arte barroco arquitectura y escultura

1 Prof. Félix González Chicote Prof. Félix González Chicote

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La crisis religiosa que tuvo lugar en el Renacimiento finalizó con la división de la

comunidad cristiana en dos bloques e hizo surgir el Barroco como movimiento

religioso y cultural de la Contrarreforma, no sólo como un estilo artístico.

→ El término “barroco” tuvo en sus inicios un sentido peyorativo, al considerare lo

contrario de clásico: lo desmembrado, lo falto de orden.

→ El arte barroco surgió en Italia y se difundió luego por toda Europa. Se

desarrollo durante el siglo XVII y casi todo el XVIIII y se caracterizaba por:

a) Gran desarrollo técnico.

b) Grandiosidad y complejidad de sus obras.

c) Es un arte al servicio del poder religioso y monárquico.

d)El movimiento de sus formas y la libre expresión de los sentimientos.

e) Es el arte del adorno, del desequilibrio.

→ Hay edificios religiosos (Iglesias) y civiles (Palacios).

→ RECUERDA: El Barroco es un arte al servicio del poder y de la religión.


En síntesis…

Es un arte retórico, emocional y proselitista, en una lucha declarada

contra los protestantes.

Arte dirigido por el poder como instrumento de propaganda de sus

valores ideológicos, por igual dogmas de la Iglesia y exaltación de la grandeza

de los monarcas.

Fue un arte conservador, trasmite valores ideológicos que refuerzan el orden

social establecido.

Arte destinado a las masas con el fin de captar la voluntad del pueblo.

Arte retórico en las formas y sencillo en el mensaje. Mezcla de lenguaje

aparatoso y espectacular que atraía al público y le sensibilizaba.

En definitiva, si el renacentista hacía uso de la razón para buscar la

admiración intelectual, el barroco, se dirige a los sentidos buscando el

impacto emocional.,

→ Supone una ruptura del equilibrio y geometrismo

clásico.

→ Debemos buscar sus características tanto en sus elementos arquitectónicos

como en los decorativos: * Frontones curvos.

a) Los edificios se llenan de movimiento * Frontones partidos.

* Columnas salomónicas.

b) Fachadas curvilíneas: entrantes y salientes. Múltiples planos.

c) Se usan efectos ilusionistas: espejos, cúpulas con trampantojo.

d) Se diseñan enormes avenidas y plazas que conducen a los edificios.

e) Decoración muy abundante. Motivos vegetales.

f) Piedras y mármoles de distintos colores junto a la

Irregularidad de los planos produce claroscuro.

g) Arcos de medio punto y bóvedas de cañón.

e) Las plantas de los edificios son basilicales y

centrales, pero introducen formas curvas.


BÚSQUEDA DEL IMPACTO VISUAL.

Elementos del Renacimiento.

Distinta forma de utilización.

Contrario a lo clásico.

Sin orden.

Dinámico.

Curvilíneo.

Fachadas cóncavas-convexas.

Juegos de luz y perspectiva.

Riqueza decorativa en interiores.

ARQUITECTURA RELIGIOSA.

PLANTAS.

Rechazo de la planta central

renacentista, asociada a formas paganas.

Plantas longitudinales.

Desde 1630 => Plantas elípticas más

pequeñas. Resultado de combinar la

circular con la longitudinal, tensión.

LA FACHADA.

Existía un interés en resaltar la

apariencia del edificio, o al menos

de su fachada, con un sentido

escenográfico en relación con el

entorno urbano.

No hay correspondencia entre la

ordenación interior del tempo.

El Barroco es el triunfo de la

imagen y el espectáculo dentro de

la gran teatro de la ciudad.

ARQUITECTURA CIVIL. PALACIOS.

Símbolo poder monarquía Absoluta.

Tipología:

Tres plantas.

Extensión horizontal en alas.

Repetición columnas y ventanas.

Palacio de Versalles.

Uso soportes dinámicos sin función sustentante.

Columnas salomónicas con fuste retorcido.

Cariátides.

Estípites (pilastra en forma de pirámide truncada invertida forma

humana que contiene el esquema humano básico de cabeza, pecho,

cintura, caderas, piernas y pies).

URBANISMO.

El Barroco es la época de ls

grandes capitales de carácter

propagandístico.

