Barroco

Definição

Em geral, compreende-se como barroca a arte desenvolvida no século XVII. Contudo, alguns historiadores costumam apontar como o início da época barroca os anos finais do século XVI, que com a arte religiosa da Contra-Reforma teria gerado os primeiros frutos do que viria a ser a arte barroca, plenamente desenvolvida apenas durante a primeira metade do século posterior. Como marco inicial aponta-se a primeira igreja da recém-fundada Companhia de Jesus em Roma, a Igreja de Jesus, 1568, com sua fachada de Giacomo della Porta (ca.1541 - 1604). Por outro lado, alguns teóricos fazem avançar o estilo barroco até meados do século XVIII, com sua derivação rococó ou rocaille, cuja graciosidade requintada de formas sinuosas e assimétricas pode ser vista como um processo natural de desenvolvimento do século anterior.

Além das dificuldades com respeito às datas, deve-se considerar aquela relativa à própria definição estilística da arte barroca. Após seu surgimento na Roma católica, ele se dissemina fortemente pelo mundo, gerando uma série de variações nacionais. Por isso a dificuldade de unir num mesmo denominador comum trabalhos de alguns dos grandes mestres como Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571 - 1610), Peter Paul Rubens (1577 - 1640), Diego Velázquez (1599 - 1660), Rembrandt van Rijn (1606 - 1669), Gian Lorenzo Bernini (1598 - 1680), Francesco Borromini (1599 - 1667), Baciccio (1639 - 1709) e o Aleijadinho (1730 - 1814).

Estudos mais profundos sobre o período são relativamente recentes. Em primeiro lugar, deve-se considerar que só a partir da segunda metade do século XVIII a arte posterior ao Renascimento começa a ser chamada de forma pejorativa de barroca. Em contraposição ao ideal clássico, as obras desses artistas admitem uma certa tendência ao bizarro, ao assimétrico, ao extravagante, ao apelo emocional, inexistente até então na arte renascentista.

Deve-se aos teóricos A. Riegl e H. Wölfflin o início de uma revalorização das obras barrocas no final do século XIX. Para eles, não se trata mais de hierarquizar momentos radicalmente diversos da história da arte, mas sim reconhecer e valorizar os traços distintivos do Barroco como expressão de uma outra forma de ver o mundo. Segundo Wöllflin, para além das diferenças individuais e nacionais de cada artista, pode-se dizer que arte barroca, tanto na arquitetura e escultura, quanto no desenho e na pintura, possui as seguintes características formais: apresenta os objetos como manchas ou massas de cor; enfatiza a profundidade e não o plano; sua forma é aberta, pois as indeterminações dos limites entre os objetos representados e as perspectivas não-centrais sugerem uma continuidade no espaço e no tempo; a sensação de unidade prevalece sobre a singularidade de cada parte; as formas possuem uma clareza relativa, ou seja, não é mais preciso reproduzir as coisas em todos os seus detalhes, basta sugerir ao espectador alguns pontos de apoio para que a imaginação complete o resto.

Em seu conjunto, essas qualidades formais servem a uma interpretação do mundo na qual a aparência mutável da realidade se sobrepõe à visão da beleza ideal imutável. O homem barroco compreende a natureza como infinita em sua diversidade e dinamismo e para expressar tal sentimento utiliza recursos formais tais como contrastes abruptos de luz e sombra, manchas difusas de cores, passagens súbitas entre primeiro e segundo planos, diagonais impetuosas, ausência de simetria, entre outros. De certa forma, o desapego pelas formas "ideais" de beleza e perfeição clássicas e a valorização da representação dos temas a partir da experiência, predispõe algumas obras barrocas a uma espécie de naturalismo, quer dizer, a imagem pictórica das coisas e seres humanos tal como aparecem, com suas marcas do tempo, seus defeitos físicos, seus traços bizarros e feios, sem retoque algum.

