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TEMA: EL CUERPO HUMANO EN LAS ARTES

LECCION 1: RECORRIDO EXPRES DE LA PREHISTORIA A LA MODERNIDAD Para comenzar el último grado de esta materia hagamos un recorrido exprés por las principales corrientes en la historia del arte occidental: arte asiático, africano e islámico, además de que es imprescindibles que las conozcas te servirá para confirmar que siempre hay una relación entre el cuerpo (obra) su tiempo y espacio. Todo lo que sucede en el interior y exterior del artista se refleja en su obra, esto determina los diseños espaciales y las acciones, así como los elementos y temas que las componen (formas, figuras o colores). En este término el espacio define tanto el lugar en que se define la obra como la dimensión espacial creada en una pintura o imagen a través de elementos como la perspectiva o los planos. Así cada corriente contiene (movimiento o manifestación artística) un estilo particular determinado por lo que experimenta el artista y comparte ciertas características generales según la época o lugar que se haya creado. Recuerda que, por lo general, una corriente artística surge en oposición a la anterior proponiendo nuevas ideas o formas de expresión y que estos movimientos no solo se dieron en las artes visuales; sino también en la música, la literatura, el teatro o la danza. Cuanto más aprendas, observes y analices, mejor podrás reconocer y ubicar las obras en su debido tiempo y espacio. Las figuras a partir de las líneas simples, que representaban flechas y seres humanos, plasmadas en las paredes de las cuevas prehistóricas, pertenecen al arte rupestre (aprox. 40 000 años a. C.), revelan que la caza era la actividad primordial, tanto en un sentido de supervivencia como ritual. Por su parte, el arte egipcio y prehispánico, giran en torno a representaciones sagradas, rituales, funerarias y de carácter jerárquico. El arte se caracteriza por la búsqueda constante de la belleza, armonía y proporción; el cuerpo humano era sinónimo de perfección y por ello lo representaban constantemente en sus obras. En la Edad Media se desarrolló el que se caracterizaba por plasmar imágenes religiosas que plasmaban el goce del alma humana al percibir a Dios; su importancia no residía en la perfección si no el simbolismo totalmente cristiano. El autor de las obras generalmente permanecía anónimo. El retoma el ideal de la belleza con obras caracterizadas con la proporción, armonía y simetría integrando un elemento muy importante: la perspectiva, que genera una ilusión de espacio y profundidad. Su tema central es el ser humano representado en escenas religiosas, paganas y mitológicas; aquí surgen los llamados mecenas: personas poderosas que empiezan a comercializar las obras y darles mayor relevancia a los artistas. Los principales exponentes: Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Rafael Tiziano, Donatello, Botticelli y Durero.

3 sesiones Del 14 al 18 de septiembre 2020. Entrega del 21 al 25 de septiembre 2020.

Qué vamos a aprender: Explora las relaciones de proximidad, acciones y diseños espaciales.

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El Barroco inicia en Italia, se expande en Europa, principalmente en los Países Bajos y por España (por esa vía llega a las colonias de América). En arquitectura y escultura se caracteriza por la ornamentación, movilidad, irregularidad y exuberancia, ornamentación, movilidad e irregularidad de las formas; en pintura por los contrastes de luces y sombras; y por abordar temas pasionales religiosos de éxtasis o martirios. El Barroco tuvo una especie de extensión en el rococó: estilo muy cargado de flores, columpios y detalles. Artistas representativos: Caravaggio, Rubens, Rembrandt, Velázquez, Murillo. Después surge el Neoclasicismo corriente que retoma las formas clásicas griegas y romanas, como ejemplo de mesura, serenidad y orden, recibe influencia de la revolución industrial inglesa y la era napoleónica. En sus composiciones predomina el equilibrio, la simetría y la armonía, que son lo opuesto al barroco. Los retratos de Napoleón son ejemplos de esta corriente y sus principales exponentes son: Jacques Louis David y Antonio Canova. El Romanticismo se dio principalmente en Alemania, Inglaterra y Francia, por un sentimiento profundo de expresar lo sublime; los artistas deseaban representar un poder elevado, idealista y honesto, que para ellos se encontraba en la fuerza de la naturaleza, la lucha revolucionaria y la catarsis (especie de purificación mental, espiritual y emocional). Artistas representativos: Delacroix, Géricault, Turner, Constable y C.D. Friedrich. El Realismo surgió contra el Romanticismo y buscaba transmitir la realidad de la sociedad, por lo que representaba trabajos o escenas cotidianas. Artistas representativos: Millet, Daumier y Courbet. Nota: hasta aquí llega nuestro recorrido; más adelante abordaremos las manifestaciones artísticas que se consideran el inicio del arte moderno.

