apostila de teoria musica para basicos

NOÇÕES ELEMENTARES DE TEORIA MUSICAL

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A P O S T I L A D E

TEORIA MUSICALP A R A M Ú S I C O S E S P I R I T U A I S

A música na Bíblia e o papel do músico ao ministrar louvores à Deus

Introdução ao Ritmo, Percepção rítmica com solfejo de Pozzoli • Solfejo melódico de Bona

Conceitos pedagógicos com apoio bíblico para a formação de Músicos Espirituais

Estudos avançados para análise em grupo: Regência, Musicalização e Orquestração

Apresentação dos instrumentos musicais e Bibliografia

DISTRIBUIÇÃO LIVRE

DISTRIBUIÇÃO GRATUITARegistro de Direito autoral de 15/04/2014

Livro Pedagógico: APOSTILA DE TEORIA MUSICAL PARA MÚSICOS ESPIRITUAIS178 páginas; Formato de impressão A4; Obra não publicada

Obra registrada no Escritório de Direitos Autorais, certidão deRegistro ou Averbação sob os dados:N. Registro: 640.612Livro: 1.231Folha: 342

1ª edição – São Paulo, SP – 2009-2014 – Registrada em 15/04/2014Todos os direitos s reservados.

Consulta no Acervo do Escritório de Direitos Autorais (EDA)http://www.bn.br/portal/index.jsp?nu_pagina=75

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ApresentaçãoO conceito pedagógico desta apostila livre tem o objetivo de formar músicos eruditos com atenção ao

caráter cristão, para isto, o conteúdo é totalmente intuitivo e o cunho didático inspirador, usando

definições teóricas para orientar, instruir e enfatizar ao candidato todas as atividades comuns que fazem

parte do dia-a-dia de um músico espiritual na Congregação Cristã.

Especialmente no prefácio (página 8 à 11), o apoio bíblico está presente para orientá-lo sobre o papel do

músico na Igreja, que escolhe dedicar-se neste ministério para fazer Louvor com amor e dar respostas fiéis

à grandeza de DEUS. Este curso tem noções elementares para a formação de músicos não profissionais.

Papel do músico na Congregação Cristã

O Louvor deve ter como alvo principal a Glória de DEUS, para alcançarmos isto, a espiritualidade do músico

é fundamental para fazer esta música. Por isto, na Congregação Cristã, cabe aos músicos repetir as notas

musicais como se os instrumentos musicais estivessem cantando a parte coral, isto é, a melodia; mas com

menor intensidade de som em relação às vozes de canto da irmandade.

Esta nova proposta de curso de música desperta a importância da consciência de como devemos usar a

arte musical para manifestar bons sentimentos em santificação e Louvor a DEUS. Para isto, no fim de cada

módulo está proposto um capítulo chamado ‘Estudo’ para leitura e análise em grupo (professor e alunos).

Aprender a música merece tempo disponível, dedicação, concentração, muito estudo e trabalho para

adquirir conhecimentos sólidos de teoria musical, pulsação rítmica, expressão musical e divisão de tempos

para aplicar tudo isto nas lições dos métodos de seu instrumento musical e, principalmente, no hinário.

Leia antes de começar

Antes de começar a usá-lo, faça a leitura completa deste livro, isto vai te trazer alguns aprendizados e

determinar desde já o seu perfil musical por toda a sua vida. Estão propostas leituras bíblicas e dicas de

comportamento para sabermos estar diante de DEUS e como ofertar à ELE um Louvor sincero e puro.

Sr(a). Professor(a)

Para ter sucesso, oriente os alunos com total respeito, igualdade e carinho. Proponha este formato ao

grupo de instrutores & professores para ter produtividade e organizar o curso na formação de músicos

espirituais. O aluno que se dedica vai seguir o seu exemplo e vai aprender com as suas reações verbais e

atitudes dentro e fora do convívio com a orquestra; esteja sempre com a mais alta comunhão com DEUS

para orientar todos que precisarem de um apoio ou correção. O aluno que você ensina hoje vai usar um

instrumento musical para louvar a DEUS do seu lado na orquestra da Congregação Cristã.

Sorria sempre e bom trabalho!

SumárioPesquise facilmente usando o índice.

PREFÁCIO ..................................................................................................................................................................... 8

ESTUDO: DEDIQUE-SE COM ZÊLO............................................................................................................................................................................. 11

A IMPORTÂNCIA DA MÚSICA .................................................................................................................................... 13

O MINISTÉRIO DA MÚSICA NA BÍBLIA ...................................................................................................................................................................... 13SALMOS, HINOS E CÂNTICOS ESPIRITUAIS................................................................................................................................................................ 17

MÚSICA ...................................................................................................................................................................... 20

ESTUDO: O PAPEL DO MÚSICO NAS IGREJAS............................................................................................................................................................ 22O QUÊ É TEORIA MUSICAL?....................................................................................................................................................................................... 24PROPRIEDADES DO RITMO ........................................................................................................................................................................................ 26

Pulso ........................................................................................................................................................................................................ 26Acento métrico ...................................................................................................................................................................................... 26Desenho rítmico .................................................................................................................................................................................... 26Andamento ............................................................................................................................................................................................ 26

SOLFEJO ..................................................................................................................................................................................................................... 27FIGURAS DE VALOR.................................................................................................................................................................................................... 29

Outro exemplo da hierarquia de valores proporcionais:.............................................................................................................. 29Regras de grafia .................................................................................................................................................................................... 33Percepção rítmica ................................................................................................................................................................................. 34Solfejar figuras musicais...................................................................................................................................................................... 35

ESTUDO: HISTÓRIA DA MÚSICA & ORQUESTRA ....................................................................................................................................................... 36

PERCEPÇÃO RÍTMICA: POZZOLI................................................................................................................................ 46

MÓDULO 1 ................................................................................................................................................................. 63

A MÚSICA E OS SEUS ELEMENTOS............................................................................................................................................................................. 63Melodia ................................................................................................................................................................................................... 63Harmonia ............................................................................................................................................................................................... 63Ritmo ....................................................................................................................................................................................................... 63

SOM............................................................................................................................................................................................................................ 64CARACTERÍSTICAS DO SOM.................................................................................................................................................................................... 65

Altura....................................................................................................................................................................................................... 65Duração .................................................................................................................................................................................................. 65Intensidade ............................................................................................................................................................................................ 65Timbre ..................................................................................................................................................................................................... 66

NOTAS MUSICAIS....................................................................................................................................................................................................... 66LINHAS SUPLEMENTARES .......................................................................................................................................................................................... 67CLAVES....................................................................................................................................................................................................................... 68

Clave de Sol ............................................................................................................................................................................................ 68Clave de Fá ............................................................................................................................................................................................. 69Clave de Dó ............................................................................................................................................................................................ 70Clave dos instrumentos musicais ...................................................................................................................................................... 71

COMPASSO ................................................................................................................................................................................................................ 71Barra de compasso ............................................................................................................................................................................... 71Barra dupla ............................................................................................................................................................................................ 71Barra final............................................................................................................................................................................................... 72

TEMPOS DO COMPASSO ......................................................................................................................................................................................... 72


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UNIDADES DE TEMPO E COMPASSO ..................................................................................................................................................................... 72COMPASSO SIMPLES ............................................................................................................................................................................................... 73COMPASSO COMPOSTO.......................................................................................................................................................................................... 77

Compassos correspondentes ............................................................................................................................................................. 80FÓRMULA DE COMPASSO ......................................................................................................................................................................................... 82FERMATA.................................................................................................................................................................................................................... 82LIGADURA .................................................................................................................................................................................................................. 82

Ligadura de valor ou prolongamento .............................................................................................................................................. 83Ligadura de expressão ou portamento............................................................................................................................................ 83Ligadura de frase .................................................................................................................................................................................. 83Interpretação ......................................................................................................................................................................................... 83

MARCAÇÃO DE COMPASSO (SOLFEJO) ................................................................................................................................................................ 84INTRODUÇÃO AO MÉTODO “BONA” ........................................................................................................................................................................ 84ESTUDO: AS VOZES.................................................................................................................................................................................................... 88

MÓDULO 2 ................................................................................................................................................................. 92

TOM E SEMITOM ........................................................................................................................................................................................................ 92Tipos de semitom .................................................................................................................................................................................. 92

SINAIS DE ALTERAÇÃO: ACIDENTES .......................................................................................................................................................................... 93Acidentes fixos....................................................................................................................................................................................... 94Acidentes ocorrentes............................................................................................................................................................................ 94Acidentes de precaução ...................................................................................................................................................................... 95

PONTO DE AUMENTO................................................................................................................................................................................................ 95Ponto simples ........................................................................................................................................................................................ 95Ponto duplo ........................................................................................................................................................................................... 95Ponto triplo ............................................................................................................................................................................................ 95

PONTO DE DIMINUIÇÃO: STACCATO ........................................................................................................................................................................ 96Staccato simples ................................................................................................................................................................................... 96Recomendado para aplicar com pouca frequência nos ensaios musicais na CCB................................................................. 96Staccato ligado ou portato................................................................................................................................................................. 96Não recomendado para aplicar nos ensaios musicais na CCB. .................................................................................................. 96Staccato seco ou martelato................................................................................................................................................................ 96Não recomendado para aplicar nos ensaios musicais na CCB. .................................................................................................. 96

LEGATO ...................................................................................................................................................................................................................... 97INTERVALOS ............................................................................................................................................................................................................... 97ESTUDO: NOÇÕES DE REGÊNCIA............................................................................................................................................................................... 99

MÓDULO 3 ............................................................................................................................................................... 106

COMPASSOS MISTOS...............................................................................................................................................................................................106CONTRATEMPOS......................................................................................................................................................................................................106SÍNCOPA ..................................................................................................................................................................................................................107QUIÁLTERAS ............................................................................................................................................................................................................107TERMINAÇÕES .........................................................................................................................................................................................................108

Terminação masculina......................................................................................................................................................................108Terminação feminina ........................................................................................................................................................................108

ESTUDO: ETIQUETA DO MÚSICO .............................................................................................................................................................................109

MÓDULO 4 ............................................................................................................................................................... 113

DESENHOS RÍTMICOS ..............................................................................................................................................................................................113Ritmo: tético.........................................................................................................................................................................................113Ritmo: anacruse ..................................................................................................................................................................................113Ritmo: Acéfalo .....................................................................................................................................................................................113

ESCALA.....................................................................................................................................................................................................................114GRAUS......................................................................................................................................................................................................................114ESCALA DIATÔNICA .................................................................................................................................................................................................115

ESCALA CROMÁTICA................................................................................................................................................................................................115TONALIDADE ...........................................................................................................................................................................................................116ESTUDO: EXPRESSÃO MUSICAL...............................................................................................................................................................................117

MÓDULO 5 ............................................................................................................................................................... 123

MODULAÇÃO ..........................................................................................................................................................................................................123ESCALAS MAIORES E MENORES...............................................................................................................................................................................123

Escala maior ........................................................................................................................................................................................123Escala menor harmônica ..................................................................................................................................................................126Escala menor melódica .....................................................................................................................................................................127

MODOS ....................................................................................................................................................................................................................128Modo maior .........................................................................................................................................................................................128Modo menor ........................................................................................................................................................................................128

SINAIS DE NAVEGAÇÃO ...........................................................................................................................................................................................129RITORNELLOS...........................................................................................................................................................................................................129TRECHOS ..................................................................................................................................................................................................................130SINAL DE SALTO ......................................................................................................................................................................................................130ESTUDO: FÉ & COMUNICAÇÃO CRISTÃ...................................................................................................................................................................131

MÓDULO 6 ............................................................................................................................................................... 135

TEMPO......................................................................................................................................................................................................................135Andamento ..........................................................................................................................................................................................135Caráter expressivo ..............................................................................................................................................................................136Alterações de andamento.................................................................................................................................................................136

SINAIS DE DINÂMICA ...............................................................................................................................................................................................137ACENTOS..................................................................................................................................................................................................................138TESSITURA................................................................................................................................................................................................................138ESTUDO: INSTRUMENTOS MUSICAIS.......................................................................................................................................................................140

Cordas ...................................................................................................................................................................................................140Percussão..............................................................................................................................................................................................162

MÓDULO 7 ............................................................................................................................................................... 164

REGISTROS ...............................................................................................................................................................................................................164SINAIS DE REPETIÇÃO ..............................................................................................................................................................................................165TRANSPOSIÇÃO .......................................................................................................................................................................................................167

Tipos de tonalidade............................................................................................................................................................................167Tonalidades de Instrumentos...........................................................................................................................................................167Situações nos instrumentos musicais.............................................................................................................................................168

PRÁTICA MUSICAL E DE ORQUESTRA ......................................................................................................................................................................169ORNAMENTOS .........................................................................................................................................................................................................170ESTUDO: EQUALIZAÇÃO ESPIRITUAL ......................................................................................................................................................................173

HINÁRIO 5 ................................................................................................................................................................ 175

ORIENTAÇÃO PARA ESTUDOS .................................................................................................................................................................................175ESTUDO: MÚSICA NA VIDA DOS CRISTÃOS.............................................................................................................................................................176

CONSIDERAÇÕES FINAIS......................................................................................................................................... 177

BIBLIOGRAFIA.......................................................................................................................................................... 178


Página 7

Prefácio ao estudanteComo deve ser a música de DEUS?

Quais são os objetivos da música de DEUS?

Músico deve ser uma pessoa espiritual

É preciso que haja amor e dedicação aos estudos

A adoração: a música é um Dom de Deus

Deus seja louvado

PrefácioComo deve ser a música de DEUS?

A música de DEUS deve ter como alvo principal a Glória de DEUS. E o seu desejo de estudar a teoria musical para se

tornar um músico ou organista, já consta como um Louvor ao DEUS Todo Poderoso.

Deve expressar o Louvor ao Senhor: é muito importante que você goste de música e seja voluntário aos estudos de

teoria musical para Louvar a DEUS com um cântico novo, bendizer o Seu nome, proclamar a Sua salvação, anunciar a

Sua glória e os Seus feitos maravilhosos (Salmos 66).

Louvor é a resposta à grandeza de DEUS. O louvor reconhece os atributos de DEUS. O louvor louva a DEUS por aquilo

que Ele é. A verdadeira música de louvor fala das grandezas de DEUS, de seus atributos, de sua santidade, de sua

justiça, de seu poder, de sua misericórdia, de seu amor e de sua Graça!

Deve expressar ação de Graças ao Senhor: ação de graças é a resposta à bondade de DEUS. A ação de graças

reconhece os feitos de DEUS. A ação de graças engrandece a DEUS por aquilo que Ele faz (Apocalipse 5:9,10).

A música foi instituída por DEUS, no Céu, a fim de ser executada pelos seres celestiais criados como um ato de

adoração ao Criador. Adorar é a expressão de amor e gratidão por quem DEUS é e pelo que fez e faz por nós. Quando

adoramos a DEUS, estamos oferecendo todo o nosso ser a Ele. Assim, adorar é agradar a DEUS e é ação contínua entre

os seres celestiais no céu. A música está centralizada unicamente em DEUS e não no gosto do adorador – do músico.

Deve expressar o Louvor com um coração feliz: o coração do músico de DEUS precisa ter prazer com a música

espiritual. A Bíblia não diz que a música deve ser entoada para trazer alegria. A alegria é um pré-requisito para

cantarmos.

Não cantamos para ficar alegres, mas cantamos para a

glória de DEUS, e a glória de DEUS nos traz alegria no

espírito! Cantar com muito louvor quando estamos tristes é

uma hipocrisia: “O que canta canções para o coração aflito é

como aquele que despe a roupa num dia de frio, ou como o

vinagre sobre salitre.” (Provérbios 25:20). É verdade que

devemos dar graças a DEUS por tudo que nos acontece,

inclusive pelas coisas ruins (I Tessalonicenses 5:18), mas não diz o texto que devemos cantar por elas. Isto seria errado.

O que o texto ensina é que devemos entender que todas as coisas, inclusive as ruins, concorrem para o nosso bem

(Romanos 8:28), e por isso devemos dar graças a DEUS por elas.

Deve Expressar o Louvor Dirigido ao Senhor: estes tópicos estão aqui para despertar a importância da consciência de

como devemos usar a arte musical para manifestar bons sentimentos ao aplicar os sentidos cristãos em santificação e

Louvor a DEUS. Ser músico para tocar na igreja não é ter um lugar de destaque ou fazer o que é melhor para si próprio

ou qualquer coisa que se intitule música (ministério), mas sim amar esta arte e entendê-la com o compromisso de

praticá-la da melhor maneira possível ao Louvor a DEUS. Leia: Salmos 9

“Está alguém contente? Cantelouvores.” (Tiago 5:13).

Quando alguém está triste, não devecantar, mas orar: “Está alguémentre vós aflito? Ore.” (Tiago 5:13)e ainda diz “com toda [muita]oração” (Efésios 6:18).


Página 9

Há muitos significados são atribuídos ao verbo "louvar" na Bíblia, incluindo dar graças, atribuir glória e honra, exaltar,

celebrar, recomendar e regozijar. Louvar está intimamente aliado ao culto e na adoração à DEUS. Leia 2 Samuel 6:5

O louvor é uma oferta dirigida à DEUS: “Apresentai-vos diante dele com cântico…” (Salmos 100:2). “Apresentemo-nos

ante a sua face com louvores, e celebremo-lo com salmos.” (Salmos 95:2). Não cantamos para o auditório, mas para o

Senhor; a música não deve agradar ao auditório, mas ao Senhor: “Tributai ao SENHOR a glória de seu nome; trazei

presentes, e vinde perante Ele…” (I Crônicas 16:29). A música não deve ser usada para nos fazer sentir melhor. Ela não

deve ter este propósito. Saul buscava alívio na música de Davi (I Samuel 16:23), mas ele deveria buscar

arrependimento na Palavra de DEUS. A música tem o objetivo de convidar a presença de DEUS entre nós, pois DEUS

habita no meio dos louvores (Salmos 22:3).

Deve exaltar a Glória do Cordeiro: a glória de DEUS é manifesta mediante adoração ao Cordeiro de DEUS. O Pai deseja

que o Filho seja adorado (Hebreus 1:5-6). O Espírito Santo deseja glorificar o Filho (João 16:13-15). Os anjos adoram ao

Cordeiro de DEUS (Apocalipse 5:8-14). Toda música e prática instrumental de auto-promoção devem ser erradicadas,

porque todo louvor deve ser dirigido para DEUS, somente Ele é digno de todo louvor, honra e Glória.

Deve exaltar a Glória de DEUS por suas Obras: a Bíblia está repleta de convites para que louvemos o Senhor por Suas

obras (Salmos 150:2; 106:2; 145:4). O cântico de Débora é um exemplo: “…falai das justiças do Senhor, das justiças que

fez às suas aldeias em Israel…” (Juízes 5:11).

Como é a música de DEUS?

Doutrinária: aprendemos mais sobre a doutrina cristã nas músicas do que nas pregações. Por isso a música deve ser

didática, para ensinar a doutrina. A música deve ser instrutiva.

Através dela devemos aprender doutrina: “…ensinando-vos e

admoestando-vos uns aos outros, com salmos, hinos e cânticos

espirituais, cantando ao Senhor…” (Colossenses 3:16).

Compreensível: nossas emoções, quando envolvidas na adoração

a DEUS, devem ser guiadas pelo elemento racional (Romanos

12:1-2). A letra deve ser inteligível: “…cantarei com o espírito,

mas também cantarei com o entendimento.”

Leia em I Coríntios 14:15. Aqui entra o segundo requisito da adoração, mencionado em João 4:24. O primeiro é “em

espírito”, o segundo é “em verdade”.

Possui entendimento espiritual: as músicas que dão ênfase ao “sentir” e não ao “pensar”, que enfatizam mais o “som”,

a “melodia” e não a “mensagem” não são de boa qualidade. Qualquer música que enfatiza mais a “adoração” no corpo

(levantar instrumento ao alto, bater palmas, levantar as mãos, acelerar andamento do hino, ritmos exagerados, etc) do

que no “espírito” não serve para a verdadeira adoração “em espírito”. Andamos por fé e não por vista (II Coríntios 5:7).

Possui uma melodia harmoniosa - que música devemos cantar? A música da moda no mundo? A música brasileira?

Devemos cantar a música de DEUS (I Crônicas 16:42). Portanto, o estilo musical deve ser santo e reverente, desde que

possua harmonia e inteligência musical: “Pois DEUS é o Rei de toda a terra, cantai louvores com inteligência

[harmonia].” (Salmos 47:7).

A adoração “em espírito e em verdade”(João 4:23-24), é aquela que é espiritual(em espírito) e doutrinária (em verdade).Em “espírito” fala da conduta doadorador, enquanto em “verdade” falada forma como devemos adorar. Paulonos exorta a sermos fervorosos noespírito (Romanos 12:11).

Quais são os objetivos da música de DEUS?

Produzir crescimento espiritual: o apóstolo Paulo diz que a música cantada dentro da Igreja deve ser usada para

edificação do corpo de Cristo. Músicas que não edificam, mesmo que sejam agradáveis, devem ser evitadas: “Que

fareis, pois, irmãos? Quando vos ajuntais, cada um de vós tem salmo, tem doutrina… Faça-se tudo para edificação.”

(I Coríntios 14:26).

Ser espiritual: para produzir crescimento e edificação da igreja

(do povo de DEUS), a música deve ser espiritual, isto é, deve

enfatizar um tema espiritual. Não basta relatar a experiência de

alguém, é preciso que ela esteja baseada num tema espiritual

bíblico, isto é, baseada na palavra de DEUS: “E Davi… separou

para o ministério os filhos de Asafe, e de Hemã, e de Jedutum,

para profetizarem [a palavra de DEUS] com harpas, com

címbalos, e com saltérios…para exaltar o seu poder…”

(I Crônicas 25:1,5).

O Músico deve ser uma pessoa espiritual, controlado pelo Espírito para apresentar a DEUS “cânticos espirituais”:

“Louvar-te-ei com retidão de coração quando tiver aprendido os teus justos juízos.” (Salmos 119:7).

É preciso que haja amor e dedicação aos estudos.

Muitas pessoas se queixam sobre ter que separar algum tempo para entender como funcionam as coisas dentro da

teoria musical, mas este é único caminho para nos tornarmos bons músicos e desenvolvermos de fato todo o

potencial. Leia Salmos 150

Cada um em seu ritmo - devemos sim nos dedicar, ter alegria e buscar toda a luz de DEUS para entender as

metodologias de ensino e buscar se aperfeiçoar cada vez mais, afinal, a emoção que sentimos quando interpretamos

uma obra musical (um hino, por exemplo) vale por todo esforço, a música é a mais elevada forma de expressão do ser

humano, através dela conseguimos transmitir todo o sentimento que desejamos de forma que todas as pessoas

sintam isto e com certeza vale a pena todo o esforço para o fazermos bem. Leia: Salmos 33:3

Diferentemente dos pássaros, grilos e outras animais a quem deu a capacidade de emitir sons, DEUS, em amor, deu

aos homens o poder de escolha e a capacidade de criar sons de louvor e ações de graça à Ele por sua misericórdia,

bondade, justiça, fidelidade e amor. Leia: 1 Pedro 2-9

A adoração: a música é um Dom de DEUS

O objetivo principal do músico da adoração é render honra e tributo ao Criador, sentindo Sua presença e conectando-

se à fonte da Vida.

É necessário que essa adoração e culto sejam oferecidos a DEUS e sejam aceitos por Ele assim como a oferta de Abel.

Quando adoramos a DEUS em espírito (emoções/coração) e em verdade (mente/concentração), entramos numa

conexão tal com Ele (a comunhão) que experimentamos imediata transformação pessoal pelas operações da

presença do Espírito Santo. Portanto, a adoração (na música) não é algo concentrado em nós, mas em DEUS.

A música de Deus deve ser entoadacom voz de triunfo (Salmos 47:1)com voz de melodia (Isaías 51:3),como um sacrifício de júbilo (Salmos27:6) como um sacrifício de louvor,isto é, o fruto dos nossos lábios(Hebreus 13:15).


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Estudo: dedique-se com zêloOrientações diversasTudo começa aqui para quem decide estudar música para louvar a DEUS

Esta apostila de teoria musical é totalmente gratuita e possui os assuntos necessários para que você tenha um bom

conhecimento sobre os elementos da música. Tente entendê-la por completo, siga as orientações do professor,

sempre tire suas dúvidas e desenvolva-se com entusiasmo, atenção e zêlo. Deve ficar claro que este é um processo

onde o sucesso depende do esforço individual e que prepara músicos para louvarem a DEUS na Congregação Cristã.

Tudo começa agora, siga sempre em frente com entusiasmo. Apesar de parecer longo para alguns, o estudo da

música com certeza vale a pena, pois quando você consegue certo domínio tudo é estimulante e nos traz alegria.

Lembre-se que um bom músico é aquele que se dedica e que sempre está se aperfeiçoando.

Portanto procure estar atento/a aos novos aprendizados, novas técnicas, novos estilos, tenha uma visão ampla sobre

a música (assuntos técnicos, teóricos e práticos no instrumento musical), conheça de fato o que você está fazendo!

Pesquise outros livros de teorias e apostilas de música, ouça CDs, assista DVDs e concertos musicais. Dedique-se!

O poder da música é o de transformar simples vibrações em sentimentos. Leia: Salmos 96

Ao ouvirmos uma música, queremos fazer parte daquela obra, foi isto que inspirou 99% de nós a ser músicos para

louvar a DEUS com cânticos espirituais. E a melhor maneira de fazer parte desta música é entendendo sua linguagem.

Quando você ingressar na orquestra e ser parte integrante desta obra e das melodias de hinos de louvores e cânticos

espirituais, realmente "cante" em seu íntimo durante os momentos que antecedem a entrada da 1ª. nota, acompanhe

o seu "toque" com o seu "canto interno" novamente e sempre, e então, com toda a nossa comunhão e alegria de

espírito entoaremos todo nosso Louvor à DEUS os hinos e os nossos sentimentos se elevarão para que a melodia se

transforme em algo espiritual, ou seja, um canal de comunicação direta com DEUS, o Louvor.

O que vai favorecer para que tudo isto dê certo é o treino, a leitura, a repetição, a prática e toda a oração à DEUS para

que o seu esforço de fazer música com um instrumento musical, seja algo natural (fácil), leve e agradável (suave); e

que aos ouvidos de DEUS seja todo o seu Louvor como uma chuva temperada, harmoniosa, perene e serôdia.

Sejamos como artistas: que se realizam plenamente emitindo melodias de nossos próprios dedos ou sopro.

Mas principalmente, sejamos dedicados músicos espirituais: como os que verdadeiramente amam a música de

todo o coração e se expressam através da alma levando a mais alta comunhão do espírito, no qual se encerra todos os

sentimentos humanos, traduzindo com toda fidelidade os sentimentos sublimes, puros e sinceros, que tanto nos

aproximam de DEUS.

A importância da músicaA arte mais antiga

Resumo histórico do ministério da Música na Bíblia

Salmos, hinos e cânticos espirituais

Deus seja louvado


Página 13

A importância da música

A música é nossa mais antiga forma de expressão, mais antiga que a linguagem falada.

O ser humano possui em sua vida sete "dimensões": física, espiritual, intelectual, social, profissional, afetiva e familiar.

De todas as realizações do Homem, a arte é a que possui mais influência em todas essas dimensões da existência

humana. E de todas as artes presentes em nossas vidas, a mais antiga é a Música.

De fato, a música é o Homem, muito mais que as palavras, pois estas são símbolos abstratos. A música toca nossos

sentimentos profundamente, mais fácil que a maioria das palavras e nos faz responder com todo nosso ser (mesmo

quando não percebemos).

Muito antes do ser humano aprender a pintar, esculpir, escrever ou projetar algo, já sabia produzir e apreciar o som.

Obviamente esses sons seriam hoje considerados apenas ruídos, mas considerando que "música é a arte de manipular

os sons", o que aquele Homem primitivo produzia era como um "embrião" musical.

O ministério da Música na BíbliaA Música foi criada Dor DEUS antes da criação deste mundo

“Onde estavas tu, quando eu lançava os fundamentos da terra?.. quando juntas cantavam as estrelas da manhã, e

todos os filhos de DEUS bradavam de júbilo?”. Leia Jó 38: 4-7.

Não há nenhuma referência Bíblica quanto ao uso do canto por Adão e Eva, mas, se os filhos de DEUS anteriormente

criados e os anjos, cantavam, certamente DEUS partilhara com eles o dom da música. O uso que dela fizeram os anjos

e os filhos de DEUS foi para expressar alegria pela criação desta terra. Usaram-na para louvar a DEUS pelo Seu

processo criativo. Sem dúvida Adão e Eva cantavam no Éden, da bondade, da misericórdia e do amor de DEUS por

eles. Entoavam cânticos sobre toda sua experiência pessoal com o Criador.

Os instrumentos musicais na Bíblia

Instrumentos musicais foram criados por Dor um descendente de Caim. A primeira referência que a Bíblia faz a música

está em Gên. 4:21 “O nome de seu irmão era Jubal; este foi o pai de todos os que tocam harpa e flauta.”

Falando de sua miséria, Jó declara: “Pelo que se tornou em pranto a minha harpa, e a minha flauta em voz dos que

choram.” Jó 30:31. Este texto indica que na casa de Jó, tais instrumentos eram usados para diversão e alegria.