Ciudad es símbolo y escenario

arquitectónico al servicio del

poder:

a) Templos atrayentes. Fachadas.

b) Palacios majestuosos.

c) Importancia espacios públicos:

fuentes y plazas con escultura.

Antecedente:

Iglesia de la Compañía de Jesús

de Roma “Il Gesu” 1568.

Iglesia de la Compañía de Jesús de Roma “Il Gesu”

de Vignola. Compañía de Jesús, orden creada bajo el

espíritu de la Contrarreforma católica.

Modelo: San Andrés de Mantua. Alberti.

Planta de cruz latina de una sola nave.

Bóveda de cañón.

Transepto poco marcado.

Cúpula que resalta en el

crucero.

Naves laterales

sustituidas por capillas

comunicadas en sí, para

potenciar el culto a los

santos, rechazado por la

Reforma protestante y

potenciado por el Concilio

de Trento.

Fachada de la Iglesia de la Compañía de Jesús de

Roma “Il Gesu”de Giacomo della Porta.

Modelo: Santa María Novella de

Florencia de Alberti.

Patrón de lo que sería el tipo más

característico de fachada barroca.

Descripción:

Doble cuerpo unido por aletones.

Rematado con frontón.

Libertad en la disposición de

elementos:

a) Frontón quebrado.

b) Orden gigante de las pilastras.

c) Frontón triangular y curvo.

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Carlo Maderno

1559-1629

Recoge proyecto de Bramante y Miguel Ángel.

Prolonga nave de los pies.

Transformó la planta de cruz griega existente en cruz latina, preferida por la

Contrarreforma. Además permitía mayor congregación de fieles.

San Pedro del Vaticano


Fachada de San Pedro del Vaticano, de Maderno.


→ Organizada en dos cuerpos. El

superior reducido para mantener la

visión de la cúpula.

→ Fachada baja de entrantes y

salientes.

→ Monumentalidad.

→ En proyecto torres, luego reducidas

a ambos lados.

Columnas y

pilastras

corintias de

orden gigante. .

→ Frontón central.

→ Ático con estatuas : 11 apóstoles,

San Juan y Cristo.

→ Cinco puertas . Puerta Santa.

Fachada de San Pedro del Vaticano, de Maderno.


Gian Lorenzo Bernini (1598-1680).

Planta de dos tramos, uno trapezoidal y otro

ovalado (dos medios círculos separados).

Juego espacio abierto-cerrado. Teatralidad.


Plaza de S. Pedro, 1656-67.

Piazza retta

Espacio trapezoidal en terraza cuyo lado

más ancho se corresponde con el lado

de la fachada de la Basílica.



Piazza retta

Espacio elíptico de eje transversal. La

planta elíptica sugiere un círculo

sometido a tensión longitudinal.



Cuatro filas

de columnas

de orden

colosal

toscano

Columnata de

140 estatuas

de santos y

mártires

simbolizando el

abrazo de la

Iglesia.

Simboliza los brazos extendidos de la Iglesia para

acoger a toda la humanidad.

Baldaquino de S. Pedro, 1624-32. Se trata de una obra escultórica y

arquitectónica. Las líneas curvas, los

contrastes de luz y color y la

abundante decoración son

típicamente barrocos. Todo el

conjunto está pensado para atraer la

mirada de los espectadores.

Imitación de telas colgantes

Escudos Barberini.

Baldaquino de S. Pedro, 1624-32.

Bronce dorado.

Mezcla Arquitectura y escultura.

Estructura transparente no rompe

la perspectiva de la iglesia ni limita

la percepción del inmenso espacio

del crucero y la cúpula.

Altar mayor. Eje con la cúpula

(transición gradual escala colosal y

humana) y la tumba de San Pedro.

Linterna (luz), paloma del

baldaquino (espíritu santo) y

tumba de San Pedro.

Cuatro colosales columnas

salomónicas de capiteles corintios.

Efectos:

- Dinamismo.

- Sentido ascensional.

→ Piazza Navona.

→ Piscina elíptica.

→ Estatuas Nilo, Ganges, Danubio y Río

Plata.

→ Cuatro ríos bíblicos => Pisón,

Guihón, Hidekel (Tigris) y Éufrates.

→ Obelisco.

Fuente de los cuatro ríos, de Bernini.

La ciudad es un escenario

arquitectónico. Los espacios

públicos (plazas y fuentes son

importantes).

Piazza Navona.

Planta y cúpula elíptica.

