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año 15 número 155 octubre 2O13

v o l u n t a r i o s

CONTENIDO

DISEÑO PORTADA

Sarahí Lara

PORTADA

DAVID ALFARO SIQUEIROSThe Revolutions Gives Back Culture, 1958 Piroxilina sobre tela sobre triplay 200 x 200 cm Acervo Museo de Arte Moderno, INBA/CONACULTA

COORDINACIÓN DE EDICIÓN

Margarita RodríguezEdna Catalina Cano

CORRECCIÓN DE ESTILO

Edna Catalina Cano

PRESIDENTA DEL CONSEJO DE DIRECTORES DEL MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO

Nina Zambrano

GERENCIA DE EDUCACIÓN

Indira Sánchez

DISEÑOSarahí LaraLuis Carlos LópezLuis Frías Vanessa Cantú

OCTUBRE 2O13

CONSEJO EDITORIAL

Edna Catalina CanoMargarita RodríguezSarahí LaraLuis Carlos LópezLuis Frías Vanessa Cantú

Contacto: [email protected]

En marco Voluntarios Es una publicación bimestral del Comité deComunicación de Voluntarios del Museo de

Arte Contemporáneo de Monterrey.Registro de reserva en trámite.

Los artículos son responsabilidad de los autores.

COORDINACIÓN DE VOLUNTARIOS

Aleyda Viornery

La Colección del Museo de Arte ModernoUn siglo de crítica

HOY EN MARCO 1

ENTREVISTA A 10

Mauricio Limón

HABLEMOS DE 16

Danza / Carlos Mérida

INFORMARCO 19

ESPECIAL 25

EnMARCO Voluntarios ¡Inicia el año 15!

COLABORACIÓN 33

JAZZ: Una mirada a nuestra escena

ENTRE VOLUNTARIOS 37

HOY EN MARCO ENTREVISTA ENTRE VOLUNTARIOSHABLAMOS DE INFORMARCO ESPECIAL COLABORACIÓN

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P o r M a r g a r i t a R o d r í g u e z

Salas de la exposición Un siglo de crítica en marco

Desde que abrió sus puertas al público, el 28 de junio de 1991, el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey ha cumplido con creces uno de sus propósitos primordiales: presentar en sus salas d i f e r e n t e s a s p e c t o s d e l a r t e contemporáneo y sus antecedentes, con especial énfasis en el arte latinoamericano y en especial el que se ha consolidado y sigue desarrollándose en nuestro país. Así, se han presentado un gran número de exposiciones, colectivas e individuales, referentes a diferentes periodos, técnicas y temáticas de artistas mexicanos, como ejemplo tenemos las muestras: México: Esplendores de 30 siglos (1992); Manuel Álvarez Bravo (1998); Diego Rivera. Epopeya mural (2008); y Siglo XX: Grandes Maestros Mexicanos, magna muestra presentada en 4 módulos a lo largo de los años 2001, 2002 y 2003.

Es por ese motivo, que el público de conoce la obra y trayectoria de

varios de los artistas que se presentan en La Colección del Museo de Arte Moderno: Un siglo de crítica, muestra que, partir del 11 de octubre, se presenta en las Salas 6 a la 11 de la Planta Alta, en la que se aborda la producción artística en México durante el siglo XX y principios de XXI, desde la postura crítica de sus creadores hacia la problemática social y política, y la violencia ya sea institucional, del Estado o entre sectores de la sociedad.

marco

A través de 54 obras que pertenecen a la Colección del Museo de Arte Moderno de la ciudad de México, la muestra presenta las distintas etapas del devenir histórico del país a las que aluden los 41 artistas que la conforman. Los artistas, como testigos del entorno y la época que les ha tocado vivir,

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ENTREVISTA ENTRE VOLUNTARIOSHABLAMOS DE INFORMARCO ESPECIAL COLABORACIÓN

r e f l e j a n e n s u s c r e a c i o n e s l a s problemáticas de ese periodo y en muchas ocasiones, dada su gran sensibilidad, inclusive se adelantan y muestran, de alguna manera, los acontecimientos futuros.

En general los artistas, además de ser multidisciplinarios, abordan muy diversos temas y no se limitan a la crítica. Esto lo vemos muy claramente por ejemplo, en el caso de los muralistas, artistas que, en su mayoría, con estudios y experiencia previa en Europa y Estados Unidos, regresan a México en las postrimerías de la Revolución y son comisionados por el gobierno para crear grandes murales didácticos, históricos, y de estimulación para llegar a la consolidación de un país dividido por las luchas internas, con la

finalidad de lograr una identidad nacional basada en la idealización de los diversos estratos de la sociedad, sobre todo los indígenas, los obreros, los campesinos y los estudiantes. Por supuesto que varios de esos murales incluyen también una crítica al capitalismo y a las condiciones de vida de esos mismos grupos; sin embargo, es en la obra de caballete donde el artista puede realmente plasmar su visión crítica con mayor libertad y, asimismo, abordar otros temas y estilos, tales como retratos, autorretratos, escenas de la vida cotidiana, fiestas populares, etcétera, como podemos encontrar al revisar la trayectoria, por ejemplo, de Diego Rivera y de David Alfaro Siqueiros, autor éste ú l t i m o d e n u m e r o s o s r e t r a t o s , autorretratos y obras con íconos y simbolismos religiosos, entre ellas su

famoso , 1968, busto de un Cristo agonizante, sin corona de espinas ni cruz, triste y al parecer resignado a morir, y el bellísimo cuadro (1935), considerado por muchos autores una de las más hermosas obras del arte mexicano. Comentarios similares se pueden emitir sobre la obra del gran fotógrafo mexicano Manuel Álvarez Bravo y sobre la trayectoria de Rafael Coronel y de Raúl Anguiano, entre otros.

Sin embargo, como su nombre lo indica, la presente exposición se centra en obras del arte moderno y contemporáneo de la Colección del Museo de Arte Moderno en las que el artista se cuestiona y nos llama la atención sobre diversos problemas s o c i a l e s , e nt re e l l o s d e m a n e ra

El que Crea en Cristo que lo Pinte

María Asúnsolo bajando la escalera

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Juan O'Gorman La ciudad de México , 1949 Temple sobre masonite 66 x 122 cm Acervo Museo de Arte Moderno, INBA/CONACULTA


fundamental sobre la violencia física y/o psicológica ejercida tanto en las guerras y revoluciones, como la realizada, de manera abierta o disimulada, por individuos con poder derivado de su pertenencia a instituciones religiosas, del Estado, empresariales o educativas, por la delincuencia y el narcotráfico. En algunas obras se hace una denuncia del crecimiento urbano desmedido y sin regulación, y en otras se alude a la pobre respuesta de las autoridades a desastres naturales, como el temblor de 1985 en la Ciudad de México. Algunas obras tocan temas como la discriminación, la violación a los derechos humanos y la violencia ejercida de diferentes maneras en contra de la infancia. Si bien estos problemas se abordan a partir de las condiciones que se han presentado –y desafortunadamente se

siguen presentando- en México, no son ajenas, en diversas medidas, al resto de los países, por lo que en realidad son un reflejo de eventos comunes a nivel global, a los que se pueden agregar nuevos flagelos, como el terrorismo, por mencionar uno de los más importantes.

La muestra, organizada por el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, bajo la curaduría de Daniel Garza Usabiaga, llega a después de su exhibición en ese mismo museo desde septiembre de 2012 hasta mediados del año en curso, presenta pintura, escultura, fotografía y arte objeto. La museografía estuvo a cargo del Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey. El 10 de octubre, durante la inauguración exclusiva para miembros del Museo, el Maestro Rodrigo Ledesma dictó

marco

una interesante conferencia. La exposición se acompaña de un folleto editado por el museo ya mencionado, y en torno a ella se tienen programadas en diversas actividades en los programas para niños y adultos, además de charlas y películas relacionadas con el tema de la exposición, la cual permanecerá en el Museo hasta el 9 de febrero de 2014.

La muestra, presentada en forma cronológica -no estricta- permite hacer un recorrido por las diferentes etapas históricas del país y por ende por las diferentes problemáticas abordadas por los artistas de acuerdo al periodo que les ha tocado vivir, aunque podemos constatar que, desafortunadamente, después de un siglo, persisten muchas de las condiciones de violencia, pobreza, injusticia y dificultad de gran parte de la población para acceder a la educación y mejores condiciones de vida. Al mismo tiempo, al margen de las temáticas, podemos disfrutar de los diferentes estilos y técnicas de los artistas, algunos de ellos considerados entre los más importantes de nuestro país.

