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5/13/2018 Anon - Pintores Españoles - Bartolome Esteban Murillo - slidepdf.com

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PINTORES

ESPAÑOLES 03

BARTOLOMEESTEBAN

MURILLO



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> Murillo. Bartolomé Esteban Murillo

BARTOLOMÉ ESTEBAN MURILL0

Nacionalidad: EspañaSevilla (1617) - Sevilla (1682)Estilo: Barroco Español

Bartolomé Esteban Murillo es quizá el pintor que mejor define el Barroco español.Nació en Sevilla, donde pasó la mayor parte de su vida, en 1617. La fecha exacta de sunacimiento nos es desconocida pero debió ser en los últimos días del año ya que fuebautizado el 1 de enero de 1618 en la iglesia de la Magdalena. La costumbre en la Edad

Moderna era bautizar al neonato a los pocos días del nacimiento por lo que losespecialistas se inclinan a pensar en esta posibilidad. Su padre era un cirujano barberollamado Gaspar Esteban y su madre se llamaba María Pérez Murillo, siendo este últimoapellido materno el elegido por el artista para darse a conocer en el mundo artísticosevillano. Constituían una familia numerosa y el pequeño Bartolomé era el hijo númerocatorce. La situación económica de la familia era bastante aceptable y el futuro pintor secriaría sin estrecheces. Pero en cuestión de un año fallece el padre (1627) y la madre(1628) por lo que el joven Bartolomé pasará al cuidado de su hermana Ana, casada conun barbero cirujano de nombre Juan Agustín de Lagares. Las relaciones entre loscuñados serían muy buenas, tal y como atestigua que Murillo fuera designado albaceatestamentario por su cuñado. No disponemos de más datos hasta que en 1633 firma undocumento en el que declara su intención de emigrar al Nuevo Mundo. El viaje lo

realizaría con su hermana María, su cuñado el doctor Gerónimo Díaz de Pavía y suprimo Bartolomé Pérez. Pero el dicho viaje nunca se produciría y Murillo inicia suaprendizaje artístico con Juan del Castillo, en cuyo taller permanecerá cinco años.Palomino dice que Del Castillo era tío de Murillo aunque no podemos asegurarlocategóricamente; posiblemente existiera entre ambos algún parentesco y esto pesó a lahora de hacer la elección. Del Castillo no era un artista de primera fila pero sus trabajoseran respetados en el ambiente artístico sevillano y tenía un buen número de encargos,colaborando Alonso Cano en el taller. Los primeros cuadros de Murillo están muyinfluidos por el estilo del maestro como se puede apreciar en la Virgen del Rosario consanto Domingo. El estilo de Cano apenas se puede apreciar en estas obras, posiblementeporque el granadino dedicaba más tiempo a la escultura. En 1645 Murillo recibe suprimer encargo de importancia. Se trata de la serie de trece lienzos para el ClaustroChico del convento de San Francisco en Sevilla. En estas obras muestra una notableinfluencia de Van Dyck, Tiziano y Rubens, lo que hace pensar a algunos en un posibleviaje a Madrid, apoyándose en los datos aportados por Palomino y Ceán Bermúdez. Noexiste base documental para apoyar esta teoría por lo que si realizó el viaje a la Cortequedó en el más absoluto anonimato. Este año de 1645 será de gran importancia para elartista porque se casa el 26 de febrero. La elegida se llamaba Beatriz Cabrera yVillalobos, joven sevillana de 22 años, vecina de la parroquia de la Magdalena donde secelebró el enlace. En los 18 años que duró el matrimonio tuvieron una amplia



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descendencia: un total de nueve hijos. El éxito alcanzado con la serie del Claustro Chico-al aportar un estilo más novedoso que los veteranos Herrera el Viejo o Zurbarán-motivará el aumento del número de encargos. Por ello en 1646 ingresa en su taller un

joven aprendiz llamado Manuel Campos al tiempo que debe buscar una casa más ampliapara organizar un taller. Se traslada a la calle Corral del Rey donde sufrió la terribleepidemia de peste que asoló la zona de Andalucía -y en especial Sevilla- en 1649. La

mitad de la población de la capital perdió la vida y entre los muertos debemos contar alos cuatro pequeños hijos del matrimonio Murillo. La crisis económica que vive laciudad no impide que los encargos continúen a buen ritmo, siendo uno de los másimportantes el enorme lienzo de la Inmaculada Concepción para la iglesia de losFranciscanos, llamada "La Grande" por su tamaño. En 1658 se traslada a Madrid dondees muy probable que conociese a Velázquez, quien le pondría en contacto con lascolecciones reales donde tomaría contacto con la pintura flamenca y veneciana. AlonsoCano, Zurbarán y los artistas madrileños de esta generación también pudieron servisitados por el sevillano pero no existen documentos que nos lo aseguren. A finales de1658 Murillo está de nuevo en Sevilla, apareciendo como vecino de la parroquia deSanta Cruz donde permaneció hasta 1663 que se trasladaría a la de San Bartolomé. Losnumerosos encargos que recibía le permitían disfrutar de una saneada economía,

complementando estos ingresos con las rentas de sus propiedades urbanas en Sevilla ylas de su mujer en el pueblo de Pilas. Tenía tres aprendices en el taller y una esclava quecolaboraba en las tareas del hogar. El 11 de enero de 1660 funda una Academia deDibujo en Sevilla, en colaboración con Francisco de Herrera el Mozo. Los dos artistascompartieron la presidencia durante el primer año de funcionamiento de esta escuela enla que los aprendices y los artistas se reunían para estudiar y dibujar del natural, por loque se contrataron modelos. La presidencia de la Academia será abandonada porMurillo en 1663, siendo sustituido por Juan de Valdés Leal. Precisamente será en 1663cuando Murillo quede viudo al fallecer su esposa como consecuencia del último parto.De los nueve hijos sólo sobrevivían en aquel momento cuatro: Francisca María, José,Gabriel y Gaspar. Gabriel partió para América en 1677 y los tres restantes siguieron lacarrera religiosa, llegando Gaspar a ser canónigo de la catedral sevillana . El periodomás fecundo de Murillo se inicia en 1665 con el encargo de los lienzos para Santa Maríala Blanca -el Sueño del Patricio y el Patricio relatando su sueño al Papa Liberio- con loque consiguió aumentar su fama y recibir un amplio número de encargos: las pinturasdel retablo mayor y las capillas laterales de la iglesia de los capuchinos de Sevilla y laspinturas de la Sala Capitular de la catedral sevillana . Ese mismo año de 1665 Murilloingresa en la Cofradía de la Santa Caridad lo que le permitió realizar uno de sus trabajosmás interesantes: la decoración del templo del Hospital de la Caridad de Sevilla,encargo realizado por don Miguel de Mañara, un gran amigo del artista. La famaalcanzada por Murillo se extenderá por todo el país, llegando a la corte madrileñadonde, según cuenta Palomino, el propio rey Carlos II invitó a Murillo a asentarse enMadrid. El artista rechazó el ofrecimiento alegando razones de edad. En 1681 Murillo

aparece documentado en su nueva residencia de la parroquia de Santa Cruz. Allí recibióel último encargo: las pinturas para el retablo de la iglesia del convento capuchino deSanta Catalina de Cádiz. Cuando trabajaba en esta encargo sufrió una caída al estarpintando las partes superiores del cuadro principal. A consecuencia de la caída, algunosmeses más tarde, falleció el 3 de abril de 1682, de manera repentina ya que no llegó aacabar de dictar su testamento. En él pide que se le entierre en la parroquia de SantaCruz y que se digan unas misas por su alma, nombrando como albaceas a su hijo GasparEsteban, don Justino de Neve y Pedro Núñez de Villavicencio. Los herederos de lapequeña fortuna acumulada serían sus hijos Gaspar y Gabriel. Según su primer



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biógrafo, Sandrart, en el entierro de Murillo hubo una gran concurrencia de público y elféretro fue portado por dos marqueses y cuatro caballeros. Siguiendo el testamento, fueenterrado en una capilla de la iglesia de Santa Cruz, templo que fue destruido por lastropas francesas en 1811. Una placa colocada en la plaza de Santa Cruz en 1858 señalael lugar aproximado donde reposan los restos del gran artista sevillano. Dos elementosclave en la obra de Murillo serán la luz y el color. En sus primeros trabajos emplea una

luz uniforme, sin apenas recurrir a los contrastes. Este estilo cambia en la década de1640 cuando trabaja en el claustro de San Francisco donde se aprecia un marcadoacento tenebrista, muy influenciado por Zurbarán y Ribera. Esta estilo se mantendráhasta 1655, momento en el que Murillo asimila la manera de trabajar de Herrera elMozo, con sus transparencias y juegos de contraluces, tomados de Van Dyck, Rubens yla escuela veneciana. Otra de las características de este nuevo estilo será el empleo desutiles gradaciones lumínicas con las que consigue crear una sensacional perspectivaaérea, acompañada del empleo de tonalidades transparentes y efectos luminososresplandecientes. El empleo de una pincelada suelta y ligera define claramente estaetapa. Las obras de Murillo alcanzaron gran popularidad y durante el Romanticismo sehicieron numerosas copias, que fueron vendidas como auténticos "Murillos" a losextranjeros que visitaban España.

Cronología de Bartolomé EstebanMurillo

1638 Virgen entregando el rosario a Santo Domingo

1638-401640

San Antonio (Dibujo)La visión de fray LuterioLas dos Trinidades

164516451645-46

Niño espulgándoseSan Francisco Solano y el toroFray Junipero y el pobreLa bendición de Gil por el Papa Gregorio IX

1645-50 La gallega de la monedaLa Inmaculada Concepción de EsquilacheEl horneado de las tortasSan francisco de Asís rezandoArrepentimiento de San Pedro

1646 La cocina de los ángelesSan DiegoSan FranciscoLa muerte de Santa ClaraAdoración de los pastoresSanto. Rodríguez

1647-50 La huida a Egipto



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1650

1650-55

Dos niños comiendo melón y uvasSagrada CenaInmaculada concepciónSanta Ana enseñando a leer a la VirgenSagrada familia del pajaritoVirgen del Rosario

Virgen con niñoRebeca y EliécerSanta Catarina de AlexandriaVirgen del Rosario (Italia)La AnunciaciónMagdalena Penitente

1653 Magdalena penitente1655

1655-60

Adoración de los pastoresNacimiento de San Juan BautistaCuatro figurasSan IldefonsoSan Isidoro

San LesmesSan Juan muestra a JesúsSantiago PeregrinoNiño con perroVirgen y San BernardoBautismo de CristoRetrato de Andrés de Andrade y la ColSan LeandroEl niño Jesús y San JuanVirgen con el niñoHuida a EgiptoSagrada Familia con San Juan niñoVirgen con niño

1656 Inmaculada del EscorialVisión de San Antonio de PaduaSan Antonio con el niño

1658-60 La Inmaculada Concepción de Aranjuez1660

1660-65

Anciana espulgando a un niñoEl Buen Pastor NiñoLa DolorosaLa Sagrada FamiliaNacimiento de la VirgenSan Juan Bautista niño

El Hijo Prodigo reclama su parte de la herenciaLa despedida del hijo prodigoEl Hijo Prodigo hace vida disolutaExpulsan al Hijo ProdigoEl Hijo Prodigo apacienta a los cerdosEl regreso del Hijo ProdigoLa AnunciaciónSanta JustaEl sueño de Jacob



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1660-70Santa RufinaVirgen de la FajaAdoración de los MagosLa DolorosaCristo en la cruzLa Sagrada Familia

Cristo en la Cruz1664 Virgen de la Servilleta

El cazadorLa muerte del inquisidor Pedro de Arbues

1665 Niños jugando a los dadosD. Justino de NeveSueño del PatricioVisita al Pontífice

1665-66

1665-1670

San Leandro y San BuenaventuraJosé y el niño JesúsSan Francisco en la PorciunculaSan MiguelLiberación de San PedroSantas Justa y RufínaAnunciaciónSagrada familia o la Virgen de SevillaDescanso en el viaje a EgiptoIsaac bendiciendo a JacobVisión de San Agustin

1667 Santa Isabel de Hungría curando a los niños1667-70 Cristo sanando a un paralítico en la piscina de Betzata

Moisés y el agua de la roca de OrbeAbraham y los ángeles

1668 Santo Tomas de Villanueva1668-6916681668-70

San FranciscoAdoración de los pastoresEcce HomoLa Sagrada Familia

1670 AutorretratoCaballero de golillaLa Virgen y el Niño con Santa Rosalía de PalermoSanto TomásLa caridad de Santo Tomas de VillanuevaJosua van BelleNiño Jesús dormido

La Inmaculada ConcepciónInvitación al juego de pelota a palaJoven y su DueñaMuchacha con floresNiños comiendo pastelNiños de la conchaTres muchachosVisión de San Francisco en la PorciúnculaLa Asunción de la Virgen



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Virgen con niñoRetrato de un noble

1670-75 Las Bodas de CanáLa Sagrada FamiliaJoven fruteraSt . Joseph leading the Christ Child

1670-1680 Joven asomado al alfeizar de una ventanaVisión de San Antonio de Padua

1672 Nicolás de OmazurSan Juanito y el corderoVirgen con niño

1675-82 Dos TrinidadesCrucifixión

1678 Inmaculada de los venerables o de SoultEl niño Jesús repartiendo pan a los peregrinos

1680 Martirio de San AndresPresentación de la Virgen en el TemploPaisaje

1682 Desposorios místicos de Santa Catalina



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Titulo: Virgen entregando el rosario a Santo Domingo, 1638-40Museo: Palacio Arzobispal SevillaCaracterísticas: Óleo sobre lienzo 207 x 162 cm.

