó a pintar.. Ese mismo año conoció a Salvador Dalí por medio del cual tambiénconoce a André Breton, quien tras ver sus dibujos, lo invitó a formar parte del grupo

surrealista. Comenzó a participar en importantes exposiciones como la ExposiciónInternacional del Surrealismo en la Galería de Bellas Artes de París. Realizó sus

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primeros óleos surrealistas a los que primero llamó Morfologías Sicológicas y que mástarde denominó Inscapes.

Conoció a Duchamp en París, con quien mantuvo un constante contacto. En 1939 vivióun período con Pablo Neruda en París y luego, junto a Yves Tanguy se radicó en Nueva

York por invitación de Duchamp. Aquí ingresó en los circuitos artísticos y culturales dela ciudad y conoció a importantes artistas de su tiempo.

Realizó su primera Exposición individual en la Julien Levy Gallery de Nueva York en1940 y en 1942 en la Galería Pierre Matisse de la misma ciudad. Realizó una intensaactividad exponiendo junto a connotados artistas como Picasso, Matisse y Léger.Además colaboró en diversas publicaciones del grupo surrealista.

En el año 1948, después de catorce años lejos de Chile, volvió por unas semanas yexpuso en la Galería Dédalo de Santiago.

Volvió a Europa y en 1948 fue expulsado del grupo surrealista. Se estableció en Romadonde permaneció hasta 1954, exponiendo en diversas galerías de ciudades italianas.

A fines de la década de los cincuenta Matta ya era un artista consagrado presentando susobras en importantes lugares de Londres, Nueva York, Venecia, Chicago, Roma,Washington y París.

En 1957 se presentaron exposiciones de su trayectoria siendo una de las másimportantes la del Museo de Arte Moderno de Nueva York. En los años siguientes, se

presentaron numerosas exposiciones de la obra del artista en importantes ciudades de

Europa, Estados Unidos y Cuba.En 1971 viajó a Chile, realizó un mural para la Universidad Técnica del Estado enSantiago y participó en actividades colectivas de la Brigada Ramona Parra. Ese mismoaño fue considerado como uno de los diez mejores pintores de todo el mundo, segúnuna encuesta realizada a 104 personalidades artísticas internacionales, publicada en larevista francesa Connaissance des Arts.

En las décadas siguientes se han realizado muchísimas exposiciones de la obra de Mattaen diversas partes del mundo y el artista ha participado en numerosas actividadesartísticas y culturales.

En 1985 se organizó una gran retrospectiva de su obra en el Centro Georges Pompidoude París, en 1987 expuso en Chile en la Galería de Arte El Caballo Verde enConcepción y en el Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago, con motivo de la IVBienal de Arquitectura.

En 1990 vivió en París pasando temporadas en Tarquinia, Italia, donde reside en laactualidad. Allí instaló un taller, una escuela de cerámica y una sala de exposiciones.

En los inicios de su labor artística, sus obras reflejaron sus preocupaciones metafísicas,la importancia de las creaciones religiosas.



Roberto Matta ha realizado un valioso aporte en las artes plásticas universales del presente siglo, ubicándose como uno de los artistas Más importantes del MovimientoSurrealista.

Trayectoria

La obra de este connotado artista se extiende desde los años treinta hasta hoy. Fue partícipe y renovador del surrealismo y personaje decisivo en el grupo de artistas delexpresionismo abstracto de los años 40.

En los inicios de su labor artística, sus obras reflejaron sus preocupaciones metafísicas,la importancia de las creaciones religiosas. Dibujos figurativos que con el tiempo fueronevolucionando hacia una abstracción, con referencia de artistas de la época como Dalí y

Picasso y la influencia de El Greco.

Elementos como el humor, el erotismo, la reflexión, el pensamiento estuvieron presentes en estos inicios.

Comienza a inquietarlo la idea del espacio que tendrá un papel protagónico en todo eldesarrollo de la obra del artista. Este, entendido, no como recinto de la materialidad,sino como él mismo lo dice, un espacio de la especie, idea metafísica del espacio.

Posteriormente, desarrolló una etapa ligada al surrealismo, tendencia de la que participóy cuyas influencias se dejaron ver en obras posteriores.

Entre 1942 y 1944 aparecieron los primeros personajes en las obras de Matta, lo queacerca su pintura al humanismo, buscó una representación del hombre que expresara suesencia contradictoria. Apareció la angustia, el dolor, la soledad y la incomunicacióncomo temas recurrentes y la infinitud del espacio se transformó en la soledad delhombre, situación que quedó expresada en varios de sus cuadros, un hombre perdido enel espacio eterno, con múltiples posibilidades y direcciones, sin que ninguna sea unaverdadera salida.

De su estadía en Italia, alejado del grupo de artistas norteamericanos, surgieron unaserie de cuadros, intentos de representación de un espacio multidimensional (Abrir elcubo y encontrar la vida). Fue un intento por representar la idea del espacio total, delespacio tal como se muestra en la vida. Esta representación multidimensional estáfigurada en la obra del artista por medio de la abertura del cubo que muestra de una solavez sus seis caras.

En esta etapa de Matta en Italia, su trabajo intentó ser una denuncia de los poderesmaquinales que esclavizan al ser humano en la sociedad moderna. Hubo una notableinfluencia del arte primitivo, especialmente de África y Oceanía.

En esa época la crítica política influye en el contenido de su obra, la revolución cubana,

como factor social, sin dejar de lado su preocupación por el hombre y la sociedad que lorodea.



Durante los años sesenta reapareció la Figuración de sus primeras obras, pero laexpresión dramática se transformó en una glorificación a la vida y a sustransformaciones.

En la siguiente década, sus pinturas, de grandes dimensiones, abandonan

paulatinamente la temática política, para dar paso nuevamente a los temas metafísicos ya un cauce profundo.

Durante los ochenta se generaron dos líneas de trabajo, una cercana a la representaciónrealista que recrearon la mitología mediterránea, con escenas de la vida de los dioses oimágenes de personajes inventados; y una segunda línea con una tendencia másabstracta, en la que alcanzó sus más altos niveles de expresividad metafísica.

El trabajo artístico de Matta ha sido extensamente estudiado y analizado en un intentode acercamiento y comprensión del universo que su obra alcanza. En este sentido, hansido varios los calificativos que se han propuesto para caracterizar su pintura, aludiendo

a la abstracción, a la espacialidad, a la relatividad, a la transparencia, al movimiento yenergía constante y sin fin, a la poesía, a la reflexión, al pensamiento, etc.

Aportes

Roberto Matta ha realizado un valioso aporte en las artes plásticas universales del presente siglo, ubicándose como uno de los artistas más importantes del MovimientoSurrealista.

Sus obras permanecen en importantes colecciones privadas como la del artista AndyWarhol y en diferentes museos e instituciones del mundo: sede de la UNESCO en París;Escuela de Bellas Artes de Cuba; Colección Art Investors de Ginebra, Suiza; GalerieBeaubourg de París, entre otros.