Varias de las obras presentan sus temas a p a r t i r d e r e p r e s e n t a c i o n e s arquitectónicas, tal es el caso de la obra del arquitecto, pintor y escritor Juan O'Gorman, La Ciudad de México, 1949, la cual obtuvo el primer lugar en el concurso La Ciudad de México interpretada por sus pintores, organizado en 1949 por el periódico Excélsior con apoyo de la Galería de Arte Mexicano, de Inés Amor. Esta obra, en la que el espectador toma el lugar del personaje que tiene en sus manos el mapa de la plaza de la Ciudad de México atribuido a Alonso de Santa Cruz (1540),

marco

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Mardonio Magaña La cieguita, s/f Talla en madera 43 x 16 x 19 cmAcervo Museo de Arte Moderno, INBA/CONACULTA


muestra, como lo indica la cenefa, el paisaje urbano visto desde lo alto del Monumento a la Revolución. A pesar de que se le consideró un testimonio del progreso, en realidad encierra varias críticas: llama la atención sobre la figura del personaje que, migrando del campo a la ciudad, proporciona mano de obra barata para levantar los edificios modernos; asimismo proyecta una crítica a la arquitectura de grandes edificios c u b i e r t o s d e c r i s t a l , d e e s t i l o internacional, que impiden disfrutar del paisaje natural, a diferencia de las construcciones prehispánicas. En la parte

superior de la pintura se encuentran el símbolo de Quetzalcóatl, un águila y dos figuras femeninas, una blanca y la otra morena, sosteniendo una cenefa tricolor, símbolos éstos de los orígenes del pueblo mexicano. Esta crítica fue compartida, entre otros, por Diego Rivera, y posteriormente por el gran arquitecto mexicano Luis Barragán.

José Chávez Morado, pintor, escultor y caricaturista, es otro artista que expresó sus ideas por medio de la arquitectura en varias de sus obras, como en Tzompantli, 1961, óleo sobre tela en el que muestra el

sincretismo cultural al representar un e d i f i c i o m o d e r n o a l l a d o d e u n “tzompantli” -soporte en el que se conservaban y exhibían los cráneos de los cautivos sacrificados en honor de las deidades, en las antiguas culturas mesoamericanas- llevado a la escala del edificio. Es también una visión crítica a la migración del campo a las ciudades, ocasionando un crecimiento urbano caótico y numerosos problemas sociales.

Festival histérico en honor a los niños prodigio de Afganistán, 1968, de Pedro Friedeberg, premio de adquisición de la Exposición Solar organizada en 1968 por el Instituto Nacional de Bellas Artes, representa un edificio barroco imaginario, recargado de símbolos que, de manera irónica -acentuada por el título de la obra- se opone a las corrientes arquitectónicas de moda en esa época, en las que se evitaba cualquier ornamentación.

Personajes de pastorela, 1959, también de Chávez Morado, es una obra que, como otras que se encuentran en la exposición, hace referencia al deseo de recuperar las tradic iones, la cultura y e l ar te precolombinos. En este mismo tenor se encuentran The Revolutions Gives Back Culture, 1958, de David Alfaro Siqueiros, obra en la que una mujer de apariencia indígena se abraza a la cabeza de un ídolo prehispánico; y La cieguita, s/f, talla en madera de Mardonio Magaña, artista guanajuatense que en el periodo post-revolucionario emigró a la Ciudad de México, en donde, ya con más de 50 años de edad, trabajando como conserje en la Escuela al Aire Libre de Pintura, en Coyoacán, Alfredo Ramos Martínez, Inés Amor y Diego Rivera notaron su talento en

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la realización de trabajos en barro y en madera, sin contar con estudios en arte, trabajados en forma tradicional. En 1930, Diego Rivera lo apoyó y pudo presentar su primera exposición individual en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México.

Historia de la religión (Azteca) I, 1950, Historia de la religión II, s/f; e Historia de la religión IV, 1950-1957 son tres óleos que forman parte de la serie que con ese tema realizó Diego Rivera, en la que, con su estilo característico, de manera didáctica y con colores fuertes muestra diversas costumbres prehispánicas en las que se inc luyen s imbol ismos y d iversas actividades, tales como la escritura y los sacrificios; una crítica a las religiones antiguas occidentales, y a la religión católica, plasmando el hecho de que todas ellas han sometido y explotado a la población más vulnerable.

Algunos artistas representan iconos y

costumbres religiosas para presentar una alegoría de diversos problemas sociales, primordialmente la distinción de las clases sociales y el sojuzgamiento del poder político sobre la población en general. Entre ellas están: El tirano, 1947, de José Clemente Orozco Flores, gran muralista mexicano y creador de numerosas obras de caballete siempre con una visión crítica de la política y los eventos bélicos nacionales e i n t e r n a c i o n a l e s . E n e s t a o b r a expresionista, la figura central es un militar desnudo ejerciendo un control total desde la nube en la que se sienta, en una alusión a la figura religiosa conocida como Padre Eterno, portando un quepí como corona, las cadenas de la esclavitud como cetro, y la trompeta para llamar a la guerra. En la parte superior se encuentran los escogidos, un conjunto de militares, mientras que debajo de él están los que son arrojados como los condenados en algunas obras de corte religioso sobre el purgatorio. Aquí, Orozco se burla tanto de la figura de los

m i l i t a r e s c o m o d e l t i r a n o , a l caricaturizarlos, inclusive pintando al tirano con sus calcetines sostenidos por tirantes.

El diablo en la iglesia, 1947, de David Alfaro Siqueiros, otro gran muralista conocido por experimentar con nuevas técnicas y por sus posturas ideológicas radicales. En esta obra hace una crítica a la debilidad de la iglesia y los feligreses, en los que se hace evidente su división entre las clases altas y el pueblo frente al poder simbolizado por la figura del diablo que entra a través de la bóveda. Esta obra es muy interesante por la técnica de doble perspectiva esférica.

La manda, 1942, una de las pocas obras sobre tradiciones populares de Carlos Orozco Romero, pertenece a los últimos años de su periodo como pintor académico, cuando empezaba a adoptar la síntesis geométrica de las formas por influencias cubistas. Este óleo, que

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Manuel Rodríguez LozanoEl holocausto , 1944 Óleo sobre tela 123.5 x 178 cmAcervo Museo de Arte Moderno, INBA/CONACULTA


algunos críticos han clasificado como surrealista, está basado en fotografías de los peregrinos de San Juan de los Lagos, de Enrique Díaz.

Cabezas religiosas, 1950, de Guillermo Meza, gran conocedor de las tradiciones religiosas mexicanas, En esta obra resalta el misticismo y teatralidad de las escenas de duelo de la Semana Santa, acentuados por las cabezas cubiertas por paños blancos que contrastan con los colores utilizados para los torsos, los cuales están situados en forma rítmica.

Entre las obras que toman los temas de las guerras, revoluciones, represiones de los gobiernos en contra de la población, y violencia que la delincuencia ejerce sobre los individuos, se encuentran, entre otras, la impresionante fotografía de Manuel Álvarez Bravo, Obrero en huelga asesinado, 1934, que da testimonio de las terribles represiones a los obreros que buscaban mejores condiciones de trabajo en un México que aspiraba al progreso. La muerte de Zapata, 1937, obra de gran simbolismo, de Luis Arenal, colaborador y admirador de la obra de Siqueiros, muestra personajes del pueblo acudiendo a despedir al héroe de la Revolución, en un paisaje árido. Otra obra de Guillermo Meza, Marcha de los trabajadores, 1951, muestra en primer plano un gran maguey, planta que utiliza con frecuencia como imagen del país, en esta ocasión fragmentada, seca y a punto de morir, simbolizando la miseria y penurias del pueblo, representado por la marcha de obreros en el fondo. La intriga, 1963, óleo del artista español Antonio Rodríguez Luna, exiliado en México en 1939 por la dictadura de Franco, como muchas de sus

obras, alude a la Guerra Civil española. Es notable el dibujo geométrico, algo barroco y con tendencia al tenebrismo. Con estos mismos temas se presentan otras obras de la exposición, como El holocausto, 1944, del artista mexicano Manuel Rodríguez Lozano, pionero en la tendencia de alejarse de la pintura de corte nacionalista para adoptar personajes de corte universal, es una obra perteneciente a la llamada etapa blanca, la última de su trayectoria, caracterizada por escenas con personajes que reflejan soledad, angustia, muerte y tristeza; y el Díptico a Francisco de Goya “Sobre los desastres de la guerra”, 1981, del

artista coahuilense Oliverio Hinojosa, cuya obra se basa fundamentalmente en el cuerpo humano.