En México contamos con grandes ejemplos de arte Barroco. En arquitectura podemos mencionarla fachada de la Catedral de Nuestra Seora de la Asunción en Oaxaca y las Catedrales de Puebla, Tepotzotlán y Zacatecas; en pintura las obras de Juan Correa, Cristóbal de Villalpando y miguel Cabrera; en literatura destacan los escritos de Sor Juana Inés de la Cruz y la obra teatral La verdad sospechosa, de Juan Luis de Alarcón.

Recorre la historia del arte de México en: http://www.edutics.mx/UcG Descubre algunas obras del arte africano en: http://www.edutics.mx/UcN Aprende más sobre el Rococó en: http://www.edutics.mx/Ucf

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Materiales:

Te explico:

Para aprender más:

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Pegamento Libreta de artes Lapiceros: rojo y azul (o negro) Carpeta de trabajos Hoja blanca Lápiz Borrador blanco Regla Colores, gises pastel, acuarelas, etc. Relaciona las columnas en base a lo que aprendiste en esta lección.

Realismo Corriente que surge en contra posición del arte del Renacimiento y se caracteriza en lo tridimensional por la ornamentación y en pintura los contrastes de luz y sombra.

Renacimiento Corriente contraria al Romanticismo; buscaba transmitir la realidad, por lo que representaba personas en trabajos o escenas cotidianas.

Arte medieval Retoma la simplicidad, compostura, simetría y orden del arte grecorromano al ir en contra de las formas del Barroco.

Romanticismo Regresó al ideal de la belleza con obras llenas de proporción, simetría y uso de la perspectiva. El artista adquiere importancia y valor.

Barroco Sus obras buscan expresar lo sublime que hay en la fuerza de un fenómeno natural o en una lucha revolucionaria.

Neoclásico Arte que se caracteriza por sus imágenes religiosas; su importancia radica en su simbolismo religioso.

¿Qué voy a aprender? Realizarás diseños espaciales de acuerdo con una manifestación artística de tu elección ¿Qué voy a hacer?

• En una hoja blanca realiza un diseño espacial con elementos característicos de alguna corriente o manifestación de las que estudias en esta lección.

• Primero piensa qué corriente artística te gustaría hacer; después mira cuáles son sus características.

• Con base en ella realiza una obra de tema libre que represente la corriente que elegiste y la técnica que gustes.

• Titula tu trabajo. Resume y enumera aquí unos 5 conceptos o ideas importantes sobre toda la lección 1:

Nota:

1. Todas las lecciones deben ser recortadas y pegadas en el cuaderno.

Manos a la obra.

Repaso y práctico:

Lo que aprendí:

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2. Leer las lecciones y subrayar con marca texto las ideas o conceptos principales. 3. Los apartados: manos a la obra y lo que aprendí, se copian y resuelven directamente en

el cuaderno a dos tintas. 4. Te explico, para aprender más y, repaso y practico (instrucciones); se recortan y

también se pega en el cuaderno. 5. La actividad de repaso y práctico se realiza en una hoja blanca tamaño carta, con título

en rojo y subtítulo en azul o negro y margen. 6. Recuerda que los títulos, subtítulos y respuestas van escritos con rojo y lo demás con azul o negro.

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IA TEMA: EL CUERPO HUMANO EN LAS ARTES VISUALES

LECCIÓN 2: EL CUERPO HUMANO EN LAS ARTES VISUALES Desde la prehistoria, cuando usaban unas cuantas líneas y trazos, hasta las representaciones realistas llenas de armonía, proporción y belleza, el cuerpo humano, ha sido representado por los artistas de todos los tiempos y espacios. De manera realista, estilizada o abstracta el cuerpo humano ha sido como un vehículo, para expresar emociones, ideas o sensaciones: también cumple distintas funciones o sentidos: mágico, religioso, etc. Según su representación o elementos que lo acompañe. Cada cultura representa de forma muy particular: de cuerpo completo (desde la cabeza hasta los pies), torso (parte superior del cuerpo, pero sin cabeza ni extremidad) o busto (parte superior del cuerpo con cabeza) y también en diferentes posiciones: yacente: tendido o acostado, sedente (sentada) u orante (de rodillas o rezando). El cuerpo representado nos da pistas para conocer los gustos, actividades, personalidad, posición social, emociones o sensaciones del personaje representado.