Fachada:

→ Pórtico con entablamento

curvo y convexo.

→ Sostenido por columnas.

→ Escudo de la familia papal.

→ Pilastras gigantes.

Muro cóncavo y portada

convexa

.

San Andrés del Quirinal,

1658-1670.


San Andrés del Quirinal,

1658-1670.

Las líneas arquitectónica

convergen en San Andrés, que

se remonta al cielo en una

nube.

Cúpula elíptica.

La arquitectura convertida en

escenario de la escultura.


San Carlos de las

Cuatro fuentes, de

Borromini (1638-41) Fachada dinamismo y claroscuro.

Superficie ondulada.

Salientes y entrantes,

cóncavos y convexos.

Dos tramos separados por

entablamento.

Diferentes columnas

Hornacinas rectangulares y

ovalados.

Medallón ovalado con dos

ángeles.

Remate con balaustrada.

Fuente pública.

Planta estrellada. Intersección de

2 triángulos equiláteros. Cuerpo

centralizado hexagonal.

Cúpula ascensional. Tramos

cóncavos y convexos en linterna.

Fachada cóncava.

San Ivo de la Sapienza

1642-60

IGLESIA DE SANTA INÉS EN LA PLAZA

NAVONA, ROMA.

Campanarios alejados.

División horizontal.

Sensación de expansión vertical.

Frontones curvo y triangular con

un frontón partido.

EL ORATORIO DE LOS FILIPENSES.

Monasterio o seminario

urbano.

San Felipe.

Arco frontón mixtilíneo.

Pilastras adosadas.

Brazos abiertos acogen fieles.

Arquitectura civil: Versalles


Extensión horizontal en alas.

Símbolo de la monarquía absoluta

Repetición de columnas y ventanas.

Arquitecto: Mansart

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Tres pisos (bajo, principal y ático).

Entrantes y salientes.

Decoración: columnas y esculturas.

Fachada.


Planta.

El piso principal del cuerpo central lo ocupan el Salón de la

Paz y el de la Guerra, en los extremos, y entre ellos la Galería

de los espejos.


Arquitectura civil: Versalles

Interiores: lujo y poder

Ventanales abiertos al jardín y espejos en la pared de

enfrente.

Bóveda decorada con pinturas de Le Brun. Tema: Victorias de

Luis XIV.

Versalles, jardines


Ordenación geométrica.

La naturaleza queda

sometida al capricho

humano.

Versalles, jardines


Versalles, fuentes y estanques.



Arquitectura

barroca en

España.

CONTEXTO HISTÓRICO.

Crisis política, social y económica.

Siglo de Oro letras y artes.

CARACTERÍSTICAS DE LA

ARQUITECTURA BARROCA EN ESPAÑA.

Mezcla de ornamentación y sobriedad.

Abundante decoración y muros lisos.

No modificar las plantas ni los muros

como en Italia.

Materiales pobres (ladrillo, yeso y

mampostería) y piedra.

ETAPAS:

a) De influencia herreriana hasta 1630.

b) Pleno. Desde 1630.

c) Palacial. Primer tercio del XVIII.


De influencia herreriana hasta 1630.

PLAZA MAYOR DE

MADRID (comenzada en

1617).

Estructura cerrada.

Pórticos adintelados y

balcones para las fiestas.

Formas austeras, sobrias y

geométricas.

Tejados de pizarra.

Casa de la Panadería con

dos torres.

CÁRCEL DE CORTE.

CASA DE LA VILLA.


Barroco pleno.

Abandono de la austeridad

herreriana.

Enriquecimiento decoración.

LOS CHURRIGUERA.

José, Joaquín y Alberto

de Churriguera.

Multiplicidad de

ornamentación =>

“Churrigueresco”.

Retablos => características

barrocas.

Arquitecturas con decoración

concentrada.

PLAZA MAYOR DE

SALAMANCA (1729).

Alberto de Churriguera.

Cuadrilátero. Cada lado

con una medida distinta.

Horizontalidad.

Viviendas en 3 alturas.

Balaustrada coronada

con pináculos cierran el

espacio superior.

Elementos decorativos.

Arcos- pilares.

Cuatro fachadas.

Tres pisos.

Ayuntamiento => pórtico

con arcadas y frontones

curvos.

Enjutas (medallones)

PEDRO DE RIBERA.

Gran imaginación.