En la muestra encontramos dos obras muy importantes del artista de origen japonés Luis Nishizawa Flores: La eterna causa I, 1966, óleo sobre triplay, obra de gran textura; y un acrílico sobre tela De la serie Los caines, 1966. Ambas aluden, a través de imágenes de cuerpos desmembrados, a las torturas y asesinatos que han cometido las tiranías latinoamericanas, en el caso de la segunda obra, específicamente en Colombia. Desafortunadamente esas

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salud, y oportunidades de progreso personal- de gran parte de la población; a la constante violación a los derechos humanos; y al abandono y abuso de los niños. Entre ellas podemos mencionar: la litografía de Diego Rivera, El sueño de los pobres (Madre proletaria), 1932; El hijo muerto, 1943, de Raúl Anguiano, que plasma la miseria de una pareja que debe sepultar a su hijo, al cual cargan entre los dos, en una casa vacía y colores ocres; Indígenas, 1924, del artista Jean Charlot, nacido en Francia, muralista, pintor y dibujante de personajes y costumbres mexicanas y de las ruinas mayas; Casa furgón, 1932, obra del insigne fotógrafo, mencionado anteriormente, Manuel Álvarez Bravo, que retrata la adaptación de un furgón de ferrocarril como casa habitación para una familia; y Los niños

mismas escenas son frecuentes en la a c t u a l i d a d p o r l a v i o l e n c i a d e paramilitares, guerrillas y cárteles del narcotráfico. Otros trabajos que también hacen referencia a la violencia entre individuos son: Las poquianchis, 1966, de Francisco Corzas, artista mexicano, autor de extraordinarios desnudos femeninos. En esta obra aborda un sonado caso de complicidad entre tres hermanas de Guanajuato y las autoridades en una red de prostitución y explotación femenina que llegó al asesinato. Aquí se encuentran algunos de los elementos característicos del quehacer de Corzas, como son, el ya mencionado desnudo femenino, las vestimentas y tocados de las figuras al estilo de las pinturas del Renacimiento italiano, fondos luminosos, en este caso en tonos rojos que añaden dramatismo al ambiente etéreo creado. Ajuste de cuentas 15, 2007 y Rosario de ajuste de cuentas, 2007, joyería en oro y cristales de la autoría de Teresa Margolles, artista originaria de Culiacán, Sinaloa, cuya trayectoria, desde su participación en el Grupo SEMEFO hasta la actualidad, ha girado en torno a la violencia contemporánea, en este caso a la ejercida por el narcotráfico. Estas dos piezas emulan las que portan los capos e integrantes de los cárteles haciendo ostentación de su riqueza y de su r e l i g i o s i d a d , p o r m e d i o d e representaciones de la Virgen de Guadalupe y del santo de los narcos Jesús Malverde.

Varias obras las podríamos agrupar por la denuncia que hacen, a través de la representación de personajes del pueblo y escenas cotidianas, sobre las condiciones persistentes de rezago social y económico -con todas sus consecuencias en educación,

héroes, 1982, collage del Taller de Documentación Visual (TDV), asociación de distintos artistas, entre otros Enrique Méndez Castro, Antonio Salazar y Gabriel Castro, que inició en 1984. Durante sus 15 años de permanencia, sus integrantes denunciaron, a través de pintura, collage, fotografía y montaje, las violaciones de los derechos humanos en el país, destacando, en su momento, en su producción artística a las minorías sexuales y la pandemia de VIH y SIDA. Este collage, que toma por t í tulo uno de los episodios más emblemáticos de la mitología nacionalista, es en realidad una crítica al abandono de la infancia, reforzada por la presencia del logotipo Hecho en México, el cual se incluía en los productos nacionales en los ochenta, con intención de promover el orgullo nacional.

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Xavier EsquedaMonolito No 6, 1990Óleo sobre tela 120 x 120 cmAcervo Museo de Arte Moderno, INBA/CONACULTA


Son también muy interesantes las obras que abordan problemas comunes a nivel global, que muestran la insensibilidad y la degeneración, en cierta medida, del ser humano debido al avance de la industrialización y la cultura de consumo, así como sus consecuencias, En este sentido se encuentran; el impresionante acrílico sobre tela

, 1973, Esta obra forma parte de una serie muy importante en la trayectoria del excelente artista mexicano Rafael Coronel, ya que fue el primer artista contemporáneo que utilizó ese animal como tema único; en su caso, haciendo una analogía del ser humano con ese roedor que habita en las cloacas. Podemos notar que inclusive hay una representación antropomórfica del animal, cuyas patas son muy semejantes a las manos humanas, además de ser representaciones hechas para incomodar al espectador, como mencionó el artista durante su estancia en en la presentación de , muestra que ocupó las salas del Museo de septiembre del 2012 a enero de 2013, con las que quiso introducir algo de terror a la pintura en la buena época de los filmes de terror.

, 1973, de Arnold Belkin, artista nacido en Canadá de padres inmigrantes rusos. Llegó a México a los 18 años y diez años después adoptó la nacionalidad mexicana. En los setenta produjo una serie de pinturas basadas en obras clásicas de la historia del arte, en este caso de la obra del mismo nombre del artista francés Jacques-Louis David, con la cual se alude por una parte a la agresión en contra de las mujeres mediante el secuestro, por parte de los primeros pobladores de Roma, y por la otra, a la robotización del ser humano,

Ratas comiendo lombriz

Retrofutura

El rapto de las sabinas No 1

marco

representada por una especie de figuras c i b e r n é t i c a s , p r o d u c t o d e l a industrialización y pérdida del sentido humanista; y , 1973, interesante obra del pro l í f ico y multidisciplinario artista mexicano

Contaminación

Zalathiel Vargas, quien en gran parte de su producción hace una crítica a la sociedad de consumo y el desarrollo tecnológico sin control. En este óleo representa una especie de nube compuesta por productos industriales que efectivamente causan

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Fotos: Cortesía MARCO


contaminación, tales como partes de automóviles y diversas maquinarias, así como la personificación de un voceador de periódicos en una figura híbrida -parcialmente humana, parcialmente máquina- con las noticias sobre el incremento del militarismo y desastres nucleares, como sucede en la actualidad. Éste es un ejemplo de cómo los artistas se adelantan en muchas ocasiones a los acontecimientos futuros. Es también importante la obra de Xavier Esqueda:

, 1990, en la que simboliza, por medio de una estructura prehispánica atada, situada en un ambiente árido y rodeada de piedras, el desinterés por conservar la cultura y las construcciones arquitectónicas valiosas, en aras de un supuesto progreso en el que predomina el interés económico.

Monolito No 6

En la muestra hay también obras que constituyen un documento gráfico de desastres naturales que han tenido honda repercusión en las condiciones sociales, políticas y económicas del país, exhibiendo la ineficacia e indiferencia de las autoridades y afectando de manera preponderante, a corto y largo plazo, como siempre, a los sectores más desprotegidos de la población. Entre esas obras están: dos fotografías de Manuel Álvarez Bravo de la serie Cuatro del ángel del temblor, 1957, testimonio del temblor magnitud 7.7 conocido como el Temblor del Ángel, ocurrido el 28 de julio de 1957 en la Ciudad de México, con un saldo de 700 muertos y gran número de damnificados; y Sin título (Hotel Regis, en el Centro de la Ciudad de México, 19 de septiembre de 1985), 1985, de Enrique Metinides, oportuna fotografía tomada en el momento en que dicho hotel se derrumbó durante el gran sismo de

magnitud 8.1 que ocasionó más de 10 mil decesos y miles de damnificados. Para honrar a las víctimas de ese suceso, en el sitio donde se encontraba ese hotel se encuentra la Plaza de la Solidaridad con la escultura monumental del artista mexicano Javier Campuzano Reyes-Retana.

Una obra muy interesante en la muestra, que exhibe el desencanto por el rumbo del país es el óleo sobre tela De la serie República mexicana, 1998, de Gustavo Monroy, cargada de simbolismos, entre ellos una escalera que no conduce a nada, con la bandera mexicana en el final, y una figura de Cristo sufriendo por el destino incierto de México.

Como podemos darnos cuenta,

es una exposición polisémica que nos da la oportunidad de conocer un selecto grupo de obras producidas desde principios del siglo pasado hasta la actualidad, de las cuales hemos mencionado sólo algunas. Es realmente una exposición interesante que amerita más de una visita y que seguramente despertará el interés del espectador por ampliar sus conocimientos sobre los artistas y los acontecimientos históricos a los que alude.

La Colección del Museo de Arte Moderno: Un siglo de crítica

ENTREVISTA A

P o r L u i s F r í a s

Mauricio Limón

Mauricio LimónCrepusculitos, 2004

Video SD en 16 canales simultáneos20´ en loop

Colección Galería Hilario Galguera

Foto

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tesí

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ARCO

HOY EN MARCO ENTRE VOLUNTARIOSHABLAMOS DE INFORMARCO ESPECIAL COLABORACIÓN

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El pasado viernes 6 de septiembre contamos en el Museo con la presencia del artista mexicano Mauricio Limón, autor de las piezas Crepusculitos (2004-2008) y Híkuri (Regiones electroencefalografías) (2013) que se exhiben en la exposición Mesocosmos. Mauricio ofreció una conferencia para un grupo de estudiantes de artes de la UANL, y por la tarde ofreció el taller Manos al arte, en el cual junto con los asistentes trabajaron una pieza de video basada en un proceso de recolección de círculos en video.

Durante la conferencia Mauricio comentó que, en su obra, intenta explorar mundos con lo que sabe hacer: video, dibujo, pintura y fotografía. La inspiración para su obra viene de las relaciones que puede establecer con la gente que vive al día, como los l impia-parabrisas y los merolicos; pues en el proceso de relacionarse con los sujetos descubre los problemas a tratar en la obra artística. Comentó también sobre los procesos de trabajo para realizar la obra Bizco merolico chorus (2006) y el cuerpo de trabajo alrededor del video El primero que ría (2013). En el primero, tuvo que adentrarse en el hermético y frío mundo de los vendedores ambulantes del metro de la Ciudad de México para realizar un video en el cual los cantos de los vendedores de convierten en la posibilidad de coros barrocos. El segundo, contiene su producción más reciente que incluye videos, dibujos, animaciones, hasta camisetas, todo a partir de la relación con un grupo de franeleros de Ixtapalapa

y el mundo violento en el que viven. El modo de relacionarse con ellos le ha permitido el desarrollo de diferentes piezas que nacen de la misma evolución de su relación. Al ir creciendo la relación, los proyectos han logrado ser más cercanos, pues ellos abren más su mundo. Lo cual está en el interés de Mauricio, “mostrar sus vidas sin necesariamente pasar por un exotismo”, sino atravesar la violencia de sus vidas y descontextualizarlas. Comentó cómo a partir del juego, y acciones simbólicas fue ganando su confianza y el acceso a sus mundos. Los asistentes a la

conferencia se mostraron muy interesados por los procesos para relacionarse con las personas que se convierten en sus obras de arte.

