barroco: pintura europea y española excepto...
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Pintura barroca italiana
Características generales:
- Se usa tanto fresco como óleo sobre lienzo.
- Busca la imitación del natural, el efectismo y la grandiosidad.
- Se buscan composiciones dinámicas, utilizando las líneas oblicuas.
- La luz toma un valor expresivo y destacan los claroscuros, que refuerzan
el color especialmente, mientras que la línea pierde importancia.
- Las perspectivas toman gran importancia: se utiliza una perspectiva aérea
que consigue la profundidad a base de luz y color. También se usan
quadraturas (representación de un marco pintado que en realidad no existe)
y otros trampantojos.
- La temática es mitológica, religiosa y retratos y aparecen como temas
nuevos los de género, los bodegones y los paisajes.
- Distinguimos tres corrientes diferenciadas:
- naturalismo, clasicismo y pintura decorativa.
Naturalismo:
Michelangelo Merisi da Caravaggio (1573 – 1610):
Características y datos generales:
- Toma en sus obras a personajes de la calle, de su entorno, de aspecto
incluso desagradable. Naturalismo
- Hace intensos efectos de luces y sombras, iluminando con un fuerte foco de
luz a objetos y personas y dejando un fondo neutro, lo que acentúa los efectos
de patetismo. Conocemos esta técnica como tenebrismo.
- Sus composiciones son muy sencillas. Escenarios modestos y oscuros
- En una primera etapa, entre 1590 y 1599, pinta en Roma para aristócratas.
Sus obras son más luminosas y se distinguen por los fondos claros.
- Entre 1600 y 1606 sus obras son de mayor tamaño e importancia. (EvAU)
Desarrolla el tenebrismo y supedita el color a la luz. Sus figuras son más
monumentales y sus composiciones más complejas. Centra el interés en
manos y caras y acentúa el marcado realismo.
- Entre 1606 y 1610 viaja por Nápoles, Sicilia y Malta huyendo de la justicia. Su
pintura refleja su tragedia personal.
Vocación (la llamada) San Mateo. Caravaggio Primer encargo eclesiástico que
recibió Caravaggio. Tres lienzos
para la iglesia romana de San
Luis de los Franceses
Cristo al pasar delante de la
oficina de San Mateo que era
recaudador de impuestos le
llama para que le siga.
Indumentaria época excepto
Jesus y San Pedro
Composición desequilibrada
todos los personajes abajo
La luz define la
composición. La escena está
iluminada por dos focos : una
entra en diagonal y otra parece
proceder de lo alto o de una
claraboya. de modo que
aparecen iluminadas algunas
partes y el resto queda en
penumbra. Agudos contrastes
entre luces y sombras. Resaltan
personajes y dramatismo
Jesús y San Pedro.
Gesto de Jesús señalando
reforzado por foco de luz
de claraboya.
Desarrollo de escena
religiosa en escenario
de la vida cotidiana
Teatralidad
(San Mateo preguntando
si se refiere a él)
Avaro retirando
el dinero
(anecdótico)
Potenciación de
rostros y manos
Contraste: personajes en
mitad inferior y la superior
queda vacía. Composición
desequilibrada Luz violenta
en diagonal
Personaje de espaldas.
Banqueta en escorzo
Muerte de la Virgen.
Iglesia romana de los carmelitas. Hoy día
Louvre
El pintor recoge el momento de la muerte
de la Virgen rodeada de los apóstoles
entristecidos y de María Magdalena
desgarrada por el dolor.
No hay ninguna idealización religiosa. Gran
humildad y realismo. Naturalismo
No aparecen elementos que prevean su
asunción. La Virgen es una mujer vulgar,
pálida, vientre y pies hinchados (prostituta
ahogada??)
La obra fue rechazada por los carmelitas
Rayo de luz que jerarquiza. Efecto dramático
El lienzo se divide en dos partes: cortinaje
pesado al fondo, efecto teatral y difundir
cualquier importancia del fondo y el resto del
cuadro donde se representa el drama de la
muerte de la Virgen
Clasicismo: Anibale Carracci:
- Es el principal representante de este estilo triunfal. Trabajó fundando una
academia artística junto a su hermano Agostino y su primo Ludovico.