Además, su trayectoria artística ha sido reconocida en todo el mundo, realizándoseimportantes homenajes en su nombre: en 1967 fue lanzado en Cuba un sello quereproduce su obra “Sembrador de incendios” de la serie Salón de Mayo de París; en1970 el Museo Nacional de Bellas Artes creó una sala de exposiciones con el nombredel artista; en 1991 Francia lanzó una serie artística en la cual se reprodujo la obra “Otableau noir”; en 1993 la Casa de Moneda de Chile lanzó una serie conmemorativa alFestival Mundial de Teatro de las Naciones que reproducía la obra “El teatro: espejo dela vida y de nosotros mismos”

Matta ha realizado ilustraciones de varios libros y escrito valiosas publicaciones, como“L’Espace de l’Espèce” y “Cosa è la cosa mentale”, donde plantea los rasgos esencialesde su concepción estética en 1965 y un homenaje póstumo a Breton “L’Illumination”,

publicado en La Nouvelle Revue Francaise, en París en 1967.

También ejecutó algunos murales como el titulado “Las dudas de tres mundos” para la

sede de la UNESCO en París; el mural “Vivir enfrentando las flechas” para laUniversidad Técnica del Estado, en Santiago, que fue concluido en 1971; el mural



“Primer gol del pueblo chileno” en la Municipalidad de La Granja el mismo año ymural para la Exposición Universal de Sevilla en 1992.

Importantes personajes de la vida artística y cultural han escrito sobre Matta y su obra,entre ellos destaca Marcel Duchamp quien escribió el texto “Matta peintre”, publicado

en 1950; Breton que escribe una reflexión, “Il y a trois ans”, a partir de la primeramuestra individual de Matta en la Galería René Drouin en 1947; Michel Tapié publicóel texto “The Space of Matta” en la Revista Paris Post, entre otros.

Se destaca también las donaciones que ha hecho el artista al pueblo chileno en 1972 desus obras “Hagámonos la guerrilla interior para parir el hombre nuevo” y “Ojo con losdesarrolladores”; colaboró también con la formación del Museo de Arte del HombreLatinoafricano, con la donación de una serie de esculturas africanas; donó al ProgramaAmbiental de las Naciones Unidas con sede en Nairobi, el proyecto de la energía solar.

Algunos premios y distinciones que el artista ha recibido a lo largo de su destacada

trayectoria son: Premio Pittsburg International, Estados Unidos en 1952; PremioMazotto por la obra “La Question Djamila” en 1962; Medalla de Oro de las Bellas ArtesEspañolas, condecoración que le entregó el rey Juan Carlos de España en un actocelebrado en el Museo del Prado, Madrid en 1985; Premio Nacional de Arte, MenciónPintura, Santiago, Chile en 1990; Premio Príncipe de Asturias, Sevilla, España en 1992;Premio Herbert Boeckl, Salzburgo, Austria en 1992; Premium Imperiale de Pintura,Asociación de Arte de Japón en 1995; Premio Gabriela Mistral, Orden al MéritoCultural y Docente del Estado de Chile en 1997; Premio Internacional de ArteContemporáneo de Montecarlo, Principado de Mónaco en 1997; Nombramiento comoVocal del Patronato del Instituto Cervantes, España en 1998.



Gonzalo Cienfuegos

Gonzalo Cienfuegos, pintor, nació en Santiago el 7 de octubre de 1949.

En 1964 comenzó a estudiar en los cursos vespertinos de la Escuela de Bellas Artes dela Universidad de Chile y a frecuentar el taller de Camilo Mori. En 1967, finalizada lasecundaria, ingresó a los cursos regulares de arte en la escuela, pero abandonó esos

estudios para seguir, al año siguiente, la carrera de arquitectura en la mismaUniversidad. En 1970 deja también esa carrera y se traslada a México.

En ese país alternó los estudios de diseño publicitario con clases de pintura y escultura;trabajó en el Departamento de Diseño de la Secretaría de Educación del D. F, fueayudante de arquitectura e ilustrador de textos. Tuvo que dejar México por problemasde visa y retornó a Chile en 1975. En 1995 fue nombrado Director de la FundaciónTiempos Nuevos, encargándose del proyecto y la construcción del Museo InteractivoMirador, MIM. Es profesor de pintura en la Universidad Católica de Chile.

Trayectoria

Gonzalo Cienfuegos utiliza las técnicas del acrílico y el óleo sobre tela, el dibujo grafitosobre diferentes soportes, la tinta sobre papel y otros recursos de la gráfica y laescultura, para llevar a cabo una producción plástica que se reconoce por girar en tornoa la figura humana, y por citar continuamente importantes obras de la historia del arteuniversal, con lo que se apropia de íconos de ésta, y de procedimientos técnicos y gestosde otros artistas.

Sus obras, de llamativos colores, reúnen en un mismo espacio, con humor e ironía,diversos personajes y escenas que corresponden a producciones artísticas de famososartistas de distintas épocas, como Velázquez, Bacon o el chileno Valenzuela Puelma;

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dicha reunión se lleva a cabo en interiores que son un sello reiterativo y característico desu trabajo: en éstos siempre hay una ventana o falta un muro, por donde vemos el

paisaje del fondo, ciertos objetos y a veces, la repetición de la cuadrícula del suelo.

Los personajes de sus pinturas, algo caricaturescos, denotan personalidades bien

definidas y actitudes estáticas, que parecieran aislarlos; sin embargo, se relacionan unosa otros expresando las complicadas circunstancias de la vida social.

Aportes

Gonzalo Cienfuegos ha recibido, entre otros, el Premio del Círculo de Críticos de Arte(1979), y el Primer Premio en Dibujo, II Bienal de Maldonado, Uruguay (1980).

También fue distinguido como académico de número de la Academia de Bellas Artesdel Instituto de Chile.

Ha expuesto individualmente tanto en Chile como en Argentina, Brasil, Francia,México y E.E.U.U. Formó parte de la III parte de la muestra “Chile, 100 años de ArtesVisuales”, llevada a cabo durante el 2000 en el Museo Nacional de Bellas Artes.

La misma institución había adquirido anteriormente sus obras “El Ciclista” y“Composición”.



Roser Bru

Pintora y grabadora chilena de origen español. Nació en Barcelona, España el 15 defebrero de 1923. Al año siguiente se trasladó con sus padres a París donde vivió durantecuatro años, al cabo de los cuales la familia regresó a Barcelona, ciudad en donde

ingresó a la Escuela Montessori. En 1931 inició sus estudios en el Instituto-Escuela dela Generalitat, de la misma ciudad. En 1939, terminada la guerra civil española, viajó aFrancia, donde se embarcó en el barco Winnipeg hacia Chile llegando el 1 deseptiembre, día en que comenzó la Segunda Guerra Mundial. Ese mismo año ingresó enla Escuela de Bellas Artes en Santiago, donde Estudió acuarela, dibujo y pintura.

Aquí realizó estudios libres hasta 1942 y fue discípula de Pablo Burchard.

En 1942 se casó y tuvo dos hijas, ese mismo año terminó sus estudios de acuarela, pintura, dibujo y pintura mural.

En 1947 formó parte del Grupo de Estudiantes Plásticos (GEP) que reunió artistas de laGeneración del 50 como José Balmes, Gracia Barrios, Guillermo Núñez, Juan Egenau yGustavo Poblete, entre otros. En 1957 ingresó al Taller 99 de grabado. Al año siguienteretornó por primera vez a Barcelona después de 18 años de ausencia.

Entre los cargos que ha desempeñado figura el de profesora de dibujo y pintura en laEscuela de Arte de la Universidad Católica de Santiago desde 1964 a 1968 y profesorainvitada al taller de pintura en la Escuela de Arte de la Universidad Católica en 1989.