Durante su visita a , entre sus actividades, Mauricio tuvo la amabilidad de contestar algunas preguntas para esta publicación, de las cuales se presentan enseguida una selección.

marco

Respecto a “los chicos del barrio” que aparecen en el video El primero que ría, ¿crees hay cierta conciencia de estar

Mauricio Limón y Tom King durante la charla a estudiantes de la Facultad de Artes Visuales de la UANL

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dentro de una “obra de arte”? ¿Ellos tienen preguntas al respecto de tu trabajo, dónde se expone, qué pasa con él?Sí. Las primeras preguntas son siempre “¿y todo esto para qué?”, les explico que es para un museo, que se va a exhibir en tal lado, que es un proyecto personal, un proyecto de arte. Lo que me ha servido mucho para convencerlos es que de repente les enseño mis dibujos y me dicen “sí, está . Porque no te paso la foto de mis sobrinos y me dibujas al centro con ellos y me haces una playera”. A mí se me hace increíble, es muy fácil y es muy divertido y además genero este vínculo. Se van acostumbrando a “que están trabajando” con alguien, que en un dibujo pueden plasmar ideas que ellos tienen, pero que ellos también tienen que entrar en juego a desarrollar ideas que yo tengo en los videos. La verdad no sé, creo que tendrían que estar ellos para contestar. Me queda claro que, en el mundo en el que viven, el arte nunca va a ser algo que les va a cambiar sus vidas. Para ello tendrían que

rifado

tener una voluntad muy fuerte y salir de donde están.

Es bastante difícil, de todas maneras se v a a m i c a s a . Lo t e n g o e n m i s pensamientos. Simplemente hay que estar muy atento a entender mi mundo interno. Al principio estaba muy sorprendido con la cámara, y estar grabando a las personas, pero luego de algún modo se sublima, ya lo hice, ya está plasmado. Lo que me permite ya no querer grabar y simultáneamente llevarlo a la obra, sino me da la posibilidad de analizar lo que me dicen, y d e s a r r o l l a r l o d e a c u e r d o a m i circunstancia, y ya no tanto con ellos. Hay una búsqueda personal, querer saber de esos submundos. Al preguntarme ¿por qué se da esa violencia? Que de alguna manera a todos nos pega. ¿En qué momento se da esa violencia? ¿En qué momento crece su poder?

¿De algún modo te puedes alejar de las relaciones con estas personas al llegar a casa? Algo así como ¿separar mundos?

Comentaste (en la conferencia previa) que tu siguiente proyecto involucra a una comunidad huichol.

¿Cuándo hiciste el video de Híkuri (Regiones e lec troencefalográf ic as) (2013) ya estabas trabajando con ellos?

Estoy trabajando con ellos desde octubre del año pasado, siento que voy empezando porque el proyecto va lento. Empecé en la ciudad de México, pero a h o ra e s t oy t ra b a j a n d o co n u n a comunidad de San Andrés Cohamiata, Jalisco. Está en la sierra que divide Nayarit y Jalisco.

No, esto es algo nuevo, porque de hecho nunca había trabajado con un maestro de ceremonia. Comí peyote y fue una manera de conocerlos diferente. El tema del peyote es muy importante, es parte de su cultura, pero quiero que quede fuera. Lo que estoy buscando en esos videos es que sea lo menos obvio posible, casi que si no aparece mejor, pero no puede no aparecer.


1En la tradición Huichol, el Marakame es un vivo muerto, el intermediario entre el mundo de los muertos, el intermediario entre el mundo de los hombres y el de los espíritus, pero es también todo aquel hombre y mujer que está en la búsqueda del conocimiento. En otro sentido, el Marakame es el chamán más realizado, considerado “el que sabe” y funge como un gobernador dentro de la comunidad.2El Híkuri es el nombre ceremonial de los Huicholes para el peyote. “El rostro del divino”, es la planta sagrada del desierto y maestro de la forma correcta de vivir de los brujos perdidos en el tiempo.

Charla en marco a estudiantes de

la Facultad de Artes Visuales de la UANL

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¿Por qué no hacerlo evidente?

Es una visualización muy fuerte, “la dualidad del acto ritual”. Tengo mucho interés en los modos que construimos significación, y cómo la legitimación del conocimiento se convierte en un modelo que refuerza el modo que construimos la realidad. Por lo que se me hace atractivo cómo una comunidad indígena puede

Porque ya está muy revisado y muy manoseado. Lo cual está bien, hay algunos documentales increíbles, pero a mí no me interesa mostrar el mundo del ritual, y que “si hacen esto”, “van por allá”, y el peregrinaje. Me interesa más sus vidas personales… Y hasta hacer una especie de crítica, de qué tanto el peyote… Es un pueblo que desde niños consumen peyote, entonces mal que bien, condiciona el modo de adaptarse a la sociedad, y es lo más pesado. Están las creencias de que pierden su tradición, lo cual es muy importante y tiene su sentido, pero de entrada son gente la cual su comunicación verbal es muy diferente, no sólo por el idioma, sino porque piensan muy dogmáticamente y

1jerárquicamente. Está el Marakame y la 2relación a Híkuri con respecto a todo. No

les permite salir de su cosmovisión. De algún modo están dogmatizados en torno al peyote, no solo sicológicamente, sino desde su sistema nervioso, que está afectado desde niño. De cierto modo son un pueblo drogado desde niño, y es como han vivido su historia. Lo traen en su sangre. Aún no lo puedo desarrollar bien, pero es por donde va mi interés.

pertenecer a otra realidad, otro modo de hacer las cosas, pero a la vez estar en el margen se convierte en algo peligroso, quedas fuera.

Has mencionado que tu obra no es Documental, tampoco es una denuncia. ¿Qué es? ¿Estás tratando de explorar, investigar, es la obra de arte por sí misma?

Es un tema muy difícil. Desde un punto social y político es un desorden la relación de la sociedad con los pueblos indígenas. Es un gran problema. Ellos quieren y no quieren. Está el caso de los que se meten a vivir con ellos, a entender sus usos y costumbres, pero al final tampoco te dicen nada nuevo. Hay muchos casos de gente que se introduce en comunidades indígenas y muestran un lado documental y, a la vez, desde la percepción externa. A mí me gustaría hacerlo más delicado, no caer en eso, pero a la vez no quiero caer en la exacerbación de “Wow, los Huicholes, los Tarahumara”, el rollo Hippie en el que todo es aceptado porque son indígenas.

Es mi mundo subjetivo a través de un contexto específico que me interesa, tanto como a cualquiera que se pone a hacer un Documental. Lo que me puede diferenciar y lo que busco es no caer en lugares comunes. Siento que lo que me puede ayudar a no caer en eso es partir de lo absurdo, crear situaciones donde se rompen las formas convencionales. Si hacen artesanía, hacer todo menos a r t e s a n í a . P o r e j e m p l o , e s t á n acostumbrados a hacer artesanía sobre un

plano, sobre un bocho, sobre cualquier cosa, y además resulta que todo lo que se decora con chaquira y motivos Huichol se ve bien, y sí, el bocho se ve increíble. Pero es una exageración, ¿una lata de refresco la puedes forrar de eso y se va a ver genial? Partiendo de que tienen un issue con la artesanía, ¿cómo puedes lograr que a través de la chaquira hagan otra cosa? Pero absurda, por ejemplo que no la apliquen como siempre, sino que hagan otra cosa. Por ejemplo, y lo digo como una exageración, una idea fantástica, enterrar a un Huichol en chaquira y de repente que se levante, ya cambia, la chaquira sobre el cuerpo se vuelve polvo.


3La Videonale es uno de los foros más destacados y longevos del video arte. Inició en 1984 y su cede es Bon, Alemania. Se caracteriza por su formato bienal y su enfoque por la investigación y difusión del video arte. Mauricio Limón fue seleccionado para participar en la Videonale14 con su video El primero que se ría (2012).4Sistema de codificación de luz utilizada en la trasmisión de señales de televisión analógica, utilizada en la mayor parte de Asia, África, Australia, Nueva Zelandia y Europa. Deriva de la incorporación de algunas mejoras técnicas al sistema NTSC que es el que se utiliza principalmente en Centro y Norte de América.

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Cuéntanos tu experiencia con la 3Videonale14 .

¿Cómo iniciaste en el video?