Por outro lado, a questão da veracidade do instante representado se dá na arte barroca pelo apelo à emoção do espectador. Por isso as contorções exageradas dos corpos e rostos, os efeitos irreais de luz e sombra, são alguns dos recursos teatrais utilizados para convencer. No caso da arte decorativa - um dos gêneros mais desenvolvidos do período - a composição cenográfica das figuras serve ao mesmo propósito.

Em vista do desenvolvimento que a arte barroca conhece nos países protestantes setentrionais, principalmente na figura singular de Rembrandt, torna-se problemático afirmar que o barroco é apenas a arte da Igreja católica contra-reformista. É também. Bem como soube expressar os interesses das Monarquias Absolutistas. Na verdade, ao propiciar a flexibilização dos cânones clássicos (dando liberdade ao artista de criar novas formas de representação) e atribuir a arte uma capacidade de persuasão inédita até então, o barroco é bem acolhido em diversas partes do mundo, gerando pela primeira vez na história da arte uma série de nuances nacionais. Encontra, por exemplo, um desenvolvimento importante na arte ibero-americana. No Brasil, a arte barroca, a partir dos modelos europeus, é adaptada a condições regionais (materiais e técnicas, bem como espirituais), conquistando características próprias cem anos após sua ocorrência na Europa, em pleno século XVIII.

Itaú Cultural

Resumo

Um período estilístico e filosófico-religioso surgido na sociedade européia cristã, acontecido durante os séculos XVI e XVII, tendo acontecio na América colonial durante os séculos XVIIe XVIII.

Começou em Roma e espalhou-se por toda a Europa, indo depois para a América, ficando muito bem na América do Sul, Central.

O Barroco é um estilo muito ligado a acontecimentos históricos, religiosos, econômicos e sociais.

O Barroco surgiu para combater a reforma religiosa desencadeada por Lutero, a contra-reforma da Igreja Católica Apostólica Romana. Com a revolta de Lutero, na reforma protestante, a igreja católica teve que rever suas atitudes com o Conselho de Trento. Criou-se a Ordem dos Jesuítas em 1534 com Ignácio de Loyola.

BAROS = do grego e significa pesado, denso.

BARRUECO = do espanhol que significa penhasco granítico, terreno irregular, barroca.

BARROCO = do português a siginificar pérola de superfície irregular.

BAROQUE = do francês com o significado de estilo rebuscado em que se justapõem formas contrastantes

O Barroco vai desde o século XVI, no auge do Renascimento, e chega ao seu apogeu no século XVII finalizando no século XVIII com o nome de Rococó.

Rococó é o excesso do Barroco. O Rococó na Europa é o Barroco no Brasil.

Existe muita liberdade com muitas curvas e diagonais. O sujeito é subjetivo. O pensamento ou conteúdo é poético. É uma arte grandiloqüente que engloba outra série de estilos.

O Barroco é a busca da fé pela emoção dos sentidos.

A Igreja foi o cliente dos arquitetos, escultores e pintores. O Barroco é o estilo da Reforma católica.

O objetivo essencial da arte é provocar o fervor das multidões. A arte vai então tender para o espetáculo. Como eles não tinham distração procuravam fazer espetáculos através do estilo barroco. Fazem pintura na abóbada da igreja como se ela fosse aberta para o céu (Tromp'Oleil).

Na pintura, o Barroco apela muito para sensações, emoções, fantasias, enfim, para os sentidos. A luz é fundamental (contrastes da luz).

A composição Barroca tem sempre linhas inclinadas. É muito movimentada e dinâmica. A cenografia é muito forte. A pintura Barroca é muito teatral.

A arte Barroca é afetiva e grandiosa. Uma obra Barroca é fantástica com seus contrastes de luz (claro, escuro), escadas (subidas e descidas), com suas fontes, o dourado. Ela é afetiva e puxa você para ela. Não é fria e nunca deixa você distante. Sendo assim, ela iria trazer de volta os fiéis.