Hasta el presente se considera esta obra como la más temprana que conocemos deMurillo. Procede del convento de los Padres Dominicos de Santo Tomás en Sevilla y en

su composición y técnica el pintor se presenta heredero de maestros de generacionesanteriores. Murillo todavía no ha creado un estilo personal y por eso en el dibujomuestra evidentes influencias de su maestro, Juan del Castillo, especialmente en losrasgos delicados y finos con los que describe los rostros y las sonrisas insinuadas. En elrompimiento de Gloria que aparece en la zona superior -formado por ángeles mancebosque tocan música y cantan mientras que angelitos arrojan flores a santo Domingo- seconstata la influencia de Juan de Roelas. Los ropajes que cubren a los personajesestarían inspirados en Zurbarán, sobre todo el modelado recio de los pliegues. Quizá poresta amalgama de influencias, algunos especialistas consideran, injustificadamente, queno se trata de una obra salida de los pinceles de Murillo.



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Titulo: San Antonio 1638-1640Museo: FitzwilliamCaracterísticas: Dibujo



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Título: La visión de fray Lauterio h. 1640Museo: Fitzwilliam Museum at the University of CambridgeCaracterísticas: Óleo sobre lienzo de 217.8 x 172.1 cm.



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Titulo: Las dos Trinidades 1640Museo: Museo NacionalCaracterísticas: Óleo sobre lienzo



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Titulo: Joven mendigo. 1645-50 (Niño espulgándose)Museo: Museo del LouvreCaracterísticas: Óleo sobre lienzo 134 cm x 100 cm.

Al margen de su abundante producción religiosa, Murillo nos dejó con este niño que se

despioja, representado en tamaño natural, una de las más penetrantes visiones de lainfancia. De inspiración caravaggiesca, el cuadro describe sin complacencia a un jovensevillano con los pies sucios y con vestimentas andrajosas en un lugar de rústicadesnudez. Pero la dificultad reside en el efecto del rayo de sol impreso en el materialpictórico con un cuidadoso naturalismo, que llamará la atención de los pintoresfranceses del XIX que buscaban la novedad, como Manet.



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Título: San Francisco Solano y el toro h. 1645Museo: Patrimonio Nacional Alcázar de SevillaCaracterísticas: Óleo sobre lienzo de 157 x 225 cm.

Es uno de los cuadros de Murillo menos conocido y tal vez menos identificable delartista. Se trata de una de las primeras obras que se conservan del pintor, cuando debíacontar 28 años. Seguramente procede del convento de San Francisco de esta ciudad,formando parte de una serie de importantes cuadros, en los cuales Murillo sigue latradición zurbaranesca. Tal vez fue depositado en el Alcázar por los franceses en 1810aunque no figura en el Inventario que publicó Gómez Imaz. Francisco Solano (1549-1610) fue un franciscano español, quien en los últimos veinte años de su vidaevangelizó el Perú, adiestrando también a sus gentes en las tareas agrícolas. Laejecución del cuadro debió hacerse basándose en el libro de Diego de Córdoba: La vida,virtudes y milagros del apóstol del Perú, venerable padre fray Francisco Solano(Madrid, 1643). El misionero fue beatificado en 1675 y canonizado en 1726 por

Benedicto XIII. Del cuadro existe un dibujo preparatorio en el Museo de Boston.Representa al santo conduciendo al toro bravo que había escapado del coso, al cual haapaciguado con el poder de su palabra, utilizando como rienda el cordón de su hábito.



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Titulo: Fray Junípero y el pobre 1645-1646.Museo: Museo del Louvre. París. FranciaCaracterísticas: Óleo sobre lienzo. 176 x 222 cm.



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Titulo: La bendición de Gil por el papa Gregorio IX 1645-1646.Museo: Museo de Arte de Carolina del Norte. Carolina del Norte. USA.Características: Óleo sobre lienzo. 166,3 x 186 cm.



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Titulo: La gallega de la moneda (1645-1650)Museo: Museo del Prado. Madrid. España. Características :Óleo sobre lienzo (63 x 43 cm)

Bartolomé E. Murillo dedicó la mayor parte de su obra a temas religiosos, aunque noolvidó otros géneros. Son conocidos sus trabajos dedicados al tema de la vida callejera,

como Mujeres de la ventana o como éste, La gallega de la moneda. La mujerrepresentada en el cuadro transmite una sensación de optimismo enmarcada en unestupendo juego de telas, luces y sombras que aportan relieve. A partir de 1981, hayautores que atribuyen esta pintura a uno de los discípulos de Murillo.



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Titulo: La Inmaculada Concepción de Esquilache 1645Museo:Características: Óleo sobre lienzo 235x196 cm



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Título: El horneado de las tortas 1645 - 1650 Museo: Hermitage Museum, Saint Petersburg, RussiaCaracterísticas: Oil on canvas. 164.5x120.5 cm.



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Título: San Francisco de Asís rezando 1645-50Museo: O.-L. Vrouwekathedraal, AntwerpCaracterísticas: Óleo sobre lienzo de 182 x 129 cm.



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Título: San Pedro 1645-1650Museo:Características: Óleo sobre lienzo de 120 x 96.5 cm.



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Titulo: La cocina de los ángeles, 1646Museo: Museo Nacional del LouvreCaracterísticas: Óleo sobre lienzo 180 x 450 cm.

El primer encargo importante que recibe Murillo será la realización de una serie de

pinturas para el claustro chico del Convento de San Francisco en Sevilla. El éxitoobtenido le consagró en su ciudad natal, compitiendo con el propio Zurbarán y conHerrera el Viejo. La temática de la serie gira alrededor de la ideología franciscana,dedicándose a exaltar las virtudes de la Orden: el espíritu de pobreza y su amor hacia lospobres y la práctica de la caridad. La cocina de los ángeles es uno de los mayores de laserie. En él se narra un episodio de la vida de Fray Francisco Pérez, fraile cocinero deprofunda devoción que alcanzaba el éxtasis en lugar de realizar sus trabajos. Larecompensa vino del cielo al ser enviados un grupo de ángeles para realizar las tareasque el fraile no hacía, evitando así la reprimenda de sus superiores. El centro de laescena lo ocupan dos ángeles que enmarcan al fraile, arrodillado y en levitación,rodeado de una aureola dorada. En el fondo aparece la puerta abierta y un fraile quecontempla el milagro: diversos ángeles están trabajando en una típica cocina conventual

donde se muestran las ollas, el fogón, las viandas sobre la mesa, los platos, etc. Losangelitos se dispersan por el escenario para crear una mayor sensación de profundidad.Murillo emplea intensos efectos de claroscuro tomados del tenebrismo que en aquellosmomentos estaba cosechando un importante éxito en la capital andaluza gracias aZurbarán. El empleo de una luz dorada resalta las tonalidades empleadas, especialmentepardas. El naturalismo utilizado en los personajes terrenales contrasta con la ciertaidealización que emplea Murillo en los ángeles, cuyos cabellos y rostros denotan unabelleza sobrenatural.



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Titulo: San Diego 1646Museo: Real Academia de Bellas Artes de San FernandoCaracterísticas: Óleo sobre lienzo



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Titulo: San Francisco 1646Museo: Real Academia de Bellas Artes de San FernandoCaracterísticas: Óleo sobre lienzo



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Titulo: La muerte de Santa Clara 1646.Museo: Dresde, Gemäldegalerie Alte MeisterCaracterísticas:Óleo sobre lienzo. 189,5 x 446 cm.



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Titulo: Adoración de los Pastores 1646Museo: Museo del Hermitage. San Petersburgo. Rusia.Característica: Óleo sobre lienzo 197x147 cm.



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Título: St. Rodriguez. . 1646-1655.Museo: Alte Meister Gallerie, Dresden, Germany.Características: Óleo sobre lienzo.



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Titulo: La huida a Egipto 1647-50Museo: Instituto Detroit de ArteCaracterísticas: Óleo sobre lienzo



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Titulo: Dos niños comiendo melón y uvas, 1650Museo: Neue Pinakothek, MunichCaracterísticas: Óleo sobre lienzo

Murillo se convertirá en uno de los principales pintores infantiles del Barroco, tanto a la

hora de representar figuras divinas como el Niño Jesús o San Juanito o personajesabsolutamente reales como estos niños que aquí observamos. Se trata de una obra juvenil, fechada entre 1645-50 y en ella apreciamos la influencia naturalista en lapintura de Murillo. Las dos figuras aparecen ante un edificio en ruinas, interesándose elartista por presentarlos como auténticos pícaros, destacando sus ropas raídas y susgestos de glotonería. Los detalles están captados a la perfección -especialmente lasfrutas- creando Murillo una apreciable sensación de realidad. La pincelada comienza aadquirir una mayor soltura y los efectos de vaporosidad y transparencia empiezan asurgir gracias a su contacto con Herrera y la pintura veneciana.



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Titulo: Sagrada Cena 1650.Museo: Iglesia de Santa Maria la Blanca. Sevilla. España.Característica: Óleo sobre lienzo. 265 x 265 cm.



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Titulo: Inmaculada Concepción, 1650 h.Museo: Museo BB.AA. SevillaCaracterísticas: Óleo sobre lienzo 436 x 292 cm.

Hacia 1651 los franciscanos de Sevilla encargan a Murillo una Inmaculada para situarlaen el arco triunfal de su iglesia. Cuando el artista presentó su trabajo a los monjes, éstos

no encontraron a su gusto la obra ya que la hallaron tosca y poco acabada, negándose aaceptarla. Murillo solicitó permiso para colocar el lienzo en su lugar correspondiente yuna vez situado en el arco triunfal de la iglesia fue de absoluto agrado para sus clientes.La tradición dice que Murillo en ese momento se negó a separarse de la Inmaculada amenos que le pagaran el doble de lo estipulado, aumento que fue admitido por losmonjes sin oposición. Desde ese momento la obra siempre estuvo colocada en su lugaroriginal hasta que en 1810 sería requisada por los franceses y depositada en el Alcázar.Su enorme tamaño -de ahí que sea conocida como "La Grande"- la salvó de sertrasladada a Francia por lo que en 1812 fue devuelta al convento donde permanecióhasta la Desamortización de 1836. Murillo muestra en esta obra uno de sus primerosintentos por renovar la iconografía de la Inmaculada, incluyendo el dinamismo y elmovimiento característico del Barroco. Posiblemente el sevillano contempló algún

grabado de la Inmaculada realizada por Ribera en 1635 para las Agustinas deSalamanca en la que aparecen elementos claramente innovadores. La Virgen se muestraen actitud triunfante, apoyando su pie derecho sobre la luna y su rodilla izquierda en unanube sostenida por querubines. Viste amplia túnica blanca y manto azul -siguiendo lavisión de Beatriz de Silva-, siendo sus ropajes pesados y voluminosos aunque danmuestran de movimiento, especialmente el manto, en sintonía con la cabellera. Losquerubines que acompañan a la Virgen aún no gozan de la gracia de obras posteriores.La ubicación original del lienzo, a elevada altura y a gran distancia del espectador,condicionó la composición ya que Murillo tuvo en cuenta que la obra tenía que ser vistade abajo a arriba y en oblicuo, consiguiendo un excelente resultado y demostrando sugran capacidad para adaptarse a las necesidades de la clientela.



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Titulo: Santa Ana enseñando a leer a la Virgen 1650.Museo: Museo del Prado. Madrid. EspañaCaracterística: Óleo sobre lienzo. 219 x 165 cm.



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Titulo: Sagrada Familia del Pajarito, 1650 h.Museo: Museo del PradoCaracterísticas: Óleo sobre lienzo 144 x 188 cm.

Una de las obras realizadas por Murillo, en el estilo naturalista que habían puesto de

moda Zurbarán o Velázquez en Sevilla, es la Sagrada Familia del Pajarito, que recibeese nombre por el pajarillo que el Niño Jesús muestra al perro. La total ausencia deelementos divinos o celestiales hace que nos situemos ante una escena familiar, como siel pintor abriera las puertas de su propio hogar para mostrarnos el juego del pequeñoacompañado por su padre, mientras la madre ha parado en sus labores de hilado paracomer una manzana. Son figuras elegantes pero no dejan de poseer cierto realismo; elprotagonista es el Niño Jesús, iluminado por un potente foco de luz procedente de laizquierda que provoca contrastes, dejando el fondo en total penumbra sobre el que serecortan las figuras, aunque junto a San José se vislumbra el banco de carpintero. Noobstante, la iluminación es matizada y supera el estricto tenebrismo. El excelente dibujodel que siempre hará gala Murillo se aprecia claramente en sus primeras obras, dondelos detalles son también protagonistas: el cesto de labor de la Virgen, los pliegues de los

paños, los miembros de las figuras, el gesto del perrito. En relación con el dibujo, hayque advertir que Murillo fundaría una Academia de Pintura junto a Francisco de Herrera"el Mozo" en 1660. El colorido empleado es el que caracteriza esa primera etapa delartista siguiendo el estilo de los naturalistas. Colocar a San José como protagonista de laescena junto al Niño Jesús viene motivado por las discusiones teológicas sobre lafunción del santo en la vida de Cristo. Si, en un principio, se pensó que no había tenidonada que ver en la educación de Jesús (de hecho, en el tríptico de la Adoración de losMagos de El Bosco aparece en la tabla lateral) a medida que pasa el tiempo se consideraque la labor de San José es cada vez más importante y, por ello, aquí le vemos como elpadre ideal, con un rostro inteligente y paciente, que incluso relega a la figura de Maríaa un segundo plano. Pueden apreciarse ciertos ecos de la pintura de Rafael en estaSagrada Familia.