Sorprendente el nivel de presentación, tipo de exposición, montaje impecable, estuvo muy bien curada. Muy buena expo. Ahorita está en la feria ArtMoscú, se llevaron una selección de la Videonale a la feria y también va a estar en un museo de Moscú.

Un amigo me prestó una camarita, todavía era una Handycam, pero era muy buena

4porque trabajaba con el sistema Pal , tenía un lente más grande de lo normal. Era una edición especial europea de Handycam. De repente vi unos caracoles en el jardín del edificio donde vivía, bajé a agarrarlos, tenía una mesa con luz, ahí los puse y e m p e c é a g r a b a r . C o m o s o n

translúcidos, los caracoles se convirtieron en una especie de lámparas móviles. Además estaban puestísimos, un caracol normalmente, a lo mucho recibe la luz del sol y desde arriba, aquí tenían la luz abajo; siempre están en lo obscuro, y aquí en la luz directa, estaban híper-excitados. Entonces se hizo como una orgía en el video. Es un video increíble, quedó bien bonito. Los grabé, me aventé como ocho horas editando de un jalón. Estaba muy chavo y aguantaba ese esti lo de actividades laborales corridas. Ahorita no hago sesiones de trabajo tan largas, ahorita tengo treinta y tres años, en ese entonces tenía veintidós. Hace once años. Antes, siempre pensaba que era mejor entrar en el proceso creativo y dejarte llevar, no solo hasta que el cuerpo diera, sino hasta que el objetivo y el resultado

estuvieran listos. Alguna vez me aventé un día entero sin dormir por pintar, para terminar una pintura. Ahora me queda claro que no hay necesidad, y te queda mejor si descansas.

Ninguna de las dos, son dos extremos. La exploración mística al final es tan subjetiva que puede quedarse en las meras fantasías de cada quien, que solo se explican y tienen sentido para quién las vivió. Cuando alguien te cuenta que tuvo una experiencia espiritual, una de dos, o el otro entra en la fantasía del que la está contando pero a través de su propia fantasía, como una relación espejo, o simplemente te aburres y te da un bostezo tremendo porque es incompatible. ¿Cómo puedes describir una revelación espiritual de una manera práctica y reveladora? Quizás si eres un buen escritor, pero si eres un buen escritor generalmente vas a saber que lo que estás diciendo es un invento total de la realidad. Muchas veces las personas que están muy clavadas en lo místico lo que están buscando es no estar clavados en la realidad. La narrativa es como lo más formal. Es caer demasiado en la técnica y las estructuras, y es lo que uno trata de romper.

Van cambiando, te llenas de tantas referencias que es difícil. Lo último que realmente me conmovió y me dejó ilusionado para seguir haciendo más cosas fue la película El caballo de Turín de Béla Tarr. Es de ese cine con planos y secuencias

¿Crees que el arte es una búsqueda narrativa o mística?

¿Qué artistas te llaman la atención?


Charla en marco a estudiantes dela Facultad de Artes Visuales de la UANL

Desarrollo del video El primero que ría a partir de fotos | Galería Hilario Galguera http://www.galeriahilariogalguera.com/

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largas, de tomas largas, con muy poco diálogo, muy pictórico, en blanco y negro. Increíble película. Hace una fusión de lo que estoy viendo que está pasando en el cine y el video arte. Cuando ya video-artistas tienen una exigencia de hacer más una película que un video y los cineastas se dan más el lujo de hacer video-arte al hacer películas. Entonces, Béla cuenta una historia a partir de una anécdota, pero la forma cómo la desarrolla es de una calidad y maestría en ese género. Es muy buena. Lo que pasa en la película es un campesino y su hija viviendo en su casa, comiendo papas durante siete días.

Haciendo las actividades básicas mínimas, alrededor de todo esto está la introducción de la película y el porqué se llama “El caballo de Turín”. Es la anécdota de cuando

5Nietzsche queda loco, resulta que Nietzsche sale caminando por Turín un día y ve a un campesino maltratando a su caballo, y Nietzsche se lanza a abrazar al caballo diciendo “perdona madre, he sido un torpe”, después de esto se desvanece y se desmaya. Dos días después recupera el conocimiento pero queda loco, de hecho son los últimos diez años de su vida y se acaba su legado, ya no produce. Esa anécdota ha dado pie a muchas interpretaciones e historias, pero siempre

a partir de Nietzsche. En su película Béla Tarr dice “¿Qué pasó con el caballo y el dueño del caballo y su hija?”. La película empieza cuando el campesino entra con su caballo a la caballeriza, y de ahí entra la película en un nihilismo. O sea entra a hablar Nietzsche, pero a partir de la historia del caballo y la familia.

En ese tiempo escuchaba mucha música clásica en general. Estaba con la idea de cultivar el oído.

En la conferencia hablaste de tu pieza 6B i z c o m e r o l i c o c h o r u s ( 2 0 0 6 ) ,

mencionaste que en ese tiempo estabas escuchando música barroca.


5Federico Nietzsche fue un destacado filólogo, filósofo, crítico cultural, poeta y compositor alemán del siglo XIX. Entre su obra destacada están “Así habló Zaratustra”, “Más allá del bien y del mal”, “Ecce Homo” y “El anticristo”, por mencionar algunos.6Bizco merolico chorus, 2006. http://www.youtube.com/watch?v=zTjC6LfUeol

7Puedes escuchar al grupo de Mauricio en: http://soundcloud.com/nohoch

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Y ¿cómo vas?

He tocado en algunos grupos de rock, y me interesa la parte del desdoblamiento de la personalidad que parece suceder en el acto de tocar en vivo.

Bien, fantaseo con tener un oído bien adiestrado para la música. Escucho de todo. Por momentos te clavas con algunos grupos, pero después me abro a escuchar géneros distintos. No me gusta el Heavy-Metal, no lo odio, pero no me gusta. Música clásica en sus momentos. Me gusta mucha música, pero estamos tan bombardeados y hay tanta cantidad de música producida que ya como que clavarse mucho con un artista deja de ser especial.

Yo también tengo una banda, toco la guitarra y canto, bueno canto tres rolas y las otras las canta otro cuate. La banda es muy polifacética, es muy divertido, y es muy padre la onda del escenario. La banda se llama

7Nohoch .

Es una palabra Maya que puede significar gordo, pesado o grande. Dependiendo donde lo usas.

La pieza de Gerard Byrne (1984 and Beyond, 2007, que forma parte de la exposición El

¿Qué significa Nohoch?

De las obras que están expuestas en marco ¿Hay alguna pieza que te llame la atención?

mañana ya estuvo aquí), el video de los escritores, es una pieza de las que te dejan con ganas de seguir haciendo cosas. Supercasting, superlocación y buen contexto. El pretexto para hacer la pieza es muy bueno. Sí, es una buena idea publicar esas conversaciones que aparecieron en la revista Playboy. Para mí, el video lo lleva más lejos, porque en la revista se banalizan por su contenido inminente. Me encanta. Además, los actores son buenísimos.

Durante la charla, Mauricio mostró interés por la situación de la ciudad y su cultura, señalando que en Monterrey se valora mucho la pintura, reconoce que la pintura es un medio que permite más acceso a los coleccionistas que el video.


Fotos: Cortesía Luis Frías

HABLAMOS DE

P o r A d e l a M a n c i l l a

DANZA / CARLOS MÉRIDA

Adela Mancilla

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EL MAESTRO CARLOS MÉRIDA: UN RECUERDO Y UN SUEÑO

HOY EN MARCO ENTREVISTA ENTRE VOLUNTARIOSINFORMARCO ESPECIAL COLABORACIÓN

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Adela Mancilla durante una presentación de danza folklórica

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INFORMARCO

P o r M i r n a G a r z a

Los visitantes del Museo d'Orsay en París, encuentran una cálida sorpresa justo entre la galería de Impresionismo y el área de exhibiciones temporales: una cafetería cuyo diseño integra delicadamente un elemento contemporáneo a la arquitectura del museo de estilo Beaux-Arts. Con sus motivos acuáticos, los hermanos Campana crearon este espacio llamado el Café Campana, con elementos inspirados en la obra del artista Émile Gallé, y sirviendo como un tributo al movimiento artístico Art Nouveau de finales del siglo XIX.

Aludiendo temas marinos, los hermanos Campana captan con tonos azules, cobres, dorados y anaranjados contrastes similares a los reproducidos por Émile Gallé en su trabajo en vidrio. Por ejemplo, las sillas parecen sugerir lirios, los cuales el artista francés evocaba por medio de su vidrio soplado de múltiples capas.

Acompañando a estos elementos, encontramos pantallas de cable anaranjado de formas orgánicas que distinguen áreas y establecen flujos. Mientras, bajando suavemente de la estructura de metal, podemos ver pantallas doradas que asemejan campanas.

Foto: Mirna Garza

El Café Campana

HOY EN MARCO ENTREVISTA HABLAMOS DE ENTRE VOLUNTARIOSESPECIAL COLABORACIÓN

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El proyecto de los hermanos Campana fue inaugurado en octubre del 2011 junto con otras renovaciones que se hicieron al museo. Durante décadas, el área que ahora ocupa el Café Campana era conocida como el Café del Reloj por el imponente reloj a través del cual se ilumina el espacio. La existencia de este reloj que mira al río Sena, está en el propósito original de la creación de la estructura. La arquitectura que aloja al museo fue creada para servir como estación de trenes en 1900 para la Feria Mundial; y desde 1986, año en que abrió al público, alberga el Museo d'Orsay.