O Barroco surgiu após a teoria de Copérnico que vai mudar para sempre o lugar do Homem no universo. A Terra, segundo Copérnico, é que se move ao redor do sol, não é mais o centro do universo. O Homem não é mais o único propósito da criação.

Em Portugal, o estilo só se desenvolve após a morte de D.João V, em 1750, e no Brasil, especialmente no eixo Rio-Minas, as obras de seus artistas mais célebres, como o mestre Ataíde e o Aleijadinho, datam dos últimos anos do século XVIII e primeiros do século XIX.

PRINCIPAIS CARACTERÍSTICAS

1. Predomínio sempre do emocional sobre o racional.

2. Liberdade completa de criação no conteúdo, mais do que na forma. O artista se emancipa de qualquer regra ou padrão.

3. A inspiração é muitas vezes popular. Ex.: a representação da sagrada família é feita como se fosse uma família comum. É o oposto do renascimento onde a representação da santa é diferenciada, com raras exceções.

4. Dinamismo muito grande na composição com diagonal.

5. A linha vertical vai dominar a linha horizontal. Vai haver muito mais linhas verticais do que horizontais, além da diagonal.

6. Existe uma fuga do geométrico. Nada é muito concentrado. Vai haver um entrelaçamento da arte, da escultura e arquitetura. Na Igreja barroca vai ter muita escultura na parte externa. No renascimento as Igrejas quase não apresentarão esculturas externas.

7. Valorização do entalhe na pedra e na madeira.

8. As construções de altares e retábulos vão ser luxuosamente decorados com aplicações em ouro e muita policromia (muitas cores).

a) Retábulo - é o que fica na frente do altar, feito de madeira toda trabalhada. É o que divide o altar do resto da igreja.

b) Tripo-retábulo, abre e fecha para ser transportado. É para rezar. Como os escravos não podiam freqüentar a igreja, eles construíam o seus retábulos para rezar, transportando-o facilmente para suas casas.

c) Os retábulos existem desde a época do bronze, com características diferentes.

9. Volutas (origem grega). Quase todas as igrejas Barrocas tem volutas. A igreja Santa Maria Maggiore em Veneza tem 8 cúpulas ligadas a 8 grandes volutas.

10. Frontão. Existe também sempre um grande frontão ladeado por 2 torres.

11. A pintura tem violentos contrastes de claro-escuro. Inovaram o espaço pictórico através do claro-escuro. Nunca ninguém fez isso em arte antes.

12. Faziam tentativas de sugerir o infinito através de Tromp'Oleil (engana olho), com perspectiva e profundidade ilusórios. Tinha a função de aumentar ilusoriamente os espaços e conseguir o infinito.

Os palácios pareciam imensos e redondos. Eles faziam pinturas nas quinas das paredes para dar a impressão de serem arredondadas.

13. Usavam muitas escadas, jogos de luz e muitas fontes. Tinham gosto pelo teatral. Era como se fosse um cenário.

Artistas mais importantes

Michelangelo Merisi da Caravaggio (29 de Setembro de 1571 – 18 de Julho de 1610) foi um artista Italiano atuante em Roma, Nápoles, Malta e Sicília entre 1593 e 1610. Ele é normalmente identificado como um artista Barroco, estilo do qual ele é o primeiro grande representante.

 

Ceia de Emaus - 1596

Peter Paul Rubens (Siegen, 28 de Junho de 1577 — Antuérpia, 30 de Maio de 1640) foi um pintor flamengo (região localizada parte na França, parte na Holanda e na Bélgica) inserido no contexto do Barroco.

  

Venus e Adonis – 1630

 

Rembrandt Harmenszoon van Rijn (15 de julho de 1606, Leiden– 4 de outubro de 1669, Amsterdan) é geralmente considerado um dos maiores pintores e gravadores da história da arte européia e um dos mais importantes da história holandesa.

