acabado guia de danza y folklore[1]

ESCUELA PROFESIONAL DE EDUCACIÓN INICIAL

GUIA DE DANZA Y FOLKLORE

Ninfa Genoveva RAMOS CUBA

Carla Madeleyni CHAUCA APAZA

1º Edición – Enero 2012

Impreso en:

GRAFIC’S IMPRESION E.I.R.L.

Jr. Deustua Nº 243 – Puno

RUC: 20406061656

HECHO EL DEPÓSITO LEGAL EN LA BIBLIOTECA NACIONAL DEL PERÚ: 2012-07398


Ninfa Genoveva Ramos Cuba * Carla Madeleyni Chauca Apaza 4

DANZA

Se dice popularmente que no hay nada más difícil que

explicar lo fácil. En el caso de la danza, el dicho

resulta más que cierto ¿Por qué? Porque la danza es

considerada como una de las actividades más

complejas, una de las que presenta mayores

dificultades para que el teórico, el crítico, el

especialista y hasta el mismo danzarín o coreógrafo

ofrezca explicaciones e indicaciones fáciles y

comprensibles.

El ser humano siente la necesidad del desarrollo corporal y espiritual son

quienes practican habilidades y cualidades capaces de explorar toda clase de

movimientos y emociones, otorgándole una versatilidad verdaderamente única.

Las distintas formas en que es capaz de moverse el cuerpo constituyen la base

para la danza, junto con lo que siente el danzante y lo que transmite a quien le

contempla.

La danza se encuentra incluida en nuestro medio social, cultural y educativo; los

programas educativos toman a la danza como una asignatura más en los

diferentes niveles de educación, en los centros de enseñanza a nivel nacional y

mundial. Para ello es necesaria una definición funcional y aplicable para el

mayor número de casos.

CONCEPTO

La danza son manifestaciones y actividades artísticas más antiguas del mundo la

más humana de las artes (porque todos los sentidos se encuentran en plena

actividad). Y consiste en poner en movimiento el cuerpo humano, guardando

una relación consistente con el espacio, impregnado de significado al acto ó

acción de los movimientos efectuados, individualmente en pareja ó

colectivamente puestos al servicio de la belleza estética, en un determinado

tiempo y espacio.

IMPORTANCIA DE LA DANZA

Es muy importante porque requiere mejorar y desarrollar el cuerpo, sus sentidos,

la inteligencia, la sensibilidad, su humanidad, para el mejor desarrollo y

desenvolvimiento del ser humano llegando ser así un ente contribuyente para la

sociedad y nos ayuda a:

El desarrollo de la persona como ente social y racional,

El desarrollo Psicomotor del ser humano

La capacidad creativa, motivación, salud y belleza corporal



ELEMENTOS DE LA DANZA

Dentro de los elementos de la danza mencionaremos ocho de ellos como los

clasifica Alberto Della quien lo detalla y explica claramente cada uno de ellos

estando muy de acuerdo con el arte de fa danza, y es como sigue:

1.- Cuerpo humano.

2.- Espacio.

3.- Movimiento.

4.- Impulso del movimiento.

5.- Tiempo.

6.- Relación luz y oscuridad.

7.- Forma ó apariencia.

8.- Espectador ó participante.

EL CUERPO HUMANO

A lo largo de la historia del hombre ha realizado diferentes movimientos a

quienes les ha calificado y registrado, copiado y ampliado. Pues el cuerpo

humano constituye la materia prima de la danza; los miembros órganos,

sistemas, sentidos, las partes y habilidades que la conforman resultan los

principales protagonistas para esta actividad pueda mostrarse. Puesto que el

cuerpo es el elemento fundamental e indispensable para la danza, como el color

a la pintura, el sonido a la música, etc.

EL ESPACIO

Cuando el cuerpo humano se encuentra en movimiento se prolonga al danzar

ocupando sucesivamente distintos puntos en un determinado espacio durante su

trayectoria para ello se requiere un escenario, espacio, ó lugar para la

representación de la danza. El escenario, el tablado de la plaza, el salón de baile,

las calles, el patio de la vecindad, la discoteca, el salón de fiestas, se manifiesta

este espacio real que el ser humano “llena” al danzar o bailar.

EL MOVIMIENTO

En este elemento nos referimos a la capacidad que surge a partir del no

movimiento o la inamovilidad (estatuas), da inicio al movimiento cuyo

fenómeno es la base de la realidad misma porque en el universo todo se halla en

movimiento, en la danza el cuerpo humano desarrolla diferentes movimientos

más comunes ya sea de desplazamientos, de giros, saltos, como también

diferentes movimientos propios de cada una de las extremidades, tronco, dedos,

cabeza, el rostro facial mostrando las gesticulaciones adecuadas para cada una

de las danzas, e incluso llegando a ejecutar contorciones y acrobacias difíciles

de desarrollarlos por una persona común.



EL IMPULSO DEL MOVIMIENTO

(Sentido ó significado) Son movimientos propios de la danza y de los danzantes,

movimientos impregnados las expresiones y significado impulsados y motivados

por diferentes actividades cotidianas ya sea de vivencias, experiencias,

sentimientos o situaciones para mostrar estos mensajes expresados en el

lenguaje dancístico de acuerdo a los movimientos de la naturaleza de la danza

según al genero, lugar y época en que se desarrollen.

EL TIEMPO

Los movimientos del cuerpo humano poseen un ritmo ó tiempo interior, al

ejecutar una danza el período o tiempo que dura una interpretación se da en

partes iguales según la secuencia coreográfica del danzante ó danzantes. El ser

humano ha aprendido a especificar y a medir este tiempo total, al grado de haber

inventado, los segundos los minutos, las horas, los días, etc.

RELACION LUZ Y OSCURIDAD

La relación luz y oscuridad en la danza resulta primordial puesto que la danza al

ser apreciada por el espectador requiere de visibilidad, en algunos casos la

oscuridad, para así mostrar el mensaje que desee dar a conocer la danza, como

ocurre en la pantomima, porque toda pieza recibe los efectos de la combinación

de la luz y la oscuridad, en nuestros tiempos esta combinación es indispensable

para cualquier interpretación de danza.

LA FORMA O APARIENCIA

La danza es un arte visual antes que por cualquier otro sentido, la danza llega

hasta el espectador gracias a lo “aparente” por esta razón suele escucharse ante

una pieza de danza exclamaciones por ejemplo, “como baila parece que

estuviera en el aire” “parece un ave en pleno vuelo” ¿se sostiene en el aire?

“como quiebra su cuerpo” “son de goma” “cuentan con indumentaria original”,

“emplean mascaras y maquillajes”. Estas impresiones del espectador están

producidas por el sentido de la vista, Es por la forma lo que los ojos a simple

vista son capaces de captar.

EL ESPECTADOR O PARTICIPANTE

Todos los seres humanos se hallan vinculados al arte de la danza, no importando

su raza, religión, edad, procedencia, estatus social; esta vinculación del ser

humano con la danza, no importando que tipo de género practique. El danzarín

expresa sus movimientos para que así sea apreciado por los demás ¿Cómo

imaginarse una danza aislada del espectador? “La danza con el espectador se

hace completa y lo hace participe” pero a demás este espectador es testigo del

acto de la danza, es un ser humano susceptible de convertirse en participante que

llega a contagiarlo con el fenómeno que la danza produce; a su vez el espectador

ya participante da su juicio de apreciación estética en una obra de danza.



PREPARACIÓN FÍSICA

La preparación física en la danza es muy importante puesto que es una actividad

física que requiere una debida preparación física antes de ejecutar una

interpretación de danza, tan igual como los deportes y quizá en algunos casos

mucho más exigido debido a la complejidad que la danza exige de acuerdo a su

forma, estilo, Genero, para ello mostraremos las diferentes acciones corporales.