Principal difusor del estilo

churrigueresco.

Elementos decorativos

contraste con austeridad del

resto del muro.

Frontones partidos.

Barroco exaltado.

Trabaja en Madrid.

FACHADA ANTIGUO

HOSPICIO DE MADRID, 1665.

Concebida como retablo

dinámico.

Ladrillo y piedra.

Utiliza estípites, entablamentos

curvados, vanos ovales.

Aspectos escenográficos.

Frontones

partidos

Contraste muro y

portada

Muy recargado con

aspectos escenográficos

NARCISO TOMÉ.

TRANSPARENTE DE LA

CATEDRAL DE TOLEDO.

Integración tres artes plásticas.

Centro de la girola

Ventana, haz de luz.

Teatralidad y escenografía

Luz natural y luz mística.

Hornacina Virgen con niño.

ALONSO CANO.

CATEDRAL DE

GRANADA (1667).

Tres arcos ½ punto.

Dos cuerpos.

Inferior: Puertas y

óculos.

Superior: Óculos.

Pilastras orden

gigante y medallones.

Dos cuerpos y arco de

medio punto.

Puertas y óculos

Pilastras y medallones


Muy recargado con

aspectos escenográficos

Ventanales

Dos cuerpos

Torres campanario Frontón partido

Sensación de ascenso

FERNANDO CASAS NOVOA . FACHADA DEL OBRADOIRO

(1738-1750).

FERNANDO CASAS

NOVOA . FACHADA DEL

OBRADOIRO (1738-

1750).

Proteger Pórtico Gloria.

Elementos curvados.

Sensación ascenso.

Ventanales.

Campanarios y escalera

=> Escenografía

(decorado teatral).

Granito.

Fachada:

Dos cuerpos.

Dos torres-campanarios.

Portada neorrománica.

Barroco palacial.


Aranjuez

Madrid La Granja de S. Ildefonso

Siglo XVIII => palacios para monarquía de los Borbones.

Llegada artistas extranjeros (italianos y franceses).

Estructuras claras y clásicas (inspiración de Versalles).

No recargamiento ornamental típico del barroco.

PALACIO REAL DE MADRID (1736-1764).

Alcázar de los Austrias.

Proyecto de Juvara y Sacchetti.

Planta cuadrada con patio central.

PALACIO DE LA

GRANJA.

Jardines con

trazado geométrico de

estilo francés.

Fuentes.

PALACIO REAL DE ARANJUEZ. SABATINI

Escultura


→ La obra se concebía en función del marco arquitectónico o urbano al

que iba a ser destinada.

→ Predominan las escenas en movimiento, detenidas en el momento de

máxima acción.

→ Los gestos y actitudes son teatrales y de gran expresividad.


→ Las superficies presentan acusados entrantes y

salientes, que producen fuertes contrastes de luces y

sombras, con lo que se acentúa el dramatismo.

→ Su objetivo era conmover emocionalmente al

espectador.

→ Manifiesta interés por expresar el movimiento que se refleja mediante:

a) El tratamiento de los ropajes: Movimiento: - Juego luces y sombras.

- Ampulosos y ondulados.

b) Figuras en diagonal en escorzo para marcar dinamismo.

c) Brazos y piernas se separan del cuerpo.

→ Sentido de teatralidad en las esculturas: actitudes y expresiones humanas

se plasman con dramatismo: conmover al espectador.

→ Gusto por el desnudo.

* Religiosos fundamentalmente.

→ Temas * Mitológicos. Alegorías.

* Retrato.

* Piedra.

* Mármoles de colores.

→ Materiales: * Bronce.

* Estuco.

* Madera (en España).



Gian Lorenzo Bernini, la escultura del

movimiento.


David (1623-24) → Frente al adolescente de Donatello

(después) y al atleta que propone Miguel

Ángel (antes) Bernini nos presenta una

figura justo en el momento de lanzar la

piedra con la honda.

→ Quietud renacentista frente al

movimiento en pleno proceso de la acción.

→ Expresividad del personaje:

• Se muerde los labios.

• Frunce el entrecejo.

• Gesto enérgico, que corresponde al

esfuerzo qué está realizando.

→ Violenta contorsión del cuerpo que ofrece

diversos puntos de vista.