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Titulo: Virgen del Rosario, 1650/55Museo: Museo del PradoCaracterísticas: Óleo sobre lienzo 164 x 110 cm

La devota sociedad española del Barroco solicitará a los pintores un importante númerode imágenes de la Virgen María debido a que los protestantes estaban cuestionando

muchos dogmas relacionados con ella, como la virginidad o haber sido concebida sinpecado original. Esto provocó una inmensa devoción mariana en nuestro país, paladíndel catolicismo, frente a la impiedad de los protestantes, según los contemporáneos deMurillo. Por lo tanto, el pintor aprovechó la enorme demanda de obras marianas paracrear iconografías personales. Una de ellas es la Virgen del Rosario, donde apareceMaría sentada con el niño en brazos, sosteniendo el rosario con la mano derecha. Ambasfiguras están recortadas sobre un fondo neutro para dar un mayor efecto volumétrico,acentuado al llevar las piernas a un lateral del cuadro. A pesar de estar juntos apenas serelacionan entre sí, ya que miran hacia el espectador; sólo sus mutuos abrazos les ponenen contacto, omitiendo los juegos de miradas entre madre e hijo tan característicos deRafael. Los tonos que emplea son bastante oscuros aunque intenta alegrar la gamacromática con el rojo y el azul, símbolos de martirio y eternidad respectivamente. Bien

es cierto que María no fue martirizada, pero sufrió el martirio de su hijo siendoconsiderada, pues, mártir psicológica. La pincelada empleada por el artista es algo mássuelta que en la Sagrada Familia del Pajarito y anticipa el efecto vaporoso que pronto leconvertirá en el primer pincel de Sevilla.



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Titulo: Virgen con Niño 1655Museo del Prado. Madrid. España.Características: Óleo sobre lienzo 151 x 103 cm.



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Titulo: Rebeca y Eliezer, 1650-55 h.Museo: Museo del PradoCaracterísticas: Óleo sobre lienzo 107 x 171 cm.

Murillo recoge en esta escena el momento en que Rebeca ofrece agua al sedientomayoral de los rebaños de Abraham, Eliezer, cuando éste buscaba en Mesopotamia lamujer para Isaac. Rebeca es acompañada por tres mujeres, apareciendo una de ellas deespaldas mientras que al fondo se aprecia la caravana de camellos y un caballo. Elnaturalismo de las figuras dispuestas alrededor del pozo, los alegres colores de losropajes, la expresividad de algunos gestos y la luz y atmósfera que impregna lacomposición hacen de esta obra una de las más interesantes de la etapa madura delpintor, alejado del claroscuro de la década de 1650 e interesado por efectos atmosféricostomados de Herrera el Mozo, Van Dyck y la escuela veneciana. La facilidad a la hora denarrar un episodio sitúa a Murillo a la altura de Velázquez, convirtiéndose en los dosgrandes maestros del Barroco español. El lienzo fue traído de Sevilla en 1733 por Isabelde Farnesio, esposa de Felipe V y gran admiradora de la obra de Murillo, estandodocumentado en su colección en 1746, en la Granja.



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Titulo: Santa Catalina de Alejandría 1650-1655.Museo: Museo de Arte Sao Paulo. Sao Paulo. BrasilCaracterísticas: Óleo sobre lienzo. 186 x 104 cm.



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Titulo: La Virgen del Rosario 1650.Museo: Galería Palatina. Palazzo Pitti. Florencia. ItaliaCaracterística: Óleo sobre lienzo. 165 x 109 cm.



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Titulo: La Anunciación 1650 - 1655.Museo: Museo del Prado. Madrid. EspañaCaracterísticas: Óleo sobre lienzo. 183 x 225 cm.



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Titulo: Magdalena Penitente 1650-55Museo:Características: Óleo sobre lienzo 123,2x108 Cm.



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Titulo: Magdalena penitente, 1653Museo: National Gallery (Dublín) Características: Óleo sobre lienzo 152 x 104 cm.

Durante la etapa tenebrista, Murillo realizó una serie de Magdalenas penitentes que seconvertirán en un prototipo repetido por el maestro a lo largo de su carrera, existiendosiete versiones diferentes sobre el tema. La santa aparece arrodillada, ocupando sufigura casi toda la superficie del lienzo. Un potente foco de luz sólo ilumina a la figura,dejando entrever algunas aristas de la cueva donde está la santa, situando de esta manerala escena. La Magdalena cubre su desnudez con un amplio manto que deja aldescubierto los brazos, los hombros y parte de un seno, poniendo con estas partes delcuerpo una nota de claridad ante la oscuridad del entorno. De esa penumbra envolventetambién parecen surgir el tarro de los afeites y la calavera que simbolizan a la santa. Elbello rostro de María dirigiendo su mirada al cielo puede compararse con la Magdalenade Ribera, demostrando Murillo su calidad pictórica al emplear perfectamente dibujo,luz y color, creando un juego cromático de gran belleza con el rojo del manto, lanacarada carnación y el sombrío fondo.



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Titulo: Adoración de los Pastores, 1655/60Museo: Museo del PradoCaracterísticas: Óleo sobre lienzo 187 x 228 cm

Las primeras obras de Murillo denotan una evidente influencia del Naturalismotenebrista que tanto éxito estaba cosechando en Sevilla por aquellas fechas, teniendo en

Zurbarán a su máximo representante. Sería lógico pensar que si el joven Murillopretende obtener rápidos triunfos será en un estilo admitido por todas las fuerzasartísticas de la ciudad, teniendo tiempo posteriormente de introducir novedades en supintura. Así, esta Adoración de los Pastores muestra una importante influencia de laobra de Ribera, sin olvidar a Zurbarán y al joven Velázquez. Murillo ha dejado enpenumbra a San José, que era el protagonista de la Sagrada Familia del Pajarito,iluminando a la Virgen y al Niño. Junto a ellos, dos pastores y una pastora entregan suspresentes: un cordero, huevos y una gallina. El realismo que caracteriza a las figurastiene una clara muestra en los pies sucios de los pastores, como ya había hechoCaravaggio en Roma, mientras que la oveja recuerda el Agnus Dei de Zurbarán, quedebía ser muy comentado en la capital andaluza por aquellas fechas. Los tonospredominantes son los típicos del Naturalismo: marrones, blancos, sienas y pardos que

contrastan con los rojos y azules intensos. La pincelada minuciosa del pintor muestratodo tipo de detalles, desde los pliegues de los paños hasta las briznas de paja delpesebre. La composición carece de profundidad, como era habitual, al cerrarse con unfondo neutro normalmente muy oscuro, marcando una típica diagonal barroca aunqueaquí no sea muy pronunciada. En suma, las primeras obras de Murillo tienen todos losingredientes para cosechar éxitos inmediatos y hacerse un hueco en el mercadosevillano

Murillo, como Velázquez y Ribera es uno de los pocos artistas españoles con reputacióninternacional

Murillo, like Velázquez and Ribera, is one of the few Spanish artists with an internationalreputation. In his own lifetime Murillo's genre scenes were exported to Flanders, but much greaterinterest was aroused by his work in the early nineteenth century, when, following the Napoleonicinvasion of Spain, the agents of French and other collectors were able to acquire and exportpictures by him of other types.

In this early painting the typical characteristics of the Seville school, by which he was formed, canbe observed. There is an accent on clear detail, emphasized by the contrasts of light and shade.The rather high viewpoint creates the impression that one has just walked in on to the scenerepresented: such effects of intimacy and directness were typical of the aims of Counter-Reformation Baroque.



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Título: Nacimiento de San Juan Bautista 1655Museo: Norton Simon Museum of Art , Pasadena, CA USACaracterísticas: Óleo sobre lienzo de 188.3 x 146.7cm.



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Titulo: Cuatro figuras en un escalón, 1655 h.Museo: Kimbell Art MuseumCaracterísticas: Óleo sobre lienzo 110 x 143 cm.

La risa será una de las principales protagonistas en las pinturas de género realizadas porMurillo. El joven muchacho de la izquierda que aquí contemplamos dirige su miradahacia el exterior y esboza una amplia sonrisa que contrasta con el gesto de la hermanaque parece contener su divertida actitud. La madre abandona su tarea de despiojar a unniño para mirar también hacia el exterior, a través de sus anteojos. ¿Qué ocurre en elexterior para que todos dirijan su mirada hacia allí? Algo similar podemos encontrar enlas Mujeres en la ventana, creando un juego con el espectador que hoy por hoy esimposible de descifrar pero que en la época sí tendría su lógica. En esta imagen Murillose muestra como un excelente pintor de gestos y expresiones, recogiendo con suspinceles las diferentes actitudes de los personajes. Las figuras se recortan ante un fondoen penumbra lo que permite al artista dotarlas de mayor volumetría, recibiendo unpotente foco de luz desde la izquierda que resalta las diferentes tonalidades de susvestidos. Las indumentarias -a excepción del pantalón roto del pequeño- nos indican

que se trata de una familia de cierta posición económica, recogiendo el maestro con uninsistente naturalismo todos los detalles.



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Titulo: San Ildefonso, 1655/60Museo: Museo del PradoCaracterísticas: Óleo sobre lienzo 309 x 251 cm

La imposición de la casulla formaba pareja con la Aparición de la Virgen a SanBernardo y fueron pintados por Murillo por encargo del sevillano convento de San

Clemente hacia 1655. Las dos obras fueron compradas por la reina Isabel de Farnesio,esposa de Felipe V, en 1730. San Ildefonso escribió un libro en el que defendía lavirginidad de María, por lo que la madre de Dios le recompensó con el regalo de unacasulla ricamente decorada que habría de usar en sus fiestas. Murillo nos presenta elmomento en el que María hace entrega de la casulla al santo, acompañado de una cortede ángeles y querubines en diferentes posturas, recurso muy empleado por los pintorespara demostrar que saben situar a las figuras en el espacio pictórico. Junto a SanIldefonso aparece una señora mayor con una vela en la mano que posiblemente indicaríala devoción popular a la Virgen. La composición se organiza, como en el caso delcuadro compañero, a través de dos diagonales que se cruzan en el centro, esto es, en lacasulla. La que va de derecha a izquierda acoge al santo, a la casulla y a la Virgen,mientras que de izquierda a derecha se sitúan un ángel de espaldas y otro de frente. El

situar una figura de espaldas en primer plano es un recurso muy utilizado para introduciral espectador en la escena. La mezcla de idealismo y realismo que hace Murillo aquí esuna repetición de la compañera; idealiza a la Virgen y a los ángeles y resalta conevidente realismo al santo, la casulla y la anciana de la vela. Gracias a la luz, ilumina alos protagonistas de la escena acentuando el claroscuro que caracteriza el Tenebrismo.El colorido es más amplio apareciendo tonos verdes, amarillos y naranjas. Otro detalle adestacar es el plegado de las telas donde demuestra Murillo su gran capacidad comodibujante.



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Titulo: San Isidoro, 1655Museo: Catedral de SevillaCaracterísticas: Óleo sobre lienzo 193 x 165 cm.

En el mes de agosto de 1655 fueron colgadas en la Sacristía de la Catedral de Sevilla laspinturas de San Isidoro y San Leandro que habían sido encargadas a Murillo por el

canónigo y arcediano de Carmona, don Juan Federigui. Ceán Bermúdez dio a conoceruna tradición sobre el rostro de San Isidoro que señala como Murillo reflejó los rasgosfaciales del licenciado Francisco López Tabalán, eclesiástico vinculado al Cabildo quefalleció precisamente el mismo año de la ejecución de las obras. No podemos dar estasuposición por segura. El lienzo está realizado para ser contemplado desde un punto devista bajo por lo que destaca la pincelada fluida y pastosa empleada por el maestro,sobre todo en la túnica y en la capa. Sin embargo, Murillo no ha renunciado a recoger ala perfección la actitud serena y concentrada del santo, sujetando de manera solemne unbáculo de obispo con su mano derecha mientras que con la izquierda sostiene el libroque alude a su actividad de escritor de asuntos teológicos en la España visigoda. Elsanto patrono de la ciudad sevillana y Doctor de la Iglesia recorta su monumental figuraante un cortinaje oscuro que deja ver una columna y un celaje en la zona de la derecha,

resultando una composición de gran belleza.



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Titulo: San Lesmes 1655.Museo: Museo de Bellas Artes de Bilbao. EspañaCaracterísticas: Óleo sobre lienzo. 243.5 x 179 cm.



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Titulo: San Juan muestra a Jesús, 1655 h.Museo: Chicago Art InstituteCaracterísticas: Óleo sobre lienzo 269 x 183 cm.

Para el refectorio de San Leandro en Sevilla realizó Murillo una serie de cuatro lienzossobre la vida de San Juan Bautista, siendo esta obra que contemplamos la más conocida,acompañándola el Bautismo de Cristo y San Juan y los fariseos. El pintor emplea unsencillo esquema para realizar la composición al colocar a los dos personajes frente alespectador, a la misma altura y representados en actitudes estáticas. La pasividad deambas figuras se rompe con la mano de San Juan dirigiéndose hacia Cristo. Sobreambos personajes encontramos un águila y un toro, símbolos respectivamente de losevangelistas san Juan y san Lucas, rodeados de unas cartelas con textos evangélicos. Unpaisaje se abre al fondo, surcado por el río Jordán entre árboles. La luz empleada por elartista es clara y diáfana, destacando tanto la monumentalidad de ambas figuras comosus gestos y actitudes. Con estas obras, Murillo demuestra que ha alcanzado su madurezy ya no recurre a elementos tomados de otros artistas como ocurría en sus primerostrabajos -véase la Virgen entregando el rosario a santo Domingo



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Titulo: Santiago Peregrino, 1655 h.Museo: Museo del PradoCaracterísticas: Óleo sobre lienzo 134 x 107 cm.