“Por que fugiste ocultamente, e me iludiste e não mo fizeste saber, para que eu te enviasse com alegria e com

cânticos, ao som de tambores e de harpas”. Gên. 31 :27

“E sucedia que, quando o espírito mau da parte de DEUS vinha sobre Saul, Davi tomava a harpa, e a tocava com a sua

mão; então Saul sentia alívio, e se achava melhor, e o espírito mau se retirava dele. “I Sam. 16: 17, 18 e 23. Davi aliviava

o temperamento violento de Saul através dos suaves sons de sua harpa.

A Música do Templo

Davi decidiu construir uma casa para DEUS. Segundo seus planos, deveria ser: “Magnífica em excelência, para nome e

glória em todas as terras.” (I Crôn. 22:1-5). Por causa do seu envolvimento em guerras, DEUS lhe nega o privilégio de

construir o templo mas, permite a Davi fazer os preparativos para que o seu filho, Salomão, executasse a obra.

Esta preparação foi completa e perfeita em todos os detalhes, inclusive os planos para música…Nunca antes visto até

esse tempo, a música havia tido mais do que uma pequena parte no serviço religioso de DEUS.” (I Crôn. 25:1).

Asafe seria o músico-chefe acompanhado por Jedutum e Hemã. Seriam ao todo 288 músicos profissionais (Mestres).

Todos treinados para o exercício do ministério musical. (I Crôn. 25:7)

I Crôn. 25 do verso 9 ao 31, relata que Davi dividiu estes músicos em 24 grupos de 12 onde cada grupo estaria a

serviço do templo durante uma semana de cada vez, desde a sexta-feira à noite até depois do serviço religioso do

sábado da semana seguinte, perfazendo 8 dias, e no sábado os dois grupos estariam juntos (durante a semana 12

músicos e no Sábado eram 24 músicos). Isto daria 2 participações por ano para cada grupo de músicos.

A Música usada na dedicação do Templo

Davi morreu sabendo que tudo para o novo templo, incluindo a sua inspiradora música, estava planejado e

preparado.

Davi falou de uma orquestra com 4 mil músicos louvarem ao Senhor com os instrumentos. (I Crôn. 23:5). Embora Davi

tenha completado todos os planos, incluindo seu serviço musical antes de morrer, passaram-se onze anos antes que o

edifício estivesse terminado. Salomão levou sete anos para erguê-lo no Monte Moriá.

O Salmo 136 constituiu-se parte do programa musical do dia. “Era dever dos trombeteiros e cantores fazerem-se ouvir

em uníssono em louvor ao Senhor. “ II Crôn. 5: 13.

O livro de Salmos (salmos significa: louvores)

O Hinário do Segundo Templo: o serviço do segundo templo foi modelado de acordo com o do primeiro. Neemias

refere-se à restauração do culto musical “conforme ao mandado de Davi.” (Nee. 12:45) “Porque já nos dias de Davi e

Asafe, desde a antigüidade, havia chefes dos cantores, e cânticos de louvores e ação de graças a DEUS.” (Nee 12:46)

O livro de Salmos foi chamado de “louvores”: (isto é: Salmos), porque foi o hinário dos serviços de cânticos do

segundo templo, no qual o louvor era a parte mais importante. Por centenas de anos, os músicos do templo usaram

determinados salmos, para cada dia do ciclo semanal e regular de cultos. Usavam também alguns outros, para os

serviços das festas anuais. Os hinos restantes eram cantados em muitos outros serviços regulares do templo.

Provavelmente, o sagrado livro de hinos era familiar ao povo em geral, pois, quando os músicos voltavam para suas

casas depois de sua semana de serviço no templo, certamente ensinavam os salmos a seus familiares e vizinhos.

Divisão dos Salmos - os 150 salmos estão divididos em cinco livros. O motivo desta forma de divisão é desconhecida

pois a ordem não é cronológica nem tão pouco segue a data de sua composição. Por exemplo, o Salmos 142 é

considerado tendo sido escrito por Davi quando estava na caverna e o Sal. 1, é considerado como tendo sido o último

dos salmos a ser escrito. Ele é um prelúdio para todo o hinário.


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Os 5 livros são: 1) Salmos 1-41; 2) Salmos 42-72; 3) Salmos 73-89; 4) Salmos 90-106 e 5) Salmos 107-150.

Os livros dos grupos 1,2 e 3 terminam com a expressão: “Amém, e Amém.”

Os livros dos grupos 4 e 5 com a expressão: “Louvai ao Senhor.”

Autores dos Salmos: os títulos dos vários salmos nos revelam que: 73 deles foram escritos por Davi; 2 por Salomão; 12

pelos filhos de Coré; 12 por Asafe; 1 por Hemã; 1 por Etã e 1 por Moisés.A maioria deles foi escrito no tempo de Davi e

Salomão (100 Século A.C.). Na Bíblia Sagrada, o conteúdo dos Salmos são orações, louvores, aleluias e cânticos de

degraus que eram hinos cantados pelos peregrinos devotos em seu caminho para Jerusalém para as festas anuais.

Todas as emoções da alma humana são abordadas na coleção completa dos Salmos. Estas incluem triunfo e

desespero, confiança e incertezas, orações e louvores. Recomenda-se a leitura do Livro completo dos Salmos.

O uso musical dos Salmos: títulos e instruções aos músicos mostram que os salmos eram cantados durante os serviços

religiosos do templo. A música instrumental era usada na época do segundo templo, como um acompanhamento

para as vozes, embora houvesse interlúdios instrumentais considerados como sendo ilustrativos do texto do Salmo.

O Cântico de Zacarias

80 dias após o nascimento de João Batista, Zacarias seu pai, que havia ficado mudo por não crer no anjo (Luc. 1 :20),

volta a falar depois de confirmar que o nome do menino seria realmente João, apesar de não haver precedentes

familiares, e, cheio do Espírito Santo, canta um cântico de louvor a DEUS que aparece em Luc. 1:67-79. (Bendito:

porque esta é a primeira palavra que aparece no cântico da tradução latina)

O Cântico dos Anjos

Na noite em que Jesus nasceu um anjo foi enviado por DEUS para dar a notícia a um grupo de pastores que

guardavam seus rebanhos. Depois da Boa Nova proclamada, a Bíblia declara que “subitamente apareceu com o anjo

uma multidão do exército celeste louvando a DEUS dizendo: Glória a DEUS nas maiores alturas, e paz na terra entre os

homens, a quem Ele quer bem.” (Luc. 2: 8-14).

O que a bíblia nos ensina

Como lemos anteriormente, a Sagrada Escritura nos ensina que o ministério de música é algo antigo e que foi

instituído na casa de DEUS através do Rei Davi. Ela nos mostra também como o ministério da música deve ser

organizado e conduzido de forma servir de apoio indispensável aos demais serviços ministeriais como o batismo, a

pregação, e a evangelização.

A Música na Vida de Jesus

Durante sua infância, Jesus conheceu a música como qualquer menino de sua época. Podemos imaginar que ele

exprimia frequentemente o contentamento que sentia no Seu coração, cantando salmos e hinos celestiais, e que

certamente, muitas vezes os moradores de Nazaré ouviam a Sua voz erguer-se em louvor e ações de graças a DEUS.

Em Israel, a introdução de Jesus na música se deu aos 12 anos, quando Seus pais O levaram ao templo de Jerusalém.

Era primavera, a mais bela estação, com flores brotando e passarinhos cantando. Na viagem feita a pé até Jerusalém,

cantavam-se os Salmos designados como “Cânticos dos Peregrinos” ou “Cânticos dos Degraus.” (Sal. 120-134).

Imagine como deve ter sido para o menino Jesus participar destes cânticos na viagem até a Cidade de Davi!

A Música da Igreja Cristã Primitiva

“E era perto da meia noite Paulo e Silas oravam e cantavam hinos a DEUS; e os outros presos escutavam.” Atos 16:25.

A admoestação de Paulo às igrejas cristãs primitivas foi: “Enchei-vos do Espírito; falando entre vós em salmos e hinos e

cânticos espirituais; cantando e salmodiando ao Senhor no vosso coração. ” (Efésios 5: 18-19)

“A palavra de Cristo habite em vós abundantemente, em toda a sabedoria, ensinando- vos e admoestando-vos uns

aos outros com salmos, hinos e cânticos espirituais, cantando ao Senhor com graça em vosso coração.” (Colo 3:16)

Cânticos espirituais

Além dos salmos e dos hinos, Paulo menciona os cânticos espirituais como parte do repertório musical cristão. O

cântico espiritual é aquele que expressa a relação do indivíduo com DEUS e enfatiza sua própria experiência da alma.

Embora os salmos fossem cantados ou entoados antifônicamente, e os hinos fossem cantados pelo corpo da

congregação em uníssono, o cântico espiritual teria sido um solo vocal expressando a elevação da alma do indivíduo

a DEUS, uma experiência do seu próprio coração e a resposta do amor de DEUS o Pai, o sacrifício de Cristo, ou a

súplica do Espírito Santo.

O princípio básico do apóstolo Paulo para a música cristã, “Salmos, hinos e cânticos espirituais” ainda é o ideal da

igreja cristã depois de todos estes séculos. O Cântico de tais melodias tem inspirado milhões de cristãos e muitos

ouvintes através dos séculos, assim como o fez quando Paulo e Silas cantaram na cela de Filipos.

A Música no livro de Apocalipse

João descreve que no Céu existem os quatro “seres viventes” de seis asas, que estão ao redor do trono de DEUS

cantando sem cessar. Esta é uma adoração perpétua de quarteto e coral. “De dia e de noite, nunca cessam de cantar.”

(Apoc. 4: 8-11).

Percebe-se que o céu é um lugar de adoração musical onde seres santos louvam a DEUS continuamente. Que escalas

eles usam, ou qual a maneira de composição que seguem, não sabemos, podemos apenas deduzir que nosso falho

sistema musical produz música muito inferior à deles.

Exemplos que encontramos na bíblia

Há muitos exemplos, sugestão de leitura nos livros: I Sam 16,23 - Rs 3,1 4-18 - I Cor 15,16-22. Na verdade, tudo isto é

de fundamental importância, pois nos ensina que o ministério de música era, para os levitas (os músicos) e para Davi,

algo organizado e definido. Também fica explícito de que não era algo improvisado, formado apenas na hora da

necessidade. O ministério de música deve ser planejado, estruturado e orado.

Se naquela época já era assim, quão maior são as nossas responsabilidades atualmente e o dever pela dedicação. E se

os instrumentistas do mundo se esmeram horas a fio para aprimorar suas técnicas em favor apenas de si mesmos

(objetivos pessoais ou profissionais), quanto mais nós os ministros de música na igreja também devemos ser bem

instruídos para louvar o nosso DEUS e senhor! Leia os livros: I Cor 14,15 - Ef 5, 18-21 - Apoc 14,1-5

O Ministério da Música é um dos mais tentados pelo adversário de nossas almas, em contrapartida também é um dos

mais abençoados pelo nosso DEUS que ama a música profundamente. Saiba de algo fascinante: a música também é a

linguagem que DEUS escolhe para usar em Seu regozijo a nosso respeito. Leia: Sofonias 3:17


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Salmos, hinos e cânticos espirituais

Salmos: eram os mesmos contidos no Antigo Testamento, transformados em hinos de adoração.

Hinos: eram as composições de louvor a DEUS e ao Senhor Jesus Cristo cujas letras não tinham sido extraídas do livro

de Salmos.

Cânticos espirituais: englobavam uma gama maior de composições líricas, inclusive os outros dois tipos

mencionados.

Para termos a certeza de que o Senhor se agrada de um cântico (voz, música e letra), devemos submetê-lo ao crivo de

Filipenses 4:8. É verdadeiro? É honesto? É justo? É puro? É amável? É de boa fama? Há nele alguma virtude e algum

louvor? Tudo o que fazemos deve ser para a glória de DEUS (I Coríntios

10:31).

É de boa a fama o rock ou o samba? Desde a sua origem, estes estilos

estão relacionados com imoralidade, perversão moral ou social,

violência e etc; entre outros ritmos que carregam nosso corpo

impurezas e corrompem nossos pensamentos. E o que dizer de estilos

como funk, reggae, axé, hip-hop e forró? Não precisamos detalhar mais.

Podemos louvar a DEUS porque Ele é poderoso. A Bíblia diz em Salmos 21:13 “Exalta-te, Senhor, na tua força; então

cantaremos e louvaremos o teu poder.”

Existem três maneiras de se ouvir música:

Com o corpo: quem ouve com o corpo se deixa dominar pelo “embalo” da música (andamentos e ritmos

exagerados, efeitos desnecessários).

Com a emoção: quem ouve emotivamente permite que a música comande os seus sentimentos e emoções.

Com o intelecto: essa é a forma correta de se ouvir & sentir, sabendo discernir a música. E isso só é possível

quando não se prioriza o ritmo. O culto a DEUS deve ser espiritual (tratar da alma) e, ao mesmo tempo,

racional (ao respeito dos padrões e ordem). Leia em João 4:24; Romanos 12:1; I Coríntios 14:15.

Não devemos cantar e tocar sem louvar ao Senhor, como acontecia nos dias do profeta Isaías (29:13). As palavras de

louvor devem nascer em um coração preparado (Salmos 57:7), mas somente as letras cristãs ou bíblicas não são

suficientes para tornar um cântico apropriado para o louvor.

Lembre-se: o cântico só é espiritual quando todos os seus elementos (voz, letra e música) também são espirituais.

Em Colossenses 3:16, está escrito: “A palavra de Cristo habite em vós abundantemente, emtoda a sabedoria, ensinando-vos e admoestando-vos uns aos outros, com salmos, hinos ecânticos espirituais; cantando ao Senhor com graça em vosso coração”.

Considerando que cântico é oencontro entre a voz (homem), amúsica (melodia) e a letra(palavras do canto), quandoesses três elementos sãoconsagrados a Deus e aceitos porEle, temos um cântico espiritual.

A música é formada por três principais elementos:

Melodia: sucessão ascendente e descendente de sons a intervalos e alturas variáveis, formando frases; é

adornada pela harmonia e acentuada pelo ritmo, embora possa ser compreendida isoladamente.

Harmonia: combinação de sons simultâneos, emitidos no mesmo tempo, onde sua base é a tonalidade; e

como princípio organizador a estrutura do acorde.

Ritmo: sucessão regular de tempos fortes e fracos cuja função é estruturar uma obra musical.

Como a música se relaciona com o nosso espírito e nos une a DEUS:

Esses três elementos musicais (melodia, harmonia e o ritmo) se relacionam com o homem dividindo-se em nós pelo:

espírito, alma e corpo. Nesse caso, o elemento mais importante da música, a melodia, relaciona-se com a parte mais

profunda do ser humano, o seu espírito. Fazendo a música espiritual que agrada a DEUS enquanto nos colocamos em

comunhão com nosso Pai Celestial, isto faz o elo com o Céu e por momentos ou instantes estaremos totalmente

desligados dos sentidos terrenos e estaremos sentindo e vivendo uma experiência com DEUS. Etc.

Assim, o estilo musical apropriado para o cântico de adoração é o que tem como essência a melodia, pois é ela que se

relaciona com o espírito (João 4:23-24). Há estilos carregados de agressividade e barulho, que apenas balançam o

corpo, e não o coração, porque são rítmicos ao extremo; isto é, priorizam o ritmo, e não a melodia.

Melodia: relaciona-se com o espírito;

Harmonia: relaciona-se com a alma;

Ritmo: relaciona-se com o corpo.

De acordo com I Tessalonicenses 5:23, DEUS nos santifica a partir do espírito (melodia). Mas muitos ignoram isso e,

como se o versículo dissesse: “corpo, alma e espírito”, priorizem o corpo. Meditemos no que Paulo, inspirado pelo

Espírito, disse aos gálatas: “Sois vós tão insensatos que, tendo começado pelo Espírito, acabeis agora pela carne?”

(Gálatas 3:3).

Sempre devemos louvar a DEUS

Louvemos a DEUS diariamente. A Bíblia diz em Salmos 61:8 “Assim cantarei louvores ao teu nome perpetuamente,

para pagar os meus votos de dia em dia.”

Louvemos a DEUS por transformar o desgosto em felicidade. A Bíblia diz em Salmos 30:11-12 “Tornaste o meu pranto

em regozijo, tiraste o meu cilício, e me cingiste de alegria; para que a minha alma te cante louvores, e não se cale.

Senhor, DEUS meu, eu te louvarei para sempre.”

Louvemos a DEUS pela Sua bondade. A Bíblia diz em Salmos 107:8-9 “Dêem graças ao Senhor pela sua benignidade, e

pelas suas maravilhas para com os filhos dos homens! Pois ele satisfaz a alma sedenta, e enche de bens a alma

faminta.”


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MúsicaO único ministério no Reino dos Céus

Sua origem desde Adão

Contribuição de muitos povos

Estudo avançado: o papel do músico na igreja

Deus seja louvado

Música

O único ministério no Reino dos Céus“Música é a arte de manifestar os diversos afetos de nossa alma, mediante o som.” Podemos extrair desta definição

que a música é uma arte, que lida com os sentidos da alma e, para externá-los, tem como matéria-prima: o som.

De acordo com a Bíblia a música como profissão é herança da descendência de Caim: Henoc, Irad, Maviael, Matusael

e Lamec, pai de Jubal, na prática o primeiro músico: “(...) ele foi o pai de todos os que tocam lira e charamela”(Gn 4,21).

O termo “música” vem do adjetivo “músico” ou musical, relativo às personalidades gregas relacionadas com as artes.

Os gregos e os egípcios – Entre os gregos atribui-se a invenção da música a Apolo, a Cadmo, a Orfeu e a Anfião. Entre

os egípcios, a Tot ou a Osíris, entre os judeus, a Jubal. A tradição cristã reteve grande parte do simbolismo de

Pitágoras, interpretado por Santo Agostinho e por Boelcius. Os historiadores louvam a Pitágoras que inventou um

monocórdio para determinar matematicamente as relações dos sons. Lassus, o mestre de Píndaro escreveu

teoricamente sobre música em 540 A.C.

Os chineses – Dois mil anos antes disso, os chineses já conheciam a música, com o estabelecimento da oitava com

doze semitons, no tempo do imperador Haung-Ti.

Os celtas – Em torno de 2.697 anos a C. entre os celtas a música tradicional se tocava na harpa, sendo os sopros

reservados para a diversão e a guerra. (...). Entre eles existiam três modos de música para harpa: o modo do sono, o

modo do sorriso e o modo da lamentação. Se a música é a ciência das medidas, da modulação, concebe-se que ela

comande a ordem do cosmo, a ordem humana e a ordem Instrumental. Ela será “a arte de atingir a perfeição” (Jean

Chevalier e Alain Gheerbrant, Dicionário de símbolos).

Muitas outras definições para música podem ser coletadas, entre as quais:

“Música é a arte dos sons, combinados de acordo com as variações da altura, proporcionados segundo sua duração eordenados sob as leis da estética” (Maria Luíza Priolli)

“A música é a arte de pensar com os sons, um pensamento sem conceitos” (Jules Combarieu)”

“Música é a sublime expressão do amor universal é o pressentimento de coisas celestiais” (Beethoven)

“Música é algo muito difícil de mostrar ao mundo o que sentimos em nós mesmos” (Tchaikovsky)

“Música uma coisa que se tem pra vida toda, mas não toda uma vida pra conhecê-la” (Rachmaninov)

“Música é a manifestação humana que organiza os sons e ruídos desintelectualizados no tempo” (Mário de Andrade)

“Arte e ciência de combinar os sons de modo agradável ao ouvido” (Aurélio, Novo Dicionário da Língua Portuguesa)

“Arte de coordenar fenômenos acústicos para produzir efeitos estéticos” (Enciclopédia Britânica – Barsa)

“Conjunto de símbolos musicais gráficos, que servem para transmitir ao executante a idéia do compositor” (EPB)

“Arte que utiliza os sons combinados entre si como linguagem e elemento de comunicação” (Enciclopédia Mirador)


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“Música é a arte e ciência da combinação dos sons” (Francisco Fernandes, Dicionário Brasileiro Contemporâneo)

“Música é uma forma de arte que se constitui basicamente em combinar sons e silêncio seguindo uma pré-organização ao longo do tempo” (Wikipedia)

“Música é definida como o som em combinações puras, melódicas ou harmônicas produzido por voz ou instrumento”

“Música a mais alta filosofia numa linguagem que a razão não compreende” (Shakespeare)

Música cotidiana

A “música na história” trabalha com a ideia de que toda música é a expressão de um grupo humano, refletindo o

cotidiano, necessidades e caráter de um povo. Cada estilo, antes de uma sucessão de linguagens para os sons é acima

de tudo a representação artística de uma civilização ou comunidade, em um dado momento da sua história.

Entre os índios brasileiros, a música é altamente vinculada às ações do dia-a-dia: música de caça, música de oração, de

cozinhar, etc. Já na ‘vida moderna’ a música está presente em nossa vida civilizada tanto no vai-e-vem das modas

descartáveis quanto no que chamamos “ícones musicais”: músicas estabelecidas que celebram aniversário, oração,

casamento, funeral, carnaval, guerra, música de suspense, música para o circo, música para chorar... e, quando se une

à poesia, música romântica, música para comerciais, cinema entre outros tantos.

Referências diversas

A maior parte da música já produzida com letra em todos os tempos, celebra paixão, felicidade amorosa, abandono,

ciúme, desejo, saudade, ou seja, todas as situações possíveis e imagináveis. Atualmente existe uma associação

bastante forte de que uma música com tons menores e andamentos lentos vai refletir tristeza ou sentimentalismo e a

música com tons maiores e andamentos rápidos para alegria e energia.

As referências à música na Bíblia passam pelas suas três funções: música de cura, música de adoração e música de

festa. A relação dos sons musicais com a saúde humana é fato comprovado desde quando a mente perturbada de

Saul era curada pela música (1Sm 16,23). Hoje a musicoterapia é uma graduação universitária. Eliseu pagou um

músico para que o assistisse na busca de inspiração profética (2Rs 3,15).

A música está presente na totalidade dos cultos religiosos existentes, além de ser associada ao culto à pátria, culto à

natureza, entre outros tantos.

O primeiro músico virtuoso e compositor foi Davi: “A tradição de que Davi era um hábil músico aparece nas partes

mais antigas dos seus relatos. Ele próprio tocava harpa diante da Arca (2Sm 6). Assim, a tradição de que ele tenha sido

o principal artífice da organização primitiva da música se baseia em uma sólida memória na história”.

Estudo: o papel do músico nas igrejasAcompanhar o canto congregacionalLeia também sobre o novo hinário

O papel de cada músico integrante da orquestra nos templos da Congregação Cristã é o de tão

somente acompanhar o canto congregacional, isto é, o canto da irmandade.

Os hinos são pura música coral (dividida em 4 vozes: soprano, contra-alto, tenor e baixo) executada pela irmandade,

tem uma nota para cada sílaba de texto para facilitar o canto. Cabe aos músicos a responsabilidade de repetir essas

notas como se os instrumentos musicais estivessem cantando a parte coral, isto é, a melodia; mas com menor

intensidade de som (volume) em relação às vozes decanto da irmandade.

Não existe arranjo orquestral ou entradas para solistas, tudo é pensado e organizado de maneira muito simples, sem

preparo para sofisticação musical ou performática. Pratique todo o Louvor com sabedoria, diligência e respeito.

Sobre o hinário CCB

O hinário da Congregação Cristã no Brasil é intitulado de "Hinos de Louvores e Súplicas a DEUS" e encontra-se na sua

4ª edição, datada de 1965, quando foram adicionadas novas melodias e poesias. Muitas melodias são de autores norte

americanos e italianos, com algumas poesias traduzidas e semi-traduzidas do inglês e do italiano. São atualmente 450

hinos e entre eles há melodias especiais para batismos, santas ceias, funerais, 50 para as "Reuniões de Jovens e

Menores" e sete coros.

Atualmente está em desenvolvimento uma nova edição do hinário – 5ª edição – com previsão de 30 hinos adicionais

e correções nos demais hinos existentes da 4ª. edição. O livro original chamava-se “Inni e Salmi Spirituali”, publicado

em italiano no começo do século 20 pela “Assembléia Cristã Italiana de Chicago”, EUA. Os hinários com notação

musical seguem o modelo europeu, contendo as claves de Sol e de Fá, e estão escritos para instrumentos em Dó, Mi

bemol e Si bemol.

Discernimento do músico espiritual

Enquanto isto, a música executada para adoração a DEUS deve seguir princípios de sentido Sacro. Por outro lado,

devido às influências ‘mundanas’ e modismos no mundo da época presente, os professores de música e os estudantes

de música devem estar atentos para discernir os estilos e ritmos para não ser influenciado por modismos e formas de

tocar durante o seu aprendizado (estejamos conectados com a comunhão no Espírito Santo de DEUS).

Não devemos inovar com “ritmos da moda” nem ter simpatia por um estilo musical diferente dentro da igreja, os

quais, são não apropriados para a adoração à DEUS, pois não agrada a Ele, ou seja, é música profana. Diz-se profano o

que está em oposição ao sacro, aquilo que não é próprio para as funções do culto, e por isto não é próprio para

Louvar a DEUS. Por isto, o papel do músico espiritual é elevar um Louvor com suavidade para a aceitação de DEUS.


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Ritmo: início do cursoIntrodução ao ritmo

O quê é teoria musical?

Contagem de notas

Propriedades do ritmo

Solfejo de gráficos sonoros

Deus seja louvado

Ritmo: início do curso

Agora você começa a descobrir a importância da teoria musical para ter domínio sobre a prática musical e saber como

ela pode nos ajudar, vamos descobrir passo-a-passo como fazer a contagem de notas – saber quais são e o que

significa notas e pausas, descobrir como contar a as pulsações de tempo, como ler unidades de tempo, e familiarizar-

se com ritmo e dinâmica.

Se você é novo na teoria da música, aqui é onde tudo começa: a pulsação do ritmo que trata o andamento da música,

neste momento falaremos do tamanho das medidas de tempo (e não do estilo de ritmos).

O quê é teoria musical?

O valor da teoria musical

Uma das coisas mais importantes para se lembrar sobre teoria musical é que a música veio

primeiro. A música existe há milhares de anos antes e a teoria veio para explicar o que as

pessoas estavam tentando realizar quando faziam sons nos tempos mais remotos mesmo

sem entender teoria musical. Os conceitos e regras da teoria da música são muito parecidos

com as regras da língua escrita, pois as regras gramaticais vieram muito depois desde que

as pessoas se comunicam em diversos idiomas em todo o mundo.

Aprender a ler música é exatamente como aprender uma nova língua, a ponto de uma pessoa ser fluente para “ouvir”

uma “conversa” musical quando ler um pedaço de partitura. Existem muitas pessoas no mundo que não sabem ler

nem escrever, mas conseguem se comunicar bem falando de seus pensamentos e sentimentos. Por isto, a teoria

musical é importante para ajudar-nos a ler e escrever musicalmente falando.

Como a teoria musical vai ajudar a minha música?

Se você não conhece teoria musical, talvez pode imaginar que a música é algo que pode começar com qualquer nota,

ir para onde quer, que o músico pode tocar com a intensidade ou força que preferir, e só parar quando sentir vontade

por conta própria; mas isto seria confuso, o resultado desastroso e o esforço do músico seria inútil.

Por isto, saber os principais símbolos e princípios da teoria musical nos ajuda a compreender como fazer uma música

organizada, criar uma forma de comunicação com seus ouvintes, definir alturas e timbres de bom gosto e

principalmente organizar corretamente as suas propriedades.

Aprender sobre teoria musical também é incrivelmente inspirador. Cada novo descobrimento é como uma lâmpada

se acendesse sobre a sua cabeça e deixasse um novo aprendizado para ser alicerce do próximo descobrimento, pois o

desejo de experimentar uma nova técnica musical nos dá confiança muita curiosidade para saber a próxima lição.

Os benefícios da teoria musical

A música é reconhecida por muitos pesquisadores como uma espécie de modalidade que desenvolve a mente

humana, promove o equilíbrio do corpo, alma e coração; proporcionando um estado agradável de bem-estar,

facilitando a concentração e o desenvolvimento do raciocínio. Platão dizia que “a música é um instrumento

educacional mais potente do que qualquer outro”.

Aprender a lermúsica é comoaprender umnovo idioma,uma nova língua.


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Condições para aprender músicaBoa memória, muito estudo e dedicação

Seguramente respondemos que para aprender música o candidato precisa ser muito interessado para adquirir através

de (muito) estudo e dedicação:

a memória auditiva (lembrança de sons);

a memória mecânica (técnica instrumental);

a memória visual (reconhecimento das figuras e símbolos musicais).

Começaremos nosso estudo com a origem e reconhecimento da grafia do código musical onde a memória visual vai

atuar para conhecer o tamanho dos tempos musicais com o solfejo e pulsação. Observa-se muita dificuldade na

associação entre a música executada e sua grafia musical porque:

a arte musical executada é acústica, aérea, invisível e condicionada ao tempo, e,

a arte musical codificada é silenciosa, espacial com caracteres estáticos.

Descobriremos juntos que o aprendizado constante e o desenvolvimento em grupo, o músico aumenta em muito a

abrangência de sua atuação na arte musical, então vale a pena o esforço e dedicação. As propriedades são:

memória visual (leitura da grafia / figuras), aliada à

memória auditiva (a mais importante delas / o som), e à

memória mecânica (técnica instrumental).

Contagem de notasEntendendo o ritmo, pulsação, tempo e valores de notas

Todo mundo já ouviu música e em algum momento foi pedido para batermos as palmas de nossas mãos. Por isto,

contar uma pulsação é exatamente onde nós temos que começar com a música (a pulsação). Sem compreender o

ritmo, não existe ordem para fazer a música e nada acontece para as coisas entrarem no lugar na orquestra.