Apolo y Dafne, 1622-24 La escena recoge el momento en que

el dios Apolo alcanza a la ninfa

Dafne, que huía de sus

requerimientos amorosos. Ante el

temor de que Apolo la alcanzara la

ninfa pidió ayuda a su padre, el dios

río Peneo, quien la convirtió en

laurel (Dafne significa laurel en

griego). Metamorfosis de Ovidio.

→ Dafne tiene expresión

de terror, porque ve como

Apolo la alcanza.

→ Apolo perplejo

no entiende que

pasa al cuerpo de

Dafne.


Rapto de Proserpina,

Representa a Proserpina

siendo raptada por Plutón,

soberano de los infiernos.

Mirada de frente

representa la llegada al

Hades con la víctima en

brazos.


Rapto de Proserpina, de Bernini

Representa a Proserpina

pidiendo a su madre regresar a

la Tierra, con lágrimas y el viento

sobre su pelo. El can Cerbero

ladrando.


Rapto de Proserpina,

de Bernini

Plutón intentando

mantener a Proserpina

sujeta.


Éxtasis de Santa Teresa, 1645-52.


En los palcos se asoman se asoman diversos espectadores, los miembros de

la familia Cornaro, que encargó la obra.


Éxtasis de Santa

Teresa, 1645-52.

→ La santa refleja en

su rostro el trance, sus

miembros cuelgan

desamayados y los

ropajes se pliegan.

Belleza idealizada.

Conmovedora

expresividad.

Torbellino de

emociones:

- Sonrisa complaciente.

- Arrebato místico: ojos

entornados y boca

entreabierta.

Ambivalencia de placer

y dolor.


Éxtasis de Santa

Teresa, 1645-52.

.

Bulto redondo.

Mármol blanco y bronce dorado.

A pesar del mármol, sensación de

ligereza.

Mármol pulido con distintas

sensaciones:

- Suave en el cuerpo del ángel.

- Cortante en el hábito de la santa.

Entrantes y salientes, pliegues y

ropajes sobre los que flotan las

figuras.

Adaptación al marco

arquitectónico.

Arquitectura a modo de escenario.

Punto de vista único y frontal.

Luz (vidriera amarilla oculta tras el

frontón) con efecto escenográficos.

Movimiento:

a) Composición en aspa. Refuerza la

agitación y fuerza dramática.

b) Ondulación vestiduras.

c) Momento de la acción elegido.


Éxtasis de Santa Teresa, de Bernini.


Catedra de San Pedro

1655-1667


Ábside la basílica de San Pedro.

Ejemplo de integración entre

escultura y arquitectura en un

montaje escenográfico.

Tema: Gran trono de bronce

sostenido por cuatro doctores de la

Iglesia (dos occidentales y dos

orientales) se alza con ligereza

hacia la gloria, donde una ventana

oval con vidriera deja pasar la luz,

que simboliza la inspiración divina

del Espíritu Santo, representado

por una paloma situada en el

centro.

Mensaje: reforzar la autoridad del

Papa frente a los protestantes.

En 1666 fue colocada la reliquia

dentro de la custodia que había

realizado Bernini.


Beata Ludovica Albertoni.

Modelo escultura funeraria.

Composición piramidal.

Pontífice sedente en cátedra

y bendiciendo.

Como emperador con tiara.

Gesto arrogante.

Alegorías de Caridad y

Justicia.

Sarcófago con Muerte.

Sepulcro de Urbano

VIII (1628-1647)


Sepulcro de

Alejandro

VII (1671-1678).

Alegorías => Caridad, Verdad,

Prudencia y Justicia.

Pontífice arrodillado humildemente

y sin tiara.

Puerta sacristía.

Sentido dramático y espacial como

entrada al Más Allá (Muerte y reloj).

Sepulcro de Alejandro VII

Alegorías: caridad,

verdad, Prudencia y

Justicia.

Durante visita a Francia.

Moda de la época.

Pliegues => dinamismo.

Distante y soberbio =>

Monarca absoluto.

Busto de Luis XIV

(1666)


Escultura

barroca en

España.

Siglo XVII y la primera mitad del XVIII.

Características:

Dinamismo.

Composiciones abiertas.

Vestidos plegados.

Claroscuros.

Fuerte realismo.

Extremada expresividad.

Temática religiosa:

Clientela eclesiástica.

Contrarreforma => Pasión de Cristo, de María,

mártires y penitentes.

En sillerías, retablos, bulto redondo y pasos

procesionales.