A partir de 1957 hasta la actualidad ha participado en diversas exposicionesindividuales y colectivas obteniendo muchos premios que la han hecho merecedora de

un destacado lugar dentro de la plástica nacional.

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Roser Bru ha realizado murales en distintas técnicas para la Escuela de Talcahuano, laCasa de Arte del Cerro San Cristóbal y el edificio Unctad de Santiago.

Trayectoria

La obra de Roser Bru ha abarcado desde el comienzo la pintura, el dibujo y el grabado.

En los inicios, sus trabajos se caracterizaron por una cercanía al informalismo yexperimentación con nuevos medios expresivos como las incisiones realizadasdirectamente en la superficie de la obra. Pintó y dibujó cuerpos, rostros y objetos confuertes cargas denotativas y su quehacer artístico se tornó cada vez más crítico.

Comenzó a poner en crisis la estabilidad de la representación mediante la borradura, la

tachadura (gráfica sobrepuesta a la pintura), el cubrimiento (exhumar y luego volver aenterrar), la inclusión de signos como cintas negras, los colores de la bandera chilena yespañola, fotos y textos escritos.

Más tarde, la artista dejó a un lado el bastidor y sujetó la tela con tachuelas a una plancha de masisa, en un acto muy de acuerdo con su actitud revisora frente a la pintura.

A través de ésta la artista reflexiona sobre la vida y la muerte, polaridad que siempre haestado presente en su trabajo.

Así también elementos como la memoria, su fragilidad y su incapacidad de

recomposición total han sido el hilo conductor de su producción. En este sentido, vuelveuna y otra vez al pasado y revisa constantemente la memoria. “Pasado y presente, comodimensiones temporales, quedan enmarcados espacialmente gracias a un recursoconstante: la división del soporte” (Ivelic-Galaz. Chile Arte Actual), quedando la teladividida en otras más pequeñas, dejando a la vista el borde de cada una y enlazándolas através de algún elemento. Son historias, son espacios o tiempos distintos que se reúnen,imágenes que cita en reiteradas oportunidades, incluso en algunas obras se cita asímisma al recordar su niñez, su familia, la Guerra Civil Española, etc.

En las obras de los últimos años ha profundizado su preocupación por los conflictossociales y los hechos dramáticos que el hombre ha vivido, planteando un discursocrítico de gran fuerza y sensibilidad frente a la injusticia, al drama de la guerra, latortura, etc. Introduce elementos como cintas negras, fotografías intervenidas, frases ynúmeros que refuerzan su temática y asocian permanentemente pasado y presente,haciendo una constante reaparición de motivos que se muestran siempre diferentes, deacuerdo a los cambios de tiempo y circunstancias.

Algunas de sus obras: “España”, “Retratos de Perón y mutuos deseos de felicidad”,Serie “Las Meninas”.



Aportes

Entre los premios y distinciones que ha recibido destacan: Primer Premio de Grabado yDibujo, Salón Oficial de Santiago en 1958; Segundo premio de pintura, Salón Oficial deSantiago en 1960; Primer Premio de Pintura, Salón Oficial de Santiago en 1962; PremioOsvaldo Goeldi, II Bienal Americana de Grabado, Santiago en 1965; Premio Club deEstampa, Buenos Aires, Argentina en 1968; Gran Premio del Primer Salón de Gráficade la Universidad Católica, Museo de Bellas Artes de Santiago en 1978.

Investigación

Goya en la Pintura de Roser Bru

El pintor aragonés nacido en 1746, Francisco de Goya y Lucientes, fue un artistaimbuido del espíritu romántico en su aspecto más apasionado por el devenir político y lasituación social, presentando especial sensibilidad ante los abusos e injusticias que sufreel pueblo.

A pesar de ser Pintor de la Corte real durante muchos años, Goya no dejó nunca desentirse conmovido por las malas condiciones de vida del pueblo español y deindignarse ante la hipocresía de los poderes eclesiásticos y monárquicos.

Si bien en muchos retratos que hizo de la monarquía descubrimos una crítica sutil a

ésta, es en los grabados, que Goya realizó de modo paralelo a su labor oficial, donderealmente encontró un soporte adecuado para dejar fluir su crítica, desde un punto devista oscuro, perspicaz e irónico.

Las series de ‘Los Caprichos’, ‘Los Disparates’ y ‘Los Desastres de la Guerra’ dancuenta de fuertes contradicciones sociales; esa temática, que tuvo en la obra gráfica esagloria que forma escuela, se traspasó luego a la pintura al óleo.

Goya realizó un cuadro simbólico, ‘Los Fusilamientos de Mayo’ y una serie de‘Pinturas Negras’, dando cuenta del espanto de la guerra, una y de la desolaciónhumana, otra.

Más de 180 años después, Roser Bru, una mujer española que desde la Guerra CivilEspañola vive en Chile y que aquí se hizo artista de larga trayectoria, retomó algunas delas obras de Goya y las trasladó a su particular estilo, que se mantiene entre laabstracción que asume el gesto y el chorreo como propios, y la figuración que buscahuellas y diagramas en el dibujo.

Desde 1997, Bru toma pedazos de obras de Goya, elige las secciones más tensionantesde éstas, principalmente retratos o figuras contorsionadas, y las traslada a modo de citasa sus propios cuadros.

Luego sobre el soporte escribe frases, da toques de color y luces, interviene yreinterpreta; Bru, que asume un lenguaje pictórico informalista, se hace cargo del peso



político que ese estilo tiene y le otorga por tanto a Goya una recontextualización que dacuenta de que las denuncias de uno u otro artista tienen igual validez, pues las

brutalidades continúan.

El humano, que es el animal más necio, dispuesto a tropezar siempre con al misma

piedra, vuelve necesaria la repetición de imágenes, mientras la lección no sea aprendida.



Mario Toral

Pintor chileno. Nació en Santiago el 12 de febrero de 1934.

Realizó sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de Uruguay y en el Taller de HenriAdam en la Escuela de Bellas Artes de París.

A los 16 años marchó a Buenos Aires de vacaciones, pero su viaje se prolongó por 12años, que aprovechó para visitar otros países. Reunió dinero y se matriculó en los cursosnocturnos de la Escuela de Bellas Artes de Uruguay.

Luego, viajó a Brasil con motivo de una de las primeras bienales de Sao Paulo y sequedó allí, después de un tiempo expuso por primera vez en forma individual, a los 21años, en el Museo de Arte Moderno de Sao Paulo.

En 1957 se radicó en París y volvió a Chile después de 14 años de ausencia. Más tarde,en 1973 viajó a Nueva York donde vivió hasta 1992, año que regresó a su país.

Ejerció como profesor de pintura en la Universidad Católica de Chile y como Decanode la Facultad de Arte de la Universidad Finis Terrae. También es Miembro de laAcademia de Bellas Artes del Instituto de Chile.

Además de pintor e ilustrador, es escritor y sus cuentos han sido publicados en revistasliterarias de diversos países.

En el año 1986 realizó un especial de televisión sobre el proceso de su creación artística.A través de la coreografía y el vestuario dio vida y movimiento a sus obras.

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En el año 1988 fue invitado junto a otros artistas de diversas nacionalidades a exponer al término de las Olimpiadas de Seúl con el fin de crear el Museo de ArteContemporáneo de Corea con todas las obras participantes.

Ha recibido múltiples distinciones tanto en nuestro país como en el extranjero.