El espacio creado por los hermanos Campana se puede traducir como la perfecta integración del arte contemporáneo que reconoce sus orígenes. Por medio de la adaptación de elementos del movimiento artístico francés Art Nouveau y haciendo honor a uno de sus principales exponentes, los hermanos Campana logran ofrecer a los visitantes, no sólo un área de reposo, sino incluir un elemento de inspiración que, en conjunto con la arquitectura y las obras que se albergan en el museo, generan una experiencia enriquecedora.

Foto: Mirna Garza

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INFORMARCO

P o r M a r í a C r i s t i n a C o r r e a D .

El pasado 25 de septiembre se presentó en la charla entre el curador Gonzalo

Ortega y su colega Willy Kautz, curador del Museo Tamayo.

El diálogo entre los dos expertos sobre su experiencia curatorial en museos de arte contemporáneo y la manera en que los espacios museográficos son pensados y transformados de acuerdo a los diferentes p roye c t o s , o f re c i ó a l p ú b l i c o l a oportunidad de aprender a disfrutar mucho mejor un recorrido por las salas de exposición.

Como ejemplo, Willy Kautz habló de tres de sus más importantes trabajos, a través de los cuales señaló que las nuevas

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tendencias del hacer del curador se basan en un trabajo conjunto con el artista.

Ahora el arte se piensa como un todo institucional, que se divide en la poética que es la producción, y la estética que es la exhibición y recepción. El curador trabaja en principio desde la poética para después revisar la estética.

La exhibición del arte contemporáneo conlleva ideas de tipologías museológicas en las que artistas y curadores se vuelven colaboradores. El artista puede producir “arte” desde el “no arte”, sin embargo, el curador solo puede trabajar con arte.

En la exposición Yo uso perfume para ocupar

más espacio (2009), presentada en el Museo Carrillo Gil, el curador propuso una exposición circular, a la que integra también un espacio de consulta.

En el caso de la exposición Pobre artista rico (2012), exhibida en la Casa del Lago, se entregó a cada artista invitado una cantidad de dinero para desarrollar su obra, de esta manera el artista se apoya en la museografía, y a su vez se convierte en parte de la pieza.

En síntesis, la curaduría contemporánea genera un enlace entre el artista y el arte en la tipología museográfica. El curador institucional se permite una auto reflexión, donde el curador se convierte en el artista y el artista en el curador.

TIPOLOGÍAS MUSEOLÓGICAS

Foto: Claudia Ortiz

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INFORMARCO


El artista de origen australiano, radicado en Londres desde 1986, uno de los escultores contemporáneos de mayor re co n o c i m i e nt o a n i ve l m u n d i a l , actualmente presenta una muestra de sus excelentes esculturas hiperrealistas en la Foundation Cartier pour l'art contemporain, en París, Francia. La permanencia de esta muestra, en el elegante edificio diseñado por Jean Nouvel, que se está presentando desde el 16 de abril del año en curso, estaba programada para finalizar el 29 de septiembre; sin embargo, debido a la gran aceptación por parte del público, su estancia se prolongó hasta el 27 de octubre.

La obra de Ron Mueck es ampliamente conocida por el público de , ya que en 1999 participó en la interesante e x p o s i c i ó n c o l e c t i v a C a s a d e l a Escultura, y en 2011 se presentó en la Planta alta del Museo la muestra Ron Mueck, un conjunto de excelentes obras logradas en diferentes escalas, que hacían referencia de una manera impactante a las diferentes etapas en la vida del ser humano. En la muestra de París se encuentran varias de las piezas que pudimos admirar en , además de tres obras nuevas, creadas para esa exhibición, en las que alude a las relaciones entre dos personas, en las que también refleja experiencias

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d e l s e r h u m a n o e n l o s d i ve r s o s per iodos de su v ida: una madre cargando a su bebé, una pareja de adolescentes paseando, y una pareja d e p e r s o n a s d e e d a d a v a n z a d a tomando el sol bajo una sombrilla de playa.

La muestra Ron Mueck, presentada en de marzo a julio del 2011, fue la

primera gran muestra del artista en América Latina, con gran aceptación d e l p ú b l i c o re g i o n a l , n a c i o n a l e internacional que acudió a visitarla. Al término de su presentación en París, la muestra se presentará en Argentina y Brasil.

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TIPOLOGÍAS MUSEOLÓGICAS Ron Mueck

RON MUECKA la deriva, 2009.

Técnica mixta118 x 96 x 21 cm | Ed. 1/1

Colección John y Amy Phelan

Detalle

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Francisco Larios, artista originario de Sonora, pero con muchos años de radicar en Monterrey, ha incursionado en diversas disciplinas, tales como dibujo, pintura, fotografía, litografía y medios digitales, en una trayectoria cada vez más consolidada. Su obra se ha presentado en varios países, entre otros: Italia, España y Ecuador. En Monterrey su obra es muy reconocida y forma parte de importantes colecciones institucionales y particulares, y ha recibido numerosos premios, entre ellos: en la Bienal del Museo de Monterrey de 1997; en la Bienal de Cuenca, Ecuador; y en la Bienal Tamayo 2004. Además, recientemente se pudo observar una muestra de su obra en la exposición Mesocosmos presentada en marco, desde el pasado mes de junio.

A partir del 16 del mes de octubre de este año, presenta La Paradoja del Arquero en la Galería Hilario Galguera, importante galería de la Ciudad de México, que en su casona porfiriana muestra la obra de artistas contemporáneos, la cual difunde también por medio de su oficina en Berlín, Alemania. Esta muestra permanecerá hasta diciembre 2013.

Varios de nuestros artistas -artistas que radican y trabajan en Monterrey, y guardan una estrecha relación con - presentan actualmente muestras de sus obras en la ciudad y fuera de ella. Entre ellos se encuentran:

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EXPOSICIONES

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HOY EN MARCO ENTREVISTA HABLAMOS DE ENTRE VOLUNTARIOSESPECIAL COLABORACIÓN INFORMARCO

Luis Frías, joven artista originario de Monterrey, cuya gran inquietud y energía le han permitido incursionar en diversas disciplinas como: pintura, collage, dibujo, escultura, multimedia, música, poesía, animación y video, desde hace cuatro años es además voluntario de

, en donde se ha desempeñado como diseñador de esta revista, y a partir de este año colabora también como escritor.

Su obra se ha expuesto en México, Estados Unidos e Italia, logrando paso a paso un reconocimiento a su trayectoria. Actualmente su trabajo se presenta: en forma individual en la muestra Cognición en la Galería Pedro Martínez, en el ISEM Monterrey; en Voz con voz, junto a Diana Olarte, en la Galería Olarte, ambas situadas en el Centro de Monterrey; y en la Expo-Venta de la Cruz Roja, en el Centro Banamex, de San Pedro, Garza García.

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Elisa Pasquel, originaria de Monterrey, es una ceramista y pintora destacada, su obra se ha presentado en México, Estados Unidos y El Salvador. En Nuevo León ha expuesto en el Museo Metropolitano de Monterrey, en el Museo El Centenario, de San Pedro, y en varias galerías del área metropolitana. A partir del 22 de agosto y hasta finales del mes en curso, se presenta una muestra de su obra reciente en pintura y escultura cerámica en la sala de exposiciones de la Cámara de la Industria de la Construcción, Delegación N.L.

Elisa forma parte, desde hace varios años, d e l c u e r p o d o c e n t e d e , impartiendo cursos y talleres de cerámica, muy solicitados por el público del Museo.

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El pasado mes de septiembre se cumplieron 14 años de la publicación ininterrumpida de la revista EnMARCO Voluntarios, con esta edición se llega al n ú m e r o 1 5 5 d e e s t e m e d i o d e comunicación innovador y único en su género como publicación cultural preparada por voluntarios de un museo, el cual contribuye a ampliar el prestigio de

, i n s t i t u c i ó n c o n s i d e ra d a actualmente uno de los museos de arte contemporáneo más importantes a nivel internacional.

EnMARCO Voluntarios es una publicación elaborada y editada por los voluntarios que integran el Comité de Comunicación, el cual se formó, en julio de 1999, con 7 voluntarios entre los cuales siempre se ha contado con uno o más diseñadores; los

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demás integrantes han sido voluntarios de diferentes profesiones no relacionadas directamente con la preparación de publicaciones de arte. Se ha contado siempre con el apoyo del Museo durante todo el proceso de preparación de cada n ú m e ro, m u y e s p e c i a l m e n t e d e l Departamento de Educación, del cual d e p e n d e d i r e c t a m e n t e , y d e l Departamento de Comunicación e Imagen.