1. FORMACIÓN FÍSICA Y BÁSICA

a).- Formación corporal: Desarrollo y perfeccionamiento del sistema óseo-

muscular. Formación del sostén, con especial referencia al logro de la

elasticidad y fuerza muscular por un lado y la

movilidad articular.

b).- Formación orgánica: Acrecentamiento de las

funciones respiratorias y de la nutrición del sistema

neuro-endocrino y del sistema nervioso.

c).- Alineación corporal: Relacionada con los tonos

musculares y la amplitud de las articulaciones para

asegurar una correcta alineación postural estática y

dinámica.

d).- Cualidades físicas: Con la fuerza, la velocidad, la destreza y la resistencia.

e).- Acrecentamiento de la salud: Que derriba de hábitos de la vida higiénica

(reposo, vida al aire libre, etc.).

2. EDUCACIÓN DEL MOVIMIENTO

a).- Se relacionan con el problema de la coordinación neuro-muscular.

b).- El juego de coordinación de diferentes grupos musculares, que integran la

denominada „sinergia‟ músculos protagonistas, que realizan el movimiento en

forma activa; músculos antagonistas, que regulan el movimiento; músculos de

acción intermedia, que aseguran la estabilidad y el equilibrio.

c).- Capacidad de percepción de espacio y tiempo.

d).- Perfeccionamiento de los movimientos que el danzarín conoce y la

búsqueda de nuevas experiencias motrices dentro del infinito mundo de

posibilidades que existe una relación espacio y tiempo.

e).- Educación del ritmo: Todo movimiento tiene ritmo y el movimiento se

consigue cuando el músculo esta educado.



RENDIMIENTO

a).- Descubrimiento de las mecánicas corporales básicas y sus combinaciones.

b).- Desarrollo de las formas básicas del movimiento: caminar, correr, saltar, etc.

c).- Desarrollo de la capacidad para desarrollar estructuras más complejas.

d).- Concreción de resultados positivos.

e).- La satisfacción de ver el esfuerzo gratificado por logros de resultados.

f).-Autoafirmación a partir de la propia realización.

CREACIÓN

a).- Elaboración y búsqueda de la forma propia del movimiento.

b).- Capacidad de encontrar soluciones a la tarea que el maestro propone.

c).- Capacidad de crear combinando formas que el maestro ya ha enseñado.

d).- Participación individual y en grupos.

POSIBILIDADES DE MOVIMIENTOS

Las posibilidades de movimientos son infinitas debido que el cuerpo humano es

la maquina más perfecta del mundo, como un todo. Estimular a los danzarines a

utilizar el cuerpo como una unidad completa Puede constituir una apasionante

experiencia. Cuando se piensa en como introducir al danzante a este campo se le

ocurre a uno un montón de ideas. Existen dos métodos sencillos:

Primero, intentar estirar todo el cuerpo desde la punta de los dedos de las

manos y de los pies hasta la nuca.

Segundo la columna vertebral: Arquear adelante y atrás: doblar hacia un

lado y al otro ondulaciones y circunferencias.

Tercero, una relajación total. Poco a poco se podrán introducir otros

movimientos sencillos tales como estirarse, encogerse, saltar, dar botes,

elevarse, descender etc.

Estas distintas actividades pueden clasificarse en acciones básicas del cuerpo.

Para que el maestro (a) comprenda las posibilidades y muestre a sus alumnos

como pueden moverse y utilizar ese movimiento para expresará transmitir ideas,

mensajes a través de sus movimientos.

ACCIONES CORPORALES

Las acciones corporales que es capaz de realizar el cuerpo entero se descubre a

edades muy tempranas. Cuando la danza es el objetivo que se persigue, las

acciones tendrán que volver a determinarse con mayor claridad, y se podrá

añadir una mayor variedad

El cuerpo puede desplazarse, saltar, caerse, darse la vuelta y moverse sin

ninguna acción específica (normalmente llamada gesto)



DESPLAZARSE

Existen numerosas formas de desplazarse, en las que diferentes partes del cuerpo

cargan con el peso del mismo y la transportan a uno de un lugar a otro.

Los pies se puede utilizar para dar pasos, produciendo la acción de

caminar, correrá distintas combinac3nes de ambas.

El andar a saltos ó brincos constituyen otras modalidades de

desplazamientos sobre los pies.

También se puede realizarla acción de dar pasos con las manos y los pies

produciendo e efecto de rueda de un carro ó hace que las distintas partes

del cuerpo soporten el peso unas detrás de otras.

Todas las partes del cuerpo pueden desplazarse sobre el suelo el cual

constituye el aumento de la variedad de los desplazamientos.

Las acciones de levantar y transportar cosas es posible realizarlas con éxito

cuando el danzarín trabaja en parejas ó en grupos dependiendo de las

dimensiones que sean. Se debe enseñar a utilizar correctamente las piernas y a

espalda para evitar lesiones cuando se cargue con el peso de otra persona.

La acción de desplazarse es por sí misma expresiva de muchas cosas. Puede

mostrar miedo al retirarse, alegría al salir al encuentro de alguien; pero entre

ambos extremos, existe una amplísima gama de posibilidades.

SALTOS Y CAIDAS

Para los danzarines son tan naturales os saltos y las caídas denotando una gran

expresividad dentro de su ejecución, estos pueden realizarse de mil maneras

distintas. Cabe utilizar los pies para “despegar” y “aterrizar” pudiendo hacerlo

juntos ó separados. La elección dependerá de la calidad del salto requerido, sí

debe ser simétrico ó asimétrico, fuertes ó suaves, pequeños ó grandes realizados

con una contracción ó con una extensión.

Así mismo en los saltos son posibles combinaciones de desplazamientos, giros y

gestos, así como saltos asistidos en el que es ayudado por otro a alcanzar una


Ninfa Genoveva Ramos Cuba * Carla Madeleyni Chauca Apaza

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mayor altura bien elevada, convirtiéndose en una plataforma de donde el

danzante pueda saltar.

Los saltos pueden expresar alegría y felicidad ó temor, simboliza fuerza y

dominio ó la liberación de las ataduras de la gravedad cuando se emplea en la

danza.

El caerse puede indicar debilidad derrota ó depresión, por otro lado fuerza y

confianza en la proximidad del suelo.

GIROS

Los giros son rotaciones sobre su propio eje. Se puede realizar imitándose a

girar sobre los pies ó moviendo diferentes panes del cuerpo para que cargue con

el peso del mismo; por ejemplo, dando vuelta o rodando. Un giro puede ser una

revolución completa, una fracción de revolución o varias revoluciones. El

cuerpo puede abrirse o cerrarse sobre sí mismo y también cambiar de nivel Es

posible efectuar giros rápidos y lentos, simétricos y asimétricos, combinados con

los desplazamientos y saltos en donde forman la base de todos movimientos de

la danza.

Un giro puede expresar un cambio mental o un rechazo, pero también un

movimiento de búsqueda, inquietud. Sí se realiza en relación con otra persona u

objeto, significa un fuerte rechazo.



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EL GESTO

El cuerpo entero es capaz de “gesticular” utilizando extensiones y contracciones,

abriéndose o cerrándose. Las distintas partes del cuerpo pueden gesticular

independientemente de la misma manera, elevándose o descendiendo,

retorciéndose y girando, moviéndose, quebrándose o quietos. Así la danza puede

ejecutarse solo con las manos o con las distintas combinaciones de las partes del

cuerpo. Generalmente se hace en conjunción con otras actividades o intercaladas

con otras acciones.

Buena parte de los gestos utilizados en a danza son expresivos, puede extraerse

de las acciones de la vida cotidiana aunque transfiriéndolos a otras partes del

cuerpo aumentando o disminuyendo su amplitud o intensidad, a fin de ampliar la

variedad de expresión.