Una de las imágenes más monumentales pintadas por Murillo es el Santiago Peregrino oSantiago Apóstol. Su figura solemne y grandiosa sorprende gratamente al espectador del

Museo del Prado. El apóstol está representado de frente al espectador, portando en sumano derecha el bordón de peregrino y en la izquierda un libro que alude a las epístolas.Viste una túnica azul y un precioso manto rojo que hace resaltar la figura del fondoneutro. Estos colores forman parte de la iconografía, ya que el azul simboliza laeternidad y el rojo el martirio. Posiblemente formaría parte de un Apostolado, muypopular en la España del Barroco debido a los ejemplos tan importantes que nos hanquedado: Rubens, Ribera o El Greco. Habitualmente son figuras aisladas, captadas conel mayor realismo posible, como ocurre en este caso.



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Titulo: Muchacho con un perro 1655-60.Museo: Museo del Hermitage. San Petersburgo. Rusia.Características: Óleo sobre lienzo. 74 x 60 cm.



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Titulo: Virgen y San Bernardo, 1655/60Museo: Museo del PradoCaracterísticas: Óleo sobre lienzo 311 x 249 cm

Para el sevillano convento de San Clemente, Murillo pintó hacia 1655 una pareja decuadros en los que la Virgen tiene especial protagonismo al realizar los milagros a los

que éstos hacen referencia. Ambas obras fueron adquiridas por la reina Isabel deFarnesio, gran admiradora de Murillo, en 1730. Sus títulos serían La Aparición de laVirgen a San Bernardo, del que nos ocupamos ahora, y La imposición de la casulla aSan Ildefonso. El pintor ha sabido captar el momento en el que San Bernardo, debido asu gran devoción por la Virgen, es recompensado por ésta con la lactación de su pecho;por eso, vemos a María llevándose la mano derecha a su seno. La composición estáresuelta con sencillez al emplear una marcada diagonal ascendente de izquierda aderecha. Otra diagonal, de derecha a izquierda, separa la escena en dos áreas similares,situando en una al santo y en la otra a la Virgen con el niño rodeados de querubines, quetan famoso harán a Murillo. Cada una de las áreas tiene una iluminación diferente; así,la zona de San Bernardo queda a oscuras mientras que la de María está perfectamenteiluminada por el Rompimiento de Gloria, con una luz muy dorada para indicarnos que

estamos presenciando un hecho sobrenatural. Este uso de luces doradas debióaprenderlas de Zurbarán como se aprecia en la Aparición de San Pedro Apóstol o SanPedro Nolasco. Es ésta una obra de contrastes; además de las zonas de luzperfectamente diferenciadas podemos apreciar una clara idealización de María y el niño,así como los angelitos y una mayor dosis de realismo en la figura del santo, destacandosu hábito con unos magníficos pliegues, en los libros del ángulo inferior o en los que seintuyen entre la penumbra detrás de San Bernardo. Aunque el estilo que define estasprimeras obras de Murillo siempre se considera tenebrista, es evidente que existe porparte del pintor un deseo de avanzar y crear nuevos conceptos.



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Titulo: El Bautismo de Cristo 1655.Museo: Gemäldegalerie. Berlín. Alemania.Características: Óleo sobre lienzo 233 x 160 cm.



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Título: Retrato de Andrés de Andrade y la Col. 1656-1660.Museo: The Metropolitan Museum of Art, New York, USACaracterísticas: Óleo sobre lienzo



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Titulo: San Leandro 1655



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Museo: Catedral de SevillaCaracterísticas: Óleo sobre lienzo



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Título: El niño Jesus y San Juan Bautista 1655-60Museo:Características: Óleo sobre lienzo. 124 x 115 cm



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Titulo: Virgen con el niño 1655-1660Museo: RijksmuseumCaracterísticas: Óleo sobre lienzo



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Titulo: La huída a Egipto 1655-1660.Museo: Museo de Bellas Artes de Budapest. Budapest. HungríaCaracterísticas: Óleo sobre lienzo. 155,5 x 125 cm.



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Titulo: La Sagrada familia con San Juan Niño 1655-1660.Museo: Museo de Bellas Artes de Budapest. Budapest. Hungría.Características: Óleo sobre lienzo. 156 x 126 cm.



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Titulo: Virgen con niño 1650-1655.Museo: Galería Palatina. Palazzo Pitti. Florencia. Italia.Características: Óleo sobre lienzo. 155 x 107 cm.



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Titulo: Inmaculada de El Escorial, 1656-60Museo: Museo del PradoCaracterísticas: Óleo sobre lienzo 206 x 144 cm.

Cuando Pacheco dictó las normas iconográficas que habían de regir la pintura sevillana

consideró que la Virgen "hase de pintar (...) en la flor de la edad, de doce o trece años,hermosísima niña". Murillo siguió las normas del suegro de Velázquez en esta escena,una de las más atractivas de su producción. El rostro adolescente destaca por su bellezay los grandes ojos que dirigen su mirada hacia arriba. La figura muestra una líneaondulante que se remarca con las manos juntas a la altura del pecho pero desplazadashacia su izquierda. Los querubines que conforman su peana portan los atributosmarianos: las azucenas como símbolo de pureza, las rosas de amor, la rama de olivocomo símbolo de paz y la palma representando el martirio. Los ángeles aportan mayordinamismo a la composición, creando una serie de diagonales paralelas con el manto dela Virgen. La sensación atmosférica que Murillo consigue y la rápida pincelada indicanla ejecución entre 1660-65, pero debemos indicar que gracias al dibujo la figura nopierde monumentalidad, definiendo claramente los contornos. El colorido vaporoso está

tomado de Herrera el Mozo, quien acercó los conocimientos de la pintura flamenca -conVan Dyck y Rubens- y la escuela veneciana a Murillo. Debe su nombre a haber estadoregistrada en la Casita del Príncipe de El Escorial en 1788, entre los cuadros delpríncipe Carlos IV, desde donde pasó a Aranjuez y de allí al Prado en 1819. Durantemucho tiempo se la denominó Inmaculada de la Granja por considerar que procedía deaquel palacio.

Inmaculada Concepción del EscorialTambién conocida como "La Virgen entre nubes acompañada de Ángeles". 1660-1665.

206 x 144 cm. Óleo sobre lienzo. Museo del Prado. Madrid. España.



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Titulo: Visión de San Antonio de Padua, 1656Museo: Catedral de SevillaCaracterísticas: Óleo sobre lienzo 56 x 33 cm.

En 1656 el cabildo de la Catedral de Sevilla encarga a Murillo un gran lienzo paradecorar el altar de la capilla de San Antonio, que también hacía de capilla bautismal. Enel mes de octubre el cuadro estaba colocado en el retablo construido para la ocasión porBernardo Simón de Pineda. Murillo realiza un gran cuadro de altar con el que sigue latradición de décadas anteriores, colocando un cuadro de grandes dimensiones encapillas de pequeño tamaño, lo que permitía aumentar la espectacularidad. Estatradición ya había sido seguida por Roelas o Herrera el Viejo. San Antonio se encuentraen el interior de una estancia monumental, leyendo sobre una austera mesa -decoradacon unos lirios que simbolizan la pureza- cuando recibe la visita del Niño Jesús rodeadode una corte de ángeles que forman una mandorla a su alrededor. El santo interrumpe sulectura y se arrodilla ante la espectacular visión, quedando iluminado por el resplandorque emana de la sagrada figura. Al fondo de la estancia se abre una puerta que permite

contemplar una arquitectura monumental, exactamente una gran columna que formaríaun pórtico de acceso al edificio donde está el santo. De esta manera son dos los focoslumínicos que inundan la parte baja de la composición, creando Murillo un sensacionalefecto atmosférico que recuerda a Velázquez. La composición se estructura a través deuna diagonal que enlaza las dos zonas mientras que el rompimiento de Gloria estáorganizado por un círculo. Escorzadas figuras forman este rompimiento, acentuando elaspecto de teatralidad barroca que manifiesta el maestro en la escena, trayendo a lamemoria los grandes lienzos de altar pintados por Rubens, Herrera el Mozo o VanDyck. El juego de luces y sombras sirve para unificar la composición, de la mismamanera que emplea el color con tal fin. Definitivamente Murillo ha abandonado elclaroscuro para trabajar en un estilo propio, superando el naturalismo de la generaciónanterior que tenía en Zurbarán a su máximo representante. La llegada de las tropas

francesas del Mariscal Soult en 1810 provocaron un gran peligro para las obras deMurillo. El general francés admiraba la obra del sevillano y desde un primer momentotuvo la intención de llevarse este cuadro a Francia. El cabildo catedralicio pudopersuadirle y le entregó en compensación el Nacimiento de la Virgen. Sin embargo,aquí no acaban los avatares del lienzo ya que en noviembre de 1874 la figura del santofue recortada por un ladrón que la ofreció al año siguiente a un anticuario de NuevaYork. La honradez del anticuario permitió que la embajada española comprara el recortey éste fuera devuelto a la catedral, donde Salvador Martínez Cubells realizó unexcelente trabajo de restauración, exhibiéndose en octubre de 1875.



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Titulo: San Antonio con el niño 1656.Museo: Catedral de Sevilla. Sevilla. EspañaCaracterísticas: Óleo sobre lienzo. 550 x 330 cm.



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Titulo: La Inmaculada Concepción de Aranjuez 1658-1660.Museo: Museo del Prado. Madrid. EspañaCaracterísticas: Óleo sobre lienzo. 222 x 118 cm.



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Titulo: Anciana espulgando a un niño, 1660-70Museo: Bayerischen MunichCaracterísticas: Óleo sobre lienzo 147 x 113 cm.

Las escenas costumbristas serán una de las especialidades de Murillo, existiendo unaamplia demanda de estos temas, especialmente entre los comerciantes y banquerosflamencos que habitaban en Sevilla. En la década de 1660 pintaría esta Ancianaespulgando a un niño, también llamada Abuela espulgando a su nieto. La composiciónse desarrolla en un interior, recortándose las figuras sobre un fondo neutro al estariluminadas por un potente foco de luz que entra por la ventana. El pequeño tumbadosobre el suelo come pan y acaricia al perrillo mientras que la mujer procede a quitarlelas pulgas o los piojos de la cabeza. La anciana concentra toda la atención en su tarea yha abandonado sus útiles de hilado que aparecen sobre la banqueta de la derecha. Alfondo podemos contemplar una mesa con una jarra y un cántaro, lo que nos indica quese trata de una familia con escasos recursos económicos pero que sobrevivehumildemente. Este detalle también se puede apreciar en sus vestidos ya que no

observamos jirones como en otras escenas -véase los Niños jugando a los dados-. Elnaturalismo con el que trata Murillo la escena se aleja del empleado por Zurbarán añosatrás, lo que indica la evolución de su pintura hacia un estilo muy personal,caracterizado por las atmósferas.



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Titulo: El Buen Pastor Niño, (También conocida como "El niño Jesús, DivinoPastor") 1660 H.

Museo: Museo del PradoCaracterísticas: Óleo sobre lienzo 123 x 101 cm.

En el Evangelio de San Juan (10, 11-14) se compara al Cristo con el Buen Pastor que dasu vida por sus ovejas. Esta sería la posible base documental de este trabajo en el queMurillo emplea a sus protagonistas principales: los niños, bien se trate de niños de lacalle -como en Dos niños comiendo uvas y melón- o celestiales como en este caso. ElNiño Jesús se sitúa en un paisaje con una referencia arquitectónica al fondo, sentadosobre algunos restos clasicistas y dirigiendo su mirada al espectador. En la manoderecha lleva la vara del pastor y con la izquierda acaricia al cordero, quien tambiéndirige la mirada hacia nosotros. La composición se estructura con una pirámidecaracterística del Renacimiento mientras que la pierna y la vara se ubican en diagonalpara reforzar el ritmo del conjunto. La atmósfera creada gracias a la iluminación y elcolorido recuerdan a la escuela veneciana, aportando el maestro sevillano unaidealización de las figuras que no aparece en sus escenas costumbristas.

En este lienzo de Murillo luce como en ningún otro el estilo vaporoso y tierno que lehizo famoso. Con mucha frecuencia Murillo representaba a los santos como niños,acentuando con la ternura el acercamiento devoto de los fieles. En este caso se trata deuna representación infantil de Jesucristo como buen pastor, ofreciendo al niño divino enuna prefiguración de sus propias palabras, ya en su vida pública, cuando habló de sí mismo como "el buen pastor que da la vida por sus ovejas". Así, el Niño lleva en sumano derecha la vara con la que los pastores organizan y dirigen el rebaño, y apoya laizquierda en el lomo de una oveja, prodigiosa en el naturalismo con que Murillo lapintó. El lienzo, originalmente de menor tamaño, fue ampliado -y puede apreciarse- porel propio Murillo, cuando le fue requerido un cuadro con este tema para una

determinada decoración.



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Titulo: La Dolorosa Aprox. 1660.Museo: Museo de Bellas Artes de Sevilla. Sevilla. EspañaCaracterísticas: Óleo sobre lienzo. 163 x 105 cm.



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Titulo: La Sagrada Familia 1660.Museo: Basílica de San Esteban. Budapest. Hungria.Características: Óleo sobre lienzo. 186 x 155 cm.



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Titulo: Nacimiento de la Virgen, 1660 h.Museo: Museo Nacional del LouvreCaracterísticas: Óleo sobre lienzo 185 x 165 cm.