Apesar de todas as outras partes da música ser muito importantes (afinação, melodia, harmonia e assim por diante),

sem ritmo (pulsação constante de ordenada) nós não teremos uma música organizada.

Não se preocupe, pois você não tem que ser perfeito como um relógio de pulso ou um metrônomo para manter o

ritmo exatamente igual a próxima pulsação rítmica. Tudo ao nosso redor tem um ritmo (um tipo de pulsação); como

o motor de um carro, a respiração de bebês e o nosso próprio batimento cardíaco.

Pulso: um pulso ou uma pulsação é a parte unitária do tempo, um relógio é um bom exemplo. A cada minuto o

ponteiro de segundos se movimenta (pulsa) 60 vezes. Ou seja, sessenta batimentos regulares a cada minuto. Se você

acelerar ou desacelerar a mão para a próxima batida, então você está mudando o ritmo da batida, aí teremos uma

pulsação irregular e fora de ritmo.

Cada música nos diz como devemos tocar e qual vai ser a duração de cada pulsação e a velocidade do andamento.

Ritmo: é o padrão de pulsos regulares ou irregulares.

Pulsação: série de repetições, pulsações constantes que divide o tempo em tamanhos iguais. Cada pulsação

também é chamada de batidas, mas usaremos sempre o termo pulsação.

Tempo: é a taxa ou a velocidade da batida.

Quando você pensa em uma música, logo você pensa em um som.

Propriedades do ritmo

A duração do som e do silêncio é representada por figuras que fornecem o tempo exato de duração. Nesse momento,

o som passa a ser organizado pelo ritmo. Agora usaremos as gráficos de barra para definir a explicação e alguns

exercícios visuais com a duração do tempo.

PulsoÉ a regularidade do tempo. Cada pulso deve ser regular (ter partes iguais e andamento constante):

Acento métricoÉ a acentuação periódica e regular dos pulsos:

Acentuações de 2 em 2 pulsos



Desenho rítmicoÉ a combinação de durações curtas e/ou longas que faz como o nome diz, o desenho rítmico da obra musical.

AndamentoÉ a velocidade de repetição da pulsação, podendo acelerar ou retardar o tempo entre um pulso e outro:

Pulsações mais lentas

Pulsações mais rápidas

O ritmo tem quatro propriedades: pulso, acento métrico, desenho rítmico eandamento.

FORTE fraco FORTE fraco FORTE fraco

FORTE fraco fraco FORTE fraco fraco FORTE fraco fraco

FORTE fraco fraco fraco FORTE fraco fraco fraco


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Solfejo

Solfejo é um exercício musical usado para aprender a ler ou entoar os nomes das notas de uma peça musical.

A pessoa que solfeja, chamamos de: Solfista.

O solfejo está dividido em 3 tipos:

a) Solfejo rítmico: estuda-se combinações das durações dos sons em seus grupos rítmicos.

b) Solfejo melódico: estuda-se a entonação das notas em suas devidas alturas.

c) Solfejo métrico: estudam-se as notas, respeitando a divisão rítmica, não obedecendo a altura das mesmas.

Gráficos sonorosSolfejo rítmico

Pense em música como uma linguagem

Pense na música como as letras do alfabeto, isto é o básico para a construção de uma peça musical.

Agora vamos medir os valores com as barras e perceber como isto é importante na música, porque se você alterar os

valores em um determinado trecho musical, isto pode alterar totalmente a forma de tocar e a estrutura rítmica não

será obedecida.

Vamos usar as barras para praticar o solfejo rítmico e combinar: pulso (constante), acento métrico (periódico),

desenho rítmico (valores misturados) e o andamento (velocidade).

EU SOU UM CORDEIRINHO (ALEGRE)

Eu sou um Cordeirinho...

...Jesus é meu Pastor.

Sou um feliz menino...

...nos braços do Senhor.

Solfejar é ler os nomes das notas de uma peça musical.

,

,

NÓS TE LOUVAMOS (LENTO)

Nós Te louvamos, por fé, sumo DEUS...

...e imploramos Teu grande favor.

FAZ-ME OUVIR TUA VOZ (MODERADO)

1) Faz-me ouvir tua voz gloriosa; // 2) Sou tua igreja, dileta esposa;

1) Ó caro Esposo e meu salvador // 2) Sinto por ti inefável amor.

OH! QUE AMOR CELESTE! (ANDANTE)

Bem perto está dos Seus fiéis....

... Jesus, o grande Mestre.

,

,

,

,


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Figuras de valor

Nomes e figuras de valor positivo e negativo

Nome da figura musical ApelidoSom = Musical

Figura de valor positivoPausa = Silêncio

Figura de valor negativo

SemibreveUnidade de valor

1

Mínima 2

Semínima 4

Colcheia 8

Semicolcheia 16

Fusa 32

Semifusa 64

Outro exemplo da hierarquia de valores proporcionais:

Existem 7 (sete) figuras de valor positivo (som) e sua figura de valor negativo (pausas) de igual duração entre si.

Semibreve Mínima Semínima Colcheia Semicolcheia Fusa Semifusa

É o sinal que indica a duração do som e do silêncio.

som

pausa

1 Semibreve 2 Mínimas 3 Semínimas 8 Colcheias

16 Semicolcheias

Quadro comparativo de valores positivos

Cada nível desta árvore de figuras musicais de valor positivo (som) exibe a duração proporcional de valores. No topo

está a figura principal, abaixo a figura que vale metade, e assim sucessivamente.

Estas são as figuras de valor mais comuns – cada figura seguinte tem exatamente metade do valor da figura anterior.

Outra maneira de pensar no valor das figuras musicais é imaginar o todo como uma torta redonda. Para dividir em

quatro notas, corte-a em quartos. Corte a torta em oito pedaços e vai ter um oitavo de notas, e assim por diante.

Dependendo do tempo de assinatura da peça musical, o número de batidas por nota pode variar.

Correspondência de valores das figuras musicais:

Semibreve2 4 8 16 32 64

Semínima2 4 8 16 32

Mínima2 4 8 16

Colcheia2 4 8

Semicolcheia2 4

Fusa2

1

2

4

8

16

SemibreveUnidade de valor

MínimaMetade da semisbreve

SemínimaQuarta parte da semibreve

ColcheiaQuarta parteda semibreve

SemicolcheiaOitava parteda semibreve


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Representação gráfica da equivalência de valores entre as figuras musicais de valor:

1 SEMIBREVE = 2 MÍNIMAS = 4 SEMÍNIMAS

1 MÍNIMA = 2 SEMÍNIMAS = 4 COLCHEIAS

1 SEMÍNIMA = 2 COLCHEIAS = 4 SEMICOLCHEIAS

Quadro comparativo de valores negativos

Cada nível desta árvore de figuras musicais de pausa (duração do silêncio) exibe a duração proporcional dos valores

negativos. No topo está a figura principal de pausa, abaixo a figura que vale metade, e assim sucessivamente.

Representação gráfica da equivalência de valores entre as figuras musicais de pausa:

1 SEMIBREVE = 2 MÍNIMAS = 4 SEMÍNIMAS

1 MÍNIMA = 2 SEMÍNIMAS = 4 COLCHEIAS

1 SEMÍNIMA = 2 COLCHEIAS = 4 SEMICOLCHEIAS

1

2

4

8

16

Nota cheiaUnidade de valor

Meia nota

Quarto de nota

Oitavo de nota

Dezesseis partesda nota

Pausa da semibreve

Pausa da mínima

Pausa da semínima

Pausa da colcheia

Pausa da semicolcheia


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Regras de grafiaDevemos seguir algumas regras de grafia na escrita musical. As figuras de notas podem ser compostas de três partes:

As figuras escritas abaixo da 3ª linha têm a haste voltada para cima e à direita da cabeça. As figuras escritas acima da

3ª linha têm a haste voltada para baixo e à esquerda da cabeça. As escritas na 3ª linha podem ter a haste para cima ou

para baixo. O tamanho da altura da haste deve corresponder a uma oitava:

Forma de escrita da colcheia:

O colchete é sempre voltado para a direita, com as hastes escritas conforme a regra anterior:

Exemplo dos colchetes ligados por uma linha:

Formas variadas de escrita da colcheia, semicolcheia e fusa:

Em um grupo de figuras, os colchetes também podem ser ligados por um ou mais traços, dependendo da figura:

Exemplo dos colchetes ligados por duas linhas:

Exemplo dos colchetes ligados por três linhas:

Haste

CabeçaColchete

Percepção rítmicaAgora que já sabemos onde vamos usar a nossa música, que sua principal propriedade é o ritmo e que a música é

como aprender uma nova linguagem de comunicação, chegou a hora de descobrir como fazer a divisão de pulsos,

mantê-la no ritmo com tempos iguais tal como é o papel do músico com seu instrumento musical na orquestra.

A única maneira de aprendermos isto é praticando, praticando e praticando. Seguir a pulsação da música é algo que

você vai aprender para ter sucesso nos estudos musicais; vai precisar praticar sempre com muita dedicação.

Dica: uma maneira fácil de trabalhar com ritmo constante é usando o metrônomo; eles são muito baratos, você pode

configurar a velocidade do tempo e várias formas para que seu aprendizado esteja confortável.

Vamos descobrir como usar a palma da mão nas figuras de valor (som):

Nos primeiros exercícios de divisão rítmica, o Método Pozzoli apresentará compassos simples onde a unidade de

tempo é a figura de Semínima para a rápida compreensão dos estudantes na prática de solfejo.

Como fazer?Pulsações

Quantidadede batidas

Som = MusicalFigura de valor positivo

CorrespondênciaComparação de valores

Quatro pulsações inteiras: bata a palma emantenha as mãos unidas até o fim dacontagem: “palma”, dois, três, quatro.

4 temposTá

Duas pulsações inteiras: bata a palma emantenha as mãos unidas até o fim da

contagem: “palma”, dois.

2 temposTá

Três pulsações inteiras: bata a palma emantenha as mãos unidas até o fim da

contagem: “palma”, dois, três.

3 temposTá

A figura pontuada aumenta o valor na metade do tempo da figura.

Representa a nossa unidade de tempo dabatida de palma. Bata a palma uma vez.

1 tempoTá

Duas pulsações inteiras: bata a palma emantenha as mãos unidas até o fim da

contagem: “palma”, dois.

1 tempoTá

A figura conectada pela ligadura prolonga o valor de tempo das figuras ligadas.

Divida a unidade de tempo em duaspulsações rápidas. Bata duas palmas no

tempo de uma figura de semínima.

1/2 tempoTa-ti

Divida a unidade de tempo em quatropulsações rápidas. Bata quatro palmas no

tempo de uma figura de colcheia.

1/4 tempoTa-ti-tu-ti


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Solfejar figuras musicaisSolfejo métrico

A seguir vamos praticar alguns exercícios para você saber exatamente como vai fazer nas lições do Método Pozzoli.

Isto vai nos ajudar a registrar valores no cérebro e identificar o efeito das pulsações na palma da mão e na contagem

mental.

Na pronúncia vamos adotar a técnica Tá-ti & Tu-ti onde a palma vai marcar a pulsação do tempo (sinal “P”) enquanto

pronunciamos nossa contagem (conforme as dicas da tabela na página anterior). Os números determinam a

contagem mental do valor da figura (apenas na mente) sem bater a palma da mão novamente.

Legenda da palma e da pronúncia:

Palma/2/3/4 Palma/2/3/4 Palma Palma/2 Palma Palma/2 Palma/2 Palma/2/3/4Tá Tá Tá Tá Tá Tá Tá Tá

P P+P P/ 2 P/2/3/4 P/2/3 P P+P P2/3 P/2 P/2Tá Tá-Ti Tá Tá Tá Tá Tá-Ti Tá Tá Tá

Legenda da palma para praticarmos a pronúncia:

P 2 3 4 P/2/3 P P/2/3/4 P/2/3/4 P P P/2

P/2 P/2 P/2/3 P P/2/3/4/5 P/2/3 P/2 P/2

Estudo: história da música & orquestraGrandes períodos da música, formações e layoutsDa pré-história à música atual contemporânea

Pré-história (dos primórdios ao nascimento de Jesus Cristo)

A música nasceu com a natureza, ao considerarmos que seus elementos formais, som e ritmo, fazem parte do

universo e, particularmente da estrutura humana. O homem descobriu os sons que o cercavam no ambiente e

aprendeu a distinguir os timbres característicos da canção das ondas se quebrando na praia, da tempestade e das

vozes dos vários animais selvagens.

Música na antiguidade (do nascimento de Cristo até 400 D.C.)

O mistério continuou a envolver a música da antiguidade pela inexistência de uma notação musical clara. No entanto,

as antigas civilizações cultivavam a música como arte em si mesma, embora ligada à religião e à política. Nas grandes

civilizações antigas - Egito, Grécia, Roma - a música tinha um papel fundamental em todas as atividades do dia-a-dia.

Música medieval (400 - 1400)

O período é marcado pela música modal praticada nas “himnodias” e “salmodias”, no canto gregoriano, nos

“organuns polifônicos”, nas composições polifônicas e música dos trovadores e/ou troveiros.Principais compositores:

Hildegarda de Bingen, Leonin, Pérotin, Adam de la Halle, Philippe de VitryGuillaume de Machaut, John Dunstable,

Guilaume Dufay e Johannes Ockeghem.

Renascimento (1400 - 1600)

Nos séculos XV e XVI a música vocal polifônica passa a conviver com a música instrumental nascente. Destacam-se a

polifonia franco-flamenga (França e região de Flandres parte da Holanda e Bélgica atuais), a polifonia da escola

romana e a música dos madrigalistas italianos. Principais compositores: Alexnder Agricola, Josquim des Prez, Thomas

Tallis, Jacob Clemens non Papa, Giovanni Pieluigi da Palestrina, Orlando de Lasso, William Byrd, Carlos Gesualdo e

Claudio Monteverdi.

Barroco (1600 - 1730)

Neste período predomina uma música vocal instrumental voltada para o texto a ser cantado. É a época das primeiras

óperas, das grandes cantatas e oratórios e da fuga, definindo o início da música tonal. A polifonia, com as vozes

melódicas independentes do coro, cede lugar à homofonia. Principais compositores: Claudio Monteverdi, Jean-

Baptiste Lully, Johann Pachelbel, Arcangelo Corelli, Henry Purcell, Alessandro Scarlatti, François Couperin, Tomaso

Albinoni, Antonio Vivaldi, Georg Philipp Telemann, Jean Philippe Rameau, Johann Sebastian Bach, Domenico Scarlatti,

Georg Friedrich Handel, Giovanni Battista Sammartini, Giovanni Battista Pergolesi.

Pré-Classicismo

Desde o início a ópera é a música mais popular na Itália, fazendo a transição entre o barroco e o classicismo. O seu

principal compositor é Alessandro Scarlatti (1660-1725), pai de Domênico Scarlatti (1685-1757), e a cidade de Nápoles

foi o centro da atividade operística.


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Clássico ou Classicismo (1730 - 1810)

O passo definitivo para a música tonal é dado com a sonata clássica. Nela os momentos de tensão e relaxamento

tornam-se a base da construção formal de obras para instrumento solo e posteriormente para quartetos de cordas,

trios e sinfonias. Haydn e Mozart fazem da sonata a forma musical mais importante do final do século XVIII e início do

século XIX. Principais compositores: Giovanni Battista Sammartini, Carl Philipp Emanuel Bach, Johann Christian Bach,

Karl Ditters von Dittersdorf (1739 - 1799), Andrea Luchesi, Giovanni Paisiello, Christoph Willibald von Gluck, Franz

Joseph Haydn, Michael Haydn, Luigi Boccherini, Carl Stamitz, Wolfgang Amadeus Mozart, Domenico Cimarosa, José

Maurício Nunes Garcia (Brasil), Beethoven, Carl Maria von Weber, Franz Schubert, Antonio Salieri.

Pré-Romantismo (1790 - 1820)

Entre o fim do século XVIII e o começo do século XIX, o rígido formalismo clássico estava em declínio, sem que, no

entanto, nenhum outro estilo se pusesse à vista.

Romantismo (1810 - 1880)

Sobre bases tonais sólidas, o período romântico é o derradeiro momento da música tonal. As formas livres, lieds,

prelúdios, rapsódias, o sinfonismo, o virtuosismo instrumental e os movimentos nacionais incorporam elementos

alheios à tonalidade escrita do classicismo e esta lentamente se desfaz. Principais compositores: Beethoven, Franz

Schubert, Robert Schumann, Felix Mendelssohn, Niccolò Paganini, Edvard Hagerup Grieg, Fryderyk Franciszek Chopin,

Stanislaw Moniuszko, Carl Maria von Weber, Johannes Brahms, Hector Berlioz, Antonín Dvořák, Jan Sibelius, Bedřich

Smetana, Franz Liszt, Gustav Mahler, Anton Bruckner, Sergei Rachmaninoff, Richard Wagner, Giuseppe Verdi, Giacomo

Puccini, Gaetano Donizetti, Gabriel Fauré, Richard Strauss, Camille Saint-Saëns, Pyotr Ilyich Tchaikovsky, Modest

Mussorgsky, Pietro Mascagni, Gioacchino Rossini.

Impressionismo (1880 - 1920)

Esse movimento surge na França, em meados do século XIX, como um novo modo de percepção do mundo, que se

reflete principalmente na música e nas artes plásticas. A arte do extremo oriente de inspiração dos impressionistas se

revela na valorização da sonoridade dos instrumentos e dos jogos harmônicos.

Modernismo (1910 - 1940)

As catástrofes sociais que abalaram o mundo na primeira metade do século XX mostraram o quanto era falso

continuar fazendo música em termos de passado.

Música contemporânea

Decorre diretamente do serialismo de Webern, da música de Olivier Messiaen (1908-1992) e do italiano Luigi

Dallapicolla (1904-1975). Consiste em um sistema em que são acrescentadas à série de alturas uma série de durações,

uma série de intensidade e uma série de timbres.

Música erudita no Brasil

A mais remota referência à música no Brasil encontra-se na carta de Pero Vaz de Caminha, que relata ao rei de

Portugal a musicalidade dos nativos. Outras referências aparecem nas anotações do padre Manoel da Nóbrega que

chega ao Brasil com os primeiros jesuítas, a partir de 1549, mencionando também as melodias gregorianas.

Definição de orquestraUma orquestra é um agrupamento instrumental utilizado, sobretudo para a execução de música erudita. A palavra

orkhéstra ou orkèstra vem, no entanto, da Grécia clássica e designava o espaço físico dos anfiteatros (os teatros ao

ar livre), no qual ficavam os cantores, os dançarinos e os músicos.

'Orkhéstra' provém do verbo 'orcheisthai', que significava 'dançar' ou 'eu danço'. O vocábulo grego passou ao latim

como 'orchestra' com o mesmo significado, como documentam os escritos de diversos poetas romanos. No século I,

Vitrúvio e Suetônio a utilizaram para designar o lugar destinado aos senadores no teatro romano ao ar livre.

Na Grécia, durante o século V a. C., os espectáculos eram apresentados em teatros ao ar livre, chamados anfiteatros.

Orquestra era o nome dado ao espaço que se situava em frente à área principal de representação e que se

destinava às evoluções do coro, que cantava e também dançava. Neste local ficavam também os instrumentistas

No início do século XVII começaram a ser apresentadas as primeiras óperas que tinham originalmente a intenção de

imitar os dramas gregos e, portanto, a mesma palavra, orquestra, foi usada para designar o espaço entre o palco e a

audiência ocupado pelos instrumentistas. Mais tarde, orquestra passou a designar o próprio grupo de músicos e o

conjunto de instrumentos que eles tocavam.

A concepção moderna de uma orquestra surgiu na Europa e é, na verdade, o ápice de quase cinco séculos de

evolução, com muitas mudanças e variadas dimensões. Seu objetivo é reunir homogeneamente, como numa fusão,

os elementos acústicos e os timbres de diferentes tipos de instrumentos, tornando-se um só grande instrumento.

Foi na Itália do começo do século 17, sob a influência da Renascença clássica, que o termo orquestra passou a ser

utilizado novamente, para designar o espaço físico onde ficavam os músicos, entre o palco e o público, nas

apresentações das primeiras óperas, réplicas dos antigos dramas gregos.

Dentro desse conceito. os primeiros grupos classificados como “orquestras” foram aqueles determinados pelo

veneziano Giovani Gabrielli (1557-1612) para o acompanhamento de suas ’’Sinfonias Sacras’’ compostas por volta

do ano de 1600.

Quase simultaneamente, em Florença, Cláudio Monteverdi (1567-1643) também definiu uma orquestra para o

acompanhamento de sua ópera “Orfeo”, composta em 1607.

Breve histórico da orquestração

O aumento nos naipes de sopro levou à necessidade de uma quantidade gigantesca de músicos para o naipe das

cordas, para que seu volume pudesse ser equilibrado aos demais naipes da orquestra, posto que cada instrumento

da família das cordas possui individualmente volume muito inferior aos instrumentos das madeiras e dos metais.

Esse aumento progressivo no tamanho da orquestra levou a duas direções do ponto de vista da técnica musical de

orquestração: (1) a orquestra tornou-se um grupo de muito maior potência sonora, acompanhando a tendência de

aumento do tamanho das salas de concerto e do público; (2) permitiu aos compositores uma gama maior de

combinações de timbres, o que numa comparação com as cores na pintura acabou recebendo a qualificação de

“palheta orquestral”.


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No entanto, dentre os compositores do século XIX, alguns se mantiveram mais apegados à orquestra clássica e às

formas tradicionais da sinfonia e do concerto.

Pode-se citar neste grupo, sem a pretensão de ser exaustivo, compositores como Schubert, Schumann,

Mendelssohn, Chopin ou Brahms.

Outros compositores podem ser apontados como mais comprometidos com o desenvolvimento da orquestra e

também, coincidentemente, com as formas musicais (notadamente com a criação do poema sinfônico e das novas

formas de composição de ópera) e com a linguagem harmônica; nesse grupo estão incluídos, principalmente,

Berlioz, Liszt e Wagner, numa tradição de vanguarda que tem continuidade na virada do século XIX para o XX, com

Bruckner, Mahler, Richard Strauss, Rimsky-Korsakov, Mussorgski, Debussy, Ravel, Respighi e até Schoenberg, em sua

primeira fase (antes de 1912).

São esses os compositores que mais desenvolveram combinações inusitadas entre os timbres dos instrumentos,

técnicas arrojadas de execução dos próprios instrumentos, e também uma escrita rítmica e harmonicamente cada

vez mais complexa.

Um grande exemplo é, sem dúvida, a “Sinfonia Fantástica de Berlioz”, escrita em 1830, apenas 3 anos após a morte

de Beethoven; outro exemplo é uma composição considerada muito avançada, é o prelúdio da ópera “Tristão e

Isolda”, de Wagner, concluída em 1859.

A orquestração deixou de seguir um padrão mais ou menos aceito por grande conjunto de compositores e tornou-

se muito dinâmica: praticamente existe uma forma diferente de orquestração para cada compositor ou, ainda mais,

formas de orquestração específicas para diferentes obras do mesmo compositor.

A grande característica da orquestra do século XX é o aumento da presença dos instrumentos de percussão, que

também ganham muito em variedade.

Uma orquestra sinfônica dispõe cinco classes de instrumentos:

as cordas (violinos, violas, violoncelos, contrabaixos, harpas);

as madeiras (flautas, flautins, oboés, corne inglês, clarinetes, clarinete baixo, fagotes, contra-fagotes);

os metais (trompetes, trombones, trompas, tubas);

os instrumentos de percussão (tímpanos, triângulo, caixas, bombo, pratos, carrilhão, xilofone e outros);

os instrumentos de teclas (piano, cravo, órgão).

As orquestras são conduzidas por um maestro, embora não fosse assim com as orquestras originais, sendo a

condução responsabilidade do líder de orquestra. Também noutros casos não existe maestro, como em orquestras

pequenas, ou em reproduções realistas de música barroca.

História da orquestra sinfônicaA história da orquestra está ligada à história da música instrumental. Sempre existiu a prática de música em

instrumentos musicais, mas em geral esta prática foi sempre minoritária em relação à música vocal. Na maioria das

vezes, inclusive, os instrumentos musicais eram usados como apoio ou acompanhamento às vozes.

Foi no século XVI, durante o Renascimento que a música instrumental começou a ser praticada de forma autônoma,

ou seja, os instrumentos musicais ganharam o status de merecerem ser ouvidos independentemente da música

vocal. A idéia de formar grupos instrumentais também já é muito antiga, mas durante o período medieval estes

grupos não tinham uma estrutura definida.

Mas o surgimento da orquestra está ligado a uma autonomia e uma padronização dos grupos instrumentais,

seguindo uma tendência de desenvolvimento da cultura urbana & alta sociedade. Neste sentido, os primeiros

grupos a serem classificados como orquestras são aqueles determinados pelo veneziano Giovani Gabrielli (1557-

1612) para o acompanhamento de suas ’’Sinfonias Sacras’’ compostas por volta de 1600. Quase simultaneamente,

em Florença, Claudio Monteverdi (1567-1643) também define uma orquestra para o acompanhamento de sua

ópera L'Orfeo, composta em 1607.

Estas orquestras primitivas, surgidas no início do período barroco, foram os primeiros grupos instrumentais com

instrumentos definidos, correspondendo às primeiras tentativas feitas por compositores em obter um grupo

instrumental de timbre definido. A partir deste período, os compositores passaram a não mais deixar a definição do

timbre dos grupos instrumentais a cargo dos executantes, institucionalizando uma certa formação instrumental.

Neste momento, ainda não havia uma fixação da formação orquestral, o que só iria acontecer no fim do primeiro

quartel do século XVIII.

História da orquestra na Congregação CristãA Obra de DEUS no Brasil foi iniciada em 1910. Até 1932 não havia orquestras nos tempos das congregações; apenas

alguns possuíam órgão eletrônico. Em maio desse mesmo ano, DEUS fez saber a seu servo, o irmão Louis Francescon,

que convocasse uma reunião de anciães, diáconos e alguns jovens, a fim de orarem a DEUS e apresentarem a

necessidade de um conjunto de instrumentos que auxiliasse a irmandade no canto dos hinos. Desde então, muitos

irmãos interessaram-se em estudar música, formando assim as primeiras orquestras. Crescendo cada vez mais o seu

número, passou essa parte a integrar-se na Obra de DEUS. Consideraram então os Anciães a necessidade de haver um

irmão Encarregado da parte musical, tendo DEUS apontado para esse encargo o irmão Ancião João Finotti, que além

de Ter sido um dos primitivos chamados a esta graça, também era músico.

Como crescesse a Obra de DEUS e o irmão João Finotti não pudesse atender a todos exames dos músicos, foram

colocados como seu auxiliares os irmãos Miguel Oliva e João Baptista Vano, por ocasião da última viagem de nosso

irmão Ancião Louis Francescon ao Brasil, em 1948. Anos após foram colocados mais auxiliares, tanto para este Estado

(São Paulo) como para outros.

Ora, havendo o Senhor recolhido para Seu reino o caro irmão Ancião João Finotti no dia 01/10/1966, ficou deliberado

em uma das reuniões gerais do Ministério de Anciões, não haver mais Encarregado Geral das Orquestras.


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Os irmãos que eram Auxiliares do mesmo passarão a ser Encarregados Regionais, sendo que os irmãos Miguel Oliva e

João Baptista Vano, como primitivos, atenderão a todas as regiões onde não haja Encarregado Regional. À medida

que DEUS preparar serão colocados mais Encarregados Regionais.

Fonte: Histórico das Orquestras na Igreja - editado por CCB.

Formações instrumentais

Os instrumentos musicais podem ser agrupados de várias maneiras e recebem denominações de acordo com sua

formação.

Conjunto de Câmara: Grupo formado por dois, até nove instrumentos, iguais ou diferentes e recebem a

classificação de acordo com o número de participantes: Duo, Trio, Quarteto, Quinteto etc.

Orquestra de Câmara: Grupo instrumental de dez até trinta integrantes.

Orquestra Sinfônica: Grupo instrumental com mais de trinta integrantes podendo chegar a cem ou mais.

Banda: Conjunto com instrumentos de sopro e percussão. Existe a formação para Banda Marcial, própria para

desfiles, e Banda Sinfônica, a qual também pode utilizar alguns instrumentos de corda.

Exemplo de formação de Banda Sinfônica:

Exemplo de formação de Orquestra Sinfônica ou Filarmônica:

Exemplo de formação de Orquestra cristã (o exemplo a seguir é uma sugestão de posição na C.C.B.):


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Disciplina, ordem e socialização na Orquestra cristã

Para a formação de músicos eruditos que serão preparados para tocar, interpretar hinos de louvores e súplicas a DEUS

de forma solene – com disciplina, é de suma importância aplicar metodologias desenvolver esta prática.

A prática da música contribui no desenvolvimento da inteligência e reflete na aprendizagem geral, favorecendo o

desenvolvimento cognitivo / lingüístico (conhecimento, estímulos, intelecto, tocando, audição), o desenvolvimento

psicomotor (movimento, sistema nervoso, senso rítmico) e o desenvolvimento sócio-afetivo (respeito, realização,

auto-estima, socialização, emoções, segurança).

Papel dos professores e orientados do curso de teoria musical:

Sugerir um padrão de ensino com orientação dirigida à execução, leitura e interpretação solene de hinos

sacros de louvores e súplicas a DEUS. Apresentar métodos de teoria musical.

Apresentar os elementos musicais na partitura: tempo, ritmo, andamento, sentimento de interpretação,

sobretudo o de respeitar o sentimento escrito pelo compositor. Usar exemplos auditivos.