ESTILOS DE DANZA

La danza como educación debería ser una experiencia globalizada Algunos

estilos y tipos de danza exigen una habilidad o destreza especifica y no siempre

cabe esperar que el profesor posea unos conocimientos lo suficiente mente

profundos como para dominarlos; pero se le podría pedir a un experto que acuda

a la escuela o centro de enseñanza para dar un seminario o proyectar videos que

permitan a los alumnos observar esos distintos tipos y estilos de danza, damos a

continuación una breve explicación acerca de cada uno de dichos estilos.

DANZA DRAMÁTICA

Se trata con toda probabilidad del estilo más comúnmente utilizado. Por lo

general, implica contar con una historia recurriendo sobre todo al esfuerzo y a

las acciones, en tanto si el argumento se expone literalmente es decir, con



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personajes que se desenvuelven de manera abstracta por ejemplo las danzas

cómicas.

DANZA LÍRICA

Es otro estilo corrientemente utilizado, que pone mayor énfasis en los aspectos y

cualidades espaciales muy normales en la forma, le danza se convierte en la

parte más importante. Muchas veces, los danzantes más experimentados utilizan

una combinación de danza dramática y de la lírica, para contar con un máximo

do oportunidades creativas.

DANZA POPULAR

Muchos profesores están ya familiarizados con

algún tipo de danza popular, existen numerosas

formas de utilizarlas en los centros de enseñanza

para ayudar a conseguir la identidad y espíritu

comunitario en clases.

La nuevas danzas populares parecen difíciles de

aprender en algunos casos lo son: Es sumamente

importante y vital que en lugar de aprender paso a

paso de un libro, el profesor menos experimentado

vea u observe como danzan para luego practicarlo.

Pues es la única manera de darse cuenta del ritmo,

forma y carácter correcto de la danza. Existen numerosas sociedades que

estarían encantados de ayudar, apoyar enviando instrucciones o permitiendo a

quienes deseen conocer aun más la danza popular se integren a los grupos que

practican este estilo.

DANZA DE SOCIEDAD

Trata de un campo bastante menospreciado por algunos. No obstante hoy en día

cuando la presión del medio social que

influye sobre la niñez, juventud es para que

se adapten, sobre todo en público, es

importante enseñarles danzas o bailes

básicos que les sirvan de ayuda en la

sociedad.

Consiste básicamente de una combinación

de pasos y movimientos adaptados al ritmo

de la música mas características de nuestro tiempo, en algunos casos danzas

tradicionales bailes de moda que han sido captados por derecho propio, en las



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discotecas salones de bailes o fiestas sociales en donde se practican y exigen

tanto aprendizaje ya se simple o compleja empleando diferentes estilos de danza.

LA DANZA DEL “JAZZ”

Nació en Estados Unidos como baile de sociedad y ha llegado ha convertirse en

parte de los programas de danza en las escuelas, exactamente igual que la danza

popular o la de sociedad que llego a ser en Inglaterra. Que consiste básicamente

en el uso similar de pasos sincopadamente o no, pero claramente adaptados de la

actual música de “jazz” con sus numerosos cambios de tiempos y ritmos, que no

exigen los enormes conocimientos necesarios de movimientos más avanzados y

complicados que el ser humano pueda ejecutarlos.

DANZA TEATRAL

Este estilo de danza se ha considerado durante mucho tiempo

como el “pariente pobre” de las demás modalidades de danza.

Pero, en los últimos años, el teatro y el cine han producido

algunos de los mejores ejemplos de danza creativa con un gran

avance o ruptura.

Hubo una época cuando se utilizaba con fines puramente

decorativos en el que la danza teatral tenia un valor muy

limitado; pero actualmente la danza en el teatro o el cine se apoya en estilos

sumamente variarlos y con frecuencia recurren a coreógrafos de ballet clásico o

moderno, a fin de lograr mayor sentido e importancia.

El valor de este tipo de danza en las escuelas radica no solo en desarrollo o

avance del niño sino también en el mayor placer en experimentarla,

practicándola desde las obras escolares hasta las producciones teatrales basadas

únicamente en a danza o baile.

EL “CLAQUE” Se trata de una rama de la danza teatral que exige una mayor

habilidad específica: pero en un sentido limitado puede resultar divertida de

practicar, Si existe en la escuela o centro de enseñanza un elenco de danza con el

profesor experto para la enseñanza de este tipo de danza.

DANZA RELIGIOSA O LITURGICA

En el centro de enseñanza se podrá encontrar siempre la

oportunidad de danzar o representar la danza como

forma de adoración o como expresión de una creencia o

sentimiento religioso. La mayoría de las religiones



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poseen una larga tradición danzante y se presentan a ser interpretadas,

expresadas a través del movimiento.

Se podrá recurrir para ello a todos los estilos de danzas anteriormente

enumerados: la danza Lírica para adoración o culto, la Dramática para contar

historias o dramas religiosos, mientras que la Popular, Sociedad del Jazz y la

Teatral pueden desempeñarse también en un determinado papel dentro de este

tipo de danza. No obstante, habrá que estudiar cuidadosamente el tema y

procurar respetar en todo momento los sentimientos de los creyentes.

Normalmente, cuando se hacen las motivaciones adecuadas y se ejecutan

debidamente, llegan incluso los más feroces críticos de la danza religiosa o

litúrgica se sientan profundamente impresionados.

GÉNEROS DE LA DANZA

Para observar, estudiar, investigar y analizar a la danza ya sean antiguas,

recientes o actuales es indispensables localizarlas en cuanto a sus características

“maneras de aparecer” y los cometidos sociales, estéticos que voluntaria o

involuntariamente cumplen los requisitos necesarios para la danza, luego hacer

la división por grupos de danzas a las cuales las llamaremos GENEROS.

Debemos entonces clasificar a las danzas según parámetros distintos pero

específicos, los cuales nos permitirán localizarlas en el pasado o en el presente,

observarlas y examinarlas en la realidad concreta de una manera certera y

determinante. Según los grupos sociales que producen y realizan e arte de la

danza o quienes experimentan cada pieza de danza completa según los

siguientes géneros.

Las danzas que las encontramos con raíces natas propias y muy antiguas se

dividen en:

A. Danzas autóctonas

B. Danzas populares

A su vez, las danzas populares, según provengan, realicen en el campo o en la

ciudad se subdividen en:

a. Danzas folklóricas o regionales

b. Danzas populares urbanas

Al considerar las técnicas elaboradas y asimiladas, aceptadas dominadas

mundialmente para que los bailarines se adiestren y puedan convertirse en

profesores o especialistas surgen los siguientes géneros:

a. Danza clásica



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b. Danza moderna

c. Danza contemporánea

La misma evolución histórica del ene de la danza indica, que el ser humano

busca y encuentra OS lugares adecuados para realizar sus danzas

DANZAS AUTÓCTONAS

Se trata de aquellas danzas que aún se

practican en muchas comunidades del

mundo y se han conservado durante varios

siglos o un periodo de tiempo considerable

sus elementos originales pasos, ritmos,

trazos corógrafos, rutinas de montaje o

interpretación, desplazamientos, actitudes,

vestimenta, música, maquillaje,

implementos auxiliares, escenografía, tratamientos de espacios, etc. por tanto

son danzas que ejecutan los descendientes de las más antiguas culturas y

civilizaciones: Incas, Hindúes, chinos, Japoneses, mexicanos, Árabes, Africanos,

etc. son danzas que han alimentado o servido de base a otros géneros y

modalidades de danza ya sean populares y teatrales pueden denominarse

también danzas tradicionales, porque son parte del acervo cultural de un pueblo

que lo identifican desde hace mucho tiempo y forman parte del que hacer

cotidiano.