Trayectoria

Desde sus primeras obras, Mario Toral insistió en representar el cuerpo humano dediferentes formas: el desnudo transmutado, desintegrado o diáfano, con el objeto dehablar de sus propias experiencias y emociones.

Otro elemento que se reitera a menudo en sus creaciones es la envoltura, la ensoñación

y el misterio que de algún modo tiene que ver con la incógnita existencial del artista, lafalta de certezas, las incertidumbres, las interrogantes inexplicables de la vida.

Siempre le ha interesado la expresividad del cuerpo humano que se mueve y transformaconstantemente, que se desintegra en pieles, músculos, nervios, fragmentos otransparencias, una figura misteriosa y expresionista.

Ha utilizado distintas técnicas como el óleo, acrílicos, collages, grabados, dibujos yacuarelas que han ido de acuerdo a las intenciones que ha tenido en cada trabajo. Suobra ha intentado “representar lo inalcanzable” dice el artista, los límites de la existenciahumana, el destino, la imposibilidad de dilucidar los grandes misterios. La pintura, la

materia y el cuerpo, todo es ilusión en su obra y metáfora de la condición humana que éldefine como “una aspiración espiritual constante y limitada, porque el cuerpo mantiene

presa el alma”.

Su obra ha tenido varias etapas que han ido en directa relación con su vida: la primera,“Relieves” agrupa su producción de 1957 y 1958, donde realizó una investigación sobrelas texturas, utilizando materiales que explotaban en la superficie como cráteres,remitiéndose a ámbitos telúricos.

Luego, fue la época de los “Tótems” (1958-1965), desarrollada en París, habla de lamemoria americana, de un paisaje inmenso y complejo, telúrico.

Más tarde, en su regreso a Chile comienza “Torres de Babel”( 1965-1969), donde torresgeométricas encierran rostros humanos.

Entre 1969 y 1974 “Mujeres y Piedras, El Mundo de Mañana, Rostros” surge de suviaje a Nueva York, donde el impacto de la urbe estadounidense se refleja en obrasmonumentales y arquitecturas transparentes, donde los límites espaciales sondeterminados por finos trazos de acuarela.

En la década del 70 Toral se desplaza desde Nueva York a España, entonces surge el

período “Prisioneras de piedra” (1974-1977), donde el espacio se presenta como infinitoy atemporal, indaga en la naturaleza humana y se reencuentra con la acuarela que le permitió plasmar su memoria visual.



“Gente en Lucha”(1977-1979) se denominó la etapa donde presenta al hombreenfrentado con la vida y la muerte.

Luego, “Máscaras” (1979-1981), donde la presencia de cabezas humanas volantes,hieráticas y de aire expresionista se conjugan con un trabajo de texturas en las

superficies. Más tarde “Cuerpos y Máscaras” (1981-1984), donde un fragmento delcuerpo de una mujer bastará para mostrar la totalidad de un universo único, armónico ycon fuertes raíces americanas.

Entre sus obras monumentales se encuentra el mural más grande de Chile y de AméricaLatina, con 1200 metros cuadrados, ubicado en la Estación de metro de la Universidadde Chile, “Memoria visual de una nación”, donde encierra la racionalidad, la intuición yel nexo entre la historia y la sensibilidad del artista chileno.

Aportes

Mario Toral ha ilustrado alrededor de 40 libros de poetas y escritores chilenos yamericanos, entre los que destacan: “Machu Pichu”, “Arte de Pájaros”, “20 Poemas deAmor y una Canción Desesperada” de Pablo Neruda; “Mal de Amor” de Oscar Halm;“El Amor de Chile” de Raúl Zurita.

Además, entre sus trabajos literarios, sus cuentos han sido publicados en diversasrevistas literarias: Escandalar de Nueva York, Estados Unidos en 1980 y 1982;Araucaria de París, Francia en 1982; Literatura Chilena de Los Ángeles, California,

Estados Unidos en 1983; Revista Sur, Maimö, Suecia en 1984 y Revista Universitariade la Universidad Católica en 1984.

Entre la gran cantidad de Premios y Distinciones que ha recibido destacan: Beca delGobierno de Francia en dos oportunidades en 1961; Primer Premio de Grabado, Salónde Bellas Artes, París, Francia en 1961; Primer Premio de Grabado, Salón Oficial deSantiago en 1962; Mención Honrosa, V Bienal de Grabado en Liubliana, Yugoslavia en1963; Premio de Grabado, I Bienal Americana de Grabado de Santiago en 1963; Premiode la Crítica de Santiago en 1963; Primer Premio Internacional, Medalla de Oro, en laVIII Bienal de Sao Paulo, Brasil, por su proyecto gráfico “Los Signos del Zodíaco” en1965; Primer Premio de Artes Gráficas, Museo de Arte Contemporáneo de Santiago en1966; Premio Wolf, al mejor artista latinoamericano, IX Bienal de Sao Paulo, Brasil en1967; Primer Premio Internacional de la Unión de Editores de Nueva York por el libro“20 Poemas de Amor” de Pablo Neruda con acuarelas de Mario Toral en 1970; PremioVinkovci, III Bienal Internacional de Rijeka, Yugoslavia en 1972; Artista en Residenciaen la Universidad de Fordham, Nueva York en 1973; Beca John S. Guggenheim,Estados Unidos en 1975; Primer Premio, III Bienal Americana de Artes Gráficas, Cali,Colombia en 1976; Gran Premio de la Ciudad de Rijeka, VI Bienal Internacional deRijeka, Yugoslavia en 1978; Artista en Residencia en Altos de Chavón, RepúblicaDominicana en 1983; Primer Premio, VI Bienal del Grabado Latinoamericano, SanJuan, Puerto Rico en 1983; Diploma de Honor del Gobierno de Venezuela por

participación en el Proyecto de confección de murales de gran tamaño para la carreterade la ciudad de El Tigre; Sello conmemorativo de la VI Cumbre reproduce unfragmento del mural de Mario Toral “Memoria Visual de una Nación”, que alude a la



cosmología mapuche en 1996; y ese mismo año es nominado miembro de la Academiade Bellas Artes de Chile.

Toral ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas en Chile y diversas partes del mundo (Brasil, Francia, Argentina, Estados Unidos, Yugoslavia, España, El

Salvador, Colombia, México, Alemania, Suiza, Canadá, Austria, entre otros). Sus obrashan sido adquiridas por colecciones públicas e institucionales y por diferentes museosdel mundo, entre los que destacan el Museo de Brooklyn, Nueva York, EEUU; Museode Arte Metropolitano de Nueva York, EEUU; Museo de Arte de la Universidad de SaoPaulo, Brasil; Museo de Bellas Artes de La Habana, Cuba; Museo de Arte Moderno de

Nueva York, EEUU; Museo de Arte Moderno, Rijeka, Yugoslavia; Museo de ArteModerno de Río de Janeiro, Brasil; Museo de Arte Moderno de Sao Paulo, Brasil;Museo de Arte Moderno La Tertulia, Cali, Colombia; Museo de Arte Contemporáneode América Latina en Washington, EEUU; Museo de arte de la Universidad de Texas,Austin, EEUU; Museo del Banco Central de Guayaquil, Ecuador; Museo de arteModerno D.F., México; Museo de Tel Aviv, Israel; Museo Vial Bogarín, Venezuela;

Museo Vial Rayo, Colombia; Museo Nacional de Arte Moderno, Baghdad, Iraq; Museode Arte Contemporáneo, Seúl, Corea.