La admiración del mariscal Soult hacia las obras de Murillo hizo que éstas peligrarandurante la ocupación francesa de 1810. El mariscal francés se prendó del San Antoniocon el Niño que decoraba el altar de la capilla de San Antonio de la catedral de Sevilla yquiso llevarse el lienzo a Francia. El Cabildo catedralicio consiguió persuadirle y leofreció a cambio este Nacimiento de la Virgen que Murillo pintó para la Capilla de laConcepción Grande de la catedral sevillana. Se trata de una de las obras másinteresantes del pintor sevillano, inspirándose en la vida cotidiana para su ejecución.Excepto la presencia de los ángeles en la parte superior del lienzo no existe ningunaindicación más de que nos hallamos ante una escena religiosa. La figura de la reciénnacida es el elemento central de la composición, sostenida en los brazos de lascomadronas y rodeada de varias jóvenes. Una mujer de espaldas nos introduce en laescena, estableciendo un juego de diagonales cruzadas para organizar el grupo. De lafigura de la Virgen emana un potente foco de luz que ilumina al grupo que la rodea pero

que deja en semipenumbra a las figuras del fondo, envueltas en una atmósfera tenue quedeja casi entre tinieblas a Santa Ana a la izquierda, incorporada en el lecho ante lapresencia de San Joaquín y a las dos jóvenes de la derecha dos jóvenes queposiblemente calienten agua. Este juego de luces recuerda las obras de Rembrandt queposiblemente Murillo pudo contemplar en algunas colecciones sevillanas. Lastonalidades brillantes y la pincelada rápida hablan de la influencia de la escuelaveneciana, posiblemente a través de Herrera el Mozo o del viaje realizado a Madriddonde Murillo pudo contemplar las colecciones reales donde Tiziano tenía unimportante lugar. Rubens, Van Dyck y el propio Velázquez también serán importantesinfluencias para el artista sevillano.



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Titulo: San Juan Bautista niño, 1660 h.Museo: Museo del PradoCaracterísticas: Óleo sobre lienzo 121 x 99 cm.

El San Juanito aparece sentado sobre una piedra, llevándose la mano derecha al pechoen señal de penitencia y dirigiendo la mirada hacia el cielo de donde le llega una rayo deluz. A su lado encontramos el Cordero que simboliza a Cristo. Las figuras aparecen anteun fondo de paisaje. Al igual que el Buen Pastor Niño, la composición se estructura conuna pirámide mientras que diversas diagonales dotan de mayor ritmo al conjunto. Laatmósfera conseguida gracias a la luz y el color son una muestra clara de la admiraciónde Murillo por los maestros venecianos. La pincelada es rápida y diluida cercana alestilo de Velázquez. Resulta curioso comparar esta idealizada escena con los asuntoscostumbristas protagonizados por niños en los que Murillo emplea un naturalismo queaporta cotidianidad a las estampas.



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Titulo: El hijo prodigo reclama su parte de herencia 1660Museo: National Gallery of Ireland, Dublin,Características: Óleo sobre lienzo



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Titulo: La despedida del hijo pródigoMuseo: National Gallery of Ireland, Dublin, Ireland.Características: Óleo sobre lienzo. 105 x 135 cm.



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Titulo: El hijo pródigo hace vida disoluta 1660Museo: National Gallery of Ireland, Dublin, Ireland.Características: Óleo sobre lienzo. 104 x 134 cm.



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Titulo: Expulsan al hijo prodigo 1660Museo: National Gallery of Ireland, Dublin, IrelandCaracterísticas: Óleo sobre lienzo.



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Titulo: El hijo pródigo apacienta los cerdos, 1660Museo: Galería Nacional de Arte de Irlanda

Características: Óleo sobre lienzo 27 x 34 cm.



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Titulo: El regreso del hijo prodigo 1660Museo: Galería Nacional de Arte de IrlandaCaracterísticas: Óleo sobre lienzo



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Titulo: La Anunciación 1660Museo: Museo del Prado, Madrid Características: Óleo sobre lienzo de 142 x 107.5 cm.



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Titulo: Santa Justa, 1660 h.Museo: Meadows MuseumCaracterísticas: Óleo sobre lienzo 93 x 64 cm.

Santa Justa y Santa Rufina son las patronas de Sevilla y su representación es muypopular en la capital andaluza. Se trata de dos hermanas alfareras que formaban parte dela clandestina comunidad cristiana de Sevilla durante el siglo III. Se negaron a financiaral ídolo local Salambó por lo que fueron condenadas a prisión y martirizadas. Esta es larazón por la que en este cuadro Murillo pinta a una de las santas portando cacharros ycon la palma del martirio en la mano. La santa está representada como una jovensevillana del siglo XVII, secularizando la figura que más bien parece tratarse de unretrato profano debido a la belleza, elegancia y sensualidad de la modelo. El tamaño delos dos lienzos ha hecho pensar que se trataría de cuadros de devoción personal,encargados por algún cliente particular. Para el retablo de los Capuchinos de Sevillapintará Murillo un gran lienzo con las dos santas juntas que tendrá mucha devoción,siendo tomado como inspiración dos siglos después por Goya.



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Título: El sueño de JacobMuseo:Características: Óleo sobre lienzo de 246 x 360 cm.



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Titulo: Santa Rufina 1660Museo: MeadowsCaracterísticas: Óleo sobre lienzo



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Titulo: Virgen de la Faja, 1660 h.Museo: Colección ParticularCaracterísticas: Óleo sobre lienzo 137 x 112 cm.

Con esta obra Murillo gozó de gran popularidad, realizándose numerosas copias quehan aumentado su fama. Al igual que en la Sagrada Familia del Pajarito o la Huida aEgipto, el maestro representa la escena como si de un episodio de la vida cotidiana setratara, presentando a María envolviendo en pañales al Niño para después colocarle lafaja que aparece en la izquierda, de donde el cuadro ha tomado el nombre. El rostro dela madre es tremendamente expresivo, recogiendo cierta melancolía que podría estarrelacionada con el futuro del pequeño. Esa ligera melancolía contrasta con la música delos ángeles que aparecen en el fondo, presenciando la escena unos querubines en laparte superior del lienzo. Los personajes se insertan en una serie de diagonales queorganizan la composición, aportando dinamismo y ritmo al conjunto. Las figuras estánbañadas por una clara luz con la que se consigue cierto efecto atmosférico, que serátomado de la escuela veneciana que Murillo admiró durante su estancia en Madrid en elaño 1658.



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Titulo: Adoración de los Magos 1660-1665.Museo: The Toledo Museum of Art. Toledo. Ohio. USA.Características: Óleo sobre lienzo 190 x 146 cm.



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Titulo: La Dolorosa 1660-1670.Museo: Museo del Prado. Madrid. EspañaCaracterísticas: Óleo sobre Lienzo. 52 x 41 cm.



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Titulo: Cristo en la Cruz 1660-1670.Museo: Timken MuseumCaracterísticas: Óleo sobre lienzo. 82 1/4 x 44 1/2 in.



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Titulo: La Sagrada Familia 1660 -1670Museo:Características: Óleo sobre un panel de 24x18 cm



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Titulo: Cristo en la cruzMuseo: Museo del Prado. Madrid. España.Características: Lienzo. 71 x 54 cm.



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Titulo: Virgen de la Servilleta, 1664-66Museo: Museo del PradoCaracterísticas: Óleo sobre lienzo 68 x 72 cm.

Existen dos tradiciones recogidas por O´Neill en 1883 relacionadas con el título de estaobra, una de las más populares de Murillo. La primera de ellas hace referencia a que elpintor solía desayunar en el Convento de los Capuchinos tras oír misa. Un día, tras elcumplido desayuno, los frailes se apercibieron que faltaba una servilleta que días mástarde fue devuelta por Murillo tras pintar una Virgen con un Niño. La segunda versiónnarra como un devoto fraile solicitó al pintor una Virgen con Niño de pequeño formatopara concentrase en sus oraciones. Murillo le respondió afirmativamente pero le solicitóla tela necesaria para su ejecución. El fraile le entregó la servilleta y el pintor la realizósobre ella. Ambas leyendas son falsas ya que el soporte sobre el que está realizada laobra es lienzo, no tela de mantel. La Virgen con el Niño forma parte de la decoracióndel retablo mayor del Convento de los Capuchinos de Sevilla, ubicándoseconcretamente en la portezuela del tabernáculo. Murillo ha sabido captar a la perfección

en ambos personajes la ternura y la afectividad. El Niño se inclina hacia el espectador,dirigiendo sus grandes ojos hacia nosotros, lo que motivó la popularidad del lienzo entrelos sevillanos. La obra está realizada con una pincelada rápida y certera, rodando aambos personajes de una sensación atmosférica que diluye sus contornos y crea unefecto de espiritualidad. Los vivos colores y la delicadeza de las carnaciones recuerdana Rafael mientras que las atmósferas serán tomadas de Velázquez o Rubens, dospintores importantes para Murillo tras su viaje a Madrid, sin dejar de lado a Tiziano yVan Dyck.



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Titulo: El Cazador 1664Museo: Colección Particular.Características: Óleo sobre lienzo

El cazador, retrato de don Antonio Hurtado de Salcedo. Marqués de Legarda,

secretario de Felipe IV y caballero de la orden de Santiago. Fue uno de los hermanos delHospital de la Caridad, al igual que Murillo. Se trata de un retrato de caza en el que elpersonaje aparece con un criado y tres perros. Murillo en este caso no se limita a lafigura del caballero, que por sí sola hubiera expresado que nos hallábamos ante unretrato de caza, sino que, como en otras obras, acumula detalles que contribuyen acaracterizar la escena, en este caso el joven que aparece con los perros. Sus ropassencillas, su actitud servil y un rostro que apenas es posible entrever se convierten encontrapunto de la figura de su señor, apuesto, elegante, recibiendo toda la luz,mirándonos con una actitud arrogante como corresponde a su posición. Quizá por esepropósito de reforzar con el contraste del criado la prestancia del retratado, Murillo sepermite colocar al servidor en un plano más próximo a nosotros que el que ocupa elcaballero. Por lo demás, la práctica de la caza nos recuerda que se trataba de un noble,

pues la caza era ejercicio de nobles y de reyes. Como cazadores habían sido retratadoslos miembros de la familia real por Velázquez. Aunque éste no pretenda recordar enabsoluto a los retratos regios, sí se relaciona con ellos en tanto en cuanto asimila lascostumbres del noble secretario de Felipe IV a las de su señor.



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Título: La muerte del Inquisidor Pedro de Arbués hacia 1664Museo:Características: Óleo sobre lienzo de 293.5 x 205.5 cm.



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Titulo: Niños jugando a los dados, 1665-75Museo: Bayerischen MunichCaracterísticas: Óleo sobre lienzo 140 x 108 cm.

Las similitudes entre estos Niños jugando a los dados y las Niñas contando dineroresultan significativas. Ambas escenas están bañadas con una luz similar y sedesarrollan ante el mismo fondo arquitectónico. Dos de los chiquillos juegan a los dadosen posturas encontradas mientras que un tercero come una fruta mientras que un perro lemira. Se supone que se trata de vendedores de fruta o aguadores debido a la presenciaen primer plano de una canasta con fruta y una vasija de cerámica, jugando las escasasmonedas conseguidas, realizados todos los detalles con una impronta claramentenaturalista. Los gestos de los muchachos están perfectamente caracterizados,especialmente el que echa los dados cuyo rostro está parcialmente iluminado por la ricay dorada luz. Una línea diagonal une las tres cabezas de los muchachos mientras quealrededor del centro de atención -los dados- Murillo ha creado un círculo donde seintegran gestos y actitudes. Como viene siendo habitual en las obras de la década de1670, el pintor sevillano introduce una atmósfera vaporosa creada por las luces cálidas y

la armonía cromática de pardos, blancos, grises y ocres, obteniendo un resultado de grancalidad y belleza protagonizado por las actitudes desenfadas y vitales de los muchachos.El lienzo aparece documentado en 1781 en la Hofgartengalerie de Munich donde fueadquirido a principios del siglo XVIII para la Colección Real Alemana.



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Titulo : D. Justino de Neve 1665Museo: National Gallery (Londres)Características: Óleo sobre lienzo



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Titulo: Sueño del Patricio, 1665Museo: Museo del Prado

Características: Óleo sobre lienzo 232 x 522 cm

Don Justino de Neve y Yébenes, canónigo de la catedral de Sevilla, encarga en 1665 aMurillo la decoración de la iglesia de Santa María la Blanca. La serie estaba formada

por cuatro escenas de formato semicircular en las que se exaltaba la devoción mariana.Durante la Guerra de la Independencia, el Mariscal Soult hizo un verdadero expolioartístico en Sevilla, siendo Murillo su gran objetivo. Éste es el motivo por el queninguna de las piezas de la serie está en su lugar original. Por fortuna, el Gobiernoespañol pudo recuperar en 1816 los dos cuadros, que se encuentran en el Museo delPrado, pero los otros dos continúan fuera de España. El Sueño del Patricio y la Visita alPontífice narran la legendaria historia de la fundación de la iglesia de Santa María laMayor en Roma, por lo que ambas escenas recibieron en Francia los añadidos doradosen los que se representa la planta y el alzado de la iglesia romana. Hay que incidir, pues,en que su formato era semicircular. El Sueño del Patricio Juan recoge la primera partede la leyenda, según la cual la Virgen y el Niño se aparecieron al patricio y a su esposaen sueños para solicitarles que, con el dinero que le habían legado con tan gran

devoción, edificasen una iglesia sobre el monte Esquílino, en cuya cima había trazadoMaría la planta del templo con una nevada milagrosa, pues era la noche del 5 de agosto.Murillo nos muestra al patricio y a su mujer durmiendo sentados, en posturas algoforzadas, mientras que la Virgen y el Niño se sitúan por encima de ellos, rompiendo lapenumbra en la que se encuentra la estancia donde descansa la pareja, agotados tras laintensa jornada. A la izquierda se abre la habitación para dejarnos ver el monte nevadoque señala María. Las figuras del patricio y su esposa están realizadas con el mayornaturalismo posible, como si estuviésemos fisgando por un agujero. Las telas, lospliegues, el perro, todos están pintados al detalle y transmite un sorprendente realismo.Contrastando con ambos personajes nos encontramos con la mayor idealización deMaría y Jesús, envueltos en un halo anaranjado que explica la aparición.