DANZAS POPULARES

El enorme campo de la danza a nivel

mundial las danzas populares representan el

sector más amplio vivo y repetitivo de este

arte. Poseedor de un impulso natural, casi

intuitivo para danzar, individualmente o

colectivamente, se ve impedido a unirse a

sus congéneres para celebrar, festejar, representar y narrar los hechos de su

existencia por medio de los movimientos del cuerpo en el espacio. Así podemos

observar a cualquier comunidad o núcleo social crear danzas que la caracterizan,

sino que la organización del “evento” une a sus integrantes reuniéndose.

El primer lugar la actividad de danza puede convertirse en el punto de

convergencia social: los grupos humanos se reúnen expresándose al danzar

porque requieren de organización que apoyen el intercambio de la amistad,

solidaridad en general. Sin embargo los grados y maneras de la creatividad



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colectividad, a lo largo de la historia, expresan características y aspectos

generales que se han visto afectados profundamente por las formas de vida. Por

ello, según las danzas populares decaigan o se efectúen en el campo o en la

ciudad adquirirá los nombres de danzas folklóricas o regionales y danzas

populares urbanas.

DANZAS FOLKLÓRICAS O REGIONALES

A diferencia de las danzas autóctonas las folklóricas

o regionales expresan directamente las actitudes

existentes, las formas de vida y de organización, las

ideas morales y religiosas de unión compacta más

recientes. Se considera que en los espacios del campo

agrícola con nombres propios existen rutinas de

danza que tienden a repetirse.

Así mismo, as formas de danza que surgen son de

índole directa, elemental en cuanto que relatan

literalmente los hechos, figurativas al grado reducido de complicación de sus

figuras sencillas, con respecto a sus anécdotas y mensajes demostrando de

manera directa. Asimismo las danzas folklóricas y regionales tienden a ser bailes

por la comunidad entera,

Las danzas regionales responden directamente a la idiosincrasia de la comunidad

que las hace existir. En ellas se expresan no solo como ya lo hemos explicado, la

cultura del cuerpo propia de cada región sino también otros aspectos de manera

de ser de sus habitantes. Por ejemplo los hábitos de vestir, él comer, su sentido

de ritmo, sus nociones de belleza, incorporando anécdotas propias, historia, en

algunos casos imitando los movimientos de los animales de la zona reproducen

obras literarias, fábulas mitos y supersticiones locales. En todas ellas se

incorporan notablemente los ritmos, los tipos de música, los instrumentos

musicales que se incorporan.

DANZAS POPULARES URBANAS

El proceso de urbanización a lo largo de la historia ha

dejado su huella en todas las manifestaciones del arte:

la danza no podía desligarse del fenómeno. Expresión

directa de formas de vida y de organización, la danza

ha ofrecido una vía de acción que a veces va más allá



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de lo artístico para todos los tipos de ser humano, todas las ciases sociales, todos

los tipos de agrupamiento.

Las danzas populares urbanas son aquellas nacidas en el seno de las ciudades,

han surgido a partir de los impulsos colectivos de sectores sociales oriundos de

la urbe o aclimatado a los sistemas de vida urbana

Tal vez por razones de participación y reproducción de actitudes, ritmos y

rutinas en la esfera citadina se generan con mayor facilidad “ideas de danza”

originales más complicados y más complejos. Por otra parte el ámbito urbano

sobreviene con mayor efectividad y rapidez un fenómeno de combinaciones,

desplazamientos movimientos de rutina de danzas, toda vez que esta actividad

de trabajo lo toman profesionalmente en la sociedad.

Además de “pegajosas” las danzas populares urbanas resultan ingeniosas,

complicadas. No es fácil trazar la línea de origen, de la trayectoria coreográfica

musical de algunas modalidades, francamente son abstractas, simbólicas o

culturalmente “inesperadas”. Los trazos en el espacio constituyen alardes de

eficiencia en la danza y son resultados de una expresividad propia de virtuosos

de valoración a la danza popular urbana.

LA DANZA CLÁSICA

Denominamos danza clásica a la modalidad Europea

surgida y asentada de manera codificada durante el siglo

XVII. Como hemos visto ningún género o tipo de danza

se halla alejado de la cultura del cuerpo, en el caso de la

danza clásica los vínculos entre las danzas populares ya

“exteriores”, “teatrales” y los medios de la nobleza

inclinados a ejercer la actividad de la danza resultan

amplios y notables.

El origen cortesano de la danza clásica radica en el

hecho de que se trataba de divertir a entretener a la

nobleza con prácticas de danza accesibles. La danza era

una diversión programada, atractiva y fina; requería de

disciplina y atención, en la corte francesa se organizaban mascaradas,

pantomimas y bailes que exigían la presencia de “maestros” y coreógrafos.

En la actualidad el género se ha ampliado, los alcances de sus temas, podemos

apreciar las características de su lenguaje, no obstante que los bailarines en el

escenario se hallan vestidos como cualquier mortal del siglo XX describiendo



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situaciones cotidianas. El ballet clásico contemporáneo será aquél que se realiza

dentro de los cánones del lenguaje clásico pero que trae a colación temas de

corte actual.

LA DANZA MODERNA

Al finalizar el siglo XIX como ocurrió con las manifestaciones artísticas,

muchos bailarines coreógrafos comenzaron a cuestionar la vigencia y la

operatividad de la danza clásica. En una busque da de códigos más accesibles,

naturales y lógicos que concordaran con la cultura del cuerpo intencionalmente

observada, surgen a bailarines y corógrafos innovadores tanto en Estados

Unidos como en Europa.

La danza no podía permanecer al margen de las

grandes transformaciones que por aquella época

se llevaban a cabo social y culturalmente en todo

el mundo. Las técnica los es y las escuela de

danzas modernas impulsan un alejamiento total

de la danza clásica tanto en lo formal como en

los sistemas de adiestramiento. Esta razón

influye en la aparición de un nuevo lenguaje de

danza que será aceptado rápidamente por las nuevas generaciones a partir del

primer decenio el siglo XX.

La diseminación de una nueva cultura del cuerpo más libre, más universal, atrae

a jóvenes y niños. La danza moderna abría posibilidades múltiple hasta ese

momento ignoradas Mediante sus propias sensaciones los aspectos de la danza

pueden percibir que muchas de las posibilidades expresivas del cuerpo se

hallaban dormidas o inhibidas, que la danza puede asomarse a todos los rincones

del mundo para nutrirse.

Sin embargo podemos apuntar algunas características: El apoyo del cuerpo se

halla en su interior, la expresividad del rostro y partes del cuerpo es simultanea y

hace completos a los movimientos, el cause de la energía a través del cuerpo es

fluido y libre, se utiliza todo el espacio, se reconoce el suelo como parte del

espacio comienza a romperse el figuratismo mediante la expresividad hombres

y mujeres.

LA DANZA CONTEMPORÁNEA



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Los acontecimientos mundiales, los avances

de la ciencia y la tecnología y el de venir

propio de las manifestaciones artísticas

impidieron que los ofrecimientos de la danza

moderna permanecieran estáticos inmóviles.

La danza contemporánea comienza a

realizarse en azoteas aeropuertos, vestíbulos

de edificios públicos, gimnasios, etc. Pero

sabemos del enorme éxito, desde la

aparición de la danza, de las prácticas

colectivas en el campo abierto, en calles y

plazas.

En cuanto en la preparación profesional de

los artistas ha quedado referida al aprovechamiento de las técnicas asentadas y

reconocidas del mundo de la danza moderna, en la cultura del cuerpo se

estudiaron las formas de alimentación, se universalizaron las practicas de las

artes marciales y el deporte, se descubrió la necesidad ineludible del ejercicio

físico en todas la edades del ser humano. Se amplio el espectro de la

expresividad corporal y sexual, se reconocieron la eficiencia de la seguridad de

los tratamientos didácticos y terapéuticos por medio del ejercicio físico y el arte

dala danza.