Benjamín Lira

Pintor, nació en Santiago en 1950.

A los 11 años comenzó a asistir a las clases de arte que dictaba Dinora Doudchitzky enel Museo de Arte Contemporáneo.

Luego tuvo clases particulares con Rodolfo Opazo y Mario Toral. En 1969 ingresó a lacarrera de Arquitectura en la Universidad Católica de Valparaíso, pero la abandonó alaño siguiente, para realizar estudios de Dibujo y Pintura en la Academia de SanFernando de España.

Entre 1971 y 1973, asistió a cursos en la Bryan Shaw School of Arts de Londres; yluego perfeccionó sus conocimientos entre los años 1977 y 1979, gracias a la Beca

Fullbright, que le permitió ingresar al Pratt Institute de New York, y obtener el Magíster en Bellas Artes.

Vivió en New York con su mujer, la pintora Francisca Sutil, y está bajo el alero de laGalería Taghinia Milani, que lo representa y promueve internacionalmente.

Se ha dedicado siempre a la pintura, aunque su relación con ella ha variado: en suscomienzos, incorporaba objetos al soporte, tales como tapas de botellas, llaves oespuelas; luego abandonó la experimentación objetual, y se dedicó a tratar la materia

pictórica sólo con pigmentos puros. Actualmente también realiza obras escultóricas congres cerámico.

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Trayectoria

Benjamín Lira se ha dedicado siempre a la pintura, aunque su relación con ella havariado: en sus comienzos, incorporaba objetos al soporte, tales como tapas de botellas,llaves o espuelas; luego abandonó la experimentación objetual, y se dedicó a tratar lamateria pictórica sólo con pigmentos puros; en sus recientes producciones, ha reunidoaspectos de ambos medios expresivos, al mezclar arena, polvo de mármol y óleo, pararealizar sus obras.

Su producción oscila entre dos vertientes estilísticas: la abstracción geométrica, perceptible en las pinturas de grandes campos coloreados, y la nueva figuración, dondedestaca lo que es el sello característico de Lira: la representación de la figura humana,

preferentemente de perfil, y sumida en una atmósfera que la aísla. A este tema llegó por medio de sus estudios de los maestros del Renacimiento: recreando a los clásicos, seconcentró, enseguida, en plasmar la soledad esencial del hombre.

Al principio realizaba sólo cabezas, luego la figura completa, la que se vio, después,rodeada por un paisaje, conformado de modo tal, que las figuras parecen irradiar intensos y luminosos colores desde su propio interior.

De este modo, junto al tema de la soledad, aparece un nuevo protagonista: el color, elque, altamente saturado, y por lo general, en tonos primarios, provoca un fuerte yvibrante impacto visual.

Desarrolla un interesante trabajo escultórico realizando el tema pictórico de sus cabezasahora en gres cerámico en las que también trata los esmaltes con los colores intensos y

luminosos.

Aportes

Benjamín Lira ha recibido el Premio General del Concurso de la Colocadora Nacionalde Valores (1977), y el Premio de la Crítica (1987). Ha realizado exposicionesindividuales en Galerías de New York, Miami, Boston, Lima y en el Museo Nacional deBellas Artes, en Santiago de Chile. El mismo museo posee dos obras suyas: “Cabeza I”

(1980) y “Reflexiones” (1988).

Investigación

El color que apela al silencio

Es un pintor que gracias al rigor y a la acuciosidad con que aborda su producción, hagenerado obras que responden a una investigación y a un trabajo coherentes.



Debido a la reflexión constante que mantiene el artista sobre su propio quehacer, suscreaciones logran permanecer en una misma línea estilística, pero a sí mismo,evolucionar y superarse, evitando la monótona repetición.

Aquella necesaria reflexión viene dada por una enorme cantidad de tiempo invertida en

la meditación, composición y factura del cuadro. El tiempo, concebido como ritmo ysilencio, adquiere grado formal por medio de la relación que el pintor establece con susmateriales. El tiempo, entonces, se transmite hacia el receptor principalmente por elcolor ; ese tiempo abre un espacio donde la narración queda desplazada, silenciada enfavor de una comunicación subterránea que funciona por medio de una imagen pura,imagen que a la vez es metáfora de la existencia y la salvación.

A pesar de que en el último tiempo Lira abandonó el color, debido entre otras cosas, asu interés por lo monocromo de la cerámica, durante el 2001 reapareció el color en sumáxima expresión, vibrante, intuitivo y significativo por sí mismo. En soportes deamplios formatos, el color va sumándose uno a otro hasta conseguir texturas

interesantes; luego, el pintor retira algunas capas de pintura para ir ajustando elementosy obtener finalmente una obra fresca que por medio de una sensibilidad tendiente a laabstracción, remite a un espacio pictórico cada vez más complejo.

Las experimentaciones formales llevadas a cabo por Lira le han incitado a experimentar con otros pigmentos más allá del óleo, como acuarelas y acrílicos, y a verificar tambiénel trabajo de volumen y formas en la cerámica.



Pedro Luna

Integró la Generación del ‘13 junto a Agustín Abarca, Arturo Gordon, Ulises Vásquez yotros artistas.

En 1912 ingresó a la Escuela de Bellas Artes, donde recibió lecciones de José MercedesOrtega, Richon Brunet, José Backhaus, Juan Francisco González, Alberto Valenzuela

Llanos, Julio Fossa Calderón, Pedro Lira y Fernando Álvarez de Sotomayor, quieninfluyó mucho en la definición de su estilo pictórico.

En el 1920 fue comisionado ad-honorem por el gobierno chileno para estudiar pinturadecorativa en Europa y se instaló en Roma por dos años. Allí tomó lecciones de pinturacon el español Eduardo Chicharro y en los viajes que realizó por Europa conoció yadmiró a Cézanne y Manet.

Este fue un período fructífero en su carrera, pintó mucho y en sus obras comenzó aasomar un sello personal.

De vuelta a Chile en 1922, realizó interesantes óleos en los cuales reveló al proletariadoindustrial (“La fábrica”), el mundo urbano de las ciudades y puertos.

Desde fines de los años ‘20 hasta 1935 Luna recorrió pueblos del sur del país, allí pintósus grandes temas nativos del Machitún y sus estudios de figuras y costumbres de losaraucanos (“Machitún”, “Entierro Araucano”, “La danza de las enanas”).

En 1924 se radicó en Traiguén donde permaneció tres años y organizó una academia de pintura y otra de música. En 1930 se estableció en Linares.

En 1935 realizó un viaje a Magallanes. Alrededor de 1937 se trasladó a Santiago y

finalmente en 1954, se instaló en Viña del Mar, lugar donde se recuperó de los estragoscausados por la vida bohemia y casi destructiva.

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Integró la Generación del ‘13 . Fue un fecundo artista de los más variados temas.

En muchas ocasiones se ha comparado la figura de Luna con la del célebre Van Gogh, por su pasión y temperamento.

Fue un verdadero vanguardista en la pintura chilena y para muchos, un hito singular dentro del panorama plástico del siglo XX.

Trayectoria

Pedro Luna fue un fecundo artista de los mas variados temas.

Después de la histórica muestra de 1913 en los salones de El Mercurio junto a Ulises

Vásquez, Paschín Bustamante, Gregorio Maira y José Pridas, Pedro Luna rápidamenteganó Figuración, premios en los Salones Oficiales y la consagración de la crítica.