EnMARCO Voluntarios se integra con la c o n t r i b u c i ó n d e v o l u n t a r i o s y colaboradores invitados, a partir de un C o n s e j o E d i t o r i a l , s o b r e t e m a s relacionados a las diversas actividades de la institución, con énfasis en las exposiciones vigentes y en las entrevistas a artistas plásticos, curadores, escritores, fotógrafos, cineastas, logrando un

acercamiento más personal con los protagonistas del arte contemporáneo en sus diversas manifestaciones. La diversidad de disciplinas, estilos y países habla de la oferta tan amplia que ofrece el Museo. Entre los entrevistados podemos recordar al importante pintor australiano Imants Tillers, cuya entrevista apareció en l a p r i m e ra e d i c i ó n d e E n M A RCO Voluntarios en octubre de 1999; Jesús Rafael Soto, destacado artista venezolano cuya obra forma parte de las colecciones de museos tan prestigiosos como el Centro de Arte Georges Pompidou, de París, F r a n c i a ; D a v i d S a l l e , a r t i s t a norteamericano del posmodernismo; Gabriel Orozco, en la actualidad el artista mexicano con mayor reconocimiento internacional; la norteamericana Jenny Holzer, cuya propuesta, por medio del

ESPECIAL HOY EN MARCO ENTREVISTA HABLAMOS DE INFORMARCO ENTRE VOLUNTARIOSCOLABORACIÓN

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lenguaje escrito, se presenta tanto en museos como en espacios públicos de numerosos países; el fotógrafo checo de fama internacional Josef Koudelka; el escritor mexicano Carlos Monsiváis, cronista de nuestro tiempo; el cineasta Juan Carlos Rulfo, cuyos documentales han sido premiados en el país y en el extranjero; Ery Cámara y Victor Zamudio Taylor, curadores y maestros de Historia del Arte; y el escritor chileno Antonio Skármeta, entre otros.

Para la elaboración de las diversas secciones de la revista se cuenta con un Manual de Estilo y un Manual de Normas para el Diseño, preparados por los integrantes del comité. La mejora continua en la calidad del contenido y la edición, han contribuido a lograr que esta publicación

sea reconocida por los voluntarios como un elemento clave en su preparación e integración; y por los artistas, curadores, escritores, historiadores y críticos de arte como un medio adecuado para la difusión del arte, por lo cual se cuenta cada vez con mayor frecuencia con su colaboración por medio de artículos de su autoría, en su mayor parte inéditos, elaborados específicamente para la revista, en donde se han publicado artículos de los artistas Abraham Cruzvillegas, Paula Santiago y Gerardo Azcúnaga; los escritores Jaime Moreno Villarreal, Rosaura Barahona y Gerardo Puertas Gómez; los maestros de historia del arte Rodrigo Ledesma, Esther Leal y Giampiero Bucci, entre otros igualmente importantes. Además, desde 2007 el contenido de la revista se ha enriquecido con la constante colaboración

de Omar Tamez, destacado jazzista de reconocimiento internacional, fundador e integrante principal del grupo Non Jazz y maestro de música.

En noviembre del 2007, Margarita Rodríguez y Edna Catal ina Cano, coordinadoras de edición de EnMARCO Voluntarios presentaron una ponencia sobre difusión del arte a partir de una revista preparada por voluntarios de un museo en el Congreso de Difusión del Arte organizado por la Universidad de Monterrey (UDEM), en el que se presentaron reseñas y propuestas de diversas instituciones del país y de Cuba.

Al iniciar el decimoquinto año, la revista ha cumplido con éxito los objetivos iniciales, a través de la integración de un equipo

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HOY EN MARCO ENTREVISTA HABLAMOS DE INFORMARCO ENTRE VOLUNTARIOSCOLABORACIÓN

comprometido con tesón en el arduo trabajo que requiere, no obstante los cambios en sus integrantes. Actualmente, el Comité de Comunicación del voluntariado de lo integran Edna Catalina Cano y Margarita Rodríguez, quienes lo han coordinado desde sus inicios en forma ininterrumpida, y los diseñadores Sarahí Lara, Luis Carlos López, Luis Frías y Vanessa Cantú; y Mirna Garza, quien antes colaboraba en diseño y ahora, que radica en el extranjero, continúa apoyando con artículos sobre los artistas y exposiciones en .

A lo largo de estos años la revista ha mejorado paulatinamente, pasando de una edición inicial con fotocopias a impresión digital en 2003, posteriormente se pasó a impresión en offset. En 2008 se agregó a la edición impresa, la edición digital en color

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para su publicación en la página de internet de . A partir de enero de 2009 se eliminó la versión impresa, publicándose a partir de esa fecha su edición digital en la sección de Programas/Voluntarios del sitio web del Museo. A partir de enero de 2012 la revista pasa de ser mensual a bimestral, publicándose los meses pares del año. Aunado a estos cambios, se fue ampliando la cobertura de la revista, llegando actualmente a nivel global al público interesado.

Ésta es una excelente oportunidad para agradecer el apoyo de directivos y personal del Museo y de todas las personas que han contribuido a que EnMARCO Voluntarios haya logrado esta meta, y de manera muy especial a los voluntarios que en algún momento han formado parte de este proyecto.

marcoAprovechamos esta ocasión para presentar al equipo que está detrás de las luces en la realización de esta publicación bimestral. Con este motivo hemos pedido a los compañeros voluntarios que participan en el diseño que contestaran a las siguientes preguntas, sus respuestas seguramente les permitirán conocerlos mejor.

- ¿Tiempo de colaborar en MARCO y en la revista?- De las portadas que has diseñado, ¿alguna es especial para ti y por qué?- ¿Alguna anécdota especial con artista, curador o de este trabajo que quieras compartir?- Estos años de colaboración en la revista, ¿qué te han dejado?

EL DISEÑO DE LA REVISTA

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Soy voluntaria desde marzo de 2005, colaboro en el diseño de la revista EnMARCO Voluntarios. Durante el tiempo que he sido voluntaria, he recorrido casi todas las exposiciones que se han presentado en , durante esos recorridos con los artistas o curadores, he a p re n d i d o a va l o ra r d e s d e o t ra perspectiva el arte. Hay dos momentos que me han sorprendido notablemente; uno es el mes en que coincidieron la exposiciones de Julio Galán y Frida Kahlo, en septiembre del 2007, con el Museo abarrotado en toda la extensión de la palabra; y el otro, el recorrido con Spencer Tunick, en enero del 2010, al ver de cerca al artista y reconocer su poder de convocatoria en el mundo,

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simplemente obtiene mi respeto y me gustaría que hubiera más artistas con ese poder de convocatoria para hacer arte, o hacerte parte del arte.

Como voluntaria de la revista trabajas en horas no hábiles, casi siempre en la noche y c o n u n s e n t i d o d e u r g e n c i a impresionante. Las actividades de los diseñadores se van rolando, cada boletín, a veces diseñas: Portada y Hoy en MARCO, otras veces te toca compaginar (término usado en el diseño que significa unir todos los artículos en un mismo archivo), o te toca diseñar artículos como Colaboración, o Entre Voluntarios. En fin, nosotros somos una pequeña familia que nos damos la mano cuando lo necesitamos, todo con el objetivo de tener la revista en tiempo para ustedes.

Ser voluntario de es una de las cosas que llegaron a mi camino de sorpresa y sin esperarlas, de esta misma manera inesperada y sorprendente llegan a mí gratos recuerdos que durante 6 años como voluntario he vivido, buenas y malas experiencias son lo que hacen de esta jornada algo único, así c o m o ú n i c a s s o n l a s p e r s o n a s , compañeros y amigos que uno va teniendo durante este camino en el Museo. El ser voluntario me permite estar conectado a mi lado artístico y seguirlo desarrollando.

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SARAHÍ LARA LUIS CARLOSLÓPEZ

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Me incorporé al grupo del boletín colaborando en la elaboración del boletín mensual del mes de DIC 2006, con la ayuda de una gran amiga y ejemplo a seguir (Mirna Garza), voy empapándome del día a día como voluntario y de las actividades como diseñador del boletín, la manera en que se trabaja y el proceso de revisiones previas a la publicación del mismo; no pasó mucho tiempo para dominar estas actividades gracias a la paciencia y capacitación de mis compañeras Caty Cano, Margarita Rodríguez y Sarahí Lara.

Son muchas las cosas por decir de la experiencia en el boletín, pasamos del p a p e l a l a W E B y s e g u i m o s actualizándonos. Una de las actividades como Diseñador del Boletín es el diseño de la portada, pues es la imagen del boletín y

con ella tenemos que impactar a la audiencia e invitarla a conocer su contenido. En lo particular, el diseño de la portada es algo que como diseñador disfruto, pues es en ese diseño que puedo imprimir parte de mi personalidad, ya sea con los colores, formas y la selección de imágenes a mostrar; trato de mantener una línea y diseño en mis portadas, dándole énfasis a la imagen representativa de la exposición vigente, disfruto mucho de imágenes obscuras en mis portadas, detalles de obras, contrastes de colores, Willie Doherty, Frida y Foster + Partners son algunos ejemplos que pueden mostrar parte de mi estilo y gusto gráfico.