Se revaloraron las actividades de1 origen ritual y mítico, esta verdadera ola de

descubrimientos y cambios de criterios hizo productiva la divulgación de las

danzas populares urbanas de la cual han surgido, en todos los países del mundo

ritmos, modalidades, estilos, obras y ejecuciones que apuntan a lo que será la

danza. Todo tipo de danza del futuro: Experiencia colectiva en la que se

salvaguarden los valores y expresiones directamente humanos de la especie.

METODOLOGIA Y ESTILOS DE ENSEÑANZA

La elección de estilos, métodos de enseñanza depende del objetivo que uno

tiene, los estilos y métodos no son excluyentes sino acciones complementarias

para hacer mucho más eficaz y práctico para la enseñanza de danza y tenemos

los siguientes:

INSTRUCCIÓN DIRECTA.



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Existe un modelo de referencia que los alumnos intentan imitar y realizar lo más

similar y fiel. El alumno apenas toma decisiones, Es uno de los estilos

apropiados para la enseñanza de técnicas de danza y de bailes. El profesor puede

hacer una descripción de la tarea de manera global si se analiza esta técnica

resulta un tanto compleja y difícil al tratar de imitar. Es recomendable e

importante la demostración en el lugar donde se sitúa el profesor al colocarse

frente a los alumnos facilita la precisión al demostrar y realizar el acto de la

danza. El empleo de espejos facilita información constructiva, especifica,

descriptiva y positiva (a través de correcciones). A continuación propondremos

aspectos metodológicos de la instrucción directa como propuestas de

organización.

ORGANIZACION LINEAL.- El modelo se coloca frente al grupo de clase.

Entre los alumnos existe orden, buena visibilidad, alternancia de los

componentes (cambio de la fila de atrás a adelante que permite observar al

modelo a seguir). Esta propuesta facilita un gran número de repeticiones.

ORGANIZACIÓN POR OLEADAS.- Si lo posibilita a dimensión de la sala

se trabaja con movimientos que implique desplazamientos entre los alumnos se

establece un orden de filas situados frente a un grupo de referencia

(generalmente en el espejo). Esta propuesta facilita la reflexión de la ejecución

entre repeticiones.

ORGANIZACIÓN EN DIAGONALES.- Permite la observación entre

compañeros y facilita información específica a cada alumno. Se recomienda

hacer un número mínimo de dos diagonales por alumno.

ORGANIZACIÓN LIBRE.- Facilita el trabajo en formas y jugadas, puede

existir o no el punto de referencia. Cuanto mayor se a la complejidad del

movimiento, más simple tienen que ser las reglas a manera de jugadas. Las

formas jugadas pueden ser individuales en pareja en grupo (el tren propuesta

libre y con una fase organizada donde se va enganchando el grupo), El objetivo

es el aprendizaje de una propuesta coreográfica priorizando la sociabilización y

la comunicación.

PROPUESTA PARA EL DESARROLLO DE UNA DANZA CREATIVA

Cuando los alumnos toman iniciativas al utilizar movimientos de algún

significado personal. Se emplea la vivencia a través de la experiencia del

aprendizaje, los alumnos efectúan movimientos propios de sus ideas,

sentimientos y expresión para dar sentido ala realidad.



21

El método que más se utiliza en la danza creativa es a través de la combinación

compleja de imágenes que responden a un tema planteado de sus cualidades

personales. El profesor debe ser muy receptivo a las propuestas, favorece un

buen clima y la libertad en el aula,

Aspectos metodológicos de la enseñanza mediante la resolución de problemas,

seguidamente haremos una propuesta en dificultad de este método:

1º FASE.

- El profesor: Elige la música.

- Grupos (entre 4 a 6 personas): Se les pide propuestas de movimiento.

Realización de frases en grupos reducidos.

- Profesor: Selección de frases y creación de series.

- Grupo: Escucha la música.

- Profesor: Da recomendaciones de movimientos y espacio.

- Grupo: Realizan las frases sin música y luego con música.

2º FASE.

- Profesor: Propone una coreografía.

- Grupos: Les propone realizar estas dos series.

- Profesor: Propone distintas músicas.

- Grupos: Realizan la coreografía completa tantas veces sean.

- Grupo: Observa el proceso de la realización inicial al final.

3º FASE.

- Profesor: Asigna tareas reflexivas para construir frases.

- Grupos: Elaboran composiciones.

- Profesor: Elaboran composiciones.

- Grupo: Organiza entre sí las composiciones.

- Profesor: Selecciona el orden de las composiciones a a música.

- Grupos: Todos realizan la coreografía.

4º FASE.

- Profesor: Divide a la clase en tres grupos y propone la creación de una serie

por grupos.

- Grupo: Enseña a otros grupos su propia serie.

- Profesor: Une las tres series y establece la organización y evolución espacial.

- Grupo: Realizan la coreografía completa.

5º FASE

- Grupos (reducidos de 3 a 4 componentes): Realizan dos series que se enseñan

entre sí.



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- Profesor: Propone la música.

- Alumno: La organización que debe realizar cada grupo con su serie es decir

debe pasar por el rol del profesor.

6º FASE.

- Profesor: Propone realizar en grupos reducidos una coreografía en su totalidad.

E. profesor se convierte en un orientador del proceso de enseñanza y

construcción, resolviendo dudas y realizando arbitrios.

SESIÓN DE APRENDISAJE

Se define como a la secuencia de actividades organizadas de manera coherente

en función del grupo de clase, del tiempo disponible y demás intenciones

educativas definidas.

ASPECTOS IMPORTANTES PARA CREAR DANZAS CON LOS NIÑOS

Tener paciencia. Los niños no son iguales y a la hora de bailar las

diferencias se van a notar más, sobre todo si se trabaja con niños pequeños.

Hay niños más torpes que otros; unos tienen buenas condiciones físicas pero

no tienen musicalidad o al revés; otros son muy expresivos pero son

incapaces de llevar el ritmo; otros son cohibidos, etc.

Motivar al niño. No a todos los niños les gusta bailar. Muchos piensan que

hacen el ridículo, que no se les da bien, etc. Hay que animarles; decirles que

lo están haciendo mucho mejor y que se den cuenta de la importancia que

tiene cada uno dentro del baile. Los niños se motivan más si su baile

representa un trocito de una historia. Se les debe contar la historia,

explicarles bien lo que ellos van a representar dentro de ella, ponerles la

música que van a utilizar, y que expresen cada uno como quiera cómo

representaría su papel.

Crear un buen ambiente. Es importante que el niño se sienta cómodo y que

se divierta con lo que va a hacer. La danza ayuda a crear compañerismo. Uno

es tan importante como el otro. Se deben hacer cambios de pareja, ya que no

sólo sirve para que se acostumbre a bailar con cualquier compañero, sino que

ayuda a relacionarse con todos los demás. Siempre se deben evitar las

comparaciones y no despreciar a ninguno a la hora de bailar. Todos son

importantes, aunque sólo haya 1 o 2 que hagan el papel principal.

Aprenderse la danza y la música. Deben aprenderse tanto el ritmo de la

música como el baile y expresiones corporales que requieran dicho baile. Es

necesario que presten atención para saber exactamente cuándo tienen que

aparecer en escena, cuándo tienen que desaparecer, cuándo tienen que



23

quedarse quietos, etc. Es aconsejable colocar delante a algún niño que se

aprenda bien el baile y que tenga buen ritmo, pero hay que evitar que

siempre sea el mismo niño y procurar que no siempre sean los mismos los

protagonistas. Para el día de la representación, tienen que tener muy claro

que no deben distraerse con el compañero, ni con el vestuario, ni con los

decorados, ni con el público. El montaje de una coreografía que requiere un

gran esfuerzo y trabajo por parte de todos, puede estropearse por la

distracción o falta de atención de cualquiera.