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Titulo: Visita al Pontífice, 1665Museo: Museo del Prado


La Visita al Pontífice, junto al Sueño del Patricio, formaba parte de la decoración de la sevillanaiglesia de Santa María la Blanca, realizada por Murillo en 1665. Fue robada, como las demásobras de la serie, por el Mariscal Soult y devuelta en 1816 formando parte desde entonces de lacolección del Museo del Prado. Su forma original era semicircular pero en París se completaronpara formar un rectángulo en las enjutas doradas que contienen la planta y el alzado de SantaMaría la Mayor en Roma, a cuya construcción se refiere el cuadro. Esta escena es lacontinuación de la leyenda iniciada en el Sueño del Patricio. Así, Murillo nos presenta alpatricio Juan y a su esposa, vestidos con sus mejores galas, ante el Papa Liberio, a quien relatan,arrodillados, su sueño. Curiosamente, el Pontífice había tenido un sueño similar esa mismanoche. A la derecha, en un plano diferente, se ha situado la procesión hacia el Esquilino donde,a pesar de los calores del verano ya que la escena tiene lugar el 5 de agosto, encontraron laplanta de la iglesia diseñada sobre la nieve. Por eso, la festividad del 5 de agosto es la Virgen delas Nieves. Murillo ha dividido el cuadro en dos escenas: a la izquierda la revelación, que tienelugar en un interior en donde se aprecia una impresionante sensación atmosférica, como si entre

las figuras hubiese aire que el espectador pudiera percibir. Es producto de la fuerte luz quepenetra por la izquierda e ilumina al patricio y a su esposa, dejando en semipenumbra alpontífice. El clérigo de las gafas, algo desdibujado, es una de las mejores figuras de Murillo. Ala derecha vemos la procesión más lejana, donde la atmósfera se ha convertido en protagonista,haciéndose más suelta. La libertad pictórica con que ha realizado Murillo a la esposa del patricioy al clérigo de las gafas nos sitúa en una nueva concepción de la pintura por parte del artista,que abandona el Naturalismo anterior y se introduce en nuevas fórmulas muy personales ycaracterísticas que harán de su obra una de las más populares y queridas.

Estos dos lienzos (junto con La Inmaculada y La Fe, actualmente en el Museo del Louvre y enuna colección privada londinense respectivamente) fueron pintados por Murillo entre los años1662 y 1665 con destino a la iglesia sevillana de Santa María la Blanca. En ambos se representauna leyenda del siglo IV relativa a la fundación de la basílica romana de Santa Maria Maggiore.

Murillo, fiel a la secuencia narrativa del relato, nos presenta en el primero titulado El sueño delpatricio Juan, a éste y a su esposa profundamente dormidos. A la izquierda la Virgen con elNiño en brazos señala hacia un monte nevado. Según la tradición, María se mostró en sueños alpatricio y le reveló su deseo de que se levantase en su honor en el monte Esquilino una iglesiacuyo emplazamiento estaría indicado por la caída de una nevada milagrosa. En el segundo, Elpatricio revela su sueño al Papa, le vemos junto a su mujer contando la aparición de la Virgen alPapa Liberio, quien sorprendentemente había recibido a su vez en sueños el mismo mensaje.Decidido a verificar el prodigio, el Papa se dirigió, acompañado de un nutrido séquito, al lugarseñalado, encontrándolo cubierto de nieve pese a los rigores del verano. (La festividad de laVirgen de las Nieves, la Virgen Blanca, se celebra el día 5 de Agosto).La primera escena transcurre en un interior en penumbra. Queda ya lejos el riguroso tenebrismode los años juveniles de Murillo; aquí la luz envuelve suavemente los cuerpos del patricio y desu esposa (una de las figuras femeninas más bellas y exquisitas salidas de la mano del maestro),

matizando los objetos y los pequeños detalles cotidianos. En la siguiente escena se observanefectos de contraluz extraordinarios. Tanto la Virgen de la izquierda en el primer cuadro, comoel cortejo de la derecha en el segundo, han sido resueltos por el pintor con una técnica deshecha,de pinceladas ligerísimas, que preludia la "vaporosidad" de sus obras posteriores.Las telas, medios puntos en origen, fueron llevadas a Francia en 1813 por el mariscal francésSoult quien las regaló al Museo Napoleón. Durante su permanencia en París se les añadieronremates triangulares neoclásicos, diseñados por el arquitecto Percier, que todavía conservan.Volvieron a España en 1816 e ingresaron en el Museo del Prado en 1901.



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Titulo: San Leandro y San Buenaventura 1665-66Museo: Museo de Bellas ArtesCaracterísticas : Óleo sobre lienzo



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Título: José con el niño Jesús 1665-1666.Museo: Museo de BB. AA. de Sevilla.

Características: Óleo sobre lienzo



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Titulo: San Francisco en la porciúncula1665-1666.Museo: Wallraf-Richartz-Museum. Colonia



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Titulo: St. Michael 1665–66Museo: Gemäldegalerie, Kunsthistorisches Museum, Vienna Características: Óleo sobre lienzo 169 x 110 cm



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Título: La liberación de San Pedro Entre 1665 y 1667Museo: The Hermitage, St. Petersburg, Russia

Características: Óleo sobre lienzo de 238x260 cm.



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Titulo: Santas Justa y Rufina 1665-66Museo: Museo de Bellas ArtesCaracterísticas: Óleo sobre lienzo



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Titulo: Anunciación 1665-1670.Museo: Colección Wallace. Londres. InglaterraCaracterísticas: Óleo sobre lienzo. 187 x 134 cm.



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Titulo: La Sagrada familia también conocido como “La Virgen de Sevilla” 1665-70Museo:Características: Óleo sobre lienzo 2.40 m.x 1.90 m.



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Titulo: Descanso del viaje a Egipto 1665Museo:Caract.: Óleo sobre lienzo 136.5x179.5



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Titulo: Isaac bendiciendo a Jacob1665-1670.Museo: Museo del Hermitage. San Petersburgo. Rusia.Características: Óleo sobre lienzo. 245 x 357,5 cm.



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Titulo: Visión de San Agustín 1665-1670.Museo: Museo de Bellas Artes de Sevilla. Sevilla. España.Características.: Óleo sobre lienzo. 250 x 139 cm.



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Titulo: Santa Isabel de Hungría curando a los niños, 1667-70Museo: Hospital de la Caridad de SevillaCaracterísticas: Óleo sobre lienzo 325 x 245 cm.

La iglesia de la Caridad de Sevilla se convertirá en el interior más deslumbrante de todo elBarroco español gracias a don Miguel de Mañara, artífice de la decoración. Para ello contó conlos mejores artistas del momento, eligiendo a los pintores Valdés Leal y Murillo para realizarlos cuadros que decoraban el templo. Murillo se encargo de realizar seis obras -la Curación delparalítico o el Regreso del hijo pródigo- que narran las alegorías de las obras de Misericordia,complementadas con la séptima -"Enterrar a los muertos"- que estaba realizada en escultura y sesitúa en el retablo mayor gracias a la obra de Pedro Roldán. Mañara también encargó a Murillola realización de dos obras donde se recogieran dos ejercicios caritativos que debían cumplir losmiembros de la Hermandad. Una de ellas es asistir a los enfermos durante su curación y darlesde comer como se recoge perfectamente en esta obra que contemplamos protagonizada porsanta Isabel de Hungría. Santa Isabel era hija de rey Andrés II de Hungría. Se casó con Luis IVde Turingia y a la muerte de su esposo en 1227 decidió llevar una vida ascética, dedicándose arealizar obras de beneficencia. Para ello construyó un hospital para pobres y leprosos enMarburgo, atendiendo personalmente a los enfermos. En 1228 tomó el hábito de terciariafranciscana, convirtiéndose en su patrona. En 1235 fue canonizada por Gregorio IX. Murillo

presenta a la santa rodeada de leprosos a los que cura con sus propias manos. Los enfermosestán representados con absoluto realismo, apreciándose incluso sus padecimientos y dolores.La santa lava la cabeza de un joven asistida por varias damas que visten elegantes trajes,contrastando con la pobreza de los ropajes de los tiñosos. Tras ellas se contemplan las lentesredondas de una mujer. La escena se desarrolla ante una monumental arquitectura como erahabitual en esos momentos -véase la serie del Hijo pródigo- creando una composición piramidalque tiene como eje a santa Isabel. La luz dorada baña todos los personajes para crear unaatractiva sensación atmosférica que diluye los contornos pero no omite ninguno de los detallescomo las calidades de las telas o los reflejos en la palangana de metal. Al fondo, teniendo comoescenario un espectacular pórtico, contemplamos una segunda escena en la que se representa asanta Isabel dando de comer a los pobres, segunda parte del ejercicio caritativo entre loshermanos de la Caridad, de los que Murillo era miembro desde 1665.

Santa Isabel de Hungría, curando a los tiñosos Si comparamos esta obra con Santo Tomás deVillanueva podríamos pensar en las mismas palabras, pero las semejanzas van más allá. En éstael primer plano viene creado por una figura abajo a nuestra izquierda, el pobre que se cura lallaga y a continuación un escalón crea una plataforma para la acción del santo. La serenidad deambos, Santo Tomás y Santa Isabel, contrasta con el mundo de miseria que les rodea y ambosocupan el centro de la composición, mientras al fondo a la derecha crea profundidades medianteescenarios arquitectónicos muy iluminados. En esa zona del fondo representa aquí una escenade comida en el palacio de la reina santa, que recordaría una de las funciones que tenían loshermanos de la Santa Caridad, como era la de dar de comer a los pobres. La de curarles lasenfermedades, por muy desagradables que éstas fueran, es la que se representa en la escenaprincipal. El realismo con que está tratada fue señalado por Palomino, quien escribió que altiñoso al que está quitando el casquete de la cabeza sólo le faltaba gritar. Todo ello: contraste,

realismos, juegos de luces y sombras..., convertiría el mensaje de la obra en un verdaderoimpacto visual para el espectador, conmovido desde que entraba en la iglesia ante el camino desalvación que en ella se le mostraba, y que había de recorrer de la mano de la virtud de lacaridad.



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Titulo : Cristo sanando a un paralítico en la piscina de Betzata. 1667-70Museo: Galería NacionalCaracterísticas: Óleo sobre lienzo 237 x 261 cm.

Esta obra pertenece a la iglesia del Hospital de la Caridad. Es una de las mejores de laserie. Un paralítico, que lleva 38 años esperando que su enfermedad fuera curada por las

aguas de la piscina de Betzata es milagrosamente curado por Cristo. Los cinco pórticosque tenía esta piscina según el Evangelio de San Juan son imaginados por Murillo en unfragmento extraordinario de arquitectura clásica que sirve de escenario al milagro. Laperspectiva lineal se alía con la atmosférica para crear una gran cantidad de planos enprofundidad, alternando zonas de luz y de sombra. Murillo además vuelve a jugar conlos contrastes sin ningún recato, como había hecho en la escena de Santo Tomás deVillanueva dando limosna. Aquí es la figura de Cristo la que condensa toda la serenidaden su actitud, y esa impresión que produce de estar fuera del mundo se ve reforzada porel hecho de que todos los que le rodean muestran en sus actitudes y expresiones sunaturaleza humana, esclava de los sentimientos: gesto de atención en los acompañantesde Cristo, de esperanza pese a su desesperación de años en el paralítico...

The subject is from the New Testament (John 5). The pool of Bethesda in Jerusalemwas periodically visited by an angel, and whoever first stepped into the water after thisvisit would be cured of illness. Christ visited the pool and a sick man complained to himthat he was never able to get to the pool first. When Christ said to him, "Rise, take upthe bed, and walk", the man was miraculously cured.

The painting was made for the church belonging to the hospital of the Caridad (Charity)in Seville. The Caridad was a charitable brotherhood dedicated to helping the poor andsick of the city. Murillo was himself a member of the brotherhood.

Murillo painted six large pictures for the church representing six of the seven acts of

charity (the seventh is represented by a sculpture which remains in place on the highaltar). Two of the paintings are still in the church, while the other four, including thisone, are now in various museums. This picture represents the act of visiting the sick.



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Titulo: Moisés y el agua de la roca de Orbe 1667-1670.Museo: Hospital de la Caridad de Sevilla. Sevilla. España.Características: Óleo sobre lienzo. 335 x 550 cm.



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Titulo: Abraham y los ángeles 1667-1670.Museo: National Gallery of Art Ottawa Características: Óleo sobre lienzo. 236 x 261 cm.



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Titulo: Santo Tomás de Villanueva 1668Museo: Museo de Bellas Artes de SevillaCaracterísticas: Óleo sobre lienzo 283 x 188 cm.