Intenta hacer una pintura realista pero intelectualizada, de manera que muestre
un ideal. Quiere equilibrar la influencia clásica griega y romana con la
naturaleza.
Busca la belleza clásica que en ocasiones se refuerza con la presencia de
ruinas clásicas en un paisaje simplificado y claro. Utiliza arquitecturas fingidas.
Quadratura
Son muy habituales los desnudos (influencia M.A.) y las escenas mitológicas.
Anibal Carraci
Triunfo de Baco y Ariadna
Bóveda Galería Farnese
Alegoría del
tránsito del
amor terrenal
al amor divino.
(Convierte
en constelación
del cielo a
Ariadna)
Sátiro simboliza
amor bestial Venus simboliza
amor humano
Desnudos enlazados
entre sí
sensualidad
Exaltación
de la alegría
de la vida Claridad y
monumentalidad
Amorcillo con
Corona de estrellas
(conversión en
constelación)
Pintura decorativa Adoración del nombre de Jesús, bóveda de Il Gesù Roma, de Gaulli (IlBaciccia)
Se trata de una pintura para decorar bóvedas y muros, de carácter triunfal y grandioso,
frecuentemente como elemento de propaganda de la iglesia católica y de las monarquías absolutas.
Las composiciones son muy dinámicas, aparatosas, con perspectivas generalmente desde abajo
hacia arriba y con arquitecturas fingidas en trampantojo o rompimientos de gloria.
Son de gran riqueza cromática y escenográfica.
Es una pintura decorativa barroca realizada en la bóveda. Gaulli utiliza la técnica ilusionista
del trampantojo que se aplica a los rompimientos de gloria. El tratamiento de esta pintura
es clasicista con una composición muy dinámica. El pintor usa una perspectiva de abajo hacia
arriba
Pintura barroca flamenca
Flandes en el siglo XVII ocupaba aproximadamente los territorios de la actual Bélgica.
Es una región católica, con preponderancia de la aristocracia y la iglesia y predomina
una pintura colorista, más optimista y grandilocuente.
Los tema desarrollados son religiosos (grandes cuadros de iglesia), mitológicos y
aparatosos retratos. Como novedad, se difunden los bodegones y las escenas de
cacería, que pretenden realmente reflejar un paisaje.
Pedro Pablo Rubens (1577 – 1640):
Realizó numerosas obras, fue muy imitado y viajó por Europa en misiones diplomáticas,
lo que le permitió conocer la obra de otros artistas: en Italia conoció el trabajo de Miguel
Ángel, del que tomaría la monumentalidad; de Leonardo y Rafael, de los que aprendió
la composición; recogió el colorido veneciano, el tenebrismo de Caravaggio y el sentido
decorativo de Carracci. En Madrid conoció a Velázquez y visitó la colección real de
pintura.
Su obra es dinámica y vital, de composiciones inestables, en movimiento.
Usa una gran riqueza cromática, con colores cálidos.
Las anatomías son gruesas, carnosas, blandas. Busca figuras plenas que muestran su
idea de sensualidad.
La pincelada es suelta.
Sus temas son religiosos reflejan una iglesia triunfal, a veces como una escena
cortesana, llena de lujo), mitológicos (generalmente con gran número de personajes) y
retratos que intentan mostrar la psicología del retratado.
La adoración de los Reyes
Magos.
Oleo sobre lienzo. Obra encargo del
Ayuntamiento de Amberes para la
sala donde se firmaría la Tregua de
los 12 Años.
Escena donde los Reyes le ofrecen
los regalos al niño que juega con el
incienso donde una arquitectura
clásica sustituye al pesebre.
Gran riqueza en las telas, las
joyas…
La escena transcurre de noche y es
el niño Jesús principalmente el que
irradia la luz al resto de la escena
Composición llena de movimiento y
dinamismo. Línea oblicua.