 

A lição de Anatomia do Dr. Tulp - 1632

Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (Sevilha, Junho de 1599 — Madrid, 6 de Agosto de 1660) foi pintor espanhol e principal artista da corte do Rei Filipe IV de Espanha.

 

Vênus olhando-se ao Espelho - 1644/48

 

Johannes Vermeer (Delft, 31 de Outubro de 1632 - Delft, 15 de Dezembro de 1675) foi um pintor holandês, que também é conhecido como Vermeer de Delft ou Johannes van der Meer.

 

Homem, mulher e vinho - 1658/1661

Sir Anthony (Anton) Van Dyck (Antuérpia, 22 de março de 1599 — Londres, 9 de dezembro de 1641) foi um artista flamengo que se tornou um pintor de Corte na Inglaterra.

 Retratos das Ladies Elisabeth Thimbleby e Dorothy Viscountess Andover – 1637 

 

Giambattista Tiepolo, ou Giovanni Battista Tiepolo (Veneza, 15 de março 1696 - Madri, 27 de março 1770), foi um dos grandes mestres da pintura italiana.

 

Descobrimento de Moisés - 1730

Antônio Francisco Lisboa, mais conhecido como Aleijadinho, (Vila Rica, 29 de agosto de 1730 — Vila Rica, 18 de novembro de 1814) foi um escultor, entalhador, desenhista e arquiteto brasileiro.

           

Escultura em pedra-sabão Projeto e risco da portada

 

Manuel da Costa Ataíde, mais conhecido como Mestre Ataíde (Mariana, 18 de outubro de 1762 — Mariana, 2 de fevereiro de 1830), foi um pintor, dourador, encarnador, entalhador e professor brasileiro.

                   

Altar Mor da Matriz de Nossa Senhora do Pilar Teto da nave da Igreja de S. Francisco de Assis 

Fontes de Pesquisa

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BAZIN, Germain. Barroco e Rococó. Tradução Alvaro Cabral. São Paulo: Martins Fontes, 1993. (Coleçao A)

GOMBRICH, E.H. A história da arte. Rio de Janeiro: Editora Guanabara, 1988.

HAUSER, Arnold. História social da arte e da literatura. São Paulo: Martins Fontes, 1995.

TAPIÉ, Victor L.. O barroco. São Paulo: Editora Cultrix, 1983.

VANUXEN, Jacques. L'art baroque. In: Histoire de l'art III. Encyclopédie de la Pléiade. Paris: Éditions Gallimard, 1979.

WÖLFFLIN, Henrich. Conceitos fundamentais da história da arte. São Paulo: Martins Fontes, 1996.

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Disponível em: http://www.serchris_e_diana_livros1.kit.net/aula10.doc

Rococó

Definição

Principal estilo de época do século XVIII europeu, o rococó se desenvolve como uma sutilização à complexidade formal e aos excessos do barroco, apelando para a leveza, graça e para os coloridos suaves. O termo tem origem na palavra francesa rocaille [rocalha] - tipo comum de decoração de jardins do século XVIII, com conchas e rochas - que se populariza por analogia ao termo italiano barocco. Os alemães se antecipam ao empregar o termo em sua acepção moderna de estilo artístico referido à arquitetura e artes ornamentais na segunda metade do século XIX, libertando-o assim do sentido pejorativo que o acompanha, desde a origem até o século XIX. Mas será apenas em 1943, com a obra clássica do historiador Fiske Kimball sobre o assunto, The Creation of the Rococo, que se fixam as origens do estilo na França em meados do século XVIII. A partir de então, o rococó deixa de ser visto como uma variante do barroco, passando a ser considerado um estilo autônomo, irredutível ao barroco e ao clássico.