Esta obra fue pintada por Murillo para la iglesia del convento de los Capuchinos deSevilla. Para impedir que el mariscal Soult se la llevara durante la Guerra de la

Independencia, los frailes, la trasladaron a Gibraltar, como hicieron con otras de lasobras de Murillo que poseían.El pintor se sentía orgulloso de ella y según Palomino la llamaba su lienzo. Sólo elcontraluz de la madre con el niño abajo a nuestra izquierda justificaría ese orgullo. Laluz que, desde lo alto, ilumina el espacio vacío que hay entre el grupo de la madre y elhijo y la mesa, ilumina parcialmente a las figuras, parte de los hombres de la madre, lacara del niño y su mano con las monedas...., convirtiéndolas en algo tan corpóreo, quecasi parece que se pueden tocar. En esta obra, planos diagonales sucesivos de luces ysombras crean la profundidad espacial, pero las figuras forman diagonales. Secorresponderían compositivamente con el grupo de la madre y el niño con el de losmendigos del fondo a la derecha, y esta diagonal se cruzaría con la que inicia el pobre alque da limosna el santo y que acaba en el libro abierto sobre la mesa, siendo el centro de

todo el gesto de Santo Tomás dando la limosna. Ese es el mensaje, que la caridad y nolas glorias terrenales es lo que hace al hombre santo y merecedor de la salvación.La arquitectura desempeña una función importante en la composición, pues laverticalidad de la figura del santo halla su correspondencia en ella, y transmite con susforma clasicistas la sensación de orden y serenidad que podemos esperar de la acciónque se desarrolla en el lienzo. Murillo mezcla aquí, como en tantas de sus obras, susextraordinarias dotes de observación de la vida de la calle, a través de los pobresrepresentados con un realismo que no oculta detalles que pudieran parecerdesagradables, como la calva del niño o el gesto de la vieja, con el sentido trascendenteque requiere una escena religiosa. El santo es el eje de la historia, pero la pobreza dejade ser una anécdota para convertirse en una reflexión sobre la condición humana.



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Titulo: San Francisco 1668-1669Museo: Museo Provincial de Bellas Artes. SevillaCaracterísticas: Óleo sobre lienzo 283 x 188 cm

San Francisco abrazando a Cristo en la Cruz Esta pintura procede del convento delos Capuchinos. En ella se nos muestra cómo el amor al Crucificado es correspondido,

puesto que desclava una de sus manos de la cruz para abrazar a San Francisco. Este harenunciado a todos sus bienes terrenales, tal como nos cuenta la inscripción latina queaparece en el libro que sostiene los ángeles Qui non renuntiat omnibus qui possidet, non

potest meus esse disciipulus, LucXIII

Es una de las mejores imágenes de devoción porque la austeridad con que la trata, quese muestra tanto en la gama de colores empleada como en los pocos peroimprescindibles elementos simbólicos que aparecen, lo que hace es destacar los gestosde ambos personajes fundidos en el abrazo.Al fondo, la ciudad que más que una Jerusalén fuerte y torreada tal como se larepresentaba tradicionalmente, podría hacernos imaginar los arrabales de la mismaciudad de Sevilla: de pobre construcción, pero con algún edificio religioso entre esasformas urbanas que casi hay que adivinar. En este fondo, Murillo, una vez más hapintado las formas en función de la distancia, pues sólo desde ésta se perciben losvolúmenes, perdiéndose sus contornos si tratamos de verla de cerca. - Alicia Cámara



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Titulo: Adoración de los Pastores 1668.Caract.: Óleo sobre lienzo. 283 x 188 cm.Museo: Museo de Bellas Artes de Sevilla. Sevilla. España



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Titulo: Ecce homo 1668-1670.Caract.: Óleo sobre lienzo. 52 x 41 cm.Museo: Museo del Prado. Madrid. España



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Titulo:La Sagrada Familia 1668-1670.Caract.: Óleo sobre lienzo. 100 x 67 cm.Museo: Colección Devonshire. Chatsworth. Inglaterra



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Titulo: Autorretrato, 1670 h.Museo: National Gallery (Londres)


Hacia 1670 los hijos de Murillo le encargan la realización de este autorretrato que

contemplamos, tal y como aparece en la inscripción en latín. Para su ejecución, elmaestro toma como base los tipos de los retratos flamencos y holandeses empleadosdesde finales del siglo XVI. No debemos olvidar la importante colonia de comerciantesflamencos que estaba afincada en Sevilla con la que el artista tendría una buenarelación. El pintor aparece enmarcado en un óvalo decorado con molduras, mientras quesobre la mesa que sujeta el fingido marco encontramos elementos alusivos a suprofesión: la paleta y los pinceles en la derecha y un dibujo con el lápiz, el compás y laregla en la izquierda. El modelo saca la mano del óvalo y la apoya en el marco, paracrear una mayor sensación de perspectiva y acentuar el naturalismo que caracteriza atodo el conjunto. El centro de la imagen es, sin duda, el rostro de Murillo, captado contoda su profundidad psicológica, resaltando sus facciones agradables y su miradaserena. La intensidad de las luces en algunas partes y el fondo en penumbra refuerza la

potencia del retrato, demostrando la calidad de Murillo para esta temática que no tocóen demasía. En 1682 el cuadro fue grabado en Amberes a instancias de don Nicolás deOmazur por lo que sería una obra admirada por buena parte de los pintores europeos.



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Titulo: Caballero de golilla 1670.Museo: Museo del Prado. Madrid. España.Características: Óleo sobre lienzo. 198 x 127 cm.



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Titulo: La Virgen y el niño con Santa Rosalía de Palermo 1670.Museo: Museo Thyssen-BornemiszaCaracterísticas: Óleo sobre lienzo. 190 x 147 cm.



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Titulo: Santo Tomás 1670Museo: Museo de Arte de Cincinnati Arts MuseumCaracterísticas: Óleo sobre lienzo 219 x 148,5 cm.

Santo Tomás de Villanueva repartiendo su ropa



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Titulo: La caridad de Santo Tomás de Villanueva 1670.Museo: Colección Wallace. Londres. InglaterraCaracterísticas: Óleo sobre lienzo. 150 x 152 cm.



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Titulo: Josua van Belle 1670Museo: Galería Nacional de IrlandaCaracterísticas: Óleo sobre lienzo

Este retrato está lleno de color, siguiendo el tipo de retrato habitual en los Países Bajos.

Se adaptaba así Murillo, como la había hecho con otros de sus retratos, a la personalidaddel retratado. Este era un comerciante holandés que había sido burgomaestre deRótterdam y se había asentado en Sevilla desde 1663. Tiene el retrato un acusadosentido profano: no hay cruces de órdenes militares, perros alusivos a la fidelidad o alnoble ejercicio de la caza, sillones de autoridad...., simplemente una rica cortina rojasobre la que destaca la cabeza del retratado y el borde de una balaustrada delimitan elrico espacio en que habita el personaje, y es esa prosperidad material de un triunfadorseguro de sí mismo la que transmite el retrato.



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Titulo: Niño Jesús dormido 1670Museo: Sheffield City Art GalleryCaracterísticas : Óleo sobre lienzo

El elemento dela calavera es utilizado como símbolo de la muerte sobre la que triunfarácon su resurrección. El Niño se apoya sobre la cruz y sigue un modelo de éxito en la

pintura europea del siglo XVI. Debió ser un tipo de imagen muy solicitado en Sevilla enesta época, pues Murillo lo representó en varias ocasiones, sobre todo al final de suvida. Debió ser un tipo de



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Titulo: La Inmaculada Concepción 1670.Museo: Galería de Arte Walters de Baltimore. Maryland. USACaracterísticas: Óleo sobre lienzo.



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Titulo: Invitación al juego de pelota a pala, 1670 h.Museo: Dulwich Picture GalleryCaracterísticas: Óleo sobre lienzo 160 x 104 cm.

En la producción de Murillo ocupan un lugar destacado las escenas popularesprotagonizadas por niños mendigos. Desconocemos qué tipo de clientela encargabaestos trabajos pero se especula con la posibilidad de que se trate de algún miembro de lacolonia flamenca que vivía en Sevilla, debido a la similitud de temas que aparecen en lapintura barroca flamenca y holandesa de este tiempo. Angulo ha interpretado esteasunto como una conversación entre niños, uno de ellos que está realizando un recadopara sus padres y un pícaro que le anima a jugar a pelota a pala, apareciendo losinstrumentos del juego junto a él. El perrito actúa como elemento de unión entre ambospersonajes, mirando atentamente el mendrugo de pan que el niño de pie esta comiendo.Podría tratarse de una escena de carácter moralizante -al igual que había hechoCaravaggio- protagonizada por niños. Los niños están al aire libre, ante un edificio en suizquierda mientras que la zona de la derecha se completa con un cielo nublado. Una vezmás Murillo ha puesto toda su maestría en captar las expresiones de los pequeños,

siendo la sonrisa picarona de uno y el pensativo gesto del otro los verdaderos puntos deatracción de la composición. Forma pareja con los Tres muchachos.



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Titulo: Joven y su dueña, 1670 h.Museo: National Gallery de Washington Características: Óleo sobre lienzo 127,7 x 106,1 cm.

Murillo representa un profundo cambio en el gusto de los clientes del arte en la Españadel siglo XVII. Tras la severidad de naturalistas como Zurbarán, Maíno, el jovenVelázquez, etc., Murillo proporciona imágenes bellas, iluminadas con suaves tonosdorados y rostros gentiles. Es el caso de esta pintura, realizada con frescura eingenuidad. Muestra un tema muy explotado en la pintura española, como es el de lamaja asomada a la ventana y acompañada de una mujer mayor. En el caso de Goyaserán con frecuencia Celestinas exhibiendo a sus pupilas. En el caso de Murillo, la jovenparece una muchacha del pueblo, con grandes ojos llenos de confianza y alegría. Ladueña parece divertida por lo que ve en la calle y se tapa el rostro para ocultar la risa. Lacomposición del lienzo es muy acertada: se basa en un ángulo recto acodado en laesquina inferior izquierda del marco. El ángulo está subrayado arquitectónicamente porel alféizar y la contraventana de madera, y así como por los personajes, con la jovencitaapoyada y la dueña que se asoma. De este modo, gran parte del cuadro queda

absolutamente vacío y la mirada del espectador se ve atrapada por las dos simpáticasfiguras femeninas, que destacan contra un fondo oscuro sin iluminación ni referenciasespaciales.



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Titulo: Muchacha con flores, 1670 h.Museo: Dulwich Picture GalleryCaracterísticas: Óleo sobre lienzo 119 x 96 cm.

Si la mayoría de las escenas populares pintadas por Murillo están protagonizadas porniños -véase la Invitación al juego de pelota a pala o Tres muchachos- en algunas

ocasiones también emplea como modelos a muchachas, como en esta ocasión,tratándose de una de las imágenes costumbristas más atractivas de la producción delsevillano. Angulo ha querido ver en esta imagen una alusión a lo efímero de la belleza yla juventud, que vendría subrayado por las rosas marchitas y deshojadas que aparecenen el manto de la joven. De esta manera, la "vanitas" barroca subyace en este lienzo,siguiendo Murillo la estela de las obras pintadas por Caravaggio. La muchacha apareceal aire libre, dirigiendo su risueño gesto al espectador y sentada sobre un pequeño muroque tiene su continuación arquitectónica en el pilar que aparece a su espalda. Viste demanera sencilla pero elegante, coronando su cabeza con un gracioso tocado. La figuraes iluminada por un potente foco de luz que resbala por las telas, realzando lavolumetría del personaje y acentuando el contraste con el fondo en penumbra. Esa luztambién realza el colorido alegre empleado, obteniendo como resultado una obra de

gran atractivo que ha sido copiada en numerosas ocasiones.

Esta obra parece presentarnos ante el sentido trascendente de la vida. El tema delas flores, lo efímero de la belleza e incluso de la vida. Independientemente de esosposibles significados, es la belleza y la vida lo que estalla en el cuadro desde el quenos mira la joven. Nadie queda inmune ante esta imagen, aunque el mensaje finalpueda ser que todo ello acaba. Antes de marchitarse se mostró en todo suesplendor



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Titulo: Niños comiendo pastel, 1670-75Museo: Alte Pinakothek


Mientras que las primeras imágenes infantiles están caracterizadas por la melancolía y

el pesimismo -como puede apreciarse en el Niño espulgándose- las imágenes de ladécada de 1660 gozan de vitalidad y alegría de la manera que se muestra en estos Niñoscomiendo pastel, también denominados Niños comiendo de una tartera. La glotoneríacaracteriza buen parte de estas imágenes -véase Niños comiendo melón y uvas-realizadas al aire libre y bañadas por una elegante luminosidad que acentúa el aspectoatmosférico de la composición. Una vez más Murillo vuelve a destacar como pintor degestos y actitudes, centrándose aquí en la alegría sonriente del pequeño que mira comosu compañero se lleva el pastel a la boca, acción que también contempla el perrillo queles acompaña. El naturalismo que define toda la composición se manifiesta con mayorfuerza en el cesto de frutas y el pan que aparecen en primer plano, una muestra más decómo los pequeños consiguen sus alimentos a pesar de sus ropajes raídos y sus piesdescalzos. El seguro dibujo es superado por la rápida y vivaz pincelada, empleando unas

tonalidades cálidas que refuerzan el aspecto jovial de la escena. La composición estáorganizada a través de diagonales paralelas que otorgan el aspecto barroco al conjunto.



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Titulo: Niños de la Concha, 1670Museo: Museo del PradoCaracterísticas: Óleo sobre lienzo 104 x 124 cm

Murillo es uno de los mejores pintores de niños de la pintura española. Pero hay que

hacer una clara diferenciación entre los niños de la calle, realizados con el mayorrealismo posible, y los niños "divinos" como éstos de la escena que observamos,ejecutados con un elevado grado de idealización, aunque no por ello exentos de gracia yternura. La intensa devoción existente en el Barroco por el Niño Jesús y San Juanitomotivó un importante número de obras protagonizadas por ambos personajes. Murillonos presenta a los niños a orillas del río Jordán, eligiendo el instante en el que el NiñoJesús ofrece la concha a su primo. En primer plano, un corderito - símbolo de Cristo -contempla la escena, mientras que la parte superior presenta un Rompimiento de Gloriacon tres ángeles muy difuminados. La composición está inscrita en un triángulo, siendola cabeza de Jesús el vértice superior. Los contrastes de luces y sombras sonsorprendentes y otorgan una especie de bruma a la escena, bruma conocida como"efecto vaporoso" que caracterizará las últimas obras del pintor. La combinación de

idealismo y realismo también es significativa; su pincelada se hace más suelta, aunqueel colorido es similar, con predominio de gamas oscuras.