Desde sus inicios mostró una natural disposición a la independencia creadora, seaproximó a una pintura válida por si misma al desintrumentalizar los medios plásticosde su función reproductora de lo real, para considerarlos como fines en sí mismos.

Al renunciar a la concepción naturalista de la pintura y al tema como ilustración odescripción, conquistó la autonomía.

Pedro Luna fue un precursor en la utilización del pigmento como materia plástica, es

decir, aplicó gruesas capas formando relieves y surcos, los que actuaron en formaindependiente del color.

Creó su propia coloración, en algunas obras predominó el monocromatismo, en otrasincorporó la solución de los naranjas intensos, los rojos fuertes y azules vibrantes.

La vitalidad expresiva la puso en la pincelada dinámica y en el trabajo con la espátula,que dejaba un grueso empaste en el soporte.

Los brochazos fueron vigorosos, de relieves retorcidos, lo que dio un acento dramáticoy vitalizador a sus paisajes y figuras humanas. Aunque su interés estuvo en la creaciónde retratos y paisajes, su fuerza plástica adquirió extraordinario vigor en la últimatemática.

Dejando de lado el paisaje bucólico y campesino se centró en aquel que señaló elesfuerzo creador del hombre (Escena del puerto y La fábrica).

Aportes

Pedro Luna fue un hombre de personalidad desbordante, romántico y aventurero,recorrió todos los rincones de su patria, especialmente la zona mapuche y austral, en un



intento por captar la vida de los trabajadores, marineros, el puerto y los bajos fondos; lasvivencias y costumbres de los indígenas y las tradiciones de los pueblos.

En muchas ocasiones se ha comparado la figura de Luna con la del célebre Van Gogh, por su pasión y temperamento.

Fue un verdadero vanguardista en la pintura chilena y para muchos, un hito singular dentro del panorama plástico del siglo XX.

En 1920 recibió primera medalla en el Certamen Anual de la Asociación Internacionalde Bellas Artes con la obra “Barco rojo”.

Investigación

A los diecisiete años de edad, el pintor Pedro Luna expuso en el Salón de El Mercurio,en una muestra que dio origen a lo que se conocería como Generación del ’13.

Unos años antes, Luna ya había ingresado a la Escuela de Bellas Artes, donde sedesempeñó como ayudante de Álvarez de Sotomayor.

En 1920 se dirigió a Italia, país donde residió durante un largo tiempo, el queaprovechó, entre otras cosas, para visitar museos y tomar contacto con las propuestas delas vanguardias de principio de siglo, o mejor dicho, con las de fines del siglo XIX,encarnadas en la figura de Cézanne. Mientras fue alumno de la Escuela, llamó la

atención por realizar una obra distinta a la que desarrollaban sus compañeros.

Juan Francisco González, uno de sus profesores, veía con interés los croquis de Luna,ya que el maestro daba suma importancia a la manera en que estos trabajos expresanuna síntesis a la vez estética y de situaciones.

La destreza demostrada por Luna, quien realizaba ejecuciones atrevidas y personales,causó admiración en González. Pedro Luna es conocido como el pintor de las texturasgenerosas, pues sus temas están manchados con una pasta abundante y generosa, llenade relieves retorcidos conseguidos por medio de una pincelada enérgica y corta,ejecutada bajo la directriz expresionista que imprimía a su producción, gracias a que

pudo conocer profundamente ese estilo durante su estadía en Europa. Esto permitió queotorgara vigor al trazo y pudiera exhibir una personalidad exuberante, aspectos que seequilibran con el argumento típico que le permite alcanzar los volúmenes estructurados.

Con esto último nos referimos a las escenas elegidas por Luna como tema: escenas detabernas, campos o ceremonias mapuches, dentro de un marco que podemos denominar “realismo social”, y que alude al pueblo marginado, que se siente derrotado ante unmedio adverso desde el punto de vista económico y social.

Una de las obras más conocidas de Pedro Luna es “Cabaret de Magallanes” o “El baile

de las enanas”, escena que representa a marineros y soldados bailando con mujeres detoda condición física.



Esta pintura ejemplifica todos los puntos hasta aquí tratados, a los que además se agregaun curioso dato: según varios testigos, entre ellos, el pintor Sergio Montecino, PedroLuna tocaba admirablemente bien el piano; a causa de lo mismo, habría decididoincluirse a sí mismo en esta pintura.

Por lo tanto, el hombre que toca el piano es también el pintor que ha ejecutado elcuadro.



Samy Benmayor

Pintor chileno. Nació en Santiago el 24 de enero de 1956. Ingresó a la Facultad de Artes

de la Universidad de Chile (1976-1982), donde fue alumno de los artistas Gonzalo Díazy Rodolfo Opazo.

Realizó su primera exposición individual en 1984, a partir de ese momento su presenciaha sido activa y conocida en la plástica nacional.

Pertenece a la Generación de los 80 integrada también por Bororo, Ismael frigerio,Omar Gatica y Jorge Tacla, entre otros, todos artistas formados en la misma casa deestudios.

Ha desarrollado diversas actividades de docencia y extensión. Realizó trabajos en el

Instituto de Arte Contemporáneo e impartió clases de Teoría del Color y Técnicas de laPintura en el Taller 619.

Junto a Matías Pinto d’Aguiar, organizó el Taller Chucre Manzur el cual por espacio dedos años congregó a varios artistas. De este taller surgió su primera Exposiciónindividual en la Galería Sur (1984). Posteriormante, organizó el taller Santa Victoria

junto a Fernando Allende, Odette Berthoud y Bororo (1986).

Pertenece a la Generación de los 80 integrada también por Bororo, Ismael Frigerio,Omar Gatica y Jorge Tacla.

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Trayectoria

Benmayor junto a sus compañeros de Generación intentaron recuperar la pintura, ellenguaje y oficio propio de ésta, que se había perdido con la tendencia conceptual.Buscaron retornar al carácter gestual y subjetivo del quehacer de la plástica, planteandola permanencia de la pintura tradicional, liberada de prejuicios y discursos teóricos.

El interés por desarrollar un lenguaje plástico que muestre lo que siente, piensa yexperimenta el artista ha sido un rasgo fundamental para Benmayor.

Ha desarrollado una pintura neoexpresionista, de gran fuerza expresiva que ha ido bastante acorde con la actitud abierta y provocativa del artista, con toques de humor pícaro y figuras caricaturescas.

A través del óleo o la acuarela Benmayor se inserta en el hombre y su universo y en

temáticas de gran interés personal como la orfandad, la recuperación, la transmutación,la alquimia, el cambio y mutación humana, el cambio del hombre de bestia a persona.

La urbe, los edificios que poblaron su niñez es otro de los temas que aparece confrecuencia en las obras del artista.

El color en la obra del artista adquiere una enorme importancia pues es a través de élque el creador puede modificar, transformar atmósferas, llevar al espectador a distintasexperiencias, de alegría o de dolor, según señala Benmayor.

El artista reconoce cambios y evoluciones en su quehacer pictórico. Es así como de la

tremenda agresividad y crítica de sus primeros trabajos de juventud se ha encaminadohacia una actitud más reconciliadora y de alabanza que tienen que ver con cambiosinternos, con una reconciliación con la vida y una recuperación de la fe en ella.

Esto ha desembocado en una mayor profundidad, en obras más reflexivas, menosimpetuosas, lo que no significa que haya dejado de lado la expresión espontánea ygestual, la subjetividad que impulsó sus primeros trabajos.