Os historiadores da arte distinguem dois momentos do rococó. Um que vai de 1690 a 1730, o "estilo regência", marcado pelo rompimento com a rigidez arquitetônica do estilo Luís XIV, com a introdução de curvas flexíveis e de linhas mais soltas. Datam desse momento, as decorações de Pierre Lepautre (1660 - 1744), as gravuras e relevos de Jean Bérain a pintura de Jean-Antoine Watteau (1684 - 1721), pintor mais importante do período que imortaliza "as festas galantes" (por exemplo, Peregrinação à Ilha de Cítera, apresentada à Academia em 1717), gênero maior da pintura rococó. Os anos compreendidos entre 1730 e 1770 marcariam o rococó propriamente dito com a projeção de uma nova leva de artistas - Juste Aurèle Meissonnier (1695 - 1750), Nicolas Pineau (1684 - 1754), Jacques de Lajoue II (1687 - 1761), - que trabalham na remodelação das residências urbanas da nobreza e alta burguesia parisiense (os chamados hôtels), dotando-as de maior funcionalidade e conforto. Nesse sentido é que o estilo se desenvolve ligado à ornamentação de interiores, preferencialmente articulado às artes decorativas e ornamentais, boa parte delas consideradas menores, como o mobiliário, a tapeçaria, a porcelana e a ourivesaria. Um exemplo característico do estilo na França pode ser encontrado no Salão Oval da Princesa do Hôtel Soubise de Paris (1738-1740). Na pintura, os nomes mais importantes dessa fase são François Boucher (1703 - 1770), Jean-Honoré Fragonard (1732 - 1806), Jean-Baptiste Pater (1695 - 1736) e Jean-Marc Nattier (1685 - 1766). Na escultura, Etienne Maurice Falconet (1716 - 1791) é considerado a expressão mais relevante do rococó, como atesta sua célebre Banhista, 1757, e a estátua eqüestre de Pedro, o Grande, em Leningrado, atual São Petersburgo.

Os traços mais salientes do estilo rococó relacionam-se ao uso das rocailles, que se combinam aos arabescos com linhas curvas em "c" ou "s". As composições realizadas com extrema liberdade e fantasia mesclam a sinuosidade das linhas com motivos tirados da natureza: pássaros e pequenos animais, plantas e flores delicadas, formações rochosas, águas em cascata ou brotando do solo. Na arquitetura, sobretudo nos interiores, predominam os traçados sinuosos, as cores claras, o uso da luz (pelas "janelas francesas" que descem ao chão) e dos espelhos. O luxo da decoração interna tem o seu contraponto na simplicidade das fachadas externas dos edifícios. Ao redor de 1760, assistimos à retomada das tendências e repertórios clássicos, nas pilastras,

medalhões e troféus que tomam conta das decorações. Enraizado culturalmente no século XVIII, o rococó liga-se à sociabilidade elegante do período, às modas e maneiras cotidianas que têm nos salões literários e artísticos expressão significativa. A polidez e a performance social que os salões evidenciam vêm acompanhadas da importância do luxo e refinamento (do espírito e do corpo). As artes, nesse contexto, ligam-se diretamente ao prazer e ao divertimento o que leva os estudiosos a falarem em um fundo hedonista presente nas mais diversas manifestações do rococó.

A vivacidade e alegria da vida cotidiana, além da frivolidade elegante da sociabilidade cortesã francesa, rondam também a pintura rococó, como exemplificam as telas de Boucher e de Fragonard, seu aluno. Em Boucher, os temas mitológicos associam-se às cenas galantes, como na famosa Menina reclinada, 1751. As cores delicadas e o erotismo do mestre encontram ressonância no trabalho de Fragonard - O Balanço , 1766, que explora também as paisagens e a pintura histórica. Nattier, principal retratista do período, retoma, em clave um pouco distinta, a associação entre vida cortesã e temas mitológicos, por exemplo em Mme. De Lamberc como Minerva, 1737. Watteau, pioneiro no interesse pelas festas campestres e pelas cenas teatrais, imprime à pintura da época não apenas um repertório novo, como também um método particular, que consiste em justapor pequenas manchas de tinta sobre a tela, no que será seguido por Pater.