En las culturas antiguas, la representación del cuerpo humano cumple una función sagrada, ritual o jerárquica y muestra cómo se vestían o que tipos de objetos o adornos utilizaban.

El desnudo forma común de representar el cuerpo humano en las artes plástica, variando según las ideologías o posturas (conservadoras o liberales) del lugar o tiempo. Para los griegos, igual

3 sesiones Del 14 al 18 septiembre de 2020. Entrega del 21 al 25 de septiembre 2020.

Qué vamos a aprender: Explora las relaciones de proximidad, acciones y diseños espaciales.

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que en el renacimiento el cuerpo humano era sinónimo de belleza y perfección. Se recurre al desnudo para representar deidades o personajes mitológicos o anónimos.

La figura de Jesucristo es de las más representadas en las artes visuales: la forma en que se plasma depende de la función o sentido de la obra. Por ejemplo, en la Edad Media se hacían figuras rígidas, planas y poco realistas, pues estoy en el simbolismo espiritual y religioso, y en las etapas posteriores se hizo una representación más humana del personaje

El escultor francés Augusto Rodin merece mención especial, pues sus obras parecen un homenaje al cuerpo humano como medio de expresión de sensaciones y emociones a través de posturas y texturas. Su obra más famosa es “El Pensador”

Uno de los dibujos más famosos del Renacimiento es el Hombre de Vitruvio, de Leonardo Da Vinci (aprox. 1490). Representa un cuerpo humano masculino con los brazos extendidos en dos posiciones, una en un cuadro y la otra en un círculo. Está basado en los textos de Vitruvio, arquitecto de la antigua Roma. Imagen enigmática, toma el cuerpo humano como ejemplo de proporción y armonía, y ha sido objeto de diversas interpretaciones: geométricas, filosóficas, mágicas y religiosas.

Te explico:

Para aprender más:

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Conoce más sobre el Hombre de Vitruvio de Leonardo Da Vinci en: http://www.edutics.mx/UcY Observa imágenes y características de la historia del cuerpo humano a través del arte en: http://www.edutics.mx/UcM Conoce la obra de Rodin en: http://www.edutics.mx/Ucg

Ficha impresa Marca texto Tijera Pegamento Libreta de artes Lapiceros: rojo y azul (o negro) Carpeta de trabajos Hoja blanca Lápiz Borrador blanco Regla Colores, gises pastel, acuarelas, etc.

Recorta, pega en tu libreta, observa y responde la siguiente escultura:

¿qué te sugiere las posturas, gestos y expresiones de los cuerpos? Anota qué tema te despierta la escultura (protección, amistad, entrega, unión, etc.) y escribe breve relato relacionado con ella. Al final, señala algunos elementos compositivos que reconozcas (material, técnica, tipo de figura, etc.).

¿Qué voy a aprender? Interpretar y representar un tema a través de la representación del cuerpo humano. ¿Qué voy a hacer?

• Elige un tema que llame tu atención y que puedas relacionar con el cuerpo humano.

• En una hoja en blanco y con margen elabora un boceto con el tema que elegiste, a través de una Imagen de cuerpo(s) humano(s).

Materiales:

Manos a la obra.

Repaso y práctico:

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• Piensa en los elementos compositivos (texturas, luces, sombras, proporciones, gestos, posturas, etc.) que usaras para reforzar el tema.

• Da un título a tu ejercicio que expresa el tema que elegiste. Resume y enumera aquí unos 5 conceptos o ideas importantes sobre toda la lección 2: 1. Todas las lecciones deben ser recortadas y pegadas en el cuaderno. 2. Leer las lecciones y subrayar con marca texto las ideas o conceptos principales. 3. Los apartados: manos a la obra y lo que aprendí, se copian y resuelven directamente en el cuaderno a dos tintas. 4. Te explico, para aprender más y, repaso y practico (instrucciones); se recortan y también se pega en el cuaderno. 5. La actividad de repaso y práctico se realiza en una hoja blanca tamaño carta, con título en rojo y subtítulo en azul o negro y margen. 6. Recuerda que los títulos, subtítulos y respuestas van escritos con rojo y lo demás con azul o negro.