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Titulo: Tres muchachos, 1670 h.Museo: Dulwich Picture GalleryCaracterísticas: Óleo sobre lienzo 159 x 104 cm.

Murillo tuvo un esclavo negro llamado Juan que había nacido en 1657. Puede tratarsedel modelo empleado para esta composición, también titulada en algunas ocasiones El

pobre negro. Al igual que su compañero Invitación al juego de pelota a pala, el maestrosevillano realiza una nueva demostración de cómo captar las reacciones psicológicas delos niños. La escena tiene lugar al aire libre donde dos niños están dispuestos a iniciarsu merienda cuando aparece un tercero que porta un cántaro, demandando un trozo de latarta que están a punto de comer. El que tiene la tarta en sus manos la retirada delcampo de acción del muchacho negro mientras que el otro dirige su mirada alespectador y sonríe abiertamente. El pequeño negro muestra un gesto amable en sudemanda. Un triángulo organiza la composición, ocupando la cabeza del niño negro elvértice, creando un juego de luces y sombras con el que refuerza la sensaciónatmosférica, de la misma manera que hizo Velázquez en Las Meninas. Las tonalidadespardas y terrosas contrastando con claras son habituales de esta época caracterizada porel aspecto naturalista de las composiciones, especialmente las populares.



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Titulo: Visión de San Francisco en la Porciúncula, 1670 h.Museo: Museo del PradoCaracterísticas: Óleo sobre lienzo 206 x 146 cm.

Esta obra repite el tema pintado por Murillo algunos años atrás en la decoración del

Convento de los Capuchinos de Sevilla. El pintor sevillano desarrolló una de sus obrasmás aparatosas y barrocas. La composición se divide en dos zonas: cielo y tierra,contrastando tanto por sus efectos cromáticos como lumínicos. Mientras que en la zonainferior aparece san Francisco arrodillado, vistiendo su hábito terroso y con los brazosabiertos, sumido en la penumbra que apenas deja ver la arquitectura de la capilla de laPorciúncula, en la zona superior se manifiestan intensos resplandores dorados. Losángeles rodean las figuras de Cristo y la Virgen. Cristo se muestra en actitud triunfante,sosteniendo la cruz con su brazo izquierdo y cubriendo parte de su esbelto cuerpo conuna túnica roja que ondea al aire tras su espalda. La Virgen dirige su mirada al Hijo yviste la característica túnica roja y el manto azul. La composición está formada por lacaracterística aspa barroca, organizada por dos diagonales que se cruzan. La sensaciónatmosférica dota a la escena de mayor espiritualidad y armonía, invitando a la oración.



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Titulo: La Asunción de la Virgen 1670.Museo: Museo del Hermitage. San Petersburgo. RusiaCaracterísticas: Óleo sobre lienzo. 195,6 x 145 cm.



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Titulo: Virgen y Niño 1670.Museo: Gemäldegalerie de Dresde. Dresde. AlemaniaCaracterísticas: Óleo sobre lienzo.166 x 115 cm.



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Titulo: Retrato de un noble 1670Museo: National Gallery of CanadaCaracterísticas.: Óleo sobre lienzo 88.5 x 62.5 cm



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Titulo: Las Bodas de Caná 1670-75 Museo: Instituto BarberCaracterísticas: Óleo sobre lienzo



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Titulo: La sagrada Familia 1670-75Museo: The Trustees of the Chatsworth SettlementCaracterísticas: Óleo sobre lienzo



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Titulo: Joven frutera 1670-1675.Museo: Alte Pinakothek. Munich. AlemaniaCaracterísticas: Óleo sobre lienzo. 145,5 x 113 cm.



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Titulo: St Joseph Leading the Christ Child Between 1670 and 1675 Museo:Características.: Óleo sobre lienzo. 73x52 cm



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Titulo: Niño campesino inclinado sobre el alféizar (1670-80)Museo: National Gallery (Londres)Características: Óleo sobre lienzo



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Título:La visión de San Antonio de Padua 1670-1680. Museo:Características: Oil on canvas. 250x167 cm.



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Titulo: Nicolás de Omazur, 1672 h. Museo: Museo del Prado


La especialidad de Murillo no era el retrato, aunque sí realizó algunos como éste de DonNicolás de Omazur, gran amigo del pintor, natural de Amberes, importante comerciante

de sedas y muy aficionado a la poesía, llegando a componer algunos versos. Formabapareja con el retrato de su esposa, Isabel de Malcampo, actualmente perdido. Murillosigue la tradición flamenca y holandesa de los retratos dobles insertos en un óvalo. DonNicolás porta en sus manos una calavera, símbolo de la muerte y resurrección y de lavanidad de las cosas. El pintor se ha centrado en la personalidad del modelo, iluminandoel rostro para llamar la atención sobre él. La sobriedad cromática recuerda los retratosde Van Dyck.



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Titulo: San Juanito y el Cordero, 1672Museo: National Gallery (Londres)Características: Óleo sobre lienzo 164 x 106 cm.

Los expertos piensan que esta obra podría haber formado parte de la decoración del altarque se levantó en la plaza de Santa María la Blanca. Sería propiedad de don Justino deNeve, el canónigo de la catedral sevillana promotor del encargo, y haría pareja con elBuen Pastor que hoy guarda la Colección Lane de Londres. Los dos cuadros decoraronel altar erigido en la Plaza de Santa María la Blanca en Sevilla durante las fiestas por lainauguración de la iglesia en 1665, y fueron pintados ligeramente antes. San Juanitodirige su mirada hacia el espectador con una seductora sonrisa, abrazando al Corderomientras señala al Cielo con un dedo de la mano izquierda. La figura se sitúa al airelibre, ante un fondo de paisaje donde abundan las nubes, creando un juego de luces ysombras que recuerda la etapa tenebrista -véase la Magdalena penitente-. El estudioanatómico de la figura infantil está realizado perfectamente, consiguiendo unasensacional volumetría al igual que en el Cordero. La delicadez y actitud del pequeñopreludian el estilo del siglo XVIII.

Inscripción: Ecce agnus Dei (Contemplar al cordero de Dios). La inscripción estatomada del Nuevo Testamento (Juan 1: 29 y 36).



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Titulo: Virgen con niño 1672.Museo: The Metropolitan Museum of Art. New York. USACaracterísticas: Óleo sobre lienzo.



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Titulo : Dos Trinidades 1675-82Museo: National Gallery (Londres)Características:



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Título: Crucifixion 1675-1682Museo:Características: Oil on canvas. 98.4x60.2 cm



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Titulo: Inmaculada de Soult, o de los Venerables 1678Museo: Museo del PradoCaracterísticas: Óleo sobre lienzo 274 x 190 cm

Difícilmente podemos encontrar en la historia de la pintura universal imágenes máspopulares y reproducidas que las Inmaculadas de Murillo. El fervor mariano existente

en España motivó la realización de un gran número de Inmaculadas, destacandotambién las de Zurbarán, Ribera o el propio Velázquez. Pero será Murillo, con esagracia especial que tienen sus Vírgenes, quien las inmortalice. La conocida comoInmaculada Concepción de Soult debe su nombre a que fue robada por el mariscal Soultdurante la Guerra de la Independencia y se la quedó en propiedad. Llegó a Madrid en1940 gracias a un concierto con el Estado francés. Fue encargada por Don Justino deNeve, canónigo de la catedral de Sevilla, para la iglesia del Hospital de los VenerablesSacerdotes de dicha ciudad, por lo que también se la conoce como la Inmaculada de losVenerables. María viste túnica blanca, símbolo de pureza, y manto azul, símbolo deeternidad, lleva sus manos al pecho y eleva la mirada al cielo. La belleza idealizada desu joven rostro es lo que más llama la atención del espectador. El estatismo de la figurade la Inmaculada contrasta con el movimiento de los querubines que le sirven de peana,

en posiciones totalmente escorzadas. La composición se inscribe en un triángulo, cuyovértice superior es la cabeza de la Virgen; incluso para intensificar ese efecto triangularha ensanchado la figura de María en su zona baja. La luz dorada que ilumina la escenaprovoca un marcado efecto atmosférico que diluye los contornos, creando a su vez unfuerte claroscuro que provoca mayor dinamismo, haciendo de ésta la más barroca de susInmaculadas.



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Titulo: El niño Jesús repartiendo pan a los peregrinos 1678.Museo: Museo de Bellas Artes de Budapest. Hungria.Características: Óleo sobre lienzo. 219 x 182 cm.



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Titulo: Martirio de San Andrés, 1680Museo: Museo del Prado


Murillo no representa habitualmente este tipo de asuntos religiosos, siendo elespecialista en martirios el valenciano Ribera, pero en alguna ocasión lo hizo, al tenerse

que someter a las exigencias del encargo. En el Martirio de San Andrés, Murillo vaperdiendo el estilo tenebrista que definía su primera etapa para pasar a fórmulas muchomás coloristas, en las que las influencias de Rubens o Ribera son palpables. Rubens leinfluirá en la composición, mientras que de Ribera asimila el colorido y el efectoatmosférico que se puede apreciar en el Martirio de San Felipe, también en el Museo delPrado. La cruz en aspa de San Andrés domina la composición, iluminada por un fuertehaz de luz amarillenta procedente del cielo, en el que se vislumbran unos querubines. Aambos lados del santo nos encontramos con grupos de figuras, destacando al efectonaturalista de las mujeres de la izquierda y el escorzo de los caballos en la derecha, así como el hombre de espaldas con el perro. El fondo está muy difuminado, aunque seobservan varias arquitecturas clásicas inspiradas en Veronés. Toda la escena se diluyepor efecto de la atmósfera dentro del "estilo vaporoso" que caracteriza los últimos años

del artista, en los que también destaca la pincelada suelta.



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Titulo: La Presentación de la Virgen en el Templo 1680.Museo: Colección PrivadaCaracterísticas: Óleo sobre lienzo. 155 x 208 cm.



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Titulo: Paisaje 1680Museo: Museo del Prado. Madrid. EspañaCaracterísticas: Óleo sobreLienzo. 194 x 130 cm.



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Titulo: Desposorios misticos de Santa Catalina1682.Museo: Museo de Bellas Artes de Cádiz. Cádiz. EspañaCaracterísticas: Óleo sobre lienzo 440 x 315 cm.



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Título: Inmaculada ConcepciónMuseo: Great Gatsby's. Atlanta. Georgia. USA.Características: Óleo sobre lienzo. 96 x 71 cm



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Título: José con la mujer de PutifarMuseo: Whitfield Fine Art. Londres. Inglaterra.Características: Óleo sobre lienzo. 62,90 x 83,80 cm.



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Título: La ConcepciónMuseo: Museo del Prado. Madrid. España.Características: Lienzo. 91 x 70 cm.



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Título: La conversión de San PabloMuseo: Museo del Prado. Madrid. España.Características: Lienzo. 125 x 169 cm



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Título: La MagdalenaMuseo: Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.Madrid. España.Características:



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Título: Los esponsales de la VirgenMuseo: Colección Wallace. Londres. Inglaterra.Características: Óleo sobre lienzo de 76 x 56 cm.



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Título: Sagrada FamiliaMuseo: Artrageous Gallery. New York. USA.Características: Óleo sobre lienzo.



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Título: Sagrada Familia con San Juan niñoMuseo: Colección Wallace. Londres. InglaterraCaracterísticas: Óleo sobre lienzo. 169 x 130 cm.



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Título: San Agustín entre Cristo y la VirgenMuseo: Museo del Prado. Madrid. España.Características: Óleo sobre lienzo de 274 x 195 cm.



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Título: San FernandoMuseo: Museo del Prado. Madrid. España.Características: Óleo sobre lienzo de 56 x 38 cm.



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Título: San JerónimoMuseo: Museo del Prado. Madrid. EspañaCaracterísticas: Óleo sobre lienzo. 187 x 133 cm.



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Título: Santo Tomás de Villanueva dando limosnaMuseo: Alte Pinakothek. Munich. AlemaniaÓleo sobre lienzo.



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Título: Virgen con niñoMuseo:Características: Óleo sobre tela. 43 x 35 cm.



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Título: Niño sonriendoMuseo: Colección Abelló. Madrid. España



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Titulo : Joven bebiendoMuseo: National Gallery (Londres)Características: Óleo sobre lienzo 62.8 x 47.9 cm.

Puede ser una copia de un original perdido de Murillo, o una imitación quizás de unpintor francés de la primera mitad del siglo XVIII.



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Titulo: Ángel con linterna y espadaMuseo. Museo del LouvreCaracterísticas: Dibujo



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Titulo: Ascensión de la VirgenMuseo: Kunsthalle KupferstichkabinettCaracterísticas: Dibujo



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Título: PaisajeMuseo: Museo del Prado. Madrid. España.Características: Óleo sobre lienzo. 95 x 123 cm.



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Título: about 1670Museo:Características: Oil on canvas 74 x 57 1 / 2 in.



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Título: .... hacia 1650Museo:Características: Óleo sobre lienzo 70 x 51cm.



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Título: ... 1660-70Museo:Características: Panel de Mahogany de 76 x 56 x 3 cm.

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