Posición del cuerpo. Si queremos que las danzas queden más v atractivas,

debemos procurar que los niños:

- Mantengan el cuerpo erguido con naturalidad; enseñarles a

contraer estómago y los glúteos.

- Las piernas deben estar giradas hacia los lados o rectas, pero nunca

para dentro.

- Las piernas deben estar estiradas y los brazos alargados para hacer

cualquier movimiento.

- No mirar al suelo; la cabeza erguida y ¡cuidado con las muecas!

- La respiración debe ser rítmica y normal.

CLASIFICACION DE DANZA A NIVEL NACIONAL

Las danzas de nuestro país vienen siendo clasificadas por las tres grandes

regiones

- Danzas de la costa

- Danzas de la sierra

- Danzas de la selva

Como también en:

- Danzas del norte

- Danzas del centro

- Danzas del sur

Encontramos diferentes clasificaciones según los diferentes autores que vienen

haciendo algunas notaciones desde su propio punto de vista.

CLASIFICACION DE DANZAS DEL DEPARTAMENTO DE PUNO

Por la gran diversidad de danzas folklóricas existentes en el departamento de

Puno, que siempre ha sido un desafío para los estudiosos de la danza, se ha

tratado de clasificarlas desde diversos puntos de vista:

Según el autor Luis E. Valcarcel



24

Danzas nativas de origen pre colombino: Danzas Aymaras,

Aymatha (-ña), Sokhata (-ña ), Apal apaltatha (-ña) etc. estas

danzas ya no existen.

Danzas extranjeras asimiladas durante el virreynato.

Danzas nativas surgidas bajo el dominio español.

Danzas originadas durante la república, todas en variada mezcla de

ritos paganos y católicos.

Según el profesor Félix Paniagua Loza

En su libro “Glosas de Danzas del Altiplano Peruano”

- Danzas Cordilleranas. Son danzas de expresión telúrica del espíritu vivo

del aymara ejemplo la kullawada, k‟ajelo.

- Danzas de Cazadores. Danza que contribuye a las actividades como el

chaco de los animales, la trasquila de los camélidos andinos que son

actividades esenciales del pastoreo ejemplo los Choquelas, Llipi pulis

- Danzas de Pastores. Danza generalmente lenta que vienen de las

actividades de pastoreo ejemplo los Llameritos decanteria, la Llamerada.

- Danzas Agrícolas. Danza que nacieron y se desarrollaron simultáneamente

con el proceso de domesticación de la papa la quinua y de los camélidos,

vinculados estrechamente con el proceso de la producción y la

transformación de la naturaleza ejemplo los Satiris, Llamalluris, Tarpuy

- Danzas Carnavalescas. Que son muy conocidas y muy practicadas por la

mayoría de los pueblos, que se producen en forma tradicional y que también

comprenden los mitos, las leyendas que obedecen a las manifestaciones de

alegría, regocijo en homenaje a la chacra en flor como tributo a la

fecundidad de la generosa madre tierra ejemplo diversos carnavales de cada

una de las zonas o pueblos que a ejecutan como el carnaval de Ichu.

- Danzas Matrimoniales. Son expresiones líricas del entusiasmo que exalta a

todo ayllu o comunidad. El Casarasiri es una danza ejecutada luego de un

casamiento a donde concurren familiares, amistades y vecinos de los

diferentes pobladores con alegría popular ejemplo el Tumpay, Casaracuy,

Casarasiri

- Danzas Satíricas. Tienen su origen y surgimiento a partir del coloniaje y

posteriormente por a clase dominante las que olvidaron las buenas

costumbres inspiradas en el respeto de la sátira, protesta o burla a los de la



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clase opresora explotadora o que cometen abusos ejemplo Achachi cumu. El

Auqul auqui, Machutusuc.

- Danzas Guerreras, Son danzas dinámicas, ágiles en las cuales existen

enfrentamientos sucedidos entre uno y otro grupo social en las cuales se da

el hecho del convencimiento de la existencia de lOS más fuertes y los más

débiles ejemplo los Incas, los Collas.

- Danza de Sicuris. Danzas en donde los integrantes ejecutan la música y

coreografía paralelamente con el famoso instrumento llamado el Siku o

zampoña por ejemplo Sicuris de Amantaní, Taquili y Wayra marka.

- Danzas Mistificadas. Son aquellas danzas que han sido insertadas

combinadas diferentes aditamentos formas de vida costumbres de dos a mas

culturas mezcladas en la danza.

Según Pierre Verger

Las 147 danzas puneñas fotografiadas, las clasifica por su contenido y

significado en la siguiente forma:

- Danzas religiosas: Ayarachi.

- Danzas totémicas: Ukuko, Kusillo.

- Danzas Guerreras: Chunchos de Yahuarmayo, Akorasi.

- Danzas gremiales: Arrieros, Pastores, Llameros.

- Danzas Satíricas: Tucumanos.

- Danzas Regionales: Chunchos, Qollas.

- Danzas importadas de solo diversión: Tika kaswa.

- Danzas agrícolas: Carnavales y sus variedades. Danzas de recorrido:

Pandillas.

Según el Dr. Efraín Morote Best

- Danzas de Recorrido: especie Carnaval

- Danzas burlescas: especie Pantominos

- Danzas Pastoril: especie llameros Danzas Agrícolas: especie Tarpuy

- Danzas Grotescas: especie Diablada

Según el autor José Portugal Catacora

- Por las zonas de habla Quechua y Aymará.

- Según el proceso Histórico: de raíz aborigen y las creadas durante la

colonia.

- En función del proceso cultural: Aborígenes y Mestizas.



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EL ARTE DE LA COREOGRAFÍA

Este arte es muy importante para la danza y que; Consiste en diseñar y montar el

movimiento de los cuerpos de los bailarines en el espacio, el cual habrá el de

realizarse en un lapso especifico que se denomina obra o pieza coreográficas. El

montaje incluye el establecimiento de las relaciones adecuadas entre el

movimiento y los demás ingredientes visuales, rítmicos y auditivos. Resulta un

arte muy difícil si se considera dos circunstancias básicas:

1) Cualquier acción de danza aún improvisada o espontánea, individual o de

grupo “genera” automáticamente una coreografía.

2) El coreógrafo desempeña el papel de organizador de todos los elementos

de una pieza u obra de danza por esta razón manifiesta lo que quiere

expresar, crea su propia obra.

COMPOSICIÓN COREOGRÁFICA.

Al componer coreografías para las danzas o bailes resulta un procedimientos de

elección y combinación de acciones motoras, para elaborar secuencias de

movimientos que poseen una lógica interna y que se denomina frase de

movimiento entre secuencias y figuras coreográficas lo que pueden ser

combinadas entre si. Este es un proceso técnico de construcción de coreografías.

SECUENCIA COREOGRÁFICA

La serie de movimientos que se desarrollan al momento de danzar o bailar

generan automáticamente una secuencia coreográfica siempre en cuando estos

movimientos deberán de estar al ritmo, melodía y armonía musical de un

compás o de todo un tema musical de la danza que se ejecuta, a esto es llamado

también como (pasos o secuencia coreográfica).

FIGURAS COREOGRÁFICAS

Al ejecutar una secuencia coreográfica el danzarín o danzantes deberán mostrar

el mensaje de la danza que ejecuta, transmitido mediante los movimientos

propios o colectivos efectuados de manera sincronizada las secuencias y

desplazamientos al momento de danzar, desarrollando diferentes figuras

empleando sus cuerpos en el espacio, y ser observado de diferentes perspectivas

del escenario en que se danza, ya sea en un medio natural, al aire libre,

explanada, estadio, coliseo, teatro etc. Para así mostrar el mensaje de la danza al

ser apreciados por el público espectador la obra de danza que se disfruta.