La obra fue realizada en dos
momentos; el primero en torno a
1608-1609 y veinte años después
fue ampliada por el propio artista.
Obra encargo
Las tres Gracias
Oleo sobre tabla. Las tres Gracias
(hijas de Zeus), figuras de la
Antigüedad Clásica y un Cupido
sujetando una cornucopia de la que
sale agua y una guirnalda de flores
que actúa de telón de fondo.
Las tres figuras componen un círculo.
Canto a la belleza y la sensualidad.
Figuras desnudas apena cubiertas
con un velo transparente que acentúa
aún más la sensualidad. La de la
derecha sería el retrato de Isabel
Brand, su primera mujer y la de
la izquierda el de
Helena Fourment (su segunda mujer)
Poca importancia del escenario, las
figuras femeninas ocupan toda la
atención .
Pincelada suelta. Gran maestría en
las carnaciones
El jardín del amor.
Uno de los cuadros más
representativos de la
última etapa de Rubens
(más alegre , más
dinámica… matrimonio
con Helena).
En un jardín con una
estructura clásica con
columnas y atlantes se
encuentra un grupo de
gente que conversa en
pequeños grupos con
vestimentas cortesanas.
Hay unos amorcillos que
sobrevuelan la escena.
Amor conyugal, Juno
protectora del
matrimonio
Cuadro de gran calidad
técnica. Influencia en el
estilo rococó
Pintura barroca holandesa
Holanda en el siglo XVII es una región protestante y predominantemente burguesa.
Por eso los cuadros son en general pequeños para las casas burguesas y no existen
grandes cuadros de altar.
Se hacen temas habituales el retrato (el retrato corporativo es una novedad holandesa
que se populariza) y la pintura de género.
Rembrandt Harmenszoon Van Rijn (1607 – 1669):
Maestro de la luz y el color, crea efectos de claroscuro especialmente con penumbras
en las que aparece una luminosidad dorada. Transiciones paulatinas
Su pincelada se va haciendo suelta, dando un predominio claro al color en su obra.
Pinta la interioridad a través de la mirada, dando a su obra un aspecto idealista,
subjetivo. Magnífico retratista. Sus principales obras son retratos colectivos e
individuales, caracterizados por su profundidad psicológica. Al principio tiene mucho
éxito pero tras la muerte de su primera esposa fue perdiendo el favor del público.
Pinta algunas obras religiosas, marcadas por la sencillez impulsada por el
protestantismo, pero llenas de profunda espiritualidad. También hace alguna obra
mitológica y paisajes.
http://www.rtve.es/alacarta/videos/telediario/thyssen-recorre-faceta-retratista-
rembrandt/5514879/?modl=TOC
Lección de anatomía del doctor
Tulp.
Oleo sobre lienzo.
Primer retrato de grupo de
Rembrandt por encargo del
gremio de cirujanos de
Amsterdam
Lección de anatomía impartida por
el doctor Tulp en presencia de 7
personas cuyos nombres figuran
en la hoja que sostiene una de
ellas.
Variedad actitudes. Estudio
psicológico individual. Gran
verosimilitud .
Gran realismo del cuerpo del
fallecido, perfección anatómica en
el brazo.
Obra de juventud con mayor
dibujo que obras posteriores.
Varias acciones individuales que dan al conjunto un gran dinamismo.
Magnífico tratamiento de la luz, único recurso utilizado para la definir la
profundidad espacial . Llama la atención la joven sobre iluminada cuyos
rasgos se asimilan a los de su mujer Saskia, muerta recientemente y en
cuya cintura cuelga un gallo símbolo de la compañía.
Encargo de la
Coorporación de
Arcabuceros de
Amsterdam . Oleo
sobre lienzo gran
formato.
Probablemente es
su gran obra
maestra.
El capitán (de
negro) da
instrucciones al
teniente ( de
amarillo) de cómo
organizar la
ronda.