Lo que aprendí:

Nota:

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TEMA: EL CUERPO HUMANO EN LAS ARTES VISUALES LECCION 3: ESTILOS PARA REPRESENTAR EL CUERPO HUMANO Las representaciones del cuerpo humano pueden tratarse de diferentes maneras, realista, no realista o estilizada y abstracta. Se representa según la corriente o etapa del arte: en la etapa prehistórica las figuras no eran realistas o estilizadas y se basaban en trazos o líneas simples; en las culturas egipcia y prehispánicas tampoco eran realistas, pero sí un poco más elaboradas, en la cultura griega y el periodo del renacimiento ya podemos apreciar una representación realista del cuerpo humano. Las corrientes y vanguardias del siglo xx regresan a la representación no realista del cuerpo. Si observas la representación que hace el artista con los diseños espaciales de las figuras, es decir como organiza las formas en el espacio compositivo y el tratamiento que les da, podrás identificar los estilos que existen para representar el cuerpo humano.

3 sesiones Del 21 al 25 de septiembre. Entrega 28 septiembre al 2 octubre 2020.

Qué vamos a aprender: Interpreta sus emociones y sensaciones para escribir lo que experimenta al observar una variedad de manifestaciones contemporáneas de las artes visuales.

Representación realista del cuerpo humano: La figura luce igual que en la realidad, los cuerpos proporcionados, reales, no necesariamente perfectos ni bellos, pero sí muy naturales porque todas sus partes guardan coherencia con respecto a las demás.

Representación no realista o estilizada del cuerpo humano: Se representa el cuerpo humano de una manera que no coincide con la realidad, pero todavía distinguimos las figuras, aunque están desproporcionadas, estilizadas o presenten alguna exageración o distorsión en su composición. Generalmente tienen mucha fuerza expresiva, trazos enérgicos, mucha textura, en ocasiones los colores no coinciden con el tono de piel y el cuerpo desproporcionado.

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El artista mexicano Rufino Tamayo (1899-1991) recurrió a la representación del cuerpo humano en un estilo figurativo estilizado. Su sello personal es inconfundible por la exaltación y fuerza expresiva de sus colores, además de la manera en que diseño las figuras ordeno el espacio compositivo. Su obra sintetiza el arte prehispánico y el arte popular y los mezcla con algunos rasgos de vanguardia europeas del siglo XX, lo que le da un carácter mexicano-universal.

Conoce la vida y obra de Rufino Tamayo en: http://www.edutics.mx/UcQ Observa la obra realista de Mariusz Kedzierski, cuyo cuerpo está discapacitado pero su arte no se detiene: http://www.edutics.mx/UcA

Ficha impresa Marca texto Tijera Pegamento Libreta de artes Lapiceros: rojo y azul (o negro) Carpeta de trabajos Hoja blanca Lápiz Borrador blanco Regla Colores, gises pastel, acuarelas, etc.

Recorte y pega en la libreta; observa las imágenes 1 y 2, y escribe en las líneas, según el diseño que hace el artista de las figuras o formas, un qué tipo de representación del cuerpo humano pertenece a cada obra.

Materiales:

Te explico:

Para aprender más:

Manos a la obra.

Representación abstracta del cuerpo humano: Ya no es posible reconocer las figuras, pero el título nos puede dar la clave para saber que se trata de una representación abstracta de un cuerpo.

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¿Qué voy a aprender? Recurrirás a diferentes diseños espaciales en las figuras y las formas para crear diversos estilos del cuerpo humano ¿Qué voy a hacer?

• Piensa en tu cantante (solista), actor o actriz favorito (hombre o mujer) Trata de recordar aspectos muy característicos de él o ella (su complexión, gestos, posturas, adornos o ropa que use, etc.).

• Realiza un dibujo que lo represente en cada recuadro de la siguiente página, según el estilo que se indique.

• En la parte realista deberás ser lo más apegado a como luce en realidad, por lo que te recomendamos crear con tu lápiz o pinturas luces y sombras, matices, formas o figuras que lo hagan ver más real (¡No te preocupes si no lo logras a la perfección!).

• En la parte no realista puedes alargar, estilizar o desproporcionar facciones, extremidades o incluso enfatizar algún detalle que sea muy característico de tu personaje.

• Recuerda lo que aprendiste sobre abstracción el año pasado y aplícalo para crear el cuerpo de tu personaje con este estilo, ya sea de forma geométrica u orgánica.

• Da un título a tu ejercicio que incluya el nombre de tu personaje.