Desenvolver o preparo técnico ao domínio instrumental, comportamento na orquestra, uso de embocadura,

palhetas ou boquilhas apropriadas à execução de música erudita na igreja, que é a música sacra.

Apresentar opções diferentes de métodos de autores e partituras clássicos, ou que possui igual objetivo, para

a orientação de músicos eruditos.

Buscar informações extracurriculares e não apenas as convencionais, para o sucesso do aprimoramento de

estudo, participar de eventos musicais, concertos de orquestras, ouvir músicas clássicas e etc.

Aprender os elementos da gramática musical, história da música e principalmente a história do instrumento

musical escolhido. Se possível com o apoio de elementos multimídia (som, vídeo, fotos, etc).

Estas ações e outras iniciativas aos alunos; somadas ao estudo dos hinos com disciplina; do aprimoramento da parte

técnica no instrumento; a boa frequência dos alunos nas aulas de música e nas atividades complementares; o

resultado será apenas um: colher o belo e saudável fruto do esforço para todo o Louvor e glória de DEUS.


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Percepção rítmicaPrática de solfejo do método Pozzoli

Exercícios rítmicos: Ta-ti & Tu-ti

Compasso simples: 1ª até 7ª. série

Compasso composto: 8ª. e 9ª. série

Deus seja louvado

Percepção rítmica: Pozzoli

1ª Série do Solfejo rítmico: compasso simples.

A unidade de tempo da proporção rítmica é a figura de Semínima.

(*) Seguindo a ordem nesta série, o aluno irá superar facilmente as etapas. Naturalmente, se antes de serexperimentado, em todos os exemplos da série, achar que a prova está fácil,poderá omitir uma parte e avançardiretamente para a próxima sério. Além disso, será sempre útil, escrever os exemplos indicamos, também noscompassos que têm por unidade de tempo a metade e a oitava.


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Página 49

(* ) As proposições rítimcas dos compassos a quatro tempos são já bastante longas se terminadas no início dosegundo compasso. Toda vez, porém, que o professor julgar oportuno, poderá prolongar de um ou de dois tempos,acrescentando grupos rítmicos necessários e escolhendo entre os mesmos exemplos que estão apresentados acima.


Nesta série as proporções rítmicas são formadas preponderando os grupos que se diferenciam dos usados até aqui,

para o emprego de uma pausa em substituição a uma nota. Veja no exemplo a seguir:


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Proposições rítmicas formadas com os grupos:


Página 53


Os exercícios desta série são formados com ritmos conhecidos e com a união de dois grupos, mediante o auxílio de

ligaduras. Denominares de grupos rítmicos reunidos:

O aluno, seguindo sempre o método de separar as proporções tempo por tempo, e o de contar as notas grupo por

grupo, terá o modo de ver claramente, que estas novas combinações são formadas dos grupos estudados nas séries

anteriores, e por isto, ele já estará familiarizado.

Para que os grupos que temos apresentado em duas formas diferentes, o aluno deverá usar primeiramente a forma

em que é usada a ligação (ligadura), porque com isso terá o modo de ver distintamente cada grupo da proporção,

mas será bom, que ao lado destes escreva também a forma rítmica equivalente.


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Proposições rítmicas formadas com os grupos reunidos:

(*) Este modo de grafar o ponto da nota depois da barra de divisão está completamente abandonado hoje.


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Proposições rítmicas formadas com os grupos reunidos:


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8ª Série do Solfejo rítmico: compasso composto.

Proposições rítmicas formadas pela unidade de tempo e pelos grupos

9ª Série do Solfejo rítmico: compasso composto.

Proposições rítmicas formadas pelos grupos:


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Módulo 1Principais elementos: som, elementos da música, notas musicais, linhas,

claves, compasso (barras, tempo, unidades, simples, composto), fórmula de

compasso, fermata, ligadura, introdução ao solfejo melódico.

Estudo avançado: as vozes

Deus seja louvado


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Módulo 1

A música e os seus elementos

MelodiaÉ o conjunto de sons executados em ordem sucessiva, um após o outro (formato horizontal).

Melodia é a parte principal da música, ela é o que vai caracterizar o movimento e evolução da música. Uma melodia

bem consistente é a chave perfeita para uma música consistente. Melodia pode ser a voz de quem canta, pode ser o

solo de um instrumento musical ou pode ser também o som do vento batendo em uma janela.

HarmoniaÉ o conjunto de sons executados em ordem simultaneamente, formando acordes (formato vertical).

RitmoÉ a ordem e a proporção em que estão dispostos os sons (representado pelas figuras de duração).

Assunto já abordado anteriormente (solfejo rítimico, pozzoli).

Música é a arte de combinar os sons.Os principais elementos são: melodia, harmonia e ritmo.

Som

O som é o resultado das vibrações de um corpo sonoro depois de estimulado. Estas vibrações são transmitidas ao ar

sob a forma que conhecemos como: ondas sonoras que só podem ser vistas a olho nu em objetos flexíveis, como uma

corda de violão ou violino, o diapasão ou um elástico.

Quando as vibrações do som são regulares, produzem sons musicais (sons que podem ser grafados na música).

Quando as vibrações do som são irregulares, produzem barulho, ou seja, um ruído (não-musical não pode ser grafado).

Vibrações regulares Diapasão vibrando Vibrações irregulares

Veja como nosso ouvido “entende” as vibrações de corpos sonoros:

Silêncio é a ausência de qualquer som.

Existem 4 tipos de som, são: ruído, música, voz e silêncio.

Som é toda vibração percebida pelo ouvido humano.

Vibração regular = som musical (violino)

Vibração irregular = ruído (sirene da ambulância)


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Características do som

AlturaA altura do som é determinada pela frequência das vibrações.

Quanto mais rápida a vibração, mais agudo será o som; e quanto mais lenta a vibração mais grave será o som.

Ao ouvirmos uma sequencia de sons, temos a impressão de subida e descida, na realidade o som não sobe nem

desce, mas a sensação auditiva é de altura. Exemplo visual:

DuraçãoÉ determinada pelo tempo de emissão das vibrações (do som).

IntensidadeÉ determinada pela amplitude das vibrações (volume do som). Percebemos sons mais fracos ou mais fortes.

Amplitude é a intensidade/volume do som, que é medida através de decibéis (dB).

O som tem quatro características: altura, duração, intensidade e timbre.

Alta freqüência = Som agudo

Baixa freqüência = Som grave

Som forte (maior amplitude)

Som fraco (menor amplitude)

TimbreQuem nunca se fascinou pelo som de um instrumento, de uma cantora ou da orquestra sinfônica inteira? Estamos

falando do mais audível dos elementos musicais, o timbre

Timbre é a qualidade do som que um determinado instrumento produz, é isto nos permite identificar a sua

origem. Isto vai depender da intensidade e da qualidade dos sons executados por vozes humanos ou instrumentos

musicais diferentes.

Notas musicais

Quem inventou estes nomes foi o Monge italiano Guido D’Arezzo (995 - 1050) que viveu no século 11. Mas as

denominações das notas musicais é ainda mais remota; por exemplo, na Grécia antiga os gregos usavam as primeiras

letras do alfabeto para determinar as sete notas musicais.

DÓ RÉ MI FÁ SOL LÁ SI

Existe também a notação chamada de CIFRAS utilizada em alguns países, representadas por letras do alfabeto:

C D E F G A BDÓ RÉ MI FÁ SOL LÁ SI

Os sons musicais são representados por 7 notas musicais:dó, ré, mi, fá, sol, lá, si.

Ruído(apito, panela,

motor, animais, etc)

Som musical(voz humana,

instrumento musical)


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Pentagrama

As linhas e espaços do pentagrama são numerados de baixo para cima:

LINHAS ESPAÇOS

A altura da nota vai depender de onde está grafada no pentagrama, quanto mais acima mais agudo vai ser o som,

quanto mais abaixo mais grave vai ser o som:

DÓ RÉ MI FÁ SOL LÁ SI DÓ RÉ MI FÁ SOL

Linhas suplementaresAs linhas suplementares são usadas para ampliar a pauta ou pentagrama, que podem ser colocadas acima (sons mais

agudos) ou abaixo do pentagrama (sons mais graves).

As linhas suplementares são feitas para cada nota.

Pentagrama ou pauta musical é o conjunto de cinco linhas e quatro espaços.

Linhas suplementares superiores

Linhas suplementares inferiores

MAIS AGUDO

MAIS GRAVE

Claves

Clave de SolEscrita na 2ª linha, determina a posição da nota sol, esta clave é usada para notas de alturas médias e alturas agudas. A

clave de sol na 2ª. linha define a altura da nota SOL no pentagrama:

A clave indica a altura onde está a nota SOL no pentagrama:

DÓ RÉ MI FÁ SOL LÁ SI DÓ RÉ MI FÁ SOL

Exemplo de instrumentos musicais que usam a clave de SOL: violino, flauta, oboé, trompete, e outros.

Clave é o sinal que dá nome às notas musicais no pentagrama.

DÓ CENTRAL

DÓ CENTRAL


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Clave de FáEscrita na 4ª linha, determina a posição da nota fá, esta clave é usada para notas de alturas médias até alturas agudas.

A clave de fá na 4ª. Linha define a altura da nota FÁ no pentagrama:

A clave indica a altura onde está a nota FÁ no pentagrama:

FÁ SOL LÁ SI DÓ RÉ MI FÁ SOL LÁ SI DÓ

Exemplo de instrumentos musicais que usam a clave de FÁ: violoncelo, fagote, trombone, tuba, e outros.

Veja onde o Dó central está localizado entre as claves de Sol e Fá.

DÓ CENTRAL

DÓ CENTRAL

Clave de DóExemplo de instrumentos musicais que usam a clave de DÓ: viola. Escrita na 3ª linha determina a posição da nota dó,

esta clave é usada para notas de alturas médias. A clave de dó na 3ª. Linha define a altura da nota DÓ no

pentagrama:

A clave marca onde está a nota DÓ no pentagrama:

MI FÁ SOL LÁ SI DÓ RÉ MI FÁ SOL

A clave de Dó pode ser assinada em outras linhas:

Veja a correspondência uníssona entre as claves de SOL e a clave de FÁ no pentagrama:

FÁ SOL LÁ SI DÓ RÉ MI FÁ SOL LÁ SI DÓ RÉ MI FÁ SOL LÁ SI DÓ RÉ MI FÁ SOL

Veja a correspondência uníssona entre as claves de SOL e a clave de FÁ no piano:


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Clave dos instrumentos musicaisOs instrumentos musicais usam a clave mais confortável para a sua tessitura ficar melhor ao intérprete (o músico).

Estão relacionadas a seguir as categorias / naipes de instrumentos musicais com a indicação da clave específica usada

para o respectivo instrumento, são as seguintes:

Vozes humanas:

Soprano (sol), Alto (sol), Tenor (sol oitavado), baixo (fá)

Cordas:

Violino (sol), Viola (dó), Violoncelo (fá), Contrabaixo (fá)

Madeiras:

Flauta Piccolo (sol), Flauta transversal (sol), Oboé (sol), Clarinete (sol), Fagote (fá), Contra-fagote (fá)

Metais:

Trompete (sol), Fliscorne (sol), Tuba (fá), Trompa (sol ou fá), Trombone (fá), Eufônio (fá)

Outros:

Harpa (sol e fá), Piano (sol e fá), Violão (sol)

CompassoCompasso é a divisão da música em partes de tempos de duração igual ou variável.

Barra de compassoA barra de compassos simples é feita com uma linha vertical que separa os tempos:

Barra duplaSeparamos os trechos musicais com a barra dupla que são duas linhas verticais:

Barra finalO final da música ou o final do trecho musical é indicado com a barra final:

Tempos do compasso

Os tempos são agrupados dentro do compasso em proporções iguais de tempo, podem ser: de dois em dois, de três

em três ou de quatro em quatro, assim por diante.

Os compassos têm o seu próprio nome de acordo a sua unidade de tempo, constituindo unidades métricas.

Vamos conhecer detalhadamente nas próximas páginas a seguir.

Unidades de tempo e compasso

Na prática, qualquer figura de nota pode ser usada como unidade de tempo, desde a semibreve até a figura de

semifusa; porém as mais usadas são a mínima, semínima e a colcheia.

Unidade de tempo é a figura que preenche um tempo no compasso

(corresponde ao denominador, número inferior da fórmula de compasso).

Unidade de compasso é a figura que preenche sozinha todo o compasso

(sendo equivalente ao número de tempos indicados pelo número superior da

fórmula de compasso).

O tempo é parte unitária do compasso.


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Compasso simples

Como vimos anteriormente, tempo é a parte unitária do compasso. Definimos então unidade de tempo como sendo

a figura que representa um tempo no compasso.

Figuras ou valores simples:

Formações de compassos simples:

BINÁRIO TERNÁRIO QUATERNÁRIO

Exemplos de compassos simples (número superior da fórmula de compasso):

2 tempos = compasso binário simples

3 tempos = compasso ternário simples

4 tempos = compasso quaternário simples

5 tempos = compasso quinário simples

7 tempos: = compasso setenário simples

Compasso simples é aquele cuja unidade de tempo é uma figura divisívelpor 2 e não pontuada.

Valoressimples

Divisãobinária

Unidadede tempo

Semibreve

]

Mínima

Semínima

Colcheia

(Mais comum) (Mais comum) (Mais comum)


Assinaturas do compasso quaternário simples:

Tempo assinado (4) Batidas por tempo

Exemplos de fórmulas de compasso simples:

2 → dois tempos (compasso binário simples).

4 → unidade de tempo a semínima: que corresponde ao número 4.

3 → três tempos (compasso ternário simples).

8 → unidade de tempo a colcheia: que corresponde ao número 8.

4 → quatro tempos (compasso quaternário simples).

16 → unidade de tempo a semicolcheia: que corresponde ao número 16.

Acentuação métricaAcentuação métrica constitui na execução dos tempos fortes e fracos.

Cada compasso possui acentuações naturais, com tempos fortes e fracos, constituindo o acento métrico. Isso nos

permite reconhecer auditivamente o número de tempos que existem no compasso. Vamos analisar os exemplos:

1º tempo forte e 2º tempo fraco.

F F F F F F F F


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1º tempo forte; 2º e 3º tempos fracos.

F F F F

1º tempo forte, 2º tempo fraco, 3º tempo meio forte e 4º tempo fraco.

F F F F

Os tempos também se subdividem em fraco e forte, consideramos a primeira figura da subdivisão como parte forte

do tempo (mesmo pertencendo a um tempo fraco). Exemplo:

Visualização de marcações de tempo:

Tempos >

Tempos >

Tempos >

Unidade de tempo: semínima

Unidade de tempo: mínima

Unidade de tempo: colcheia

Solfejo prático com figuras de valor:

Vamos praticar o solfejo usando Palmas e a pronúncia “Ta-ti Tu-ti”!

Recapitulando: o compasso simples é formadopor unidade de tempo uma figura simples e asua subdivisão de tempos é binária.


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Compasso composto

No compasso composto o denominador da fórmula de compasso indica a figura a que se subdivide a unidade de

tempo (figura de movimento) sendo que sua unidade de tempo será sempre a figura anterior pontuada. As figuras

são representadas pelos mesmos números dos compassos simples:

O número superior indica o total de figuras em que estão subdivididas as unidades de tempo do compasso, e seu

número de subdivisões:

Exemplo da fórmula de compasso:

6 ↔ quantidade de subdivisões (número de movimentos)8 ↔ qualidade da subdivisão (figura de subdivisão)

6 9 12 15 21Binário Composto Ternário Composto Quaternário Composto Quinário Composto Setenário Composto

Formações de compassos composto:

BINÁRIO TERNÁRIO QUATERNÁRIO

Exemplos de compassos compostos (número superior da fórmula de compasso)::

6 tempos = (compasso binário composto) – 6 movimentos (2 tempos de 3 movimentos)

9 tempos = (compasso ternário composto) – 9 movimentos (3 tempos de 3 movimentos)

12 tempos = (compasso quaternário composto) – 12 movimentos (4 tempos de 3 movimentos)

São combinações ternárias dentro de um tempo binário em que sua unidadede tempo é uma figura pontuada com subdivisão ternária de tempos.

Unidadede tempo

Semibreve

Mínima

Semínima

Colcheia

Semicolcheia

(Mais comum) (Mais comum)


Assinaturas do compasso binário composto:

Tempo assinado (8) Batidas por tempo

Exemplos de fórmulas de compasso composto:

6 → dois tempos (compasso binário composto) – 6 movimentos

4 → unidade de tempo a mínima pontuada - unidade de movimento a semínima

9 → três tempos (compasso ternário composto) – 9 movimentos

8 → unidade de tempo a semínima pontuada - unidade de movimento a colcheia

12 → quatro tempos (compasso quaternário composto) – 12 movimentos

16 → unidade de tempo a colcheia pontuada: unidade de movimento a semicolcheia

Diferença entre compasso simples e compasso composto:

Portanto, veja que nos compassos compostos os números que compõem a fórmula de compassso indicam as figurasde sua subdivisão.

Observe as principais diferenças entre os compassos Simples e Compostos:

Simples CompostosA unidade de tempo é um valor simples. A unidade de tempo é um valor composto.

A unidade de tempo está representada na fórmulade compasso (número inferior da fórmula) por umvalor simples.

A unidade de tempo está representada na fórmulade compasso (número inferior da fórmula) por umvalor pontuado.

O número superior indica a quantidade detempos.

O número superior indica a quantidade de figurasem que se subdivide a unidade de tempo.

O número superior é sempre 2 - 3 - 4 - 5 - 7. O número superior é sempre 6 - 9 - 12 - 15 - 21.

O número inferior indica a figura equivalente a 1tempo, igual a 1 U.T. (figura da divisão).

O número inferior indica as figura equivalente a 1/3de tempo da 1 U.T. (figura de subdivisão).


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Acento métrico no compasso composto:

Nos compassos compostos o acento métrico é idêntico ao compasso simples, como a subdivisão é ternária a

acentuação das partes de tempos é: 1º. Forte, 2º. Fraco e 3º. Fraco.

Tempos → Forte fraco Forte fraco fraco Forte fraco fraco fraco

Partes de tempo → F f f F f f F f f F f f F f f F f f F f f F f f F f f(subdivisões)

Observe no hinário as síncopas nos compassos compostos:

- Síncopas com indicação de ligadura: 142, 229, 282, 342, 355. Síncopas sem indicação de ligadura: 99, 230.

Solfejo prático com figuras de valor:

Vamos praticar o solfejo usando Palmas e a pronúncia “Ta-ti Tu-ti”!

É composto por unidade de tempo uma figuracomposta (pontuada) e a sua subdivisão detempos é ternária.

Compassos correspondentes

Para transformar o compasso simples em compasso composto multiplicamos o numerador (número superior) por 3 e

o denominador (número inferior) por 2.

Para transformar o compasso composto em compasso simples dividimos o numerador (número superior) por 3 e o

denominador (número inferior) por 2.

Simples para Composto Composto para Simples

2 × 3 = 6 4 × 2 = 8 6/8 6÷3 = 2 8 ÷ 2 = 4 2/4

TABELAS DE CORRESPONDÊNCIAS ENTRE OS COMPASSOS SIMPLES E COMPOSTOS:

U.T.SIMPLES

binário ternário quaternário

1 1 1

22

32

42

24

34

44

28

38

48

216

316

416

232

332

432

264

364

464

teste

=

=

=

=

=

=

U.T.COMPOSTO

binário ternário quaternário

2 2 2

64

94

124

68

98

128

616

916

1216

632

932

1232

664

964

1264

6128

9128

12128

teste

São dois compassos, um simples (figura simples) e outro composto (figurapontuada) que tem o número de tempos correspondente ao outro.

.

.

.

.

.

.

.


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ACENTUAÇÃO MÉTRICA DOS COMPASSOS SIMPLES ESEUS CORRESPONDENTES COMPOSTOS:

2 (binário simples) ↔ 6 (binário COMPOSTO)

Tempos: F f = Tempos: F f

1º 2º = 1º 2º

Subdivisões: F f F f Subdivisões: F f f F f f

3 (ternário simples) ↔ 9 (ternário COMPOSTO)

Tempos: F f f = Tempos: F f f

1º 2º 3º = 1º 2º 3º

Subdivisões: F f F f F f Subdivisões: F f f F f f F f f

4 (quaternário simples) ↔ 12 (quaternário COMPOSTO)

Tempos: F mF f f = Tempos: F f mF f

1º 2º 3º 4º = 1º 2º 3º 4º

Subdivisões: F f F f F f F f Subdivisões: F f f F f f F f f F f f

Observe a diferença de acentuação entre:

1º Compasso ternário simples (subdivisão binária).

3 Tempos: Forte fraco f raco Exemplo: Hino 59

e 3 e 1 e 2 e 3 e 1 e 2 e 3 e 1 e 2 e 3 e 1 e2Partes: F f F f F f F f f F f f f F f f f F f f f F(subdivisões)

2º Compasso binário composto (subdivisão ternária).

2 Tempos: Forte fraco Exemplo: Hino 329

Partes de Tempo: F f f F f f 4 5 6 1 2 3 4 5 6 1 2 3 4 5 6 1 2 3 4 5 6 1 2 3(subdivisões) f f f F f f f F f f f F f f f F

Fórmula de compassoA fórmula de compasso é indicada após o sinal da clave e determina o número de pulsações em cada compasso

(número superior) e a unidade de tempo (número inferior) escolhida para fazer a medida da divisão.

Se o número superior da fórmula de compasso for o número 4, teremos 4 pulsações de tempo por compasso.

Enquanto o número inferior da fórmula de compasso nos indica qual vai ser o valor de cada batida, o número

estabelece a figura que valerá um tempo no compasso (unidade de tempo), veja a seguir a sua referência:

1 2 4 8 16 32 64

Fermata

O prolongamento varia de acordo com o estilo, o andamento, a estética e a interpretação do executante.

Ligadura

Existem 3 (três) tipos de ligadura: ligadura de valor, ligadura de expressão e a ligadura de frase.

Ligadura é o sinal que indica um conjunto de sons para ser tocado seminterrupção, um som ligado ao outro som.

Fermata é um sinal gráfico colocado sobre ou sob a nota ou pausa, indicandoque devemos prolongar o seu valor.

Armadura de clave

Clave Fórmula de compasso


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Ligadura de valor ou prolongamentoSoma a ligação dos sons na mesma altura, somando as suas durações:

Ligadura de expressão ou portamentoA ligadura de expressão une notas de alturas diferentes, para reforçar que devem ser tocadas sem interrupção. Na

música vocal, as notas com esta ligadura são cantadas com a mesma sílaba:

Ligadura de fraseÉ a união de vários compassos em um trecho musical, indicando os limites da frase musical.

InterpretaçãoA forma de executar a ligadura é diferente conforme o tipo de instrumento musical ou voz (solfejo).

Nos instrumentos de sopro (flauta, clarinete, oboé, saxofones, tuba, etc) se executa as ligaduras com um único sopro

– contínuo e sem nenhuma interrupção da respiração nem retomada de fôlego. A mesma dica serve para o Canto.

Nos instrumentos de arco (violino, viola, violoncelo) todas as notas unidas pela ligadura são executadas no mesmo

sentido da arcada, sem levantar ou parar o arco.

Nos instrumentos de teclado (piano, teclado digital ou órgão eletrônico) não se pode levantar a mão/dedo antes de

terminar a execução de todas as notas musicais unidas pela ligadura.

Atenção: durante o solfejo, quando ocorre a ligadura entre as notas musicais de mesmo nome, se pronuncia a

primeira nota sustentando a pronúncia no valor da segunda, como se fosse apenas uma única nota, mesmo que

estejam em compassos diferentes.

Observação: não existe ligadura de pausas.

Marcação de compasso (solfejo)Marcar compasso significa indicar os tempos do compasso através de gestos.

Introdução ao método “Bona”Para iniciarmos o estudo prático da música, a primeira coisa a aprender é a leitura métrica dos exercícios do método

de divisão BONA.

Para isto, precisamos observar alguns tópicos já estudados:

1. Clave, (será usada a clave de Sol);

2. Fórmula de Compasso, (inicialmente será usado o símbolo “C” que se trata do quaternário);

3. As figuras e seus valores que compõem a lição;

4. Para melhor compreensão da divisão e subdivisão métrica do Bona, usamos as seguintes marcações:

Compasso binário:

Acentuação de dois em doistempos, marcados daseguinte maneira: o um embaixo e o dois em cima:

Compasso ternário:

Acentuação de três em trêstempos, marcados daseguinte maneira: o um embaixo e o dois paraAcentuação de dois em doistempos, marcados daseguinte maneira: o um embaixo e o dois para dentro:

fora e o três para cima:

Compasso quaternário:

Acentuação de quatro emquatro tempos, marcados daseguinte maneira: o um embaixo e o dois para dentro e otrês para fora e o quatro paracima:

Compasso binário:

Acentuação de dois em

dois tempos, marcados da

seguinte maneira: o um em

baixo e o dois para a

esquerda:

Compasso ternário:

Acentuação de três em três

tempos, marcados da seguinte

maneira: o um e o dois em baixo

e o três para esquerda:

Compasso quaternário:

Acentuação de quatro em quatro tempos, marcados

da seguinte maneira: o um e o dois em baixo dentro,

o três para esquerda e o quatro para a direita:


Página 85

Hora do Solfejo melódico ao Bona.

Solfejo melódico: Bona.

Primeiros exercícios de solfejo melódico* Mantenha o andamento sempre constante e sem interrupção.

Semibreve (unidade de valor)

Mínima (metade do tempo da unidade de valor)

Semínima (1/4 do tempo da unidade de valor)

Diversas figuras de valor

Semibreve e mínima

Semibreve, mínima e semínima

Mínima (metade do tempo da unidade de valor)

Diversas figuras de valor, ligadura e duas linhas de pauta.


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Ligaduras:

Parabéns

Articulações diversas: ligaduras, síncopas, usando as principais figuras de valor:

Estudo: as vozesVozes humanas e vozes dos instrumentos musicaisDefinições, tessituras e classificação teórica

Vozes humanasA voz humana define-se como o som produzido na laringe pelas vibrações das cordas vocais durante a expiração.

O "instrumento" musical mais antigo que existe é a voz humana. Com ela, o homem aprendeu a produzir os mais

diversos sons, e a agrupar esses sons, formando as primeiras linhas melódicas.

As vozes humanas são classificadas em infantis e adultas e subdivididas em femininas e masculinas.

As vozes femininas e masculinas se subdividem em três partes, sendo:

Vozes femininas: soprano (é a voz feminina mais aguda), meio soprano e contralto (é a voz feminina mais grave).

Vozes masculinas: tenor (é a voz mais aguda dos homens), barítono e baixo (é a voz masculina mais grave).

Tessitura das vozes humanas no piano:

Vozes dos instrumentos musicais de orquestra na CCB

As vozes relacionadas para todos os instrumentos são apenas sugestões, cada regente deve orientar os

músicos conforme a necessidade do momento.

Os instrumentos de uma Orquestra são agrupados em famílias de acordo com seu timbre. Cada família é composta de

instrumentos de formato e timbre relativamente semelhantes, capazes de reproduzir as 4 vozes. Em nossas

Orquestras temos 4 famílias de instrumentos: Cordas, Madeiras, Saxofones e Metais. A seguir temos uma lista dos

instrumentos mais comuns de cada família alinhados com a voz que deve ser executada. Como os instrumentos tem

uma extensão muito maior que as vozes humanas, entre parênteses está a voz alternativa que poderá ser solicitada

pelo Encarregado da Orquestra, caso haja deficiência de alguma voz nos cultos. A ordem de colocação dos

instrumentos na igreja é: em primeiro plano: as Cordas, depois Madeiras, Saxofones e Metais.

Observação: na Congregação Cristã os saxofones formam uma família (soprano, alto, tenor e barítono).


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Nesta sequencia ficam posicionados os instrumentos musicais nas orquestras da Congregação Cristã:

1. Família: CORDAS

Violino - Soprano (natural ou oitava) ou

contralto

Viola – Tenor natural

Violoncelo – Baixo natural

2. Família: MADEIRAS

Flauta - Soprano

Oboé – Soprano

Oboé d’amore – Soprano (Contralto)

Corne inglês – Soprano (Tenor)

Clarinete – Soprano

Clarone Alto Mib – Tenor (Contralto)

Clarone Baixo Sib – Baixo natural

Fagote – Baixo natural

Contra-fagote – Baixo oitavado

3. Família: SAXOFONES

Sax Soprano – Soprano

Sax Contra-alto – Contralto

Sax Tenor – Tenor

Sax Barítono – Baixo

4. Família: METAIS

Trompete ou Cornet - Soprano (Contralto)

Fliscorne (Fluegel horn) – Contralto ( Soprano)

Trompa – Contralto (Tenor)

Trombone Tenor – Tenor (Baixo)

Trombone Baixo – Baixo (Tenor)

Trombonito – Tenor

Eufônio (Bombardino) – Baixo natural (Tenor)

Tuba – Baixo oitava abaixo

Observações importantes:

(1) Cordas: Violinos: tocar no natural e até uma oitava acima (não duas oitavas acima); Violas: usar a Viola clássica de 4

cordas (não de 5 cordas); Violoncelos: tocar a altura que está escrita no hinário (não oitava abaixo, não pizzicato).

(2) Sax Barítono como não tem extensão para tocar oitava abaixo e tem timbre muito penetrante, deve tocar a altura

que está escrita no hinário, soando exatamente como Violoncelo, Fagote e Eufônio (Bombardino).