Pasos procesionales o escultura procesional de Semana Santa.

Madera policromada.

Valor pedagógico y moral hacia los fieles,

Claras y comprensibles, emocionar y conmover.

Postizos, cabellos, ojos de cristal, uñas y dientes de marfil,

Esculturas vestideras (cara y manos) => reproducción fiel de la realidad.

Aparecen sepulcros, retratos y temas mitológicos en mármol.


Escultura castellana.

Realismo, dramatismo y sobriedad.

CRISTO YACENTE. (1614).

Encargo de Felipe III.

Nuevo modelo iconográfico.

Realismo patético con boca y ojos

entreabiertos.

Cristo semidesnudo muerto =>

Solicitado por cofradías, parroquias,

etc.

Realismo => ojos, uñas, dientes,

sangre, sudor y lágrimas.

Pliegues puntiagudos y

acartonados.


Es un encargo del rey Felipe III. Destaca su

realismo patético con boca y ojos

entreabiertos. Cristo muerto y

semidesnudo.

Gran realismo con ojos, uñas, dientes,

sangre, sudor y lágrimas.

La Piedad, de G. Fernández

→ Dinamismo y fuerte realismo.

→ Extremada expresividad.

→ Dolor físico y moral.

Jesús acaba de ser descendido

de la cruz y el cadáver descansa

en brazos de su madre. María

gesticula con una mano,

expresando el dolor que la

invade; con la otra sostiene a su

hijo, que, muerto, parece

Deslizarse.


Escultura andaluza.

Arte más dulce y melancólico. Exquisita

talla y uso del color.

Núcleos => Sevilla y Granada.

Diferencias entre la escultura castellana y andaluza.

Castellana => Realismo patético (dramatismo).

Andaluza => Realismo clásico (imágenes más serenas y dulces).


Escuela sevillana.

MARTÍNEZ MONTAÑÉS (1598-

1649).

Realismo clásico de la escuela

sevillana.

Belleza real y serena sin dramatismo.

“CRISTO DE LA CLEMENCIA”,

1603 (CATEDRAL DE SEVILLA).

Madera policromada.

1.90 m.

Prototipo de Cristo andaluz.

Iconografía original.

Menos sangre, aún vivo.

Cuatro clavos: Zurbarán y Velázquez

Equilibrio entre belleza física y

espiritual.

Anatomía de la escultura clásica.

Sudario en pliegues.

Apenas tiene heridas por clavos y

espinas.

SAN JERÓNIMO (1609).

Retablo de Santiponce en Sevilla con

relieves y figuras exentas.

Paso procesional.

Fuerza física y musculatura.

Imagen de arrepentimiento y dolor de

sus pecados.

INMACULADA (1629).

Madera policromada.

1,64 m,

Sobre luna poblada de cabecillas de ángeles.


Escuela granadina.

ALONSO CANO.

Arquitecto, escultor y pintor.

Naturalista y sereno.

Búsqueda de belleza ideal.

Fija iconografía a imitar de la Inmaculada.

LA INMACULADA (1655).

45 cm. Catedral de Granada.

Madera policromada.

Virgen niña con dulzura (apariencia frágil).

Dulce expresión en el rostro.

Delicado estudio anatómico.

Pensada inicialmente para atril central en el coro.

Custodiado como objeto precioso.


Tema: Magdalena se arrepiente de sus pecados.

Muchos detalles

muestran su estado de

ánimo.

Viste una túnica

tejida de palma,

atada a la cintura

con una cuerda.

-Su cabello aparece suelto y

no lleva el menos adorno.

-Los ojos están enrojecidos

por el llanto, y las mejillas

consumidas.

PEDRO DE MENA (1664). MAGDALENA PENITENTE.


Escultura levantina.

Francisco Salzillo.

Hijo de escultor napolitano.

Pasos procesionales de Semana Santa (grupos).

Narran la Pasión de Cristo ante los fieles.

Fusión de dramatismo español con la gracia de Italia.

Más cercano al gusto popular que a la iglesia.

Gran conocimiento anatomía.

Apasionado del color.

Mezcla de rasgos barrocos y neoclasicistas.


Francisco Salzillo.

Oración en el Huerto

-Gran realismo y escenografía.

- Expresividad: ternura y dolor.

- Ángel idealizado.

- Tratamiento de los rostros.

arte barroco arquitectura y escultura

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