Son pocas las ocasiones en las cuales puedo asistir a los recorridos guiados ya sea por horarios o trabajo, puedo decir que esa es una de las cosas que más me llenan como

voluntario, el tener acceso a la obra y conocer su significado, que en muchas de las ocasiones es transmitido por el mismo autor de la obra. PIXAR, Dominique Lemieux, Ron Mueck, Frida, Betsabeé Romero, Loretta Lux y Annette Messager son algunas de las exposiciones y recorridos que he disfrutado al máximo, que me dejan un buen sabor de boca, y crearon un impacto que va más allá de lo visual.

Estos 6 años como voluntario han enriquecido mi persona en el ámbito cultural, el estar en contacto con las obras y con el Museo te permite abrir tu panorama y la manera en la cual percibimos las cosas que nos rodean y de alguna manera aprendemos a apreciar todo tipo de expresión cultural, nos hacemos críticos en base a lo vivido y aprendido, creo que el observar obras, acudir

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a talleres y pláticas de arte por más de 6 años deja en uno un conocimiento, el cual no necesariamente tienen que compartir los demás, en cuestión de arte todos tenemos una opinión y es válida, el hecho de crear una reacción en el espectador es suficiente, con ello el arte cumple su función.

Las tecnologías y medios de comunicación nos llevan a seguir cambiando, a evolucionar adaptándonosos a las nuevas generaciones y medios para continuar con la difusión del arte y posiblemente veremos un boletín web, algo en redes sociales, un post, etc. nuestra labor como diseñadores seguirá siendo el darle un toque artístico a la información publicada, un orden y una continuidad a las publicaciones; seguiremos al pie del cañón el tiempo que sea necesario.

Llevo colaborando en el diseño de la revista desde la edición de octubre 2009 y a partir de abril de este año también he colaborado escribiendo algunos artículos. De las portadas que he diseñado hay varias que me han gustado, recuerdo mucho las de Sze Tsung Leong (2010) y la de Dominique Lemieux (2011) porque eran muy blancas y limpias; quizás la que más me ha gustado fue la de ¿Neomexicanismos? (No. 145/2012), pues la foto de Graciela Iturbide de la señora con las iguanas en la cabeza, como de sombrero, me parece hipnótica e impresionante. Hay otras que me gustan mucho, como la de Beuys (No. 134/2011) que realizó Luis Carlos López, me parece que la elección de la imagen fue más que

acertada. Recuerdo también una de antes que yo entrara a la revista, la de la exposición Antony Gormly (No.111/2008), realizada por Sarahí Lara, porque saca de escala las figuras de barro, parecen ser enormes y yo recuerdo que en la exposición eran muchas pero pequeñas.

Tengo muchas anécdotas en el Museo y las exposiciones, principalmente mi interés en convertirme en voluntario era estar cerca del edificio en sí mismo. Ahí estudié en los primeros cursos de verano que hicieron, recuerdo mucho a Javier Marín y a Segundo Planes. Luego realicé aquí mi servicio social y aprendí mucho. En la faceta de voluntario he conocido gente muy linda y he disfrutado mucho la cercanía con las exposiciones, especialmente los recorridos con los artistas y/o curadores; y la

LUIS FRÍAS

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posibilidad de visitar el Museo en casi cualquier momento. Quizás de los recuerdos más recientes son las convivencias con los artistas Ignacio Salazar y Mauricio Limón para escribir los artículos de la revista. Con Mauricio he conversado ya en varias ocasiones y he encontrado muchas afinidades, atención de su parte y una sensación muy relajada. Con el maestro Ignacio me sentí muy motivado, contento de ver que la pintura en ese nivel tan profundo y espiritual que él maneja sigue teniendo espacio. Cuando conversé con él me di cuenta que la vida espiritual se nota hasta en la velocidad en que habla. Me di cuenta de lo acelerado que yo estaba, a pesar de también tener mis propias aspiraciones espirituales. Ambos me motivan a seguir trabajando en mi propia obra. Recuerdo

mucho la exposición de Dr. Atl (2012), tal vez la que más he visitado, creo que fui una vez a la semana, su pasión investigadora se notaba en la obra. También recuerdo que me quedé con ganas de seguir viendo más la obra de Paula Rego.

Creo que he aprendido mucho en el Museo. Es un lugar que desde mi infancia ha participado en diferentes niveles de mi aprendizaje, desde los talleres a las capacitaciones o, simplemente, con las exposiciones. Me gusta participar en el Museo porque me gusta aprender. En el Museo se descubren realidades, entre las p e r s o n a s y l a s o b ra s , e n t re l a s sensaciones que vibran por los pasillos y los sonidos internos que hacen eco en nuestros corazones.

VANESSACANTÚComencé a colaborar con el Museo y la revista en mayo de 2010, hace poco más de 3 años. De las portadas que me ha tocado diseñar, las que más me han gustado son las del artista Ron Mueck (abril y mayo de 2011, número 136 y 137 respectivamente), ya que esta exposición me causó gran asombro por el realismo de las obras, que inclusive se podía admirar a través de las fotografías utilizadas en la revista.

Alguna anécdota… Durante el recorrido para voluntarios de la exposición de esculturas La voz de mis manos a cargo del artista Jorge Elizondo, yo me encontraba embarazada de 7

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meses de mi primer hijo, recuerdo que al final, el maestro caminó entre la gente para alcanzarme, me tomó del brazo para decirme lo muy hermosa que me veía, lo cual causó mi asombro y sonrojamiento; supuse que para él, yo estaba esculpiendo la más hermosa de las esculturas, una vida humana. Decidí pedirle que se tomara una fotografía con Sarahí, Caty y conmigo y aproveché para darle las gracias por tal cumplido, a lo que contestó que era de admirar ver a una joven en mi estado. Esa tarde, me fui esbozando una gran sonrisa al salir del Museo.

Estos 3 años y contando que he tenido la oportunidad de colaborar con la revista, me han dejado la satisfacción de poder acercarme al arte que se expone en el Museo, y la oportunidad de conocer y colaborar con gente muy agradable y con intereses afines.

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He colaborado en el boletín por aproximadamente 8 años. La portada de Henri Moore (Dic. 2005, No. 75) tiene un valor especial para mí, dado que fue la primera portada que diseñé, el proceso de diseño fue más largo y aleccionador. Aún recuerdo los nervios y emoción de verla publicada. De las exposiciones, recuerdo en particular la de Frida Kahlo, que presentó en 2007. La exposición, en solo un mes, impuso récord de entrada con más de 100 mil personas que asistieron al Museo para conocerla. Así que para apoyar, acudí un sábado para dar visitas guiadas a los visitantes; fue un día agotador, pero lleno de mucho aprendizaje y satisfacciones por lo que compartí con los asistentes.

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MIRNA GARZA Colaborar en la revista me ha dado la oportunidad de aprender sobre arte y los contextos que las obras nos comparten. Además, me ha dado la oportunidad de trabajar con un equipo de personas que admiro por su pasión por la divulgación del arte.

COLABORACIÓN

P o r O m a r T a m e z

JAZZUna mirada sobre nuestra escena

HOY EN MARCO ENTREVISTA HABLAMOS DE INFORMARCO ESPECIAL ENTRE VOLUNTARIOS

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Concierto en Berlín, Omar Tamez y Conny Bauer

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ENTRE VOLUNTARIOS

P o r E d n a C a t a l i n a C a n o

LA COLECCIÓN DEL MUSEO DE ARTE MODERNOUN SIGLO DE CRÍTICA

CapacitaciónEl pasado 9 de octubre tuvo lugar el recorrido de capacitación para voluntarios y servicio social por la nueva exposición, que desde el viernes 11 de octubre se exhibe en las salas de la Planta Alta del Museo. El recorrido fue conducido por el maestro Rodrigo Ledesma, quien comentó sobre las características de las obras y las circunstancias históricas que dieron origen a las mismas.

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HOY EN MARCO ENTREVISTA HABLAMOS DE INFORMARCO ESPECIAL COLABORACIÓN

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Con motivo de su próxima boda, el pasado 30 de septiembre se llevó a cabo una convivencia de voluntarios con Bertha Elizondo, quien apoya a Aleyda Viornery en la coordinación de voluntarios. Los detalles de la decoración con influencia de Andy Warhol pusieron de manifiesto la creatividad de los voluntarios organizadores del evento. Los mejores deseos para Bertha en esta nueva etapa de su vida.

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CONVIVIO PARA BERTHA ELIZONDO


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Visita al Tec de MonterreyEl jueves 12 de septiembre, el grupo de voluntarios visitó la exposición México Moderno/México Contemporáneo. Colección Femsa en la Biblioteca del TEC Campus Monterrey. La visita por la primera fase de esta exposición (México Moderno) fue guiada por Margarita Fernández, catedrática del Departamento de Arte y curadora de la exposición, quien extendió una invitación cordial para visitar la segunda fase de esta muestra (México Contemporáneo) en esa misma sede a partir del 17 de septiembre.

Foto: Amaira Zamora

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CAPACITACIÓN DE VOLUNTARIOS

Las sesiones de capacitación del 30 de agosto y el 20 de septiembre estuvieron a cargo del maestro Alejandro Suárez, quien mediante la revisión de los nuevos planteamientos en la historia del arte, ha ido recorriendo las diferentes etapas de la producción artística analizando los elementos socio-culturales y las características evolutivas del arte.

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