(3) Tuba: Trata-se da Tuba Sinfônica. Não confundir com Souzafone (Baixo-tuba), eliminado das nossas Orquestras.

Fonte: reunião de encarregados locais, regionais e examinadoras da Grande São Paulo (2009).

Página pautada: área para notações livres e exercícios.


Página 91

Módulo 2Assuntos abordados: tom e semitom, tipos de semitom, sinais de alteração

(acidentes), ponto de aumento (simples, duplo e triplo), legato, intervalos.

Estudo avançado: noções de regência.

Deus seja louvado

Módulo 2

Tom e semitom

A menor distância entre duas notas musicais é o semitom.

Visualize a seguir o exemplo que ilustra a série de notas naturas de Dó a Dó existem 5 tons e 2 semitons.

Os semitons estão entre as notas: mi-fá e si-dó.

No teclado do piano é fácil visualizar estes semitons, são aqueles que não possuem a tecla preta entre as brancas.

Entre uma tecla branca para outra branca temos um tom, exceção feita a mi-fá e si-dó, que por não terem nenhuma

tecla preta entre si possuem a distância de um semitom.

DÓ RÉ MI FÁ SOL LÁ SI

Tipos de semitomExistem os seguintes tipos de semitom:

Diatônico: não mantém o nome nem a altura (C- Db, B-C, E-F, etc.).

Cromático: mantém o nome e possui altura diferente (C-C#, F-F#, Db-D, etc.).

Enarmônico: não mantém o nome, mas possui a mesma altura (C# -Db, F# - Gb, B#-C, etc.).

Tom é a distância entre dois sons sucessivos.

Semitom é a metade de um tom.

Tom Semitom


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Sinais de alteração: acidentes

Os sinais de alteração também podem ser chamados de “acidentes” e são representados assim:

Sustenido - - eleva a altura da nota em meio tom (ou diz: aumenta um semitom).

Dobrado sustenido - eleva a altura da nota em um tom (ou diz: aumenta dois semitons).

Bemol - abaixa a altura da nota em meio tom (ou diz: abaixa um semitom).

Dobrado bemol - abaixa a altura da nota em um tom (ou diz: abaixa dois semitons).

Bequadro - anula o efeito dos acidentes anteriores (sustenido ou bemol), voltando à nota natural.

Dica de leitura: se utilizarmos os sinais de alteração, na subida a tecla preta receberá o nome da branca anterior e na

decida receberá o nome da nota branca posterior.

Importante: não se usa bequadro duplo ou um bequadro seguido de um acidente.

Curiosidade: foi Pitágoras na antiga Grécia (+532 A.C.) que fez os cálculos precisos do tamanho dos tons e semitons,

ele contou as vibrações de uma corda, depois dividiu a corda na metade e o seu som resultou no dobro das vibrações,

o resultado auditivo foi uma oitava superior. Depois ele dividiu a mesma nota em terços, quartas, quintas e etc; até

definir as vibrações de todos os tons e semitons em uma oitava.

O resultado dos cálculos de Pitágoras chama-se: sistema natural ou escala natural.

Os acidentes ocorrem em um trecho musical em três situações diferentes: fixos, ocorrentes ou de precaução.

Vamos estudá-los agora!

Acidentes são sinais usados para alterar a entonação de uma nota musical.

Acidentes fixosOs acidentes fixos ocorrem quando aparecem entre a clave e a indicação da fórmula de compasso, também

chamados de armadura de clave o seu efeito permanece durante todo o trecho da peça musical, exceto se houver

acidentes ocorrentes (veremos este em seguida).

Os acidentes fixos podem ser sustenidos ou bemóis exibidos na seguinte ordem:

Sustenidos

Fá, dó, mi, sol, ré, lá, mi e si, independente da clave de sol, fá ou dó.

Assinatura nas claves:

Bemóis

Si, mi, lá, ré, sol, dó e fá, independente da clave de sol, fá ou dó.

Assinatura nas claves:

Exemplos - O acidente fixo altera a nota não importando a oitava em que ela esteja.

Importante: essa diferença de quantidade de acidentes fixos é que dá o nome às diferentes tonalidades da música.

Acidentes ocorrentesOs acidentes ocorrentes são localizados à esquerda da figura e altera a altura das notas de mesmo nome e mesma

altura até o final do compasso em que está escrito. O acidente ocorrente não altera a nota se estiver em uma oitava

diferente.

Há exceção se aparecer um acidente bequadro para anular o efeito do acidente ocorrente. A única exceção de um

acidente ocorrente ter seu efeito em mais de um compasso é quando a nota estiver unida com uma ligadura de valor.


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Acidentes de precauçãoOs acidentes de precaução são localizados à esquerda da figura e não altera nada pois a nota será a mesma, aparece

para evitar possíveis erros durante a leitura.

Algumas vezes o acidente de precaução pode aparecer entre parênteses.

Ponto de aumento

Ponto simplesSoma-se a metade do valor da nota pontuada.

Outros exemplos:

Ponto duploSoma-se a metade e mais um quarto do valor sobre a nota pontuada.

Outros exemplos:

Ponto triploO primeiro ponto acrescenta a metade, o segundo mais meio e o terceiro mais um quarto sobre a nota pontuada:

Ponto de aumento é uma abreviação de aumento de valores localizado àdireita de uma figura musical de nota ou pausa.

2 + 1

1 + ½ + ¼

2 + 1 + ½ + ¼

SEM ACIDENTE DE PRECAUÇÃO ALERTAR A LEITURA NOVAMENTE

COM ACIDENTE DE PRECAUÇÃO

Ponto de diminuição: staccato

Existem 3 (três) tipos de ponto de diminuição: Staccato simples, Staccato ligado e Staccato martelato.

Staccato simplesO ponto é colocado acima ou abaixo da figura de nota.

Interpretação: divide o valor em metade som e metade silêncio. Pode vir expresso apenas pela palavra staccato.

Recomendado para aplicar com pouca frequência nos ensaios musicais na CCB.

Staccato ligado ou portatoO ponto é colocado acima ou abaixo da figura de nota, acompanhado de ligadura.

Interpretação: divide o valor em ¾ com som e o último ¼ é preenchido com silêncio:

Não recomendado para aplicar nos ensaios musicais na CCB.

Staccato seco ou martelatoÉ um sinal gráfico semelhante a um triângulo colocado acima ou abaixo da figura de nota.

Interpretação: divide o valor no primeiro ¼ com som e os demais ¾ são preenchidos com silêncio.

Não recomendado para aplicar nos ensaios musicais na CCB.

Ponto de diminuição ou Staccato é um sinal colocado acima ou abaixo da notadividindo o valor entre: som e silêncio.

Como se escreve: Como se executa no instrumento musical:




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Legato

Esta é a forma natural que os músicos tocam qualquer partitura musical (qualquer melodia do Hinário) em os efeitos

do staccato ou do ponto de diminuição:

Exemplo gráfico:

Intervalos

Os intervalos possuem várias combinações de quantidade e qualidade.

Intervalo melódico é quando duas notas são tocadas uma após as outras.

Intervalo harmônico é quando duas notas são tocadas simultaneamente.

A classificação dos intervalos é feita conforme o número de tons e semitons contidos na entre as notas, sendo que o

primeiro e o último tom também são contados:

UNÍSSONO SEGUNDA TERÇA QUARTA QUINTA SEXTA SÉTIMA OITAVA

Intervalo é a distância entre dois sons.

Legato é o efeito de passagem de um som para o outro (nota solta).

Intervalos harmônicos:

SEGUNDA TERÇA QUARTA QUINTA SEXTA SÉTIMA OITAVA

O intervalo ascendente ocorre quando na sucessão de dois sons o segundo é mais agudo que o primeiro e

descendente quando o segundo é mais grave que o primeiro.

Intervalo melódico ascendente Intervalo melódico descendente

O intervalo é simples quando as notas que o formam encontram-se no limite de uma oitava. Quando ultrapassam

esse limite são compostos. Ambos os intervalos podem ser harmônicos ou melódicos.

Intervalo simples Intervalo composto


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Estudo: noções de regênciaPontos mais importantesIntrodução – Pontos importantes – Concepção – Expressão – A regência na CCB

Introdução a regência

Definição: regência é o ato de transmitir a um conjunto vocal ou instrumental o

conteúdo rítmico e expressivo de uma obra musical, através de gestos que devem ser

capazes de indicar claramente as diferentes articulações, formando um tecido sonoro

vivo para a expressão musical, traduzindo os gestos à orquestra ou coral de vozes.

Uso da Batuta: a Batuta por si só já transmite autoridade. A grande maioria dos

maestros prefere usá-la, pois considera a batuta uma ferramenta ideal para

“amplificar” o tamanho dos gestos do maestro, além de fazê-los mais claros.

História da regência

A regência remonta à época do Teatro Grego (ano 300 AC) na figura do "Diretor de Coro", que dirigia os músicos e

cantores que faziam parte das peças teatrais.

Bem mais tarde, já na Idade Média (por volta do ano 1.000 DC), a Regência aparece na Igreja, onde o "Mestre de

Capela" conduz.o Coro através de sinais manuais de altura das notas (manossolfa), pois ainda não havia escrita

musical. Finalmente, o Regente passou a dirigir Orquestras.

Ainda assim, na época de Bach e Vivaldi (séc.18) havia uma dupla regência. O Diretor da Orquestra sentava-se ao

cravo e dava as ordens necessárias, mas no decorrer da execução a verdadeira regência ficava a cargo do violinista

principal (chamado: spalla).

Definições de “regente”

O regente é denominado de Spalla na Itália; Concert Máster na Inglaterra e Konzert

Meister na Alemanha que tinha a função de conduzir o ritmo e a interpretação dos

demais músicos.

Hoje estas responsabilidades ficam a cargo do Regente da Orquestra, ficando ao

Violinista Principal – (Spalla), apenas a responsabilidade pela comunicação entre a

orquestra e o Regente, ou seja, é o porta-voz da Orquestra, além das suas

responsabilidades musicais: afinação dos instrumentos da orquestra, solos etc.

O regente

O Regente da Orquestra hoje é uma figura importantíssima nas Salas de Concertos, pois ele completa o triângulo

musical “Compositor x Regente x Executante”. Em suma, o Regente é o meio de ligação entre o compositor e o

conjunto executante de sua obra.

Pontos importantes

PLANO DE REGÊNCIA – Inicia-se na altura da cintura até a cabeça, pode-use usar ambas as mãos dividindo a

extensão do braço em três zonas.

EXPRESSÃO FACIAL – O mais importante é a clareza dos gestos. Não tente substituir os gestos pela expressão facial.

Embora ela possa ajudar a acentuar a expressão de determinados trechos, não se rege com a face, principalmente

utilizando expressão de mau humor para gestos enérgicos.

POSTURA / VISIBILIDADE – Corpo ereto, braços acima da cintura em posição confortável e visível a todos os

músicos.

USO DAS MÃOS – A regência em si é transmitida através das mãos. Uma delas, geralmente a direita marca os tempos

do compasso (mão direita) e a outra indica a dinâmica e o colorido orquestral (mão esquerda).

ENTRADA – Entrada ou ataque é o início da música. A entrada tem que ser uniforme, e todos os músicos devem

iniciar tocando no mesmo momento.

FECHO OU CORTE – A finalização da música é tão importante quanto a entrada. Os músicos devem fechar juntos.

Sem sobrar e nem faltar tempo.

Técnica de regência: gesticulação

MOVIMENTO

A técnica de gesticulação está sujeita ao temperamento artístico do regente e a interpretação da partitura

pelo mesmo, para transmitir a orquestra. Todavia nem sempre as normas e condutas do regente são

claras e precisas devido a determinados gestos que causam uma execução falha e imprecisa e muitas

vezes imperceptível ao músico.

O movimento uniforme de ambos os braços, aplicado com insistência, é monótono e inexpressivo. Os

gestos com movimentos uniformes de ambos os braços, devem ser dissociados, conservando-se para um

dos braços as acentuações rítmicas e para a outra o colorido daquilo que a primeira descreve

ritmicamente.

Por este motivo diz-se que o melhor crítico do Encarregado é a própria orquestra que ele conduz.

Aconselha-se uma gesticulação discreta mais enriquecida de lances que revelem o verdadeiro sentido

emocional do (louvor ou súplica) que se desenvolve na partitura / no hino.

NÍVEIS DE REGÊNCIA

Os níveis da regência, ou seja, o ato de reger acontece em vários níveis distintos:

No mais imediato, os gestos do regente devem indicar ao músico quando e como tocar.

Num segundo nível, ele deve frasear o discurso musical, conseguindo dar a cada frase sua inflexão adequada,

destacando-a dos acompanhamentos, pausas e respirações longas.

Do ponto de vista mais elevado, ele deve ser capaz de articular a forma da música, conseguindo estruturar o

equilíbrio formado entre o início, meio e conclusão do sentimento em cada hino.


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Concepção da forma

A música é uma arte nas quais os compositores têm à disposição um sistema de

notação muito claro e preciso, com o qual podem ser grafadas as ideias musicais

mais sutis. Por isso, pode parecer para muitos que bastaria respeitar exatamente

as indicações dos compositores e a métrica musical, e o tema estaria fielmente

interpretado. A verdade, no entanto, está muito longe disso.

Nas melhores orquestras do mundo, aquelas que poderiam tocar sozinhas de

tão precisas que são, é necessário a batuta de um regente para dar o "Sopro

Divino" que cria a alma e origina a vida da música.

Concepção na Congregação Cristã: o Encarregado de orquestra deve estar em profunda comunhão, tocando ou

durante a regência, deixando o Espírito Santo regê-lo e reger instrução ou expressão musical para toda a orquestra;

porque é na comunhão que o Senhor os guia e opera na Igreja. A espiritualidade e a humildade são importantes, para

que o Encarregado possa transmitir aos músicos a concepção ideal e o sentimento que traz a melodia de cada hino.

Postura do regente à frente da Orquestra

O regente deve conservar uma atitude de autoridade e respeito diante da orquestra, seus gestos devem estarao alcance das vistas de qualquer integrante da orquestra.

A posição do corpo do regente a frente do conjunto musical, influi semelhantemente na execução.

a) Corpo ereto, sem as características da posição militar de sentido.

b) Braços acima da cintura arqueados em sentido horizontal movimentando-se livremente para a direita e

esquerda, e para cima até a altura da cabeça.

c) O tórax poderá acompanhar os movimentos dos braços, porém jamais deverá ser curvado para frente em

atitude de quem quer tocar as mãos no chão ou inclinado para trás com as mãos para cima como em atitude

de quem quer tocar o teto.

d) Constante relaxamento muscular dos braços, pescoços e tórax para fácil flexibilidade dos movimentos

graciosos circulares e leves.

e) Dissociação de movimentos simultâneos dos braços.

Advertência: as gesticulações exageradas causam cansaço proveniente das constantes elevações dos braços, além

de deselegante, prejudica a autoridade de comando, fazendo com que os músicos se esforcem aleatoriamente para

tocar juntos e indiferente aos gestos do Encarregado de orquestra, cujo comportamento é repreensível e

comprometedor para a compreensão da orquestra de seus gestos e intenção, e isto não é reger uma orquestra.

Meios de expressãoO gesto - A mímica - A palavra.

- A expressão mais importante e completa é o gesto.

- A mímica nem sempre produz o efeito desejado.

- A palavra obviamente deverá ser usada somente nos ensaios, porém instruindo no essencial referente a

determinado detalhe da composição musical.

1º. Passo: CONHEÇA AS FORMAS.

2º.Passo: PRATIQUE REGÊNCIA (treine no espelho) – MODELOS DOS TEMPOS EM LEGATO.

COMPASSOSIMPLES

Binário (2 tempos) Ternário (3 tempos) Quaternário (4 tempos) Legato

FORMA

GEOMÉTRICA

FORMA

NATURAL

CIRCULAR

COMPASSOCOMPOSTOS

Binário (6/8) legato Ternário (9/8) Quaternário (12/8)

FORMA

GEOMÉTRICA

FORMA

NATURAL

CIRCULAR

1

2

12

3

12 3

4

12

4 5

6

3

54

67 8

9

1

23

123

4 5 6

78

9

1 2

34

5

67

8910 11

12

1 2 34567 8 9

10

11

12


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A Regência na Congregação Cristã

É usada somente nos Ensaios, através dos Encarregados de Orquestras (Locais ou Regionais).

Embora a finalidade dos Ensaios musicais (locais ou regionais) seja o de tão somente preparar os músicos para uma

boa execução dos Hinos nos Cultos, os princípios básicos da Regência podem e devem ser utilizados para haver um

bom aproveitamento sempre levando em consideração:

a) Afinação

b) Conceituação Gestual

c) Marcação do compasso (Símbolo Métrico)

d) Entradas

e) Articulação

f) Andamento

g) Fecho/Corte

h) Volume da massa orquestral

i) Formação da Orquestra

j) Posição dos Instrumentos na Orquestra.

Motive todos os alunos do grupo de estudos musicais à prática de regência.

Site oficial

Faça o download livre da “Apostila de Regência para Orquestras – CCB”, acesse o site:

http://www.escolinhamusical.com.br/regencia (62 páginas)

Conclusão

É importante esclarecer que este resumo e conjunto de iniciativas sobre a regência, não possuem o objetivo de inovar

ou treinar ninguém para este ministério do louvor.

Simplesmente tem o objetivo de deixar a disposição dos estudantes de música e outros interessados, como material

que possa ser consultado para o músico iniciante aprender a fazer a “leitura” de gestões e expressões do Regente

encarregado da orquestra, pois o músico vai precisar interpretar estas dicas nos ensaios musicais e no dia-a-dia, etc.

Igualmente este material está ao dispor para que seja praticado para o bem e desenvolvimento de todos os que

amam a música e exerce esta arte, que é a regência na igreja para louvar ao nosso grande DEUS, pois ELE, somente

ELE é digno de todo louvor, honra e glória por nós seres vivos e por todos os seres celestiais.

Cabo ou bulboPontaHaste


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Módulo 3Assuntos abordados: compassos mistos, contratempos, síncopas,

terminações (masculina e feminina).

Estudo avançado: etiqueta do músico.

Deus seja louvado

Módulo 3

Compassos mistos

Exemplo gráfico:

Contratempos

Quando o tempo forte ou a parte forte do tempo for preenchido com pausa, sentimos a oscilação do tempo e é o que

se chama contratempo, provocando um efeito de deslocamento da acentuação do compasso, onde ocorre o silêncio.

O contratempo pode ser regular ou irregular.

É regular quando as figuras que os compõem têm a mesma duração e irregular quando as figuras têm durações

diferentes.

Também podemos provocar o deslocamento do acento natural utilizando o sinal específico:

São aqueles que se formam pela união de dois ou mais diferentes compassos,cujas unidades de tempos são iguais, porém distintos na quantidade.

Contratempo são notas executadas em tempo fraco ou parte fraca do tempo,sendo os tempos fortes ou partes fortes dos tempos preenchidos por pausas.


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Síncopa

Se a sincopa passar ao compasso seguinte também temos um deslocamento da acentuação métrica.

Existem o tipo de síncopa regular quando as figuras tem o mesmo valor e a síncopa irregular quando as figuras têm

valor diferente. Exemplo gráfico:

Nem sempre a síncopa está representada com uma ligadura, observe outras formas. Exemplo gráfico:

Exemplo de hinos em que a síncopa está representada sem ligadura: 14, 66, 153, 296, 69, 397, 405, 428, 429, 439, etc.

Quiálteras

As quiálteras são expressas por um grupo de figuras, com um número que indica a quantidade de notas e às vezes

grafado juntamente com uma chave.

Exemplo gráfico:

São grupos de figuras que não obedecem a acentuação normal do compassoou a subdivisão de seus tempos.

É um som articulado sobre tempo fraco e prolongado até o tempo forte.

SÍNCOPA REGULAR SÍNCOPA IRREGULAR

As quiálteras são denominadas de acordo com o número de notas que as formam:

Podemos ter grupos de quiálteras formados por figuras de diferentes valores. Exemplo gráfico:

Terminações

Terminação masculinaA o desenho rítmico de terminação pode ter duas formas: masculinas e femininas. A melodia termina no tempo forte

do compasso.

Terminação femininaA melodia termina no tempo fraco do compasso.


Duas quiálteras

Três quiálteras (também chamada de Tercina)

Cinco quiálteras (ou Quintina)

Seis quiálteras (ou Sextina)

ETC.


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Estudo: etiqueta do músicoSobre uma boa condutaRespeito é fundamental

O que é “etiqueta”?

Há muito para aprender sempre.

Sempre existe o quê aprender qualquer músico - principiante ou não.

Mas afinal, o que é etiqueta afinal? Etiqueta é um conjunto de regras ou normas de conduta de respeito que as

pessoas devem ter no seu ambiente de convívio (familiar, pessoal ou no trabalho) na orquestra.

Lembre-se: etiqueta é sinônimo de educação. Não seja mal educado, ninguém gosta de pessoas mal educadas,

musicalmente falando.

É muito importante o músico espiritual ser conhecido pela educação espiritual e material, pois uma não existe sem a

outra; e qualquer pai fica orgulhoso quando um filho é reconhecido pela educação; sobretudo Nosso DEUS ao

respeito de nossas atividades e conduta no ambiente cotidiano da orquestra em quaisquer atividades (dentro ou fora

da igreja), ou seja, em qualquer lugar em que passamos devemos deixar um bom exemplo.

Regras de conduta ao músico espiritual

O aprendizado musical é infinito e a cada dia há muito para aprender, começando pela disciplina.

SITUAÇÕES NO CULTO

Com exceção ao imprevisto, nunca chegue atrasado aos cultos. Adiante-se sempre! Chegue com tempo de

estacionar o seu carro, achar o seu lugar na orquestra, montar o instrumento, fazer sua orar pessoal de

comunhão, ouvir a meia-hora da organista, participar da afinação da orquestra e iniciar o louvor

espiritualmente pronto.

Seja discreto. Sempre. Ao iniciar a tocar no culto oficial com o seu instrumento musical, lembre-se que você

ainda é um novato e não seja um “iniciante-estrela”. Respeite os músicos mais experientes, acompanhe a

harmonia do grupo orquestral e faça “entradas” de frases/períodos sem adiantar o seu som.

Se parar de tocar por qualquer motivo, não inicie o seu som durante um compasso, aguarde uma respiração

longa de início de frase ou estrofe.

Toque em volume normal e moderado, sem forçar. Se tocar sozinho (como solista) você tem liberdade, mas

integrado na orquestra você estará em um naipe com outros “músicos-parceiros”, equalize o volume do som

apenas o suficiente para igualar-se com a sua categoria. Não toque com acentuações muito fortes.

SITUAÇÕES EM UM ENSAIO MUSICAL

Quando o Encarregado estiver falando com a orquestra, não toque e não converse.

Não pare de tocar e não repouse o instrumento enquanto o Encarregado não parar de reger, a não ser o

regente solicite um outro naipe/voz; ou você precise trocar um acessório (palheta, boquilha, corda, etc).

Não toque desafinado. Se o seu som estiver muito estridente, estranho ou aberto: corrija.

O regente é o "patrão". Se o Encarregado pedir algo com seu Gesto na regência, faça-o imediatamente,

enquanto faz a leitura da partitura ao mesmo tempo. Faça o que o maestro diz, musicalmente falando!

Se você não entendeu a expressão do regente, recupere-se do problema assumindo o erro imediatamente,

mesmo que o regente errou o movimento de regência, lembre-se: ele é o "patrão".

Não faça caretas e não agite sua cabeça como forma de expressar um gosto pessoal ou para indicar erro, isto

é indiscreto e grosseiro. Demonstre disciplina e respeito: para um músico espiritual isto é fundamental.

Falando em educação...

Submeter-se às normas de conduta nos faz melhor a cada dia.

Este respeito vai determinar o seu perfil musical por toda a sua vida, pois estamos propondo as ações de respeito para

estar diante de DEUS e somente à ELE ofertar um sincero, puro e sublime louvor em adoração às Suas obras e ao Seu

nome pela Obra de Salvação.

OUTRAS DICAS COMUNS

Não tente se destacar mais do que outros no comportamento, uso de broches, gravatas temáticas.

Toque sempre suave em volume agradável, sem forçar: equalize o seu som e esteja afinado sempre.

Mesmo que você é 100% afinado e toca em olhar na partitura, olhe a partitura mesmo assim. Se acontecer

algum imprevisto, como errar por não fazer a leitura, será indesculpável para você próprio.

"Falar" a contagem de tempo ou fazer marcações fortes com o pé causa ruídos que pode incomodar outro

músico e distrai-lo em sua contagem pessoal, faça tudo silenciosamente e seja discreto/inteligente.

Se precisar mover-se, mecha-se calmamente e tente não chamar a atenção para você.

Importante: se você e todos os outros músicos estiverem preparados, nunca haverá uma situação de emergência.

Existem situações que merecem atenção e são fundamentais para aumentar a qualidade de sua etiqueta e trazer

comunhão ao espírito e a presença de DEUS vai aumentar. Precisamos saber se Ele recebeu o nosso louvor.

Maestros são como músicos: cometem erros mas devem ser ainda mais cautelosos e evitar situações constrangedoras.

Seja discreto e siga suas “normas pessoais” de etiqueta, mesmo quando você cometer um erro, ninguém vai perceber,

pois acostumaram-se a ver a sua “educação musical”.


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Módulo 4Assuntos abordados: desenhos rítmicos, escalas, graus, escala diatônica,

escala cromática, tonalidade.

Estudo avançado: expressão musical.

Deus seja louvado


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Módulo 4

Desenhos rítmicos

Todo início de uma composição recebe uma denominação específica de acordo com o desenho rítmico de início.

Ritmo: téticoÉ o ritmo cuja articulação do som começa no primeiro tempo do compasso.

Ritmo: anacruseÉ o ritmo onde compasso se inicia incompleto, ou seja, faltando tempos, sendo que os tempos que faltam a esse

compasso deverão aparecer no último compasso do trecho musical.

Ritmo: AcéfaloÉ o ritmo iniciado com pausa no primeiro tempo ou em parte do primeiro tempo do compasso.

Acéfalo significa: sem cabeça.

É o tipo de ritmo identificado no início da grafia de uma peça musical/partitura.

Tético

Anacruse

Acéfalo

Escala

Exemplo gráfico:

ESCALA ASCENDENTE ESCALA DESCENDENTE

Graus

A nota que inicia a escala é chamada de primeiro grau (tônica), a nota seguinte é o segundo grau (supertônica), e

assim por diante.

Cada grau da escala recebe um nome de acordo com sua hierarquia funcional:

GRAU NOME DESCRIÇÃO

I Tônica É o principal grau, dando nome às escalas e às tonalidades.

IISobretônica ou

Super tônicaÉ o grau logo acima da tônica.

III MedianteLocaliza-se entre o primeiro grau mais importante – a Tônica – e o segundo mais

importante – a Dominante.

IV Subdominante Localiza-se abaixo da dominante.

V DominanteÉ o segundo grau mais importante pois seu forte caráter de condução o leva à

resolução da tônica.

VISobredominante ou Super

dominanteÉ o grau acima da dominante.

VII SensívelEncontrando-se a um semitom abaixo da tônica, possui forte caráter atrativo e a

resolução sobre a mesma.

VIII Tônica ou Repetição daTônica

É a repetição do I grau em uma 8ª acima.

Os graus Iº , IVº e Vº são denominados de tonais (definem a tonalidade da música) e os graus IIIº e VIº são

denominados de modais.

Cada uma das notas da escala é chamada de grau.

Escala é uma série de notas sucessivas, separadas por tons e semitons.


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Escala diatônica

Exemplo gráfico:

Escala cromática

A escala cromática escrita na forma ascendente as figuras naturais recebem sustenidos (total de 12 notas):

A escala cromática pode se iniciar a partir de qualquer nota, obedecendo as regras anteriores.

As teclas pretas do piano correspondem aos semitons sustenidos (ascendente) e bemóis (descendente):

É a escala formada por notas musicais em intervalo de semitons.

Escala diatônica é a sucessão de 8 sons, separados em tons, semitons,composta por dois tetracordes.

A escala cromática escrita na forma descendente as figuras naturais recebem bemóis (total de 12 notas):

1º. Tetracorde 2º. Tetracorde

Tonalidade

Para reconhecermos a tonalidade de uma composição musical devemos observar a armadura da clave (acidentes

fixos): Pode ser armada com sustenidos ou bemóis .

Clave com sustenidosQuando armada com sustenidos reconhecemos a sua

lendo tomando o último sustenido e subindo meio tom.

Clave com bemoisQuando armada com bemóis reconhecemos a tonalidade

lendo o último bemol e descendo uma quarta, ou ainda

verificando o penúltimo bemol.


Tonalidade é o efeito dos sons em uma escala em relação à sua tônica (1º grau).


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Estudo: expressão musicalPráticas, interpretação e a articulação do músico eruditoA orquestra de DEUS

A música na Congregação Cristã

Repetindo: o papel dos músicos que formam a orquestra na CCB, é apenas o de acompanhar o canto

congregacional (da irmandade presente na igreja).

Os hinos são pura música coral (dividida em 4 vozes: soprano, contra-alto, tenor e baixo) executada pela irmandade,

tem uma nota para cada sílaba de texto para facilitar o canto. Cabe aos músicos a responsabilidade de repetir essas

notas como se os instrumentos musicais estivessem cantando a parte coral, mas com menor intensidade de som.

Não existe arranjo orquestral ou entradas para solistas, tudo é pensado e organizado de maneira muito simples, sem

preparo para sofisticação musical ou performática. Pratique todo o Louvor com sabedoria, diligência e respeito.