Repaso y práctico:

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Resume y enumera aquí unos 5 conceptos o ideas importantes sobre toda la lección 3:

Nota:

1. Todas las lecciones deben ser recortadas y pegadas en el cuaderno. 2. Leer las lecciones y subrayar con marca texto las ideas o conceptos principales. 3. Los apartados: manos a la obra y lo que aprendí, se copian y resuelven directamente en

el cuaderno a dos tintas. 4. Te explico, para aprender más y, repaso y practico (instrucciones); se recortan y

también se pega en el cuaderno. 5. La actividad de repaso y práctico se realiza en una hoja blanca tamaño carta, con título

en rojo y subtítulo en azul o negro y margen. 6. Recuerda que los títulos, subtítulos y respuestas van escritos con rojo y lo demás con azul o negro.

Lo que aprendí:

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IA TEMA: EL CUERPO HUMANO EN LAS ARTES VISUALES

LECCION 4: EL RETRATO El retrato es un tipo de imagen que representa al cuerpo humano, ya sea de cuerpo entero o parcial, de perfil, de frente, tres cuartos o incluso de espaldas. Puede mostrar a una o más personas; pero se característica más importante es que son precisamente las personas lo más importantes del cuadro. En los retratos observamos detalles que nos hablan de la posición jerárquica o social de la persona, sino de sus gustos, actividades, modo de vivir incluso de sus emociones o aspectos psicológicos. El retrato pareciera responder a una constante inquietud del ser humano por permanecer en la memoria colectiva, imprimiéndose o grabándose para la posteridad en una imagen. El retrato existe desde tiempos remotos y su evolución se da a la par con la historia del arte a lo largo de la cual se ha producido en superficies tanto en bidimensional como tridimensional, madera, papel o piedra, dibujo, grabado, pintura, escultura o fotografía. Evolución del retrato. En la ciudad de Pompeya, Italia, se conserva una gran cantidad de retratos de la roma antigua, en las cuales se observan figuras retratadas con gran realismo y el dominio técnico que heredaron de los griegos. En la edad media, se buscaba difundir el cristianismo a través de imágenes de personajes bíblicos como Jesucristo o la virgen, o de retratos de papas y altos miembros de la iglesia que se le traba de dar una especie de “aire divino”. En el siglo XV, el retrato cobra relevancia al representar miembros de la aristocracia y la realeza. En el siglo XVIII, después de la revolución francesa, comenzó el auge del retrato en la burguesía, para después pasar a un periodo muy creativo con el surgimiento de la fotografía y las vanguardias artísticas del siglo XIX. Hoy podemos ver retratos verdaderamente innovadores e imaginativos, algunos realizados con materiales de reúso como los del artista inglés Nicholas Gentry

3 sesiones Del 28 septiembre al 2 octubre. Entrega del 5 al 9 octubre 2020.

Qué vamos a aprender: Interpreta sus emociones y sensaciones para escribir lo que experimenta al observar una variedad de manifestaciones contemporáneas de las artes visuales.

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Tratamientos o tipos de retratos Los retratos pueden varios tratamientos o tipos, los conocerás a continuación. AUTORRETRATO: Retrato de sí mismo que hace el artista, es un tratamiento muy usado a partir del renacimiento, cuando el artista empieza a tener importancia.

RETRATO DOCUMENTAL O DE REGISTRO: Al igual que la fotografía documentalista, este tipo de retratos sirve como registro de personalidades de la historia, sociedad, política o la cultura de un determinado tiempo y espacio. Se realizan a través de pinturas, grabados, fotografías, esculturas e ilustraciones.

RETRATO ALEGÓRICO: Recurre a diferentes atributos que acompañan al personaje retratado (sea mitológico o real), de manera que expresen un simbolismo y contenido determinado, según lo que se busque transmitir.

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RETRATO PSICOLÓGICO: Refleja la parte emocional o intima del retratado, que el artista busca captar a través de gestos, miradas o posturas qtiempoue son clave para reflejar la personalidad; al mismo, ayudan a hacer

un mejor análisis e interpretación del personaje.

RETRATO PUBLICITARIO: Se crea con fines comerciales y la persona retratada no tiene tanta importancia en sí, sino los distintivos que posea y que ayudan a reforzar el producto o servicio que se busca vender.

Uno de los fotógrafos más importantes del siglo o es el estadounidense Richard Avedon, quien dedicó gran parte de su trabajo a retratar no sólo personajes famosos sino gente anónima. Se le reconoce por revolucionar la fotografía del mundo de la moda y elevarla a lo artístico. Avedon logró "desnudar" la personalidad de sus retratados a través de su lente, y mostrar algo íntimo y transparente de todos ellos, por lo que es un gran exponente del retrato psicológico.