La escena
transcurre en un
portal y es de día
pero la tradición lo
llamaba rinda
nocturna por el
oscurecimiento
del barniz
PINTURA. Barroco español
Características:
El siglo XVII está considerado el Siglo de Oro de la pintura española.
- Frente a las retorcidas formas manieristas, los pintores barrocos se inclinan por un
tratamiento más naturalista y veraz de los temas en ambientes reposados,
solemnes, y a veces cotidianos.
- La temática religiosa incide de nuevo en la Contrarreforma, se centra en las
escenas de la Virgen o vidas y martirios de santos. La temática mitológica es
menos abundante. También aparece el bodegón, la pintura de historia o la de género.
- La clientela es básicamente de órdenes religiosas.
- Triunfa el realismo morboso e incluso patético. Escenas místicas, cuerpos en éxtasis
o miradas perdidas hacia el cielo.
- Hay gran dinamismo compositivo, se fuerza la tensión en las estructuras con el uso
de diagonales
- Se buscan los contrastes lumínicos, iluminando fuertemente una parte de la
pintura, dejando en la oscuridad otras zonas del cuadro. Este tenebrismo lo
encontraremos en los primeros años del siglo, aunque muchos autores lo irán
abandonando paulatinamente.
- Cronológicamente dividiremos a los autores en una primera generación, los autores
de los años centrales del siglo, y la segunda generación.
Etapas:
A) La primera generación.
Realismo y tenebrismo en estos primeros años del siglo XVII,. El foco más importante de
estos primeros años es el valenciano, con Ribalta y Ribera como sus principales
representantes. José Ribera, “Il Spagnoletto”. Desde muy joven vivió en Italia, donde alcanzó
gran popularidad y prestigio; excelente dibujante, fue discípulo de Caravaggio. Sus obras
presentan un fuerte dramatismo conseguido mediante la utilización violenta de la luz y los
escorzos. De la escuela veneciana proviene su preocupación por la belleza del cuerpo
humano y su gran riqueza cromática. En su última etapa se interesa por captar la atmósfera
que envuelve a los personajes. Entre sus obras más importantes destacan El martirio de San
Felipe, El sueño de Jacob, La Inmaculada o El Patizambo, y algunas obras de temas
mitológicos o clásicos, como el su Diógenes.
B) Los años centrales del siglo XVII. Focos simultáneos en Madrid, Toledo y Sevilla El primer
gran representante de la escuela sevillana es Francisco Zurbarán. Sus mejores clientes
fueron los conventos de dominicos, cartujos y jerónimos, cuya vida interior supo captar con
precisión. A pesar de presentar ciertos influjos tenebristas, sus composiciones se caracterizan
ante todo por dar sensación de estatismo, de rigidez, al estar construidas mediante líneas
horizontales y verticales muy marcadas. Los personajes presentan actitudes graves e
inmóviles, y parecen irradiar luz. Aparte de estas composiciones religiosas, Zurbarán destaca
también como pintor de bodegones, muy sencillos, con una gran preocupación por
representar las calidades de los objetos. También son muy significativos suyos los retratos de
santas vestidas a la usanza de las damas del siglo XVII. Obras: Glorificación de Santo Tomás
de Aquino, Cristo en la Cruz, Virgen Niña, bodegón con cacharros en el museo del Prado.
VELAZQUEZ
Martirio de San Felipe.
Oleo sobre lienzo. Probable
encargo de de Felipe IV.
Martirio de San Felipe que
según la tradición fue atado a
la cruz
Renuncia a los fondos
oscuros aunque sigue
habiendo un importante
contraste de la luz. Detalles
de patetismo (expresión del
rostro, tensión torax y
piernas…)
El momento elegido es el de
máximo esfuerzo y agitación.
Composición en aspa típica
del barroco.
El sueño de Jacob
Episodio del Génesis en que
el patriarca Jacob dormido
ve en sueños una escalera
dirigida al cielo por donde
suben y bajan ángeles.