27

Las figuras coreográficas se efectúan según al género y mensaje al cual es

interpretada la danza las más comunes en toda danza son: los círculos su

significado es la reunión, filas su significado son los pasacalles, bloques su

significado es la disciplina y orden.

SINCRONIZACIÓN COREOGRAFICA

La acción de danzar implica una sincronización en los movimientos de los

danzantes, cada una de sus partes del cuerpo de los danzantes tenga que estar tan

iguales con los demás integrantes en cuanto a sus movimientos, pasos y

desplazamientos, siendo de manera igual y al mismo tiempo con todos los

demás interpretes de la danza.

COREOGRAFIA

La palabra coreografía proviene del griego, que quiere decir “El que escribe la

Danza”, este concepto se utilizó en los siglos XV y XVI, en los albores de la

Danza Clásica.

A través del tiempo con el desarrollo de los diferentes estilos de danza, la

palabra coreografía es definida, como la composición artística de la danza, que

engloba tanto.

Al técnico que escribe la danza. Al artista compositor.

El Coreógrafo

Esta denominación designa, al artista compositor de la danza, debemos de

entender que la más grande aspiración en las personas que realizan algún tipo de

arte es llegar a la composición, a la creación individual propia, que refleje las

aspiraciones y concepciones de la persona desde su particular punto de vista.

En su primer paso hacia la creación, el coreógrafo se inspira en una obra

literaria, musical o pictórica, para componer un tema danzante, que estará

vinculado con la obra inspiradora.

Condiciones de un coreógrafo

Ser extrovertido

Ser sensible frente al ser humano

Ser observador en potencia

Capacidad para captar y retener una forma total

Tener sentido dramático

Tener sentido de lo adecuado (discernir)

Tener una visión aguda y el oído sensible

Habilidad, presteza e ingenio.

Tener criterio.

Valerse del lenguaje.



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Conocimientos del coreógrafo

Conocimiento del cuerpo.

Tener conocimientos musicales.

Conocimiento sobre el dibujo.

Conocimiento de práctica escénica.

Conocimiento de la historia del arte.

Conocimiento sobre vestuario.

Conocimientos sobre luminotecnia.

Conocimientos sobre la danza en general.

La Dinámica

Es el ingrediente que da sabor e interés a la danza, en el movimiento lo suave y

lo fuerte, se piensa en la dinámica como una escala que va desde la consistencia

de una gelatina al acero más fuerte, con infinitas variaciones,

Lento, suave, con fuerza.

Rápido, suave, con tensión

Moderado con poca fuerza

Lento suave sin tensión, etc.

La dinámica es el nervio de la danza y no debe de ser ignorada

La motivación

El movimiento sin motivación es inconcebible, la motivación es el impulso

consiente de la persona que da origen al movimiento en una danza.

Es la manera como preparamos psicológicamente a los danzarines para que se

puedan desempeñar de la mejor manera en la ejecución de las coreografías

La música

En coreografía no toda música se presta para la danza y podemos resumidas en

tres.

Melódica (Dulce, suave).

Rítmica (Orden acompasado, armonioso, proporcional).

Dramática (Tensa, apasionada, conflictiva, conmovedora)

Debemos pensar en la danza como un personaje que siempre anda en pareja a la

par y no sentir a la música como un patrón o amo.



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El Tema

El tema constituye una de las partes fundamentales del arte de la danza,

principalmente para el coreógrafo, es a base de inspiración que tiene, y puede

ser originada de diferentes fuentes.

El diseño

Es el arte de crear composiciones corporales individuales y en grupo, con una

persona o un conjunto de bailarines y distribuirlos en un escenario.

Clases de diseño:

Simétrico (Tranquilidad reposo sobriedad – equilibrio).

Asimétrico (pugna estímulo conflicto fuerza)

Estos dos tipos de diseño, pueden ser:

De sucesión.

De oposición

Escritura de la Danza

Escribir la danza es definir en el tiempo y en el espacio, por letras, cifras y

signos apropiados, una sucesión de actitudes del cuerpo que permitirán la

reconstitución de un tema danzante.

Son dos las preocupaciones principales que están vinculadas con la definición de

la danza en el espacio:

Orientación y colocación del cuerpo con respecto al público.

Posición del bailarín en escena.

DOMINIO DE ESCENARIO

Dentro de la danza el dominio de escenario es muy importante puesto que toda

danza debe de mostrarse e interpretarse empleando el espacio escénico

adecuadamente.

Espacio Escénico

Se ha definido al espacio escénico, como un rectángulo que esta dividido en un

cierto número de cuadrados, asignándoles a cada uno de ellos una

denominación, que evitará confusiones, cualquiera que sea el modo de división

adoptado.



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Los desplazamientos que cubren la parte central o medio del escenario en

profundidad serán designados por a letra M, seguida de un número que indicará

el alejamiento del frente de la escena, Mi, M2, M3, M4. M5, M...

Los cuadrados de la derecha y de la izquierda se identificarán con las letras D

(derecha) y I (izquierda) y se complementarán con la sucesión de letras

minúsculas a, b, c, d, e..., que mostrarán el alejamiento o colocación de los

bailarines con respecto al medio del escenario, y los números 1, 2, 3, 4, .5..., que

indicarán las posiciones en profundidad con respecto al público.

Estas indicaciones se escribirán en el interior del círculo, en el costado opuesto

de la flecha.



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El espacio escénico en teatro

Es el lugar especial donde los alumnos de danza realizan sus coreografías, es el

sitio primordial del teatro donde los danzarines o elencos, representan una obra

de danza.

EL ESCENARIO

En este diseño, podernos identificar cuatro partes fundamentales por razones

didácticas:

El foro: que viene a ser el fondo del escenario. El espacio escénico: espacio

donde se desenvuelven las coreografías de danza. El proscenio: Es el sector del

espacio escénico que esta más cerca del público.

Esquinas: o cuatro verticales, dos del foro y dos de la embocadura.

En base a estos elementos, nosotros podemos dar valor al escenario, para que

sirva de una manera eficaz al coreógrafo y sus danzarines

El Centro del Escenario

Es el lugar más fuerte del espacio escénico, esto se define así por la confluencia

de innumerables líneas imaginarias que confluyen al centro ce nuestro espacio,

que son percibidas de una manera inconsciente por los espectadores.

Lugares fuertes y débiles del es escénico



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Proyecciones en el espacio escénico

Viene a ser las direcciones de movimiento que se pueden ejecutar en el espacio

escénico (Las más recomendables, por prioridad).

El movimiento directo, donde avanza el personaje del fondo (foro), hacia

la embocadura o proscenio.

El movimiento en diagonal.

El movimiento de costado, de derecha a izquierda y viceversa.

El movimiento en círculo.

COREOGRAFIA PARA HACER CON LOS NIÑOS

Las coreografías que aquí se exponen son creaciones propias. Algunas están

basadas en coreografías del ballet clásico pero adaptado a las diferentes edades

de los niños, teniendo en cuenta que los que van a participar no son especialistas

en danza.

La mayoría de las coreografías están compuestas de diferentes bailes, y en cada

baile se especifica la edad a la que va dirigido, el argumento de ese baile, el

vestuario, el decorado silo hay, y la música correspondiente.

Además de bailar, los niños tienen que expresar con su cuerpo la historia que

están contando. Es importante que dejéis improvisar los gestos de su rostro o

cuerpo antes de darles un modelo a seguir. Los niños son capaces de crear y

exteriorizar con su cuerpo el papel que tienen asignado. El educador debe

contribuir y fomentar su espontaneidad.