Su relación con el color se ha tornado más elaborada, con mayor reflexión y másrestricción, sin embargo, su trabajo de experimentación no ha cesado.

Aportes

Samy Benmayor ha recibido el apoyo de importantes instituciones que le han otorgado becas con las que ha podido incrementar su formación artística: Beca de la Corporaciónde Amigos del Arte que le permitió viajar por un año a Nueva York (1981); Beca de laAgencia de Información de los Estados Unidos y de la “Foundation for artist colonies”en dos oportunidades (1988)



Desde 1996 su obra “Alegría de Infancia” está presente en el proyecto Chile-Imagen,del Ministerio de Educación que pretende difundir el trabajo de artistas nacionalesmostrando sus obras en oficinas públicas.



Bororo (Seudónimo de Carlos

Maturana)

Pintor chileno. Nació en Santiago el 10 de noviembre de 1953.

De niño sintió afición por el dibujo y la pintura. Ingresó a la Facultad de Bellas Artes dela Universidad de Chile en 1972, de donde egresó como Licenciado en Artes Plásticas.Allí fue alumno del destacado artista nacional Rodolfo Opazo.

Entre 1975 y 1981 Bororo se desempeñó como profesor ayudante y profesor deCátedras de Pintura, Dibujo y Croquis en la Facultad de Arte de la Universidad deChile.

También se desempeñó como profesor de Taller de Color y Expresión Gráfica para lacarrera de Diseño en Gastonia College (1982).

Su labor de docente continuó en el Instituto de Arte y Cultura del Colegio Médico deChile (1983-1985) y en el Taller de Pintura “La Brocha” de la Plaza del Mulato Gil deCastro (1983-1984).

Trayectoria

Bororo pertenece a la llamada Escena de Avanzada o Generación de los 80 junto a

Samy Benmayor, Omar Gatica, Matías Pinto d’Aguiar, Ismael Frigerio, entre otros.

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Ellos se han caracterizado por su intención de recuperar la pintura, el gesto y el carácter lúdico del arte, perdido en años anteriores.

Al igual que sus compañeros de Generación, a Bororo lo motiva una vehementeimprovisación.

En muchas ocasiones, su pintura ha sido fruto del azar o de lo fortuito, adeMás desentimientos y pasiones que han rodeado la vida del artista desde su infancia.

El trabajo de Bororo ha estado siempre muy ligado a su forma de vida, al dibujoinfantil, al chorreo directo, al furor cromático, evocadores de su apasionada forma deenfrentar la vida y sus telas.

La pintura gestual, de brochazos intuitivos, de chorreados expresivos y mancha directa,sin restricciones, han caracterizado el trabajo del artista.

La potencia del color y el dibujo elemental, de una gráfica muy simple, casi infantil,conforman un universo que se mueve entre lo abstracto y lo figurativo. Allí laintensidad y la pasión del artista desemboca en una subjetividad que da forma a distintasdimensiones y perspectivas en la tela.

En los trabajos de Bororo se experimenta una verdadera explosión de lo cotidiano yhabitual (“Califont”, “Cazuela”). En ellos la naturaleza y el caos urbano son presentadoscon intensidad, las parejas de enamorados, los pájaros en el jardín, el mobiliario de unacasa, etc, aparecen sumergidos en arquitecturas imaginadas o inventadas por el artista,liberadas de cualquier condicionamiento.

Aportes

Bororo ha recibido becas de la Sociedad de Amigos del Arte, de la Universidad de Chiley de la Galería Arte Actual.

Además, ha obtenido reconocimientos y premios: Primer Premio Salón de Alumnos dela Facultad de Artes de la Universidad de Chile (1975); Segundo Premio Concurso BecaFundación Pacífico, Museo Nacional de Bellas Artes (1978); Primer Premio ConcursoEl Arbol en la Pintura Chilena, Museo Nacional de Bellas Artes (1982); Premio deHonor VII Bienal Internacional de Valparaíso (1985); Primer Premio Concurso ElPaisaje Urbano con la obra “El centro de Santiago” (1988).



Nemesio Antúnez

Pintor y arquitecto chileno. Nació en Santiago el 4 de mayo de 1918 y falleció en lamisma ciudad el 19 de mayo de 1993. Realizó sus estudios secundarios en el colegio delos Sagrados Corazones, donde a los 17 años ganó un concurso de oratoria en francés y

pudo viajar a Francia donde conoció la pintura de Picasso, Juan Gris y Miró. En 1938ingresó a la escuela de arquitectura en la Universidad Católica de Chile donde se graduóen 1941. A los 25 años realizó su primera Exposición individual de acuarelas en el

Instituto Chileno Británico de Cultura.

Sus inclinaciones artísticas las demostró ampliamente en los talleres de acuarela deIgnacio Baixas y Miguel Venegas, destacados artistas y profesores de la Escuela deArquitectura de la Universidad Católica de Chile.

En el año 1943 fue becado por la Comisión Fullbright, continuando sus estudios dearquitectura en la Universidad de Columbia en Nueva York, donde recibió el título deMaster en Arquitectura el año 1945. Su estadía en Estados Unidos le permitió ingresar al taller del maestro grabador William Hayter, donde se formó artísticamente entre losaños 1947 y 1952, allí adquirió el manejo de la línea precisa y recortada que sustenta laforma. Además pudo relacionarse con los principales artistas de la época como Pollock,Gorky, Matta y Rothko, entre otros.

Durante los primeros años de la década del 50 residió en París, donde exhibió enimportantes galerías dando a conocer su obra en toda Europa. En 1953 regresó a Chileiniciando una destacada trayectoria en la plástica nacional, exhibiendo con gran éxito engalerías de Santiago y obteniendo importantes premios.

Además desarrolló una fructífera labor docente. En el año 1955 fundó el Taller 99orientado especialmente a difundir las técnicas del grabado y el que se transformó en un

espacio muy importante que impulsó y fomentó el grabado contemporáneo. Participó enla fundación de la Escuela de Arte de la Universidad Católica de Chile, donde tambiénejerció la docencia.

http://www.portaldearte.cl/portal/2011/01/18/biografia-nemesio-antunez/

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Nemesio Antúnez perteneció a una Generación de pintores que integraron y adoptaronlas tendencias de vanguardia, ampliando su horizonte visual y desarrollando trabajoscercanos al surrealismo.

Antúnez emprendió también labores de servicio público y diplomático. En 1961 asumió

la Dirección del Museo de Arte Contemporáneo; en 1964 fue nombrado AgregadoCultural de la Embajada de Chile en Estados Unidos, donde realizó una importante tareade difusión artística que le llevó a reencontrarse con el agitado centro culturalneoyorquino. Durante esta estadía pinta para la ONU el mural “Corazones de LosAndes”.

A su regreso a Chile, asumió la Dirección del Museo Nacional de Bellas Artes queejerció del año 1969 al 1973.

Entre los años 1974 y 1984 se exilió en Europa, allí permaneció entre las ciudades deBarcelona, Londres y Roma, alcanzando una madurez artística y exponiendo en diversas

ciudades del Viejo Continente. Durante su permanencia en Londres (1978-1982) fuenombrado profesor invitado en el Royal College of Art.

En 1985, de regreso en Chile, arrendó un taller en Casa Larga, propiedad de CarmenWaugh, donde retomó el Taller 99. En 1989 se trasladó a una casa en calle Melchor Concha del Barrio Bellavista.