A Sagrada Escritura nos lembra que o ministério de música foi instituído na casa de DEUS através do Rei Davi. Tudo

era organizado e conduzido de que forma a servir de auxílio indispensável aos demais serviços, como: o batismo, a

pregação e a evangelização.

O músico espiritual que se dedica nos estudos é considerado pela igreja um Ministro da Música após a oficialização

que marca o fim do curso de música (teórico e prático) aqui iniciado.

Prática na orquestra de DEUS

Saiba de algo fascinante: a música também é a linguagem que DEUS escolhe para usar em Seu regozijo a nosso

respeito. Leia: Sofonias 3:17

Com a prática instrumental, nos estudos e tocando com a orquestra, deixe a música agir por si mesma em nossos

corpos, mente, alma e coração.

Com toda a nossa comunhão e alegria de espírito, entoaremos para os hinos e os nossos sentidos e sentimentos se

elevarão para que a melodia se transforme.

E lembre-se: o que vai favorecer para que tudo isto dê certo é o treino e repetição, para que o seu esforço físico para

fazer música com o seu instrumento musical, seja algo natural, fácil, leve e então, haja harmonia.

A prática é obtida com exercícios de "repetição" que darão agilidade necessária aos movimentos técnicos,

desenvolvendo elementos rítmicos, melódicos, acompanhamentos da irmandade/canto e toda a harmonia/orquestra.

Articulação do músico eruditoNa Congregação devemos estar em profunda comunhão; tocando, cantando ou durante a regência, deixando o

Espírito Santo “nos reger” com sua orientação, porque é na comunhão que o Senhor nos guia e opera na Igreja.

Com toda espiritualidade e humildade o músico vai transmitir para a irmandade toda a concepção e o sentimento

musical do Hino. Muitos significados são atribuídos ao verbo "louvar" na Bíblia, incluindo dar graças, atribuir glória e

honra, exaltar, celebrar, recomendar e regozijar. Louvar está intimamente aliado ao culto e na adoração à DEUS.

Expressão é um sentido humano.

A expressão musical é uma constante e eterna busca do músico. Tocar com expressão significa tocar algumas notas

mais fortes, com mais ênfase, e outras mais fracas, com as sutilezas de entonação de uma conversa. Nunca é tudo

forte ou tudo fraco.

Colocar os acentos no lugar certo vai depender da habilidade do artista de procurar ouvir ao máximo e experimentar

todas as possibilidades, até atingir uma maturidade lógica de expressão.

Interpretar é propor um sentimento para gerar uma expressão musical.

O mais importante é o seu Ser humano fidelizar o seu sentimento com o que faz usando seu instrumento musical para

tocar a melodia, conectando sua intenção aos propósitos de DEUS ao Seu louvor. Tudo começa com você!

Encaixe a sua "música" com a expressão que a música pede, use o seu sentimento, concentre-se e treine suas ações,

harmonizar-se com os conceitos teóricos e práticos música, lembre-se da comunhão e do seu papel na orquestra de

DEUS, respeitando a todos e colaborando para o canto congregacional.

Seu som vai ser organizado, doce e vai conduzir a sua alma e as almas de quem ouve para a mais elevada e crescente

comunhão com o Espírito Santo de DEUS. Que é o que nos determina como músicos espirituais em uma orquestra de

DEUS interpretando hinos espirituais de louvores e súplica a DEUS, isto é, a música sacra (sacra = respeito).

A música para DEUS

Adorar é a expressão de amor e gratidão por quem DEUS é e pelo que fez e faz por nós.

Quando adoramos a DEUS, estamos oferecendo todo o nosso ser a Ele. A música na igreja está centralizada

unicamente em DEUS, unindo a expressão musical na execução dos hinos sacros.

A música é um meio tão intenso e importante de contato dos seres criados com o seu Criador que DEUS doou à nós

esta capacidade para executar a música para seu louvor. No santo serviço de Culto a música faz parte de tudo o

tempo todo, eventos, aberturas, meia-hora, Comunhão para a Palavra, agradecimento após a Palavra.

Por isto, o músico é um ministro separado para um único propósito santo: agradar a DEUS.


Página 119

Indicações de expressões

Recomenda-se orientar a orquestra para estudo e a prática de interpretação das expressões indicadas no

hinário nº 5 com caráter sacro e angelical da seguinte maneira.

· Com Veneração ( Ex.: Hino 38 )

Significado: 1 Ato ou efeito de venerar. 2 Culto que se presta às pessoas, às divindades ou às coisas sagradas.

3 Acatamento, respeito.

Para interpretar essa expressão a orquestra deverá diminuir o volume de som, os metais devem tocar com menor

volume de som sem acentuar as notas e as cordas devem aumentar o volume gradativamente.

Caráter de interpretação: ao diminuir a intensidade de som de toda orquestra, isso não está incluso cordas e

flautas que permanecerão na linha de som dos demais instrumentos, se obtém uma qualidade de veneração, isto

implica em cada músico estar sempre atento a execução dos outros músicos da orquestra, ouvindo-os enquanto

executa o seu próprio instrumento. Venerar é respeitar, e que automaticamente nos leva a pensar em cuidado ao

render graças a Deus e a Cristo; Para que isso ocorra, é preciso oferecer o melhor de cada um, sem que isso seja

confundido com prepotência ou arrogância.

· Majestoso ( Ex.: Hino 135 )

Significado: 1 Que tem majestade. 2 Suntuoso, grandioso, imponente. 3 Confiante.

Para interpretação desta expressão a orquestra deve tocar com grandiosidade e convicção, preenchendo bem o

tempo de duração das notas, porém sem exagero de volume de som.

Caráter de interpretação: já mais próximo da expressão de solenidade a expressão majestosa indica a presença de

uma autoridade (majestade) de caráter real ou imaginário o qual se faz necessário levar em consideração este fato,

onde a orquestra ou músico executa a principio para esta finalidade (apresentação real) aparição da autoridade

majestade. Execução imponente, uma clarinada, verificação do exército. No caso específico da igreja, os valores

expressivos são voltados á autoridade real Cristo, o qual se apresenta à igreja, onde os músicos tocam seus “clarins”

instrumentos com grandiosidade para apreciação do rei (Jesus)..

· Solene ( Ex.: Hino 96 )

Significado: 1 Que se celebra todos os anos, com pompa e suntuosidade. 2 Acompanhado de cerimônias públicas e

extraordinárias; magnífico, pomposo. 3 Que infunde respeito; grave, majestoso. 4 Suplicante

Na expressão solene a orquestra deve executar com mais virtuosidade, com som mais firme, exultante, porém não

estridente, mantendo o equilíbrio da sonoridade na harmonia dando preferência ao soprano.

Caráter de interpretação: esta expressão traz algo diferente das duas primeiras expressões. Um tanto diferente de

veneração e submissão, o músico precisa executar sua peça de forma eficaz, firme e virtuosa com mais intensidade

onde os metais se destacam sobre os demais. Faz-se necessário observar o momento desta expressão solene na

partitura, pois sempre há um momento específico que dá esta característica de solenidade. Geralmente não está

explícita a característica solene em toda a partitura, mas sim alguns pontos em particular. Cabe ao músico identificar

estes pontos a fim de exalta-los. No entanto a maior parte de uma partitura assinalada de forma solene, trás esta

característica, embora se pode encontra partes com, menos e outras com mais expressão solene dentro da mesma

peça.

· Com júbilo ( Ex.: Hino 147 )

Significado: 1 Grande alegria ou contentamento. 2 Regozijo. 3 Fevoroso

A interpretação deve ser feita de forma alegre, deve-se executar as notas de forma mais solta, sem ligar, tomando

cuidado para não acelerar o andamento do hino (sem haver correria ou força demasiadamente).

Caráter de interpretação: jubilosos tocam ou cantam as pessoas em momentos de alegrias, jubilantes e alegres

estão às pessoas em festas. Esta expressão á a representatividade da alegria, e de modo algum deve se expressar de

forma melancólica. Peças desta natureza foram compostas em grandes momentos de euforia e alegria de uma pessoa,

um povo, ou até mesmo de uma nação. Sons imponentes, notas eficaz, mais a caráter Stacatto brando, notas mais

“secas” levando ao ouvinte a mesma alegria que está no músico ou na orquestra.

· Com submissão ( Ex.: Hino 61 )

Significado:1 Ato ou efeito de submeter ou submeter-se. 2 Disposição a obedecer. 3 Humildade. 4 Sujeição.

5 Humilhação voluntária. 6 Obediência espontânea. 7 Suave e Sereno

Para interpretar essa expressão a orquestra deverá tocar com metade do volume de som (meio piano), os metais

devem tocar com menor volume de som e bem legato, cordas devem aumentar gradativamente sem acentuar as

notas.

Caráter de interpretação: Submissão não é imposição, então se percebe logo de início que o músico precisa

executar com moderação de som ficando atento para não criar um “clima” de imposição sobre o grupo de canto os

qual a orquestra está auxiliando. Na expressão submissão destaca se o grupo de cordas e madeiras, enquanto que os

demais seguem de forma que não venha “agredi-los”. Há outro fator também a considerar: Trata-se da velocidade. É

de extrema importância observar corretamente os valores estimados de velocidade, e neste caso optamos pelo

parâmetro mínimo, pois essas peças geralmente estão carregadas de sentimentos que são abstratos não sendo

representados na grafia física que são as notações. Nesta expressão não se devem executar de forma martelatto,

estacatto, mas sim usando um legatto fica muito bom.

· Humildade ( Ex.: Hino 351 )

Significado:1 Virtude com que manifestamos o sentimento de nossa fraqueza. 2 Modéstia. 3 Demonstração de

respeito, de submissão. 5 Inferioridade.

A interpretação deve ser feita parecida com a execução de veneração, ou seja, metais com menos volume de som,

cordas aumentam, volume diminui, porém com um pouco mais de submissão, porém a expressão sonora transmita o

sentimento de clemência e devoção.


Página 121

Caráter de interpretação: assim como submissão não é imposição, humildade não é negligencia. Deve sim tocar

de forma tranquila, não impondo, mas sim observando o sentimento humilde que está alem das aparências. Não é

possível escrever o sentimento espiritual em uma partitura, porem se observar a mesma de forma criteriosa,

conseguirá sem muita dificuldade perceber este sentimento humilde que vem acompanhando cada símbolo que está

grafado na pauta musical.

Na interpretação musical, cada aspecto físico está carregado de sentimento espiritual do compositor; Sendo assim

uma das melhores maneiras de se chegar a uma interpretação satisfatória mais próxima daquilo que o próprio

compositor gostaria de ouvir é se interar de fatores como: História desta partitura, época e acontecimentos que

influenciou o compositor a cria-la de tal forma. Podemos dizer que seria uma busca com finalidade de tocar como o

próprio compositor tocaria.

Fontes de adaptações e referências bibliográficas:

- Definições de significados e dicas de interpretação: Oficial CCB

- Adaptações ao cunho pedagógico: Marcos Oliveira

- Textos de ‘Caráter de interpretação’: Wagner Linhares Gomes

Módulo 5Assuntos abordados: modulação, escalas maiores e menores, modos,

sinais de navegação.

Estudo avançado: fé e o poder da comunicação cristã nas orquestras.

Deus seja louvado


Página 123

Módulo 5

Modulação

Ocorre quando a tonalidade principal do trecho musical é alterado, isto é, passando por tonalidades vizinhas à

tonalidade principal e depois, voltam à tonalidade principal. Exemplo: Hino 353.

Escalas maiores e menoresAs escalas maiores e menores são os principais de escalas.

Escala maiorEscala maior é formada de 5 tons e 2 semitons, encontrando os semitons entre III - IV e VII -VIII graus, tanto

ascendente como descendente.

Exemplo de escala maior natural e com acidentes fixos em sustenidos:

Modulação é a mudança de tonalidade de um campo harmônico para outro.

DÓ Maior

SOL Maior

RÉ Maior

LÁ Maior

MI Maior

SI Maior

FÁ # Maior

DÓ # Maior

Exemplo de escala maior natural e com acidentes fixos em bemóis:

FÁ Maior

SI b Maior

MI b Maior

LÁ b Maior

RÉ b Maior

SOL b Maior

DÓ b Maior


Página 125

Escala menorÉ formada de 5 tons e 2 semitons, encontrando os semitons entre II – III e V – VI graus. Esta disposição de tons e

semitons nos dá, a escala menor chamada de pura ou natural.

LÁ menor

MI menor

SI menor

FÁ # menor

DÓ # menor

SOL # menor

RÉ # menor

LÁ # menor

RÉ menor

SOL menor

DÓ menor

FÁ menor

SI b menor

MI b menor

LÁ b menor

Escala menor harmônicaÉ uma escala menor que tem o seu sétimo grau elevado em meio tom, ascendente e descendentemente, fazendo

com que exista um outro semitom, além dos dois normais, do VII – VIII graus.

LÁ menor

MI menor

SI menor

FÁ # menor

DÓ # menor

SOL # menor

RÉ # menor

LÁ # menor

RÉ menor

SOL menor

DÓ menor

FÁ menor

SI b menor

MI b menor

LÁ b menor


Página 127

Escala menor melódicaÉ uma escala menor que tem o sexto e sétimo graus elevados em meio tom, ascendentemente e naturais na

descendente.

LÁ menor

MI menor

SI menor

FÁ # menor

DÓ # menor

SOL # menor

RÉ # menor

LÁ # menor

RÉ menor

SOL menor

DÓ menor

FÁ menor

SI b menor

MI b menor

LÁ b menor

Modos

A partir das 7 (sete) notas musicais então temos sete modos distintos, sendo que em cada um deles os Tons e

Semitons estarão em posições diferentes.

Modo maior

Modo maior é aquele que possui semitons entre III - IV e VII – VIII graus.

Podemos dizer que a escala acima é de DÓ MAIOR, uma vez que o I grau é dó e os semitons localizam-se entre III – IV

e VII – VIII graus.

Modo menor

Modo menor é aquela que possui os semitons entre II – III e V – VI graus.

Podemos dizer que a escala acima é de LÁ MENOR, uma vez que o I grau é lá e os semitons localizam-se entre II– III e V

– VI graus.

Modo é a maneira como os tons e semitons estão organizados na escala.


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Sinais de navegação

Ritornellos

Quando uma música deve ser repetida desde o início, coloca-se no seu final o sinal (ritornello) ou abreviatura D.C.

(do italiano da capo) que significa “do início”. Às vezes ambos os sinais aparecem ao mesmo tempo:

SIMPLES

DUPLO

Se apenas um determinado trecho deve ser repetido, utiliza-se os sinais e

COM SINAL

Quando a repetição deve começar em outro ponto que não do início, coloca-se, neste determinado ponto, o sinal

e ao final da música escreve-se dal segno (do italiano do sinal):

Sinais de repetição são sinais que evitam a repetição gráfica de notas oucompassos, facilitando a escrita musical.

DO INÍCIO AO FIM

Quando a música se repete desde o início ou de um determinado ponto e esta repetição não é integral, escreve-se

Fine onde ela termina:

TrechosHavendo repetição de um determinado trecho, sendo que, na segundo vez deseja-se pular um ou mais compassos,

utiliza-se chaves que compreendem os compassos a serem pulados na repetição. Denominamos “casa 1”, “casa 2”:

Sinal de SaltoO Sinal de Salto ( ), indica que o trecho colocado entre dois destes sinais não é executado na repetição.



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Estudo: fé & comunicação cristãQual é o caminho da música de DEUSComo orientar à adoração a DEUS por usar uma comunicação cristã com estudantes e orquestras

Música é criação de DEUSA música foi instituída por DEUS no Céu, para ser executada pelos seres celestiais criados para o ato de adoração ao

Criador. Assim, adorar é agradar a DEUS e é ação contínua entre os seres celestiais no céu. E a fé é o primeiro Dom que

o músico recebe de DEUS para servi-Lo, agradá-Lo e louvá-Lo com um cântico ou tocando seu instrumento.

A música é um meio tão intenso e importante de contato dos seres criados com o seu Criador que DEUS doou à nós

esta capacidade para executar a música para seu louvor.

Comunicação positiva

Aprenda a se comunicar com virtude (verbal e não-verbal).

Para ensinar, corrigir e instruir é muito importante saber comunicar-se com sabedoria. “O irmão ofendido é mais difícil

de conquistar do que uma cidade forte; e as contendas são como os ferrolhos de um palácio.” Leia: Provérbios 18:1

Gastamos menos energia para dizer uma palavra positiva do que para dizer uma palavra negativa.

PALAVRAS POSITIVAS

O que as pessoas apreciam na atitude dos outros:

1. Palavras de reconhecimento e ações de recompensa.

2. Solicitação de contribuições - opiniões, estimativas e

sugestões.

3. Demonstrações de interesse - por suas famílias,

atividades, etc.

4. Informações claras sobre o que esperam deles.

5. Oferecimento de ajuda: sensibilidade com

sentimentos e situações adversas.

6. Serem chamados pelo nome. Respeito. Elegância.

7. Encorajamento e demonstração de confiança.

8. Manifestação de críticas de forma reservada, educada

e construtiva.

PALAVRAS NEGATIVAS

Atitudes que NÃO apreciam:

1. Fofocas - atitude mal educada magoa as pessoas, destrói

a moral.

2. Ser ignorado - não serem alvo de nenhuma

manifestação verbal.

3. Críticas grosseiras, manifestada em oculto ou na frente

de colegas.

4. Tratamentos ríspidos, como se for pessoa inferior.

5. Reclamações constantes e destaque permanente de

coisas negativas.

6. Falar alto, gritos e berros. Ameaças. Falta de atenção.

7. Linguagem baixa e imprópria. Demonstrar irritação ou

falta de paciência.

8. Falta de pontualidade, objetividade ou planejamento.

As palavras positivas facilitam os relacionamentos e o aprendizado, criando uma atmosfera de paz que proporciona

descanso, rejuvenescimento e sono, todos necessários para uma boa saúde. A palavra negativa é antecedida do

pensamento negativo. Há ocasiões em que a pressão sanguínea aumenta, e não conseguimos raciocinar

logicamente. Usando palavras positivas as coisas boas começam a acontecer na mesma hora, repete-se mais

rapidamente e se mantêm com maior frequência se continuar sendo usadas.

Convívio em grupo

Lembre disto: se você é um líder, dê o exemplo.

Sempre sorria sinceramente, ouça atentamente, pense e fale palavras positivas. Todas as nossas ações demonstram

quem nós somos e o que fazemos (intenção).

Seja a inspiração de quem te ouve.

Todos nós estamos somos avaliados quando fazemos algum gesto e quando falamos. Gostar de ensinar a arte musical

é algo exterior, é permitir a si próprio dividir o conhecimento em formato de palavras fáceis de entender, inspirar

ações propondo isto com gestos claros e propostas alcançáveis, ajudando o grupo orquestral (músicos, organistas) ou

um único indivíduo, a remover os seus obstáculos pessoais para que sempre conquiste novos progressos.

Treinando toda a orquestra

Chegou à hora de você orientar, se comunicar ativamente, dividindo tudo o que aprendeu.

Sempre demonstre respeito e ética com igualdade – estabeleça ações e regras de comportamento pessoais – seu

exemplo será seguido, por isto, estabeleça a sua comunicação com respeito. Manifeste entusiasmo. Exemplos:

Quer você seja encarregado de orquestra, proponha aos músicos da orquestra os desafios e metas claras que

podem ser alcançados: sem sacrifício humano ou intelectual. Esta é a orientação de DEUS. Sem comércio!

Quer você seja professor de música (teórico ou prático), proponha aos alunos desafios e esclarecimentos

claros que podem ser alcançados: sem sacrifício humano ou intelectual. Isto é metodologia.

Ou se você é um aluno, respeito o seu professor e encarregado e proponha-se a dedicar-se nos estudos,

questionando quando um desafio não for compreendido e busque alcançar sua meta com toda a sua força,

não se sacrifique, faça tudo com disposição e prazer. Para louvar a DEUS isto é fundamental.

Planejamento orquestral

Assim como a música é infinita nos seus conceitos, a missão do músico é para toda a vida.

Orquestra: é todo agrupamento instrumental preparado para a interpretação de música.

Disciplina: é a primeira virtude que um músico deve ter. Transmitir conhecimentos musicais sem ciúmes, é a

segunda virtude.

Estudo: dedicar-se na teoria musical e conhecer as técnicas para o domínio de seu instrumento musical é

muito importante.

Notas agudas: devem ser tocadas com delicadeza e leveza; já são agudas por si só, não precisa forçar a

execução da nota. Apenas dê a ela o seu brilho com naturalidade e doçura.

Notas graves: alguns instrumentos tem afinação muito sensível nas notas graves, por isto devem ser

executadas com "gravidade", isto é, com atenção, valorizando a forma da nota musical.


Página 133

OrquestraçãoVamos propor no tema ‘orquestração’ algo muito mais simples do que se trata uma orquestração profissional, pois na

Congregação Cristã a orquestra e o formato da posição dos músicos e os tipos de instrumentos musicais nos dão

muitos efeitos, sobretudo quando se trata do peso orquestral.

O líder “soa a testa” primeiro

O Encarregado de Orquestra deve sempre estar atento na relação “quantidade de músicos da orquestra” com a

variável “tamanho e capacidade da sala/templo” para definir o volume da massa orquestral. Neste caso é uma questão

de bom senso, pois a orquestra não deve ser barulhenta, o som deve ser agradável para que a irmandade tenha

prazer em cantar. Além disso, devemos respeito para as residências circunvizinhas e estamos sujeitos a Lei do silêncio.

Proporções de vozes

Deve-se sempre buscar o equilíbrio sonoro com leve domínio do naipe cordas e madeiras. As cordas e as madeiras,

por possuírem o timbre mais suave, devem ser em maior número. Já os saxofones e metais, por apresentarem um

timbre bem mais potente, devem ser em menor quantidade.

Nas orquestras em que os instrumentos de metais superam os de cordas e de madeiras, o Encarregado de Orquestra

pode dividi-los em outras vozes para o som não ficar muito estridente (exemplo: em uma igreja que possua 5

Trompetes, pode-se pedir para 2 ou 3 músicos tocarem a 2ª voz: o contralto; ou se tem muitas Tubas, pedir para

alguns tocarem a 3ª voz: o tenor, assim por diante).

Sugestão de balanceamento de instrumentos por naipe

Para que haja um bom equilíbrio na sonorização é aconselhável na medida do possível, que os percentuais em

número de instrumentos, sejam os seguintes: Cordas (38%); Madeiras (25%); Saxofones (15%); e Metais (22%),

entretanto estes percentuais tratam-se apenas de uma sugestão.

As vozes são relacionadas diretamente com o canto e os instrumentos musicais são divididos em categorias,

chamados: naipes, que igualmente tem o seu papel na orquestra na divisão das alturas de vozes do hinário (soprano,

contralto, tenor e baixo).

A posição dos instrumentos na orquestra, a divisão de vozes, o papel da irmandade no canto, o papel do encarregado

de orquestra durante a regência no ensaio – enfim, tudo somado aos elementos da teoria musical vai favorecer a

“orquestração” de todo o grupo orquestral na CCB, grupo reconhecido pela soma da irmandade com a orquestra.

Metodologia vem anda da liderança

Em qualquer local de atuação o indivíduo perde a “liderança” quando o grupo ora liderado não o considera como tal

pois não encontra motivos para acompanhá-lo ou seguir suas normas, porque simplesmente elas deixam de existir,

ou são ineficazes, ou são aplicadas com pesos diferentes entre indivíduos e situações “nada-especiais”: causando

mágoas; destratos, indiferenças e separações. O que liderará neste caso? Estejamos todos guiados pela fé e

conectados ao Espírito Santo de DEUS. Aleluia!

Módulo 6Assuntos abordados: tempo (andamento, caráter expressivo), sinais de

dinâmica, acentos, tessitura.

Estudo avançado: apresentação dos instrumentos musicais.

Deus seja louvado


Página 135

Módulo 6

Tempo

Metrônomo (foto)

Instrumento que permite a especificação do andamento de uma peça musical.O metrônomo é um mecanismo de relógio com pêndulo ajustável, patenteadoem 1.814 J.N. Maezel.

Usado para indicar com precisão o andamento de uma música. Através de umatabela com números, que vai de 40 a 208, gradua-se a velocidade do tempo.

Estes números referem-se a quantidade exata de tempos de batidas porminuto.

AndamentoAndamento determina o grau de velocidade ou lentidão que se pede para a execução de um trecho de música.

Os andamentos são indicados com palavras italianas consagradas pelo uso.

Os principais usados na música são os seguintes:

Lentos

o Largo (40-60) Muito vagarosamente: o mais lento.

o Larguetto (60-66) Um pouco menos lento que o ‘Largo’.

o Lento (60-66) Lento.

o Adagio (66-76) Vagarosamente, expressão terna.

Moderados

o Andante (76-108) Mais movido que o Adagio.

o Andantino (84-112) Pouco mais rápido que o Andante.

o Moderato (108-120) Moderadamente.

o Allegretto (112-120) Mais rápido que o Moderato e não tão rápido como o Allegro.

Rápidos

o Allegro (120-168) Rápido.

o Vivace (152-168) Ainda mais Rápido .

o Vivo (168-180) Bastante rápido .

o Presto (180-200) Muito rápido.

o Prestissimo (200-208) O mais rápido possível com toda a presteza.

Caráter expressivoOs andamentos indicados nos termos acima ainda podem ser acompanhados de outros termos que indicam o caráter

expressivo do termo a executar, por exemplo: Allegro Con brio.

Citaremos os mais importantes:

Affetuoso - com afeto

Assai - bastante

Con brio - com vivacidade

Cantabile - cômodo para cantar

Con anima - com alma

Con fuoco - com intensidade

Con moto - com movimento

Con spirito - com espírito

Grazioso - com graciosidade

Maestoso - com majestade

Moderato - com moderação

Tranquillo - com tranqüilidade

Mosso - com movimento, rápido

Risoluto - com resolução

Scherzando - brincando

Tempo giusto - em movimento médio

Ligiero - leve

Ma non troppo - mas não muito

Non molto - não demasiadamente

Più - mais

Poco - pouco

Meno - menos

Sostenuto - sustentado

Passionato - com paixão

Alterações de andamentoPodem ocorrer indicações para aumentar ou diminuir a velocidade no andamento de certos trechos da partitura,

criando um efeito dramático para uma passagem musical.

O uso deste efeito deve ser interpretado imediatamente quando da aparição de sua indicação. Pode ocorrer a

transição gradual de outros efeitos, enriquecendo a beleza da música.

As palavras que indicação a execução mais rápida de uma passagem são as seguintes:

Expressões: Abreviaturas:Accellerando Accel.Stringendo String.Affrettando Affret.Stretto Stretto

E as que indicam a execução mais lenta:

Expressões AbreviaturasRallentando Rall.Ritenuto Rit.Smorzando Smorz.Allargando Allarg.Ritardando Ritard.

Para retomar o andamento indicado no princípio usa-se uma das seguintes palavras: a tempo, 1º. tempo, primo

tempo. Outra forma de indicar andamento é o andamento à vontade do executante, são usadas as seguintes palavras:

á piacere – a vontade, ad libitum – comodamente.


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Sinais de dinâmica

Os sinais de dinâmica dão expressão e vida para a música e nos indica como devemos interpretar uma obra musical,

seja instrumental ou vocal, explorando o volume em três faixas de intensidade, desde muito suave (pianíssimo) ao

muito forte (fortíssimo).

Estas intensidades são expressas por palavras em italiano abreviadas, vejamos a seguir:

EXPRESSÃO ABREVIATURA INTENSIDADE

Molto Pianíssimo Muito, muito suave

Pianíssimo Muito suave

Piano Suave

Mezzo piano Meio suave

Mezzo forte Normal, audível, sem forçar

Forte Forte

Fortíssimo Mais forte

Molto Fortíssimo Muito, muito forte

Para indicar o aumento gradual da intensidade, usa-se os seguintes termos ou sinais:

Termos para aumentar a intensidade:aumentando Aum.crescendo Cresc.

Sinal para aumentar a intensidade:

Para indicar a diminuição gradual da intensidade, usa-se os seguintes termos ou sinais:

Termos para diminuir a intensidade:decrescendo Decresc.diminuendo Dim.

Sinal para diminuir a intensidade:

Dinâmica são graus de intensidade no volume de som requerido para aexecução de um trecho ou peça musical.

AcentosPodemos acentuar uma ou várias notas, dando-lhe maior ênfase, maior intensidade do que as demais. As acentuações

devem ser sempre proporcionais à intensidade geral do trecho musical no qual estão inseridas.

= acento fraco, também conhecido por tenuto ou tratina, indica que a nota deve ser levemente realçada eexecutada com seu valor integral;

= acento de intensidade média; o ataque da nota é mais forte do que o restante da sua duração;

= acento forte; as notas são atacadas e mantidas na mesma intensidade.

– abreviatura de sforzando (esforçando);

– abreviatura de fortepiano, indica mudança súbita de intensidade (dinâmica).

Tessitura

Se corrermos um dedo por todas as teclas de um piano, da esquerda para direita, vamos obter uma série de sons

diferentes. Facilmente notamos que as notas mais à esquerda são as mais graves e as notas mais à direita são as mais

agudas do teclado.

A distância entre o registro grave e o registro agudo do piano é grande, de várias oitavas. Essa distância é conhecida

como tessitura ou extensão. Quanto menor a tessitura de um instrumento musical, menor a variedade de seu timbre e

mais sutil a diferença entre seus registros. Vamos ver exemplos gráficos de tessituras dos instrumentos por naipe:

Cordas

Tessitura é o intervalo de sons desde a nota mais grave até a nota mais agudaque um instrumento ou voz consegue alcançar.