Gran luminosidad en el
paisaje. Clasicismo barroco
Tratamiento naturalista del
tema donde Jacobo parece
un arriero de la época que
ha hecho un alto en el
camino.
Composición en aspa
El patizambo.
Tratamiento clasicista del paisaje y
personajes “vulgares” (típico Ribera)
Línea del horizonte muy baja. Resalta un
pequeño mendigo de aire picaresco sonriente.
En la mano izquierda lleva una muleta y una
nota donde se lee “Da mihi elimosinam
propter amorem Dei”
Zurbarán siempre se mantuvo fiel al naturalismo tenebrista con una gran interés por lo cotidiano y
humilde que propició el desarrollo de la pintura de bodegones
Pocos elementos, yuxtapuestos y alineados en paralelo al plano de representación.
Dibujo preciso. Elementos resaltados con una intensa iluminación sobre un fondo oscuro.
Destaca la habilidad para reflejar el material de los objetos ( cerámica o metal)
La austeridad de los bodegones españoles probablemente encierra un mensaje de carácter
religioso tal vez alusivo a la humildad o a la presencia de dios en las cosas sencillas.
C) La segunda generación. Barroco Pleno.
Aunque todos los pintores posteriores a Velázquez quedan un tanto apagados ante el
genio de éste, podríamos destacar a: Claudio Coello, heredero de la tradición
velazqueña y a Bartolomé Esteban Murillo (1618-1682), representante de la escuela
sevillana, se ve influenciado por Ribera y Zurbarán en un cierto tono tenebroso del
que progresivamente se irá desprendiendo.
Pintor con una técnica muy perfecta, trabaja esencialmente una temática religiosa
dulce, amable, colorista, tierna, sensible. Su especialidad son las Inmaculadas,
representadas muchas veces casi como niñas , La Inmaculada del Escorial, y las
escenas de la vida de Jesús (Sagrada familia del pajarito).
En ocasiones también realiza obras con una cierta crítica social, centradas en el
ambiente de la picaresca sevillana del siglo XVII, pero incluso ante estos temas se
muestra excesivamente dulce: Los niños de la concha, Niños jugando a los dados
La Sagrada Familia del pajarito
En sus obras de juventud muestra
un cierto gusto por el tenebrismo
naturalista pero elude los
aspectos desagradables y dota a
las escenas de un encanto muy
característico. Influencia de
Zurbarán y Velázquez en su
primera etapa.
Diagonal cabeza de S. José –Niño
(que sujeta un pajarito en la
mano) y perro. La Virgen los
observa con ternura.
Agradable escena doméstica. San
José como figura paternal,
elemento que tradicionalmente se
dejaba en segundo plano.
Naturalismo (tema humilde y
realista) . Colores terroso. Dibujo
preciso. Dulzura de los
personajes
La Inmaculada del Escorial
Uno de los temas predilectos de
Murillo. Esta es una de los
mejores y de ella derivan todas
las que hizo después
Virgen de blanco con manto azul
pisando la media luna. Devoción
mariana muy importante en
España.
Figura de línea ondulante que se
remarca con las manos sobre el
pecho pero desplazadas a la
izquierda. Los ángeles aportan
mayor dinamismo a la escena
creando una serie de diagonales
paralelas. Pincelada suelta,
luminosidad vaporosa
tonalidades doradas
Los niños de la concha.
Murillo muestra una gran predilección por los temas infantiles.
Tratamiento tierno y edulcorado. Jesús ofrece una concha a su primo
Juan para que beba mientras uno ángeles contemplan la escena . El
cordero completa la composición triangular simbolizando a Cristo de
acuerdo a la inscripción que rodea la cruz
Niños jugando a los dados.
Son abundantes también las pinturas de
género la mayoría niños pobres como
protagonistas.
Rasgos más realistas (rotos ropas o
zapatos). Aún así es una obra amable
que no transmite sufrimiento.
Dibujo muy preciso (frutas) efectistas
claro oscuros