Te explico:

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Conoce la vida y obra de Richard Avedon en: http://www.edutics.mx/UcP Observa los creativos retratos de Nicholas Gentry: http://www.edutics.mx/UcW Conoce los retratos alegóricos a base de flores, frutas y animales de Arcimboldo en: http://www.edutics.mx/Ucm

Ficha impresa Marca texto Tijera Pegamento Libreta de artes Lapiceros: rojo y azul (o negro) Carpeta de trabajos Hoja blanca Lápiz Borrador blanco Regla Colores, gises pastel, acuarelas, etc.

Recorta, pega en la libreta y observa el siguiente retrato y en las líneas escribe de qué tipo es: su estilo (real, no realista o abstracto), si es de cuerpo completo o parcial de frente, perfil o tres cuartos. ¿Reconoce quién es? De ser así, escribe su nombre y agrega lo que sepas de ella; si no la reconoce, de igual forma escribe lo que dice la Imagen sobre su personalidad. Menciona algunos elementos compositivos que observa en esta imagen.

¿Qué voy a aprender? Interpreta los elementos de una personalidad y los plasmas a través de un retrato y sus diversos elementos compositivos. ¿Qué voy a hacer?

Materiales:

Para aprender más:

Manos a la obra.

Repaso y práctico:

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• Elige un familiar para retratarlo. • Analízalo bien para que determina con qué elementos identificados mejor su

personalidad (posturas, gestos, mirada) y rasgos físicos a través de líneas, texturas, sombras, apropiaciones, contornos, etcétera,

• Define si harás un retrato realista, estilizado o abstracto, también piensa si será de cuerpo entero o parcial, de perfil, frente o tres Cuartos.

• Recurre a toda tu imaginación y creatividad crea tu propio estilo, como hicieron los artistas que ha estudiado a lo largo de la unidad

• Recuerda que tu retrato puede combinar varios tratamientos, por ejemplo, puede ser psicológico y alegórico.

• En el título escribir “Retrato (el tipo y tratamiento) de (el nombre de tu amigo)”. Resume y enumera aquí unos 5 conceptos o ideas importantes sobre toda la lección 4:

Nota:

1. Todas las lecciones deben ser recortadas y pegadas en el cuaderno. 2. Leer las lecciones y subrayar con marca texto las ideas o conceptos principales. 3. Los apartados: manos a la obra y lo que aprendí, se copian y resuelven directamente en

el cuaderno a dos tintas. 4. Te explico, para aprender más y, repaso y practico (instrucciones); se recortan y también

se pega en el cuaderno. 5. La actividad de repaso y práctico se realiza en una hoja blanca tamaño carta, con título

en rojo y subtítulo en azul o negro y margen. 6. Recuerda que los títulos, subtítulos y respuestas van escritos con rojo y lo demás con azul o negro.

Lo que aprendí:

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IA TEMA: EL CUERPO HUMANO EN LAS ARTES VISUALES

LECCION 5: EMOCIONES A TRAVÉS DEL CUERPO Gran parte de las expresiones artísticas emplean la representación del cuerpo humano para transmitir sensaciones y emociones. Pero cada manifestación o artista lo hace de diferente manera a través de elementos, símbolos o diseños diferentes. Algunos buscan deformar, alargar o estilizar, mientras que otros recurren a texturas, colores o contrastes para dar mayor expresividad. Una de las obras más representativas del muralismo mexicano es también ejemplo de la expresión de emociones a través del cuerpo: la trinchera de José Clemente Orozco. Observa como presenta los cuerpos para mostrar tantas cosas: lucha, valentía, dolor, muerte, desesperación y agonía. La postura que le da a los brazos en cada figura es la pieza clave para transmitir sentimientos, al tiempo que le da un sentido diagonal al espacio. Orozco recurre al color y a los contrastes de luz y sombras, así como a las texturas para hacerlo más emotivo.

Una de las obras más famosas es el grito del artista noruego Edvard Munch (1893) recurre a la estilización de la figura central para transmitir una fuerte sensación de angustia y desesperación que le da a las manos y a los gestos de la boca. Las pinceladas enérgicas, contrastes de pinceladas de colores cálidos, el uso del negro en el uso de la figura del cuerpo y otras partes de la composición.

3 sesiones Del 12 al 16 octubre. Entrega del 19 al 23 octubre 2020.