Página 139

Madeiras

Metais

Vozes humanas


Estudo: instrumentos musicaisVamos conhecer a família dos instrumentos musicaisSão os seguintes naipes: cordas, madeiras, metais e percussão

Estes detalhes estão dispostos aqui para inspirar a escolha do seu instrumento musical, mas isto não é tudo, você

precisa ouvir o seu som do instrumento que lhe despertou algum interesse, saber mais detalhes sobre o processo de

emissão de som com o músico que toca o respectivo instrumento, tirar dúvidas. Sobretudo, consulte o encarregado

de orquestra para que ele possa apoiá-lo a tomar uma decisão baseado na necessidade da orquestra de sua

localidade, entretanto o principal foco deste apoio é orientá-lo sobre a pré-definição de sua escolha.

Agora vamos conhecer as famílias dos instrumentos musicais, elas são divididas em grandes grupos chamado na

teoria musical apenas como “naipes”, são eles: cordas, madeiras, metais, percussão e teclas.

Cordas

Os instrumentos musicais de corda produzem som através da vibração de uma corda esticada. A vibração é obtida

friccionando as cordas com o arco, no caso do violino, e beliscando a corda no caso da harpa e do violão.

Os principais membros da família das cordas friccionadas, são: o violino, a viola, o violoncelo e o contrabaixo. Cada um

tem um corpo de madeira oco, um braço e quatro cordas. O arco é uma vara de madeira com crina de cavalo. A

vibração produzida pela fricção do arco nas cordas é transmitida pelo corpo oco, e dentro do corpo as vibrações

sonoras se amplificam, enriquecendo o som produzido.

As cordas são materiais capazes de produzir som musical quando colocadas em vibração. Os materiais mais comuns

que compõe o arco são: tripa, seda, arame e nylon. As formas mais comuns de colocar uma corda em vibração a fim de

que produza som são: com arco (violino), dedos (harpa) e martelos (piano).

A harpa tem um jogo de cordas de diferentes tamanhos, esticadas numa armação de madeira. As cordas são

dedilhadas com as unhas e os dedos – com exceção do dedo mínimo de cada mão – produzindo vibrações que são

amplificadas pela caixa de ressonância.

A extensão da nota produzida por qualquer corda do instrumento depende do comprimento, também da espessura e

da tensão em cada corda. Uma corda curta, leve ou muito esticada, produzirá uma nota com afinação muito alta.

Cordas friccionadas com arco: Violino, Viola, Violoncelo, Contrabaixo, Rabeca, Viola da gamba.

Cordas dedilhadas: Alaúde, Bandolim, Cítara, Harpa, Lira, Kantele, Koto, Saltério, Sangen, Viola e Violão, Virginal,

Vihuela.

Cordas percutidas: Piano e Clavicórdio Cordas beliscadas: Cravo.

Naipe: cordas


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Cordas friccionadas com arcoVamos conhecer: violino, viola, violoncelo e contrabaixo.

ViolinoHistórico: desenvolvido no século XVI pelos italianos Andrea Amati, de

Cremona, e Gasparo da Salò, de Brescia, a partir do aperfeiçoamento do

primitivo instrumento de 3 cordas, parece, à primeira vista, que, dessa época

até os dias de hoje, o violino não sofreu transformações em sua estrutura. No

século XVI, eram comuns violinos menores, como os chamados “pochette”,

usados pelos mestres de dança e que eram guardados nos bolsos (poches) de

suas casacas.

Na verdade, porém, a partir das inovações introduzidas por Antonio

Stradivarius, por volta de 1700, o instrumento passou por pequenas mas

significativas mudanças estruturais, para que pudesse atender às

necessidades das sucessivas gerações de compositores e intérpretes. No

século XIX, o surgimento das grandes salas de concerto e o aparecimento da

figura do “virtuose” levaram às alterações que lhe deram a feição definitiva e que redundaram num timbre mais

volumoso e brilhante.

De aparência simples, é um instrumento de extraordinária complexidade, composto de quase 70 peças diferentes.

Constitui-se basicamente de 4 cordas, afinadas em quintas (mi4, lá3, ré3 e sol2) e que atingem mais de 4 oitavas e

meia, uma caixa de ressonância em forma de oito e um braço preso à caixa por um cepo. No interior da caixa, há há

uma prancheta chamada “cadeira” e um pequeno cilindro vertical denominado “alma”. Ambos têm por finalidade

melhorar a sonoridade, além de dar mais solidez à parte superior da caixa de ressonância, o “tampo harmônico”, em

cuja parte central encontra-se o “cavalete”, por onde passam as cordas.

O violino, o mais agudo e versátil instrumento de cordas, é indispensável na orquestra sinfônica e no quarteto de

câmara.

Tessitura do violino:

Intérprete: violinista.

Voz na orquestra CCB: soprano (melodia).

ViolaHistórico: estruturalmente idêntica ao violino, embora de dimensões um

pouco maiores, a viola, derivada da chamada “viola de braço”, integra

regularmente a orquestra sinfônica e o quarteto de câmara. Seu timbre é

ligeiramente mais grave que o do violino (uma quinta abaixo) e suas 4 cordas

são, como no violino, afinadas em quintas (dó2, sol2, ré3 e lá3).

Suas origens parecem remontar ao século XVI na Itália. As primeira violas

modernas de que se tem conhecimento foram fabricadas por Andre Amati e

Gasparo da Salò e possuíam dimensões um pouco maiores do que as atuais.

No século seguinte, Stradivarius e Andrea Guarnerius criaram modelos de

tamanho mais reduzido, que se firmaram através dos séculos.

A partir de Haydn e Mozart, a viola ganhou importância como instrumento de

câmara e sinfônico. No século XIX, foi valorizada por Berlioz e Richard Strauss,

que compuseram solos do instrumento. No século XX, no entanto, é que surgiram as primeiras obras para viola

desacompanhada, como as sonatas de Paul Hindemith.

O violino, o mais agudo e versátil instrumento de cordas, é indispensável na orquestra sinfônica e no quarteto de

câmara.

Tessitura da viola:

Intérprete: violista.



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ViolonceloHistórico: construído no século XVI, à maneira do violino e para ser

tocado como a viola de gamba, pelos mestres italianos Andres Amati,

Gasparo da Salò, Maggini e outros, esse instrumento de timbre grava e

aveludado tinha a função de reforçar os baixos da orquestra.

Em seus primórdios, exercia papel secundário, sendo utilizado ora como

baixo contínuo, juntamente com o cravo, ora como simples pedal da

orquestra. Somente a partir do final do século XVII é que se firmou

como instrumento solista, substituindo a “viola de gamba”.

De estrutura semelhante à do violino e à da viola, diferencia-se destes

pelo comprimento (1,19 m.), como também pela caixa de ressonância,

proporcionalmente mais funda.

Possui 4 cordas afinadas uma oitava abaixo das cordas da viola, também

em quintas (dó1, sol1, ré2 e lá2), e seu registro médio é de 3 oitavas e

meia.

A princípio, o corpo do violoncelo variava de dimensões. O

comprimento atual foi fixado no século XVII, por Stradivarius. Assim

como o violino e a viola, o violoncelo é indispensável em qualquer

orquestra e no quarteto de cordas.

Tessitura do violoncelo:

Intérprete: violoncelista ou cellista.

Voz na orquestra CCB: baixo (harmonia).

ContrabaixoHistórico: O mais grave e maior instrumento de cordas e arco, o

contrabaixo surgiu também no século XVI, na Itália, modelado a partir

do “violone”, instrumento de cordas medieval. No decorrer dos séculos,

foram feitas várias experiências no tocante a suas dimensões, estrutura

da caixa de ressonância e número de cordas.

O contrabaixo usado atualmente mede 1,82 m. de comprimento e

possui 4 cordas afinadas em Quarta (mi, lá, ré e sol). Seu registro médio

é de pouco mais de duas oitavas, começando pelo “mi” mais grave da

escala. Para solos, utiliza-se, muitas vezes, um instrumento um pouco

menor, que apareceram no século XVII. Às vezes, podem ter uma

Quinta corda, afinada em Dó superior.

Para sua execução, empregam-se dois tipos de arco: o francês, mais

comum, e o Simandl ou Dragonetti, de empunhadura especial, que

proporciona maior peso do arco sobre as cordas do instrumento,

extraindo delas um som mais forte e homogêneo. Em geral na música

popular e, com menos freqüência, na erudita, é executado sem o uso

do arco, com as cordas sendo dedilhadas ( “pizzicato” ).

Indispensável na música sinfônica, o contrabaixo tem por função básica

reforçar os baixos da orquestra. Raramente funciona como solista.

Tessitura do contrabaixo:

Intérprete: contrabaixista.

Não pertence ao formato de orquestra na CCB.


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Cordas dedilhadasVamos conhecer: harpa.

HarpaHistórico: um dos instrumentos de corda mais antigos, a harpa já era

usada pelos egípcios no século II antes de Cristo, em forma semelhante

à atual.

Trazida para o Ocidente na Idade Média, foi introduzida no século XV

nas cortes reais européias. Em meados do século XVII, fabricantes

tiroleses acrescentaram à harpa um dispositivo mecânico que, acionado

pelas mãos do intérprete, elevava a altura das notas em meio-tom.

Por volta de 1720, o alemão G. Hochbruker construiu um modelo com

pedais acoplados à base do instrumento, permitindo as alteração das

notas em meio ou um tom.

O moderno mecanismo com 7 pedais, correspondentes às sete notas,

foi criado pelo francês Sébastien Érard e recebeu seus últimos retoques

em 1820.

A harpa utilizada nas orquestras sinfônicas atuais contém cerca de 46

cordas presas a uma armação triangular. Seu registro abrange seis

oitavas e meia (dó bemol1 a sol bemol6). Usada como instrumento

solista por alguns compositores, foi amplamente empregada na

orquestra sinfônica por uma gama interessante de compositores..

Intérprete: harpista.


Cordas beliscadasVamos conhecer o cravo.

CravoHistórico: O clavicêmbalo ou cravo também pertence a este epígrafe. Trata-se de um instrumento de teclas, cujas

cordas são premidas por puas, mediante um mecanismo que é acionado no teclado pelo intérprete.

Cada tecla está unida a uma peça de madeira, chamada

martinete, na qual há fixa uma pua, que oprime a corda

correspondente, ao ser acionada pela tecla.

O clavicêmbalo italiano aparece nos fins do século XV e

estende-se por toda a Europa, com ligeiras variantes. Sua

presença habitual na música prolonga-se até depois de

entrado o século XVIII, quando é, pouco a pouco,

substituído pelo piano.

Com a tendência surgida há alguns anos de se recuperarem

os instrumentos originais, voltou a ocupar seu posto de

solista nos concertos com orquestra e, desde o princípio do

século XX, mereceu a atenção dos compositores para obras

concretas..

Instrumentos relacionados: Virginal, Espineta, Clavicórdio.

Intérprete: cravista.



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Cordas percutidas

PianoHistórico: muito utilizado por alguns compositores

contemporâneos como instrumento de percussão. O

piano (o mais versátil dos instrumentos) e, na verdade,

um instrumento de cordas percutidas, munido de um

maquinismo e de uma grande caixa de ressonância. O

maquinismo é o complexo aparelho que faz vibrar as

cordas e se compõe, basicamente, de teclas, escapes,

martelos, abafadores e pedais. O som é produzido pela

pressão das teclas, que acionam martelos de madeira

recobertos com feltro, que, por sua vez, percutem as

cordas.

O princípio essencial do mecanismo do piano é a independência do martelo em relação às teclas. Depois de percutir a

corda, o martelo afasta-se, para que ela possa vibrar, mesmo que a tecla continue a ser pressionada. Esse dispositivo é

denominado “duplo escapa” e permite a repetição de uma mesma nota quantas vezes for necessário. Os abafadores

(feltros que recobrem os martelos) servem para impedir a mistura dos sons.

O piano é dotado de dois pedais:

- o direito, mais importante, quando pressionado, permite que as cordas permaneçam vibrando, mesmo que se

retirem os dedos que pressionam as teclas;

- o esquerdo, denominado “surdina”, tem por função diminuir o brilho da sonoridade.

Um dos instrumentos de maior alcance (só é excedido pelo órgão eletrônico), sua tessitura se estende por 7 oitavas e

um quarto. Desde lá2 ao dó7.

O antecedente do piano é o clavicórdio, que apareceu no século XV, mas a primeira referência ao piano foi publicada

em 1711, por motivo de sua apresentação a público por seu inventor Bartolomeu Cristofori, em Florença (Itália). Neste

mesmo século, foi aperfeiçoado por Silberman e Stein, na Alemanha, que introduziram os pedais e o mecanismo de

escape. No século XIX, com o aparecimento das grandes salas de concerto, que exigiam ampliação da sonoridade, o

instrumento adquiriu sua forma definitiva.

A literatura propriamente pianística se iniciou com Muzio Clementi, em 1773. Mozart e Beethoven ampliaram as

potencialidades do piano, abrindo caminho para os expoentes do Romantismo. No século XIX, atingiu o apogeu de

sua popularidade, com Schubert, Schumann, Chopin e Liszt. Tratado geralmente como instrumento solista, também

foi empregado em música de câmara.

Intérprete: pianista.


As madeiras constituem o grupo dos instrumentos de sopro, o som é produzido pela emissão de ar dentro de um

tubo formando uma coluna vibrante de ar que teve origem dos lábios do músico sobre um bocal com borda (no caso

das flautas e dos flautins) ou através de uma palheta (no caso das clarinetas, dos oboés, fagotes, etc).

A altura do som depende do tamanho e da temperatura do tubo e pode ser regulada pela abertura ou pelo

fechamento dos orifícios existentes ao longo do tubo.

Para quem ainda não está familiarizado com a estrutura de uma orquestra, é comum que haja um primeiro

estranhamento perante o fato de instrumentos como o saxofone e as flautas (sabidamente feitos de metal)

pertencerem à família das madeiras.

Isso se deve à origem histórica de alguns desses instrumentos (as primeiras flautas, por exemplo, eram feitas de

madeira) e ao modo como o som é produzido em outros (o saxofonista produz o som soprando através da palheta de

madeira).

Embocadura livre: Flauta doce, Flauta transversal e Flautim.

Palheta simples: Clarinete soprano em Sib ou Dó, Clarinete alto em Mib, Clarinete baixo em Sib e os Saxofones.

Palheta dupla: Oboé, Oboé d’amore, Corne inglês, Fagote e o Contrafagote.

Naipe: madeiras


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Embocadura livreVamos conhecer: flauta doce, flauta transversal e o flautim.

Flauta doceHistórico: Com freqüência é conhecida como flauta de bico, por tradução direta de seu nome francês: flût a bèc.

Bastante utilizada em orquestras que utilizam os chamados “instrumentos originais” do período barroco.

São construídas de madeira, como no passado, com a sua forma

ligeiramente cônica e a sua parte mais estreita para o final. No extremo

superior, têm um corte chanfrado reto, pelo qual o intérprete sopra

através da boquilha, com o instrumento colocado na posição vertical.

O corpo sonoro tem uma série de orifícios que o intérprete deve fechar

ou deixar abertos, para encurtar ou alongar o comprimento da coluna

de ar.

As flautas doces estão formadas por uma ampla família, conforme o seu tamanho, isto é, conforme o comprimento do

tubo sonoro, que vai desde a sopranino (mais agudo), até a flauta doce baixo (a mais grave) e que tem um alcance

muito amplo na sua tessitura.

Existiram na Antiguidade diversos outros tipos de flauta. No entanto, a única que coexistiu com a flauta transversal foi

a flauta doce, soprada pela ponta, muito usada pelos músicos renascentistas e barrocos.

Intérprete: flautista.


Sopranino Soprano Alto Tenor Baixo

Flauta transversal

Histórico: um dos instrumentos mais antigos, a flauta transversal, utilizada regularmente na moderna orquestra

sinfônica, surgiu no século IX, antes de Cristo, provavelmente na Ásia. Introduzida na Europa ocidental através da

cultura bizantina, no século XII depois de Cristo, era geralmente associada à música militar.

Somente na segunda metade do século XVII é que passou a integrar a orquestra.

A moderna flauta transversal nasceu das transformações operadas no antigo instrumento pelo alemão Theobald

Boehm, por volta de 1840. Feita em metal ou prata, constitui-se de um tubo cilíndrico de 67 cm. de comprimento por

19 mm. de diâmetro. Divide-se em 3 partes: bocal, corpo e pé.

O bocal tem por função manter rigorosamente o equilíbrio da afinação; o corpo e o pé contêm orifícios e chaves, cuja

finalidade é diminuir ou aumentar o comprimento da coluna de ar no interior do tubo. Soprada lateralmente, seu

alcance é de 3 oitavas (dó3 a dó6). O pé é uma extensão do corpo, possuindo três ou quatro chaves.

É um instrumento solista em orquestras profissionais e o mais na família do grupo das madeiras.

Flauta baixo:

Há ainda a flauta baixa, que se usa para sons mais graves. Prolonga-se o

comprimento do tubo ou em alguns casos, constrói-se com um cotovelo pelo

qual o tubo se aproxima, no outro extremo, à posição do bocal.

Flauta transversal. Voz na orquestra CCB: soprano (melodia).

Flauta baixo. Voz na orquestra CCB: baixo (harmonia).

Intérpretes: flautistas.

Flautim ou Flauta piccolo:

Histórico: o flautim também é chamado de “Piccolo”, trata-se de uma versão menor da flauta transversal,

seu tubo tem aproximadamente metade do comprimento da flauta.

É o instrumento mais agudo da orquestra, da qual não é, entretanto, um elemento essencial. Alcança

quase 3 oitavas (ré4 a dó7).

Foi introduzido na orquestra no século XIX, sendo usado na música erudita moderna. É um instrumento de

execução difícil, já que a dimensão pequena do tubo exigem uma embocadura e um sopro precisos. Além

disso, suas chaves se encontram a uma distância extremamente pequena umas das outras..

Intérprete: flautista. Não pertence ao formato de orquestra na CCB.


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Palheta simplesVamos conhecer: Família “Clarinete” (Clarinete soprano em Sib ou Dó, Clarinete alto em Mib, Clarinete baixo em Sib)

e a Família “Saxofones” (Soprano em Sib, Contra-alto em Mib, Tenor em Sib e Barítono em Mib).

A família “Clarinetes”Histórico: Surgiu no final do século XVII, a partir do aperfeiçoamento da charamela, levado a cabo por Johann

Christopher Denner, conhecido fabricante de flautas de Niremberg. No século seguinte, passou a integrar a orquestra

sinfônica. Por volta de 1840, atingiu sua estrutura definitiva, com a introdução do sistema de chaves de Theobald

Boehm, que já havia sido aplicado com sucesso na flauta.

Ao logo dos tempos, foram criados clarinetes de dimensões e timbres variados. Há cinco modelos ainda em uso:

em mi bemol - o soprano da família, também denominado “requinta”;

em dó – de timbre brilhante;

em si bemol – o mais usado na atualidade;

em lá – de pouco uso, mas muito rico e apropriado para orquestras cristãs;

clarinete-baixo em si bemol – uma oitava abaixo do clarinete soprano em si bemol.

Constitui-se de um tubo cilíndrico dividido em 4 partes: pavilhão, corpo inferior, corpo superior e barrilete. Neste está

embutida a boquilha, na qual se adapta uma palheta simples.

Mozart foi um dos primeiros compositores a explorar o clarinete como instrumento

solista, compondo um concerto e várias peças de câmara. A sua escrita para o clarinete,

favorecendo a beleza do registo grave do instrumento e um equilíbrio e fluência em

toda a sua ampla tessitura, faz-nos pensar na escrita vocal e não é difícil imaginar

tratar-se por vezes de uma voz de soprano.

O uso do clarinete obbligato como dramatis persona em La Clemenza di Tito encontra-

se na linha de uma tradição vienense do início do séc. XVIII, na qual se inscrevem

múltiplas óperas, evidenciando uma relação estreita entre a voz e o chalumeau que,

tomado como objeto significante, é associado a sentimentos específicos de caráter

amoroso ou pastoral.

Criado em 1810, o clarinete-baixo ou clarone também é utilizado na orquestra

sinfônica, embora com menor freqüência. Distingue-se do clarinete propriamente dito,

pelo pavilhão recurvado e pelo diapasão mais grave.

Legenda: clarinetes do século 16

A seguir destacaremos os clarinetes que fazem parte do formato de orquestra na CCB.

Clarinete soprano em Sib e em Lá

Intérprete: clarinetista.


Clarinete alto em MibTambém conhecido como ‘clarone alto’.

Intérprete: claronista.

Voz na orquestra CCB: contra-alto ou tenor (harmonia).

Clarinete baixo em SibTambém conhecido como ‘clarone baixo.

Intérprete: claronista.

Voz na orquestra CCB: baixo ou tenor (harmonia).


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A família “Saxofones”Histórico: o saxofone foi criado em 1840 pelo belga Antoine Joseph Sax (6 de Novembro de 1814 - 4 de Fevereiro de

1894), conhecido popularmente como “Adolphe Sax”). O saxofone é o único entre os sopros de metal que possui

palheta.

O primeiro saxofone, afinado em Dó (grave) foi apresentado pela primeira vez em 1841 ao compositor francês Hector

Berlioz, que ficou fascinado com o timbre, versatilidade e mecânica do instrumento. No ano seguinte, Sax mudou-se

para Paris para divulgar a sua invenção. Surgiu na época uma grande família de saxofones – 14 ao todo – de diferentes

tamanhos e afinações.

O saxofone é constituído de um tubo cônico com cerca de 24 orifícios controlados

por chaves, que permitem a produção dos diferentes sons do registro do

instrumento. Esse tubo termina num pavilhão largo, voltado para cima.

Atualmente existem 7 tipos de saxofones:

sopranino – afinado em mi bemol;

soprano – afinado em si bemol;

contralto – afinado em mi bemol;

tenor – afinado em si bemol;

barítono – afinado em mi bemol;

baixo – afinado em si bemol;

contrabaixo – afinado em mi bemol.

Somente o soprano, contralto, tenor e barítono são usados com frequência,

formando o quarteto comum dos grupos instrumentais de jazz.

Introduzido na orquestra sinfônica no final do século XIX, popularizou-se entre os compositores eruditos como

Rossini, Berlioz e Meyerbeer, com preferência para o sax contralto. Seu registro alcança 2 oitavas e uma sexta, desde o

si bemol abaixo do dó médio.

A boquilha é a peça que se encaixa na ponta do saxofone (tudel) na qual é fixada a palheta com uso da presilha.

Seu funcionamento é semelhante ao de um apito, pois gera as vibrações a partir da palheta com a boquilha, estas

vibrações irão percorrer o corpo do instrumento e tornarão o som e característica timbrística do saxofone. As

boquilhas podem ser fabricadas dos mais diversos materiais: massa plástica, metais, acrílico, madeira, vidro e até

mesmo osso. Para a música erudita e cânticos espirituais é recomendado das boquilhas de massa plástica ou de

madeira com maior câmara interna.

Não é membro permanente da orquestra sinfônica, mas seu repertório é vastíssimo, com muitas obras para solo..

O intérprete que toca qualquer tipo da família saxofone é chamado: saxofonista.

A seguir destacaremos os saxofones que fazem parte do formato de orquestra na CCB.

Saxofone Soprano em SibVoz na orquestra CCB: soprano (melodia).

Saxofone Alto em MibVoz na orquestra CCB: contra-alto (harmonia).

Saxofone Tenor em SibVoz na orquestra CCB: tenor (harmonia).

Saxofone Barítono em Mib



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Palheta duplaVamos conhecer: oboé (em dó), oboé d’amore (em lá), corne inglês (em fá), fagote (em dó) e o contra-fagote (em dó).

OboéHistórico: Instrumento antiquíssimo, o tipo utilizado hoje nas orquestras sinfônicas surgiu na

França, na segunda metade do século XVII, a partir do desenvolvimento das charamelas medievais

e renascentistas. Os primeiros modelos foram fabricados pelos franceses Jean Hotteterre e Michel

Philidor, e eram usados pelos músicos da corte de Luís XIV.

A forma do moderno oboé, data do período de Haydn e Mozart, embora tenha sofrido algumas

importantes modificações no decorrer dos séculos XVIII e XIX, como, por exemplo, o aumento de

sua extensão.

Constitui-se de um tubo cônico e palheta dupla, sendo o som controlado por

orifícios e chaves. De timbre anasalado, distingue-se perfeitamente na massa

orquestral. Sua tessitura é de 2 oitavas e meia, começando no si bemol, uma oitava

abaixo do Dó médio (3).

Utilizado, sobretudo como integrante indispensável de qualquer orquestra, também

possui uma extensa literatura para solo do instrumento.

Oboé. Voz na orquestra CCB: soprano (melodia).

Oboé d’amore:

Histórico: O oboe d'amore (sem acento, pelo fato de o nome ser em italiano) é um

instrumento de sopro da família dos oboés. Assim como o corne inglês, é um

instrumento transpositor, afinado em lá - uma terça menor abaixo do oboé. Sua

técnica, no entanto, é a mesma, e a palheta é muito semelhante. Foi usado pela

primeira vez em uma orquestra pelo compositor Christoph Graupher (1683-1760), e

posteriormente por J.S. Bach (especialmente em suas Cantatas) e G. P. Telemann.

Oboé d’amore. Voz na orquestra CCB: soprano (melodia).

O intérprete no Oboé, Oboé d’amore ou Corne inglês é chamado: oboísta.

Corne inglês

Histórico: o corne inglês (afinado em Fá), foi inventado em 1760 pelo italiano Ferlandis,

fabricante de instrumentos da cidade de Bérgamo. Ele resultou do aperfeiçoamento do antigo

oboé pastoril (oboé de caça).

A estrutura do corpo do corne inglês é semelhante ao do oboé, distingue-se principalmente

pelo corpo mais longo feito em madeira granadilha ou pinho. Seu tubo é cônico - a parte

metálica que separa a palheta do corpo é onde se encaixa a palheta dupla: o tudel.

O mecanismo tem o mesmo número de chaves do oboé distingue-se especialmente pelo

tamanho e sua campana convexa em forma de pêra.

De timbre suave, soa uma quinta abaixo do oboé e é próprio para melodias tristes e

melancólicas. Embora Haydn e Beethoven tenham escrito obras para este instrumento, suas

potencialidades só foram amplamente desenvolvidas por Berlioz, Wagner e Dvorák (período

romântico).

Mesmo sendo um instrumento transpositor, a técnica é a mesma do oboé, e suas partes são

escritas já transportadas como se fossem tocadas em dó para facilitar o trabalho do oboísta

que estiver tocando um corne inglês. A formação de todo instrumentista de corne inglês passa

antes pelo aprendizado do oboé.

O corne-inglês não é utilizado com muita freqüëncia na orquestra sinfônica. Por ser mais

grave, seu timbre é, digamos, romântico, mais aveludado e escuro que do oboé. Normalmente

é escolhido para solar em algunas melodias expressivas, pois se adapta a traduzir os

sentimentos de dor e de melancolia.

Não se costuma usá-lo em bandas de música, tão pouco em conjuntos de câmara.

Entretanto, seu uso é mais incomum, tendo sido mais utilizado em peças orquestrais a partir

do século XIX. Um solo de corne inglês bastante conhecido está no 2.º movimento da Nona

Sinfonia de Antonín Dvořák, conhecida como "Novo Mundo".

Voz na orquestra CCB: contra-alto (harmonia).


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FagoteHistórico: o fagote teve sua origem em um instrumento grave de palheta dupla: a

bombarda renascentista. A bombarda-baixo era de um tamanho quase descomunal,

necessitando por vezes de uma pessoa que a segurasse para que outra a pudesse tocar.

Como a criatividade humana não conhece fronteiras, o problema logo se resolveu...

Assim, a solução encontrada foi a de dobrar ao meio um instrumento que tinha mais de

dois metros de comprimento! Este procedimento reduziu por certo suas dimensões, mas

teve também como consequência uma alteração da sonoridade, e a bombarda,

inicialmente de som áspero e até agressivo, passou a ter um som mais suave, mais

“dolce”, a tal ponto que tomou daí o seu novo nome: dulciana.

Com o acréscimo de algumas chaves necessárias para que os dedos pudessem operar os

orifícios mais distantes e algumas alterações de perfuração e dimensões, este passou a

ser o fagote barroco. Existe uma certa crença de que o nome fagote venha do italiano “il

fagotto”, o que significa um amontoado de coisas, como por exemplo, um feixe de lenha,

numa alusão ao formato que o instrumento assumiu com sua dobra ao meio. Em francês

o fagote atende pelo nome de basson (uma alusão ao seu “som de baixo”?). A

nomenclatura inglesa é bassoon.

A passagem para o século XIX, uma época acentuadamente progressista, baseando suas

pesquisas na acústica, ressaltou a preocupação pela afinação e sonoridade do

instrumento, fazendo o fagote passar por uma série de inovações e melhoramentos. É a

partir de então que ficam mais diferenciados os sistemas hoje conhecidos como alemão e

francês.

O fagote é o baixo do grupo das madeiras (flauta, oboé, clarineta, fagote) e, dentre esses

instrumentos, é aquele que tem a mais ampla tessitura. São três oitavas e meia,

abrangendo do sib –1 até o mi 4 (tomando-se como base o dó central = dó 3).

Atualmente instrumentos mais apurados, instrumentistas mais ousados e uma literatura

mais exigente estão fazendo extrapolar essa tessitura, forçando o fagotista a tocar, em

certos casos, até o sol 4.