Escribir una danza ya se ha comentado que es bastante complicado. Para que se

entiendan bien estas coreografías, es fundamental primero escuchar la música y

leer el argumento de ese baile. Si no tenéis la música, hay coreografías o danzas

que pueden resultar complicadas como La Cenicienta o el principio de Una clase

de Geografía. Pero en cuanto se escucha la música, todo se entiende mejor y las

representaciones salen casi solas. Después se coge el apartado de danza y con la

música, se acoplan los pasos de danza y la expresión corporal en ellos

incorporada.



33

La métrica de la música unas veces se marca con los pasos de baile. Por

ejemplo, si se dice que realizan dos pasos de vals, nos indica que son dos

compasas de 3/4; si hay que hacer 2 pasos de polca, significa que son 2

compases de 2/4, etc. Los pasos de danza explicados en el capítulo 6 o a lo largo

del libro, señalan el compás correspondiente. También se indican los tiempos de

algún paso con I, II, III, IV, etc. Si no se especifica nada, el valor de cada tiempo

es el de la figura negra. Otras veces se indican los tiempos o compases de la

música entre paréntesis para que os sirva de orientación. Hay que tener en

cuenta los niños con los que se va a bailar. A lo mejor un ejercicio marcado en 4

tiempos, necesita el doble para hacerlo con otros niños. Por este motivo, habrá

cosas que tengáis que cambiar o suprimir.

Las danzas que se señalan como «Danza con mimo y expresión corporal”,

significa que están colmadas de mimo y expresión más que de pasos de baile.

Las ideas que se exponen, hay que combinarlas con la creatividad propia de los

alumnos y del educador, y ajustarlas a la música. También hay que adecuar la

longitud de los pasos al espacio del que se disponga y a la velocidad de la

música.

En la danza se especifica el trozo de argumento (Argumento 1, Argumento 2...)

que se va representando con sus diferentes ejercicios. Cada letra marca un

ejercicio.

En algunas coreografías es aconsejable que se haga un pequeño descanso o

intermedio. Se debe aprovechar para hacer un cambio de decorado si hace falta,

o por si algún niño tiene que cambiar de vestuario o maquillaje.

La finalidad de estas coreografías es proporcionar una herramienta para danzar y

crear. No hay porqué reproducir totalmente lo que este libro contiene. Se debe in

ventar, jugar con las danzas y descubrir los propios dones.

LA CENICIENTA

MÚSICA

PROKOFIEV: La Cenicienta.

ALUMNOS

Coreografía para alumnos de Tercer Ciclo de Educación Primaria.



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DURACIÓN

Alrededor de 20 minutos.

ARGUMENTO

Basado en el cuento de La Cenicienta.

BAILE DE CENICIENTA

MÚSICA

Del Acto 1 Pas de Chat.

DECORADOS

Muebles antiguos simulando un salón lujoso. Tiene que haber como mínimo 3

sillas, una o dos mesas, jarrones, libros, etc.

ALUMNOS

Dos alumnas de Tercer Ciclo de Educación Primaria que harán de Cenicienta y

de madrastra.

VESTUARIO

Cenicienta: Un vestido con harapos. También puede ser un maillot o

camisa una falda con harapos. Lleva cogido a la falda o al traje un trapo

de limpiar y en las manos un plumero. El pelo recogido en un moño o en

una coleta.

Madrastra: Bata y camisón largos, elegantes, y un chal. Maquillaje: Para

reflejar un rostro enfadado, con un lápiz de ojos se pinta una raya gruesa

en el párpado con rabillo, y una sombra oscura. Los labios deben estar

pintado altos y estrechos.

ARGUMENTO

La escena se sitúa en la casa, lujosamente amueblada, de la Cenicienta.

1. Cenicienta está limpiando el polvo con un plumero.

2. Se acerca a una mesa y descubre una invitación para asistir al baile que

se celebra esta noche en Palacio. Cenicienta, llena de alegría, empieza a

bailar y se imagina que está bailando con el Príncipe.

3. Llega la madrastra enfurecida y le dice que se marche.

DANZA

Argumento 1

A. Se abre el telón en los compases de introducción, y se ve a Cenicienta de

espaldas al público en una librería limpiando libros con el plumero.



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B. Sigue de espaldas al público y da 4 pasos andando normal, hacia un lado

de la librería, y en 4 tiempos limpia con el plumero. Repite lo mismo

hacia otro lado.

C. Se dirige dando 4 pasos andando hacia uno de los jarrones que está

encima de una mesa, y se coloca de cara al público. Deja el plumero

encima de la mesa, y coge el trapo de limpiar que lleva en la cintura y

limpia el jarrón (12).

D. Deja el jarrón en el suelo y limpia la mesa con el trapo (16).

Argumento 2

E. Coge el jarrón y o coloca en el centro de la mesa. Se queda mirando a la

otra mesa y ve que hay un papel encima de ella. Corre de puntillas para

quitarlo de allí, y descubre que es la invitación al baile (8).

F. Con el papel en la mano, realiza 8 pasos andando hacia atrás y hace come

si estuviera leyendo la invitación. El rostro tiene que expresar alegría. Da

una vuelta sobre sí misma con 8 pasos y abraza la invitación llena de

alegría a la vez que balancea el cuerpo 8 veces.

G. Flexiona el tronco y mira hacia la derecha y luego hacia la izquierda para

ver si hay alguien. Corre hacia la mesa, deja la invitación y da una vuelta

por la sala mirando otra vez por si apareciera la madrastra o

hermanastras. Se coloca en el centro del escenario (16).

H. Cenicienta feliz, se pone a bailar. Ocho galops hacia una esquina del

escenario con el pie derecho delante, y 8 pasos saltados dando una vuelta

sobre sí misma. Repite lo mismo en cada esquina del escenario.

I. Se queda en la última esquina y con las manos en la cintura, salta sobre la

pierna izquierda punteando la derecha hacia delante 4 veces. Cambia de

píe y salta sobre la pierna derecha punteando la izquierda hacia delante 4

veces. Repite lo mismo pero lo hace 2 veces con cada pie y luego 1 vez,

cambiando de pie 4 veces:

4 - 4 - 2 - 2 - 1 - 1 - 1 - 1

pd – pi – pd – pi – pd – pi – pd - pi

Repite todo el ejercicio.

J. Corre de puntillas hacia el plumero en 8 tiempos. Coge el plumero y se

dirige andando al centro del escenario (8).

K. Sujeta el plumero con los dos brazos por encima de la cabeza. cuatro

saltos levantando las piernas hacia delante, y 4 saltos levantando las

piernas hacia atrás.

L. Repite el número K.



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M. Cenicienta se imagina que está bailando con el Príncipe. Deja el plumero

en el suelo y se coge la falda. Saluda como indica la fotografía n° 9; 2

tiempos para bajar y 2 para subir. Realiza un paso de vals hacia delante;

otro hacia atrás; otro hacia el lado derecho y hacia el lado izquierdo. Da

una vuelta so bre sí misma apoyándose en la punta de los pies y vuelve a

saludar.

N. Con una mano se agarra la falda y la otra imagina que la lleva apoyada

en la del Príncipe. Da cuatro pasos de Andar de ballet. Se para y vuelve a

saludar.

O. Se dirige al público expresando su felicidad dando 4 pequeños sautés y

después, balancea el cuerpo 4 veces.

P. Va a recoger el plumero corriendo en 8 tiempos, y se coloca en una

esquina del escenario.

Q. Sujeta el plumero con los dos brazos por encima de la cabeza y en

diagonal, realiza 8 lanzamientos de piernas hacia delante. Aparece la

madrastra y la pi la bailando.

Argumento 3

R. Sale la madrastra con un chal en la mano y se dirige hacia Cenicienta

muy enfadada y andando de prisa. Cenicienta se asusta y, subiendo los

hombros y escondiendo la cabeza, se dirige hacia un lado del escenario.

S. La madrastra se acerca a Cenicienta y a echa del salón.

acabado guia de danza y folklore[1]

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