En el año 1990 fue nombrado nuevamente Director del Museo Nacional de BellasArtes, cargo que desempeñó hasta su fallecimiento en 1993. Nemesio Antúnez secaracterizó por desarrollar una gran actividad durante los dos períodos que estuvo a

cargo de la Dirección del Museo de Bellas Artes.

Trayectoria

Nemesio Antúnez perteneció a una Generación de pintores que coincidieron en NuevaYork durante la década del 40, entre ellos Roberto Matta, Mario Carreño y EnriqueZañartu, quienes se integraron y adoptaron las tendencias de vanguardia, ampliando suhorizonte visual y desarrollando trabajos cercanos al surrealismo.

A través de su amplia trayectoria desarrolló imágenes recurrentes que caracterizaron suobra, destacándose las parejas enlazadas en tangos y en la cama, como antítesis de lasoledad existencial, tema que fue gravitante en sus creaciones.

Le preocupó la soledad en la gran ciudad, el sentido oscuro y agobiante de unaexistencia anónima y masiva, donde la identidad individual se borra para ser sustituida

por el concepto abstracto de hombre masa. (La ciudad trasladada)

Desde sus más tempranas obras juveniles apareció la que sería una constante de su labor artística: la naturaleza. Su encuentro con el entorno natural se manifestó primeramente

en una visión intimista y familiar de ella, a la vez que exaltó el valor de la naturalezacomo acompañante de la existencia humana.



Durante su primera estadía en Nueva York, la visión de la ciudad le provoca unainquietante impresión pues era una urbe que negaba su relación con la naturaleza,debido a la acción del hombre sobre el paisaje. Entonces comenzó a exaltar dramáticamente el espacio urbano que minimizaba al hombre.

El paisaje, a su vez, se desnaturalizó perdiendo su fisonomía. A través de grandes planos geométricos que se aproximaban a un diseño abstracto buscaba revelar ladesolación y el desamparo del hombre frente a su propio habitat. Durante estos añosaparecieron sus primeras multitudes, ventanas, piedras y cuerpos entrelazados.

Luego, durante la década del 50, en París, el color reapareció y sus vivencias de lascafeterías francesas generaron manteles a cuadros, platos y cucharas.

Realizó entonces, su serie de grabados “Los Oficios” y trabajó perspectivas y puntos defuga con pequeños rombos y líneas sinuosas con cierto efecto cinético.

En 1953 su regreso a Chile provocó en el artista y su obra un reencuentro con el paisajeandino, aparecen volcanes (Volcanes), piedras, cordillera, terremotos y mujeresenvueltas en manteles, series de volantines, bicicletas, manos y puertas.

Durante su segunda visita a Nueva York, su visión artística evolucionó y mitigó lavisión trágica del hombre gracias a un cromatismo directo y sensual que originó unaatmósfera irreal y que liberó a sus obras de un expresionismo radical. Aparecieronagrupaciones de elementos no asociados lógicamente entre si y trabajó con perspectivasde autopistas, multitudes urbanas en las calles de Nueva York y canchas de fútbol.

Sus temas tratados en series le permitieron al artista ahondar en un determinado problema plástico y extraer de él las diversas variantes, posibilidades y matices quedescubría su espíritu reflexivo. Nacieron obras muy subjetivas, que buscan una realidadmás allá de lo inmediato, vinculándose enormemente al Surrealismo.

Durante sus últimos años de producción, apareció el tema social motivado por elacontecer del país, generando la serie de Lonquén y los Pobladores.

La obra de Nemesio Antúnez es vasta e incluye un variado repertorio de técnicas y detemas. Inicialmente se expresó con la acuarela, luego con el óleo y el acrílico, utilizandosoportes tradicionales como tela y cartón. Ejecutó grabados, murales e ilustraciones de

libros de Oscar Wilde, Neruda y Nicanor Parra, entre otros.

Aportes

Nemesio Antúnez se caracterizó por desarrollar una gran actividad durante los dos períodos que estuvo a cargo de la Dirección del Museo de Bellas Artes, emprendiógrandes labores de proyección social y cultural desde el Museo y amplió el espacio deexhibición con la construcción de la Sala Matta en 1972.



La fundación del Taller 99, orientado especialmente a difundir las técnicas del grabadose convirtió en un precedente fundamental en las artes visuales del país, siendo elimpulsor de muchos artistas grabadores contemporáneos.

Además, Antúnez fue el creador de un espacio televisivo “Ojo con el arte” que realizó

entre los años 1971 y 1972 en el Canal 13 de la Universidad Católica de Chile y quereinició en 1990 y 1991 en el Canal 7. Este último, tenía una duración de 30 minutos losdías sábados y fue premiado en diciembre de 1990 por el Consejo Nacional deTelevisión, en 1991 la duración del programa se amplió a 60 minutos.

Realizó también, un ciclo de microespacios llamados “Ver el arte” que se pasaban enTelevisión Nacional, de lunes a viernes, de un minuto de duración.

Realizó dos programas semanales en la radio de la Universidad de Chile durante losaños 1971 y 1972.

Recibió varios premios y distinciones entre los que se destacan: Mención de Honor Salón Nacional de Bellas Artes en 1940; Premio de la Crítica del Círculo de Críticos deSantiago en 1956; Premio Wolf al Mejor pintor latinoamericano en la V Bienal de SaoPaulo, Brasil en 1957; Premio Único, Concurso de Pintura de la Unión Panamericana enWashington en 1965; “Medalla de Chile”, Premio otorgado por el Congreso Nacionalde la República de Chile, por excelencia en labores culturales en 1969; Medalla InstitutoHispano-Americano Bienal del Deporte en Madrid, España en 1978; PremioAdquisición Museo S. Guggenheim de Nueva York en 1980; Premio al Pintor, RevistaMaster Club, Santiago en 1987; Premio del Círculo de Críticos de Arte en Exposiciónretrospectiva realizada en la Galería Praxis en reconocimiento de sus cincuenta años de

trabajo artístico en 1988; Premio en la categoría Cultural Educativo por su programa“Ojo con el Arte”, Consejo Nacional de Televisión en 1990; Condecoración municipalMedalla de Santiago, otorgada por el Alcalde de la ciudad en el marco del Homenaje yExposición retrospectiva realizados en la sala La Casona, Santiago en 1991; TítuloAlumno Honoris Causa, otorgado por la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de laUniversidad de Chile en 1991; Orden al Mérito Docente y Cultural Gabriela Mistral,reconocimiento póstumo otorgado por el Gobierno de Chile en 1993.

Se realizaron algunos homenajes póstumos en su honor: en 1993 se inauguró la Sala Nemesio Antúnez en el Museo Nacional de Bellas Artes, ubicada en el sector norponiente del segundo piso del edificio, como reconocimiento y en memoria de su

destacada labor en esta institución; el mismo año la Universidad Metropolitana deCiencias de la Educación inauguró una sala de exposiciones que lleva su nombre;también recibió un importante homenaje en el marco del Festival Internacional deBiarritz, Francia en 1993 y la Casa de la Moneda de Chile lanzó un sello en Homenaje aAntúnez que reproduce la obra “Tanguería de Valparaíso”; en 1994, en homenaje a sumemoria, se constituyó la Comisión Nemesio Antúnez, encargada de velar por elcumplimiento de la ley sobre obras de arte en edificios y sitios públicos.

biografía de claudio bravo

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