O som do fagote é produzido por uma palheta dupla aplicada a um bocal em forma de

“S” e feita vibrar pela boca do instrumentista através do sopro.

Intérprete: fagotista.


Contra-fagoteHistórico: o ‘nascimento’ do contra-fagote está intimamente ligada à do fagote a cuja família pertence. Os primeiros

modelos eram imperfeitos; o contra-fagote atual, possui as vantagens do moderno mecanismo de chaves, se curva 4

vezes sobre si mesmo, o que contribui para reduzir o comprimento do antigo instrumento. Distingue-se também por

ter o pavilhão de metal (a campana) voltado para baixo.

Este instrumento soa uma oitava abaixo do fagote. Surgiu em 1714,

criado por Andreas Eichentopf, em Leipzig, sendo ocasionalmente

utilizado pelos compositores clássicos.

O moderno contra-fagote segue o desenho idealizado, em 1870, pelo

alemão Johann Heckel.

Tessitura: o alcance de sua tessitura vai do Sib2 ao Fá2, por isto

alcança 3 oitavas. O contra-fagote possui 4 registros assim chamados:

sub-grave, grave , médio e agudo. Sua introdução efetiva na

orquestra data do período romântico. Também integra a banda de

música. Nas raras vezes em que aparece como solo dentro da massa

orquestral, tem por função criar atmosferas lúgubres ou grotescas.

Clave: para evitar o uso de muitas linhas suplementares inferiores,

convencionou-se a música do contra-fagote uma oitava acima dos

sons reais, utilizando-se a clave de Fá na 4ª. linha.

Intérprete: contra-fagotista.



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Os metais é a família dos instrumentos de sopro onde o som é produzido por uma coluna de ar que é posta em

vibração pelos lábios do músico comprimidos contra um bocal em forma de taça ou funil. Estes instrumentos são

dispostos atrás das madeiras e das cordas para não abafar os sons mais suaves destas e das cordas com o seu som

poderoso e de muito volume. Bocais: Trompete, Trompa, Trombone, Eufônio (Bombardino) e Tuba.

TrompeteHistórico: o mais agudo entre os metais, o trompete se originou, provavelmente, no Egito Antigo, no II milênio antes

de Cristo, tendo adquirido importância como instrumento musical a partir do século XVII, ao ser introduzido na

orquestra. Pode ser afinado em ré ou, mais comumente, em si bemol ou dó.

Consiste num tubo cilíndrico recurvado sobre si mesmo, em cujas extremidades ficam o pavilhão e o bocal. A

qualidade do som pode ser modificada com a surdina, peça de madeira introduzida no pavilhão. Alcança 2 oitavas e

meia, começando do fá abaixo do dó médio. Tem sonoridade brilhante e penetrante.

Intérprete: trompetista.


Tompete Pocket:

Intérprete: trompetista.


Fliscorne ou Flugelhorn:

Voz na orquestra CCB: soprano ou contra-alto (melodia).

Naipe: metais

TrompaHistórico: as trompas surgiram na França por volta de 1650. Como um

desenvolvimento da trompa de caça, que, por sua vez, se originou dos

primitivos instrumentos feitos com chifres de animais. Já no final do século XVII

foi integrada à orquestra.

Consiste num longo tubo cilíndrico de 2 metros, recurvado sobre si mesmo

numa espiral de duas voltas. Na extremidade mais estreita, localiza-se o bocal,

em forma de funil, e, na outra, o pavilhão. O som é controlado por 3 válvulas,

incorporadas ao instrumento no início do século XIX pelos fabricantes Blühmel

e Stölzel (alemães) e Leopold Uhlmann (austríaco). Esse mecanismo permitiu a

execução de todos os sons cromáticos da escala.

A trompa emite um som aveludado e suave e sua afinação é em fá ou si bemol.

Alcança 2 oitavas e uma Quinta (si3 a fá4).

Considerada indispensável na orquestra a partir de 1830, foi utilizada também como solista por inúmeros

compositores. Um dos efeitos utilizados na trompa é a “surdina”, quando o trompista coloca a mão ou uma peça de

madeira no pavilhão, obtendo um apagamento do som e outros diversos efeitos.

Intérprete: trompista.

Voz na orquestra CCB: contra-alto ou tenor (harmonia).

Trombone tenorHistórico: Surgiu provavelmente na França quinhentista, a partir de modificações introduzidas no trompete. Sua

principal característica são as varas corrediças, cuja função é controlar a emissão e a altura do som.

O corpo principal; do instrumento, extremamente simples, é formado por dois tubos paralelos, presos um ao outro.

Numa extremidade está o bocal e na outra o pavilhão. Atualmente, é construído em 3 tamanhos: tenor, contralto e

baixo. O primeiro é o mais utilizado em orquestras sinfônicas e é afinado em si bemol, soando uma oitava abaixo do

trompete. No registro baixo, também pode ser afinado em Sol.

Indispensável à orquestra, na qual foi introduzido por Beethoven, foi tratado como solista por muitos outros

compositores também. Intérprete: trombonista.

Voz na orquestra CCB: tenor (harmonia).


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EufônioPopularmente conhecido como ‘bombardino’. Intérprete: eufonista. Voz na orquestra CCB: baixo (harmonia).

TubaHistórico: o mais grave entre os metais, a tuba surgiu por volta de 1835, em Berlim, inventada por Wilhelm Wieprecht

e construída por Johann G. Moritz. No entanto, o modelo mais comumente empregado na orquestra foi desenvolvido,

por volta de 1845, pelo belga Adolphe Sax.

Consiste num tubo cilíndrico, recurvado sobre si mesmo, e que termina

num pavilhão em forma de sino. O som é controlado por válvulas ou

pistões, cujo número varia de 3 a 5. De timbre suave e

surpreendentemente ágil, apesar de seu grande porte, a tuba foi

introduzida na orquestra por volta de 1850. É afinada em fá e alcança 3

oitavas (fá1 a fá3).

Indispensável na orquestra sinfônica foi por vezes utilizada em solos

orquestrais. É muito usada também nas bandas militares.

A “tuba wagneriana”, idealizada por Wagner para a sua tetralogia O anel

dos Nibelungos, possui estrutura semelhante à da trompa ( bocal e

pavil!ão recurvado). É afinada em si bemol e em fá e sua extensão vai do

mi bemol1 ao ré4. Além de Wagner, Bruckner, R. Staruss e Stravinsky

utilizaram-na em algumas de suas obras.

Intérprete: tubista.


Percussão

Os instrumentos musicais de percussão são basicamente rítmicos, soam ao ser agitados ou percutidos. O som é

produzido por vibrações numa membrana estendida sobre uma cavidade ressoante ou em corpos sólidos.

São de origens muito antigas, remanescentes de remotos instrumentos utilizados em rituais religiosos ou usados em

rudimentares meios de comunicação e até como estimulantes para as tropas nos campos de batalha.

São divididos em dois grupos:

Altura definida ou som determinado: são aqueles que produzem notas de altura precisa (nota musical), aceitam

afinação e em determinados tipos reproduzem melodias.

Altura indefinida ou som indeterminado: são aqueles que produzem sons de altura indefinida (ruídos), prestando-

se para a marcação rítmica ou para a geração de efeitos sonoros especiais.

Naipe: percussão

VIBRAFONE MARIMBA XILOFONE

TÍMPANOS CARRILHÃO


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Módulo 7Assuntos abordados: registros, sinais de repetição, transposição, prática

musical e de orquestra, ornamentos.

Estudo avançado: equalização espiritual.

Deus seja louvado

Módulo 7

RegistrosEm música, dividem-se as alturas em três registros: grave, médio e agudo. As teclas da esquerda correspondem ao

registro grave do piano, por exemplo. Todos os instrumentos musicais também possuem três registros, e cada um

deles tem suas propriedades e utilidades específicas para o compositor.

No piano, facilmente percebemos que as notas mais à esquerda são as mais graves e as notas mais à direita são as

mais agudas do teclado. Essa qualidade de um som ser grave ou agudo é conhecida em física como altura. Quanto

mais alto, mais agudo será um som, e vice-versa.

Vejamos o exemplo a seguir com as claves, o piano e as regiões:

Este outro exemplo destaca as regiões em que estão classificados os tipos de vozes humanas no canto:

Região grave Região média Região aguda

DÓ CENTRAL

Baixo

Barítono

Tenor

Alto

Meio-Soprano

Soprano

Dó central

Dó central

Dó central

Dó central

Dó central

Dó central


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Sinais de repetição

Notas ou acordesNotas ou acordes repetidos na mesma altura são substituídos por pontos equivalentes ao número de notas que se

deseja:

ColchetesFiguras com colchetes são substituídas por figuras de maior valor com traços equivalentes ao número de colchetes:

TrêmuloA repetição rápida de duas notas, chamada trêmulo, pode ser abreviada da seguinte forma:

ArpejosA repetição de arpejos pode ser abreviada da seguinte forma:

Sinais de repetição são sinais que evitam a repetição gráfica de notas oucompassos, facilitando a escrita musical.

Equivale a Equivale a

Equivale a

Equivale a

Equivale a

Equivale a

Equivale a

Equivale a

CompassosQuando os compassos se repetem são abreviados da seguinte forma:

PausasQuando há vários compassos de pausas, podem ser abreviados da seguinte forma:

SimilleA palavra simille abrevia certos sinais da música como staccato, ligadura:


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Transposição

Alguns instrumentos de sopro apresentam uma sonoridade mais agradável quando construídos em tonalidade

diferente da natural (Dó maior), pois seu tubo mais alongado possibilita um fluxo maior de passagem de ar, isto lhe

permite um som mais puro.

Consequentemente esses instrumentos soam mais graves que os em Dó e para que eles possam tocar juntos soando

em uníssono é necessário o uso da Transposição com a seguinte finalidade:

a) acomodar essa melodia a uma voz ou instrumento, com mudança de altura. Por exemplo, uma determinada

música, é executada por uma banda ou orquestra em Si b maior e cantada em Fá maior, ou seja, uma quarta abaixo, o

que facilita aos cantores.

b) possibilitar a execução dessa melodia em uníssono, com instrumentos de várias tonalidades, sem mudança de

altura. É o que acontece na Congregação, onde instrumentos em Dó, Si b, Mi b e Fá executam todos os hinos na altura

em que foram escritos no hinário original em Dó.

Tipos de tonalidade

Transposição lida ou mental: é difícil e exige muito treino, pois o executante tem que mentalizar o novo tom, a

armadura de clave e executar com tantos semitons acima, conforme a tonalidade do instrumento usado.

Transposição escrita: é muito mais fácil, pois a partitura já traz todas as modificações (tonalidade, armadura de clave

e notas) na altura correspondente a voz do instrumento musical transpositor.

Tonalidades de Instrumentos

Existem instrumentos musicais construídos em 7 tonalidades: Dó, Ré, Mi b, Fá, Sol, Lá e Sib.

Instrumento Natural em Dó: é aquele em que as notas soam na altura real correspondendo ao seu verdadeiro índice.

Por exemplo, o Dó3 soa com 262 vibrações por segundo e o Lá3 com 440 vibrações por segundo, etc.

Instrumentos Transpositores: são aqueles afinados em outros tons (Ré, Mi b, Fá, Sol, Lá e Si b) em que as notas soam

acima ou abaixo da altura real, daí a necessidade de ajuste altura para possibilitar execução em uníssono.

Os instrumentos transpositores mais comuns são os afinados em: Sib, Mib e Fá e que soam abaixo da altura real.

Razão do tom do Transpositor: o tom do Transpositor é definido dependendo de como soa a nota dó. O Dó soa

como o instrumento se chama. Por exemplo, se o dó soa Si b, o instrumento está afinado em Si bemol; porém se o dó

soa Mi b, o instrumento é em Mi bemol; e quando o dó soa Fá, o instrumento é em Fá.

É a versão modificada da melodia em outra tonalidade.

Diferença de altura: para descobrir a diferença de altura entre um instrumento Transpositor e o Natural em Dó,

verifica-se quantos semitons existem do tom do Transpositor até o dó. Podemos tomar como exemplo os

instrumentos musicais em Sib (Trompete), Mib (Saxofone Contralto) e Fá (Trompa, Corne inglês).

Situações nos instrumentos musicais

Instrumento em Si Bemol: de Si b até dó temos uma diferença de 2 semitons, ou seja, esse instrumento soa uma

segunda maior abaixo. Sendo assim para que a nota lida soe igual à nota de efeito (som real) a transposição tem

que ser uma segunda maior acima, ou seja, 2 semitons acima.

Instrumento em Fá: soa uma quinta justa abaixo. A transposição tem que ser uma quinta justa acima, ou seja 7

semitons acima.

Instrumento em Mi Bemol: soa uma sexta maior abaixo, logo a transposição tem que ser uma sexta maior acima,

que equivale a 9 semitons acima.

A transposição nada mais é que uma espécie de elevador que traz as notas dos instrumentos Si b, Fá e Mi b, 2, 7 ou 9

semitons acima, respectivamente, para soar na mesma altura dos instrumentos em Dó.

VANTAGENS DOS HINÁRIOS TRANSPOSTOS:

a) Coerência do aprendizado do método com o do hinário, pois a nota tocada no método tem chave e digitação

idêntica à tocada no hinário, ou seja, o músico usa a mesma escala universal para executar o método e o

hinário.

b) Os candidatos de instrumentos de sopro se limitarão ao aprendizado do Bona nas claves de Sol e de Fá,

evitando ter que aprender outras claves.

c) Consequência: haverá mais facilidade e perfeição na formação dos músicos.


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Prática musical e de orquestra

O músico tem prazer de ouvir a música (sentir a melodia), escutar (perceber efeitos, articulações, dinâmicas), participar

de atividades que estimulam a expressão musical e trazem novas habilidades ao coletivo. Vamos sempre lembrar que

estamos ao dispor da orquestra CCB para glorificar a DEUS com a nossa música.

Interpretação musicalO poder da música é o de transformar simples vibrações em sentimentos.

Ao ouvirmos uma música, queremos fazer parte daquela obra, foi isto que inspirou 99% de nós a serem músicos para

louvar a DEUS com Seus magníficos cânticos espirituais. E a melhor maneira de fazermos parte dela - desta música- é

entendendo sua linguagem.

Agora que fazemos parte desta obra, destas melodias de hinos de louvores e cânticos espirituais, realmente "cante"

em seu íntimo durante os momentos que antecedem e na entrada da 1a nota acompanhe o seu "toque" com o seu

"canto interno" novamente e sempre, e então, com toda a nossa comunhão e alegria de espírito, entoaremos para os

hinos e os nossos sentidos e sentimentos se elevarão para que a melodia se transforme.

Você gosta de receber presentes?

Usamos a nossa música para apresentá-la nos cultos de adoração como um presente agradável à DEUS e não para

fazer aquilo que agrada ao gosto humano, como se o “presente” fosse para os homens e não para o SENHOR! Será que

DEUS aceita tudo, realmente, que Lhe é oferecido com “boas intenções”?

Adoração a DEUS ou diversão humana?

A seriedade do assunto exige de nós uma postura definida e decisões sérias e coerentes. Sem medos, imposições e

crendices. Algumas pessoas não gostam que se fale sobre estes assuntos, pois, para elas, ter que abandonar seus

maus costumes musicais é sacrifício grande demais. Defendem seus pontos de vista com “unhas e dentes” tentando

desculpar seu próprio gosto não santificado que colocam, ainda que não admitam, acima da vontade de DEUS.

A música e a condição espiritual

Muitos acham que música não tem nada a ver com a condição espiritual do crente, mas é fato comprovado a

existência de uma relação direta entre o gosto musical dos cristãos e a sua religiosidade. Imagine os membros da

igreja divididos em dois grupos: de um lado os que gostam da autêntica música sacra e, do outro lado, os que gostam

do que é “atual”. Observe a interessante “coincidência”.

Praticar música estimula nossos sentidos (corpo) e sentimentos (expressão)acumulando sensibilidade e percepção auditiva.

Ornamentos

AppoggiaturaÉ uma pequena nota auxiliar que precede uma nota real e que se encontra tanto acima como abaixo da nota, pode ser

breve ou longa.

APPOGGIATURA BREVE

Representa-se por uma pequena colcheia cortada por uma barra transversal.

APPOGGIATURA LONGA

Ocorre quando precede um grau da nota principal. Na interpretação subtrai-se o seu valor da nota principal:

APPOGGIATURA DUPLA

Da união das appoggiaturas superior e inferior resulta a Appoggiatura Dupla:

Ornamentos são notas auxiliares usadas para embelezar a música.

Escrita:

Execução:

Escrita:

Execução:

Escrita:

Execução:


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MordenteMordente é a execução rápida de duas notas de grau conjunto.

O mordente é superior quando representado pelo sinal ( ) e inferior pelo sinal ( ).

Para alterar a nota de passagem do mordente, coloca-se a alteração acima do sinal para a alteração superior e abaixo

para a alteração inferior.

GrupettoGruppetto é o conjunto de três ou quatro notas que se sucedem com rapidez por grau conjunto.

O Gruppetto é representado pelo sinal ( ) que colocado sobre uma nota indica que o gruppetto será composto

de três notas, e colocado entre duas notas, indica que será de quatro notas. Quando o sinal começa para cima ( )

o gruppetto será superior, isto é, começa pela nota superior à nota real e termina pela nota inferior. A execução será

ao contrário quando o sinal começa ao contrário ( ).

Gruppetto de três notas:

Gruppetto de quatro notas:

Para alterar o som auxiliar superior coloca-se o acidente sobre o sinal e colocando-se abaixo do sinal altera-se o som

inferior. Para a alteração simultânea, colocam-se os acidentes um embaixo e outro em cima o sinal.

Escrita:

Execução:

Escrita:

Execução:

Escrita:

Execução:

Escrita:

Execução:

TrinadoTrinado ou trilo é o efeito que produzem duas notas de grau conjunto tocadas alternadamente e com rapidez. É

representado pela abreviatura ( ) que se coloca sobre a nota e é seguida por ( ) que indica o limite

do trinado. O trinado prepara-se e resolve-se de diversas maneiras. Vejamos dois exemplos:

a) A nota auxiliar do trinado será sempre uma nota superior de segunda maior ou menor.

b) Para alterar a nota auxiliar, coloca-se o acidente sobre o sinal.

ArpejoArpejo é a execução rápida e sucessiva da notas de um acorde. Em valores curtos cada nota do arpejo (com exceção

da última) deixa de soar logo após ser emitida:

Em valores longos, cada nota do arpejo dura até a nota ou acorde seguinte:

Geralmente, o arpejo é executado da nota mais grave para a mais aguda. No caso contrário, é conveniente indicar o

sentido descendente do arpejo:

Escrita:

Execução:

Escrita:

Execução:

Escrita:

Execução:

Escrita:

Execução:

Escrita:

Execução:


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Estudo: equalização espiritualMúsica para DEUS: alicerce espiritualLeitura: 1 Tessalonicenses 5:17

Dedique-se em estudo e oração

Lembre-se que um bom músico é aquele que se dedica e que sempre está se aperfeiçoando. Leia: 1 Crônicas 25:7

Portanto procure estar atento a novos aprendizados, novas técnicas, novos estilos, tenha uma visão ampla sobre a

música (assuntos técnicos, teóricos e práticos no instrumento musical), conheça de fato o que você está fazendo!

O poder da música é o de transformar simples vibrações em sentimentos. Leia: Salmos 96

Ao ouvirmos uma música, queremos fazer parte daquela obra, foi isto que inspirou 99% de nós a serem músicos para

louvar a DEUS com cânticos espirituais. E a melhor maneira de fazer parte desta música é entendendo sua linguagem.

Agora que fazemos parte desta obra, destas melodias de hinos de louvores e cânticos espirituais, realmente "cante"

em seu íntimo durante os momentos que antecedem e na entrada da 1ª. nota acompanhe o seu "toque" com o seu

"canto interno" novamente e sempre, e então, com toda a nossa comunhão e alegria de espírito entoaremos todo

nosso Louvor à DEUS os hinos e os nossos sentidos e sentimentos se elevarão para que a melodia se transforme.

Gênero erudito

Na Congregação Cristã fazemos música clássica com caráter sacro, isto é, uma música solene.

Uma obra é o conjunto de movimentos e o tipo de movimento identifica a nossa música, lento até rápido.

Um gênero musical na música erudita é o que classifica os nossos hinos no gêrero erudito, denominados como: hinos

espirituais de louvores e súplicas a DEUS.

O Velho Testamento demonstra claramente na Bíblia Sagrada que devemos fazer distinção entre o sacro ou santo e o

secular ou comum: “Deveis fazer distinção entre o santo e o comum, entre o imundo e o limpo.” Levítico 10:10.

“Bem-aventurado o homem cuja força está em ti, em cujo coração estão os caminhos aplanados.” Salmos 84:5

Leitura e reflexão na BíbliaDEUS não quer ouvir a “nossa música” (o ritmo que nos agrada), Ele quer ouvir a “música de DEUS” (I Crônicas 16:42).

Esta “música de DEUS” deve ser entoada com voz de triunfo (Salmos 47:1) com voz de melodia (Isaías 51:3), como um

sacrifício de júbilo (Salmos 27:6) como um sacrifício de louvor, isto é, o fruto dos lábios (Hebreus 13:15).

Hinário 5Assuntos abordados: classificação por grau de dificuldade.

Estudo avançado: fé e o poder da comunicação cristã nas orquestras.

Deus seja louvado


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Hinário 5

Orientação para estudosHinos por grau de dificuldade para orientação de estudos, classificação sugerida pela grafia, sinais, passagens, etc.

DIFICULDADE: FÁCIL (17 hinos)Hinos em destaque: 49 – 96 – 193 – 207 – 235 – 252 – 260 – 314 – 357 – 365 – 385 – 387 – 400 – 401 – 411 – 428 – 480

Outros hinos recomendados para estudo:

2 – 20 – 38 – 39 – 58 – 64 – 69 – 75 – 80 – 84 – 105 – 106 – 123 – 124 – 131 – 144 – 150 – 153 – 164 – 172175 – 184 – 221 – 230 – 254 – 258 – 262 – 276 – 291 – 303 – 310 – 321 – 333 – 360 – 371 – 373 – 374 – 406 –416 – 423 – 424

DIFICULDADE: MODERADA (10 hinos)Hinos em destaque: 36 – 44 – 146 – 190 – 210 – 232 – 306 – 368 – 375 – 395


16 – 26 – 27 – 31 – 35 – 54 – 56 – 67 – 76 – 88 – 111 – 122 – 126 – 131 – 133 – 136 – 147 – 181 – 186 – 203208 – 215 – 231 – 242 – 248 – 275 – 277 – 280 – 287 – 304 – 309 – 311 –317 – 321 – 322 – 344 – 346 – 352361 – 377 – 382 – 408

DIFICULDADE: DIFÍCIL (6 hinos)Hinos em destaque: 6 – 24 – 312 – 364 – 404 – 407


33 – 37 – 41 – 42 – 46 – 83 – 86 – 118 – 157 – 167 – 177 – 187 – 188 – 217 – 342 – 359 – 381 – 432 – 462

REUNIÃO DE JOVENS E MENORES: 431 ao 480.Novo hino: 480

Fáceis:

444 – 447 – 453 – 456 – 458 – 478

Hinos com grau de dificuldade moderados e difíceis: recomendados para estudo

436 – 438 – 440 – 442 – 446 – 449 – 450 – 452 – 454 – 455 – 457 – 459 – 465 – 467 – 467 – 470 – 472 – 476478 – 480

Estudo: música na vida dos cristãosA influência da música na vida dos cristãosImpressionar o coração com as verdades espirituais

O poder da música

A história dos cânticos da Bíblia está repleta de sugestões sobre os usos e benefícios da música e do canto. A música

muitas vezes é pervertida para servir a fins maus, e assim se torna um dos poderes mais sedutores para a tentação.

Corretamente usada, é um dom precioso de DEUS, destinado a elevar os pensamentos para inclinações nobres e

sublimes, a inspirar e elevar o espírito.

Tais cânticos têm maravilhoso poder, tais como subjugar as naturezas rudes e incultas; suscitar pensamentos,

despertar simpatia, para promover a harmonia de ação e banir a tristeza e os maus pressentimentos, os quais

destroem o ânimo e debilitam o esforço. É um dos meios mais eficazes para impressionar o coração com as verdades

espirituais. Efetivamente, muitos hinos são orações.

Para vencer o desânimo

O canto é uma arma que podemos empregar sempre contra o desânimo, abrindo o coração à luz da presença do

NOSSO SENHOR JESUS CRISTO, teremos saúde e Sua bênção. Quando tentados, em vez expressar nossos sentimentos,

ergamos pela fé um hino de gratidão a Deus.

Para impressionar o coração com a verdade

O canto é um dos meios mais eficazes para gravar a verdade espiritual no coração. Freqüentemente, pelas palavras de

um canto sagrado, são liberadas as fontes do arrependimento e da fé.

Para afastar o inimigo

Cantar para a glória de DEUS afasta o inimigo, e louvar a DEUS derrota o inimigo e nos concede a vitória.

Para vencer a tentação

Quando Cristo era criança, era tentado a pecar, porém não cedia à tentação. Ao ter mais idade, ainda era tentado, mas

os cânticos que Sua mãe Lhe ensinara vinham-Lhe à mente, e Ele erguia a voz em louvor.

Para criar um ambiente inspirador

Cristo exprimia frequentemente o contentamento que Lhe ia no coração, cantando salmos e hinos celestiais. Muitas

vezes os moradores de Nazaré ouviam Sua voz erguer-se em louvor e ações de graças a Deus. Estabelecia comunhão

com o Céu através de cânticos; e quando os companheiros se queixavam da fadiga do trabalho, eram animados pela

doce melodia de Seus lábios. O espírito dos ouvintes era redirecionado, dos interesses terrestres para o lar celestial.


Página 177

Considerações finais

AGRADECIMENTOS

Dedicamos este trabalho inteiramente a DEUS, pela Sua obra minha vida e coração e oportunidade de aprendizado da

música, tornando possível a finalização deste trabalho, indicando caminhos com a Sua luz e permitindo compartilhar

com você leitor as noções elementares sobre a teoria musical, com uma abordagem leve e linguagem simples

direcionada às crianças, jovens e adultos (homens e mulheres) que desejam aprender a música para Louvar a Deus.

Autor: Marcos Oliveira

Site oficial: www.escolinhamusical.com.br

DISTRIBUIÇÃO LIVRE

Este trabalho pode ser distribuído livremente via internet (e-mails, redes sociais), em CDs ou impresso (em partes ou

na sua totalidade) por impressoras, copiadoras ou gráficas. Faça o download da versão mais atualizada no site oficial:

http://www.escolinhamusical.com.br/download/apostila-de-teoria-musical-livre-pdfs.zip(Contém os arquivos PDF da apostila, provas de avaliação, grupos/fichas/calendários). Tamanho estimado: 25 MBytes

http://www.escolinhamusical.com.br/download/apostila-de-teoria-suporte-multimidia.zip(Contém plano de organização de grupos, fichas, guias auditivos, vídeos e utilidades). Tamanho estimado: 700 MBytes

A VENDA OU COMERCIALIZAÇÃO É EXPRESSAMENTE PROIBIDA.

REVISÕES & ATUALIZAÇÕES

Constantemente a apostila é revisada com correções e implementos com o efeito da colaboração de leitores,

regentes, organistas, professores de música e outros leitores que enviam ideias, correções ou sugestões. Você

também pode colaborar enviando um e-mail: [email protected]

A versão de compilação desta apostila é a data escrita na página de número 2.

A proposta de criação deste trabalho é beneficiar com gratuidade todos os que amam a música e exercem esta arte

com toda a dedicação para louvar ao nosso grande DEUS, pois ELE, somente ELE é digno de todo louvor, honra e

glória por nós seres vivos e por todos os seres celestiais.

Bibliografia

Algumas definições desta apostila de noções elementares de teoria musical foram retiradas de outras

obras, e as legendas abaixo servem de referência.

PRIOLLI, Maria Luisa de Mattos. Princípios Básicos da Música para a Juventude.

ALMADA, Carlos – Arranjo. Editora da Unicamp.

GUEST, Ian. Arranjo. Método Prático (volumes I, II, III).

IZZO Miguel, Noções Elementares de Música. Editora Irmãos Vitale 5ª edição.

ARCANJO, Samuel. Lições Elementares de Teoria Musical.

MACHADO, Rafael Coelho. ABC Musical

MED, Bohumil. Teoria da Música.

LACERDA, Osvaldo. Compêndio de Teoria Elementar da Música.

SCHOENBERG, Arnold. Fundamentos da Composição Musical. USP/SP.

BONA, P. Método Completo de Divisão Musical.

POZZOLI, Guia teórico-prática para ensino do Ditado Musical, Editora Ricordi.

CCB, Método de teoria e solfejo com aplicação ao hinário.

Registro de Direito autoral de 15/04/2014Livro Pedagógico: APOSTILA DE TEORIA MUSICAL PARA MÚSICOS ESPIRITUAIS178 páginas; Formato de impressão A4; Obra não publicada

Obra registrada no Escritório de Direitos Autorais, certidão deRegistro ou Averbação sob os dados:N. Registro: 640.612Livro: 1.231Folha: 342

1ª edição – São Paulo, SP – 2009-2014 – Registrada em 15/04/2014Todos os direitos s reservados.

“Louvai ao SENHOR, pelos seus atos poderosos, louvai-oconforme a Excelência da sua Grandeza.”

(Salmos 150-2)

LEIA A BÍBLIA - DEDIQUE-SE EM ORAÇÃO - DEUS SEJA LOUVADO

apostila de teoria musica para basicos

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