Qué vamos a aprender: Interpreta sus emociones y sensaciones para escribir lo que experimenta al observar una variedad de manifestaciones contemporáneas de las artes visuales.

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No todos los sentimientos expresados a través del arte son de tristeza, lucha o desesperación: también la felicidad, el júbilo y el amor.

La fotografía es otro medio artístico de expresión de fuertes expresiones a través del cuerpo. La destreza del artista es indispensable no solo para darle los elementos compositivos a la imagen, sino también para capturar el instante, lo fugaz de los sentimientos reflejados en las personas.

La obra del artista mexicano Javier Marín se basa en el potencial expresivo del cuerpo humano y consta de cuerpos vigorosos, llenos de poder y vida, pero que, a la vez, reflejan un sentimiento de vulnerabilidad, propio de las personas de carne y hueso. Para lograr mayor fuerza expresiva: usa y mezcla diversos materiales. Marín cree que el contacto con el espectador es esencial, por lo que gusta de exhibir sus piezas en lugares públicos.

Observa los materiales que conforman los expresivos cuerpos de Javier Marín en: http://www.edutics.mx/Ucs Conoce grandes obras, artistas y emociones en : http://www.edutics.mx/Uce

Te explico:

Para aprender más:

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Ficha impresa Marca texto Tijera Pegamento Libreta de artes Lapiceros: rojo y azul (o negro) Carpeta de trabajos Hoja blanca Lápiz Borrador blanco Regla Colores, gises pastel, acuarelas, etc. Revistas, libros, viejos, periódicos, etc. Observar el retrato y procura adivinar su título partiendo de las emociones que expresa. Comenta qué aspectos de la obra ayudan a modificar el sentimiento expresado y señalado todos los elementos compositivos que para ustedes son específicos de este retrato. Para finalizar, describa qué tipo de retrato es, su estilo y tratamiento. Recorta y pega la imagen en tu libreta.

¿Qué voy a aprender? Expresarás emociones a través de posturas, gestos u otros elementos compositivos que conformen un cuerpo ¿Qué voy a hacer?

• En la siguiente página crea un collage que representa un cuerpo completo mediante el cual expresa alguna emoción o sensación.

• Busca en los materiales, revistas y periódicos, imágenes que te ayuden a los desafíos el sentimiento elegido.

Materiales:

Manos a la obra.

Repaso y práctico:

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• Recórtalas de manera que te ayuden a formar la figura del cuerpo humano que quieres representar.

• Puedes realizar el contorno de la figura con tu lápiz, corregir con tu goma si te equivocas y una vez que lo tengas listo, proceder a recuperar y pegar los papeles.

• Agrega colores, elementos o trazos que te ayuden a darle fuerza expresiva a tu obra. • Dale un título a tu ejercicio que tengas que ver con lo que expresa.

Resume y enumera aquí unos 5 conceptos o ideas importantes sobre toda la lección 5:

Nota:

1. Todas las lecciones deben ser recortadas y pegadas en el cuaderno. 2. Leer las lecciones y subrayar con marca texto las ideas o conceptos principales. 3. Los apartados: manos a la obra y lo que aprendí, se copian y resuelven directamente en

el cuaderno a dos tintas. 4. Te explico, para aprender más y, repaso y practico (instrucciones); se recortan y

también se pega en el cuaderno. 5. La actividad de repaso y práctico se realiza en una hoja blanca tamaño carta, con título

en rojo y subtítulo en azul o negro y margen. 6. Recuerda que los títulos, subtítulos y respuestas van escritos con rojo y lo demás con azul o negro.

Lo que aprendí:

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TEMA: EL CUERPO HUMANO EN LAS ARTES VISUALES

LECCION 6: EL CUERPO HUMANO COMO BASTIDOR El cuerpo humano no sólo ha sido inspiración para los artistas, sino también, y desde tiempos remotos, ha servido como bastidor, lienzo o soporte de imágenes o decoraciones en diversas civilizaciones alrededor del mundo. Grupos y comunidades han modificado su cuerpo a través del maquillaje, adornos, perforaciones o alteraciones por diversos motivos para expresar un significado particular. Este tipo de manifestaciones visuales, que en muchas ocasiones llegan a ser artísticas no sólo por la belleza en sus formas, sino por lo que simbolizan, también son claro ejemplo de la diversidad cultural y artística de los pueblos del mundo, y muchas veces nos sirven para comprender la cosmovisión (modo de entender el universo) de otras sociedades, tiempos y espacios, y así respetar sus tradiciones y costumbres. Existen diferentes usos, motivos o significados por los que se recurre al cuerpo como medio de expresión visual. En algunas culturas se hace por motivos religiosos o para mostrar la jerarquía o posición social de un integrante de una comunidad (por ejemplo, los gobernantes, guerreros o sacerdotes mexicas marcaban su cuerpo para enfatizar su posición). En otros lugares, tiene un sentido de pertenencia a un grupo determinado; por último, tiene un fin estético y artístico en manifestaciones como la danza, el body art o el teatro, sólo por mencionar algunas.