O estilo rococó se internacionaliza rapidamente pela Europa Central, mas também pela Espanha e Portugal, adaptando-se a contextos muito diversos. Chama a atenção nesse processo a sua penetração na arte religiosa, contrariando uma origem ligada à nobreza e à vida mundana. A arquitetura religiosa rococó, de fraco desenvolvimento na França, vai conhecer expressão maior seja na região da Baviera, seja na zona portuguesa do Minho e logo depois no Brasil. Nessas regiões, o estilo sofre as influências do barroco italiano e das tradições autóctones, adquirindo feições originais. No caso do Brasil, especificamente, observa-se a forte penetração do rococó na arquitetura religiosa desde meados do século XVIII no Rio de Janeiro, em diversas cidades mineiras (Ouro Preto, São João Del Rey, Congonhas do Campo etc.), em Pernambuco, Paraíba e Belém.

Resumo

O termo é formado pelas palavras francesas rocaille, que significa “rocha”, e coquille, que significa “concha”; com associação a certas fórmulas decorativas e ornamentais, tendo muitas vezes uma apreciação estética pejorativa.

Surge quando a criação artística do Barroco liberta-se da temática religiosa e passa a servir interessas da aristocracia e do poder secular.

O Rococó é o Barroco levado ao exagero. Também conhecido como o “estilo da luz” devido as construções dos edifícios possuírem amplas aberturas, i. é, possuir muitas janelas.

Considerado o mais atraente movimento artístico entre a Renascença e o Impressionismo.

Suas qualidades: fantasia, espírito, sensibilidade.

Ele é amoral e intuitivo, não didático e nem intelectual, isto é, não exige conhecimentos profundos históricos ou teóricos para a apreciação. Tem como função essencial o prazer.

Período histórico e estilo originados na França, após a morte de Luís XIV, em 1715, que findam com a Revolução Francesa, em 1789, com três fases de subdivisões de poder: Regência, Luís XV ou Madame Pompadour e Luís XVI ou Maria Antonieta.

Estilo decorativo representava uma reação à imponência e à sublimidade do barroco, e se caracterizava pela utilização maciça de frisos curvados em ‘S’ e pela acumulação de assimetrias, ornamentos e cores, buscando um intimismo gracioso, requintado, com elementos de exótico, bizarro.

Rebuscamento excessivo tendente à afetação e à frivolidade

Brilhantismo técnico dos artistas, com um sentido de elegância.

Artistas mais importantes

Jean-Antoine Watteau, mais conhecido por Antoine Watteau, (10 de Outubro de 1684, Valenciennes – 18 de Julho de 1721, Nogent-sur-Marne). Destacou-se pelas suas pinturas de temas galantes e pastorais inspirados na Commedia Dell’Arte.

 A Escala do Amor ‐ 1717

François Boucher (Paris, 29 de Setembro de 1703 — Paris, 30 de Maio de 1770) foi um pintor francês, talvez o maior artista decorativo do chamado setecento europeu. Embora tenha vivido num século dominado pelo Barroco, ia além desse estilo e identificava-se mais com Rococó.

 

Vulcano presenteia Venus com uma espada – 1757

 Jean Honoré Fragonard (Grasse, 5 de abril de 1732 - Paris, 22 de agosto de 1806). Desenhista e retratista nascido em Grasse, considerado um dos últimos expoentes do período rococó, caracterizado por uma arte alegre e sensual, e um dos mais antigos precursores do impressionismo.

 

A luta inútil - 17__

Fontes de Pesquisa

CHALVERS, Ian. Dicionário Oxford de Arte. 2.ed. Tradução Marcelo Brandão Cipolla. São Paulo: Martins Fontes, 2001.

La Nuova enciclopedia dell'arte Garzanti. Milano: Garzanti Editore, 1986, 1112 p. il. p&b. color.

OLIVEIRA, Myriam Andrade Ribeiro de. O rococó religioso no Brasil e seus antecedentes europeus. São Paulo: Cosac & Naif, 2003, 343p.il. p&b.