El maquillaje es una de las maneras más antiguas de decorar el cuerpo: hombres y mujeres de muchas culturas han pintado su piel con diferentes pigmentos naturales, como óxido de hierro, yeso, cal, harinas, cenizas o cualquier tinte vegetal. Los egipcios (por ejemplo, Nefertiti y Cleopatra) maquillaban sus rostros y llevaban a cabo rituales de belleza con sustancias naturales; también maquillaban a los muertos en rituales funerarios. En otras culturas, como la japonesa, las africanas, en algunos grupos indios, como los apaches, o en las cortes francesas de los siglos XVII y XVIII, maquillar o decorar el cuerpo ha sido (o sigue siendo) muy común para llevar a cabo diversos actos sociales o ceremoniales.

3 sesiones Del 12 al 16 octubre 2020. Entrega del 19 al 23 octubre 2020.

Qué vamos a aprender: Investiga algunas manifestaciones de arte colectivo contemporáneo para explicar sus características estéticas y sociales, así como sus significados artísticos.

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Los tatuajes son otra forma de decorar el cuerpo; no se sabe exactamente dónde surgieron, pero se han encontrado cuerpos primitivos del neolítico, en buen estado de conservación, con marcas en la piel que podrían ser tatuajes o acupuntura, por lo que este tipo de intervenciones visuales del cuerpo se practican quizás desde el inicio de la humanidad. Se cree que la palabra tatuaje viene del tahitiano tatú, que quiere decir "golpear". En los tatuajes se utilizan tintas para crear imágenes de todo tipo. Las tintas se pueden inyectar bajo la piel para hacerlos permanentes o también pueden ser temporales, por lo general dibujados sobre la piel con henna, un polvo de hojas secas que se utiliza como tinte. En India y Tíbet se realizan tatuajes especiales que marcan momentos clave en la vida de hombres y mujeres, como la pubertad o el matrimonio. En algunas tribus en África se hace una especie de tatuajes permanentes sin tinta a través de lo que se conoce como escarificación, que consiste en marcar o grabar al hacer una incisión en la piel con alguna herramienta cortante para generar una cicatriz en relieve con el diseño que se desee (la cual podrá, o no, ser pintada). La creencia es que esas heridas fortalecen el sistema inmunológico y protegen al cuerpo de infecciones. En Oceanía, el pueblo maorí realiza diseños complejos en los cuerpos de los integrantes de un grupo, que simbolizan a sus ancestros o al grupo al que pertenecen.

El teatro Kabuki es un teatro tradicional japonés que se inició en el siglo XVII. En las representaciones sólo participan hombres y quienes interpretan papeles femeninos se les conoce como onnagata. Una de sus características es el maquillaje que usan conocido como keshő. Por lo general, los temas de sus escenificaciones son acontecimientos de la historia o asuntos morales de las relaciones humanas. El teatro Kabuki es considerado Patrimonio Inmaterial de la Humanidad. Conoce más del teatro Kabuki en:

Te explico:

Para aprender más:

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www.edutics.mx/Ux4 Observa el tradicional baile de guerra maorí en: www.edutics.mx/Uxo Ficha impresa Marca texto Tijera Pegamento Libreta de artes Lapiceros: rojo y azul (o negro) Carpeta de trabajos Hoja blanca Lápiz Borrador blanco Regla Colores, gises pastel, acuarelas, etc. Expresa tu opinión acerca del tema de la decoración del cuerpo y comenten cuál es su postura respecto a realizar tatuajes sin fines rituales, ceremoniales o artísticos. Aquí hay algunas ideas para que realices tu escrito de 5 a 10 renglones ¿Están a favor o en contra de los tatuajes? ¿Piensan que se debe tener determinado edad para que alguien tome una decisión de algo que es permanente? ¿Qué opinan de estigmatizar a las personas por sus tatuajes? Añade todo lo que desees acerca del tema.

¿Qué voy a aprender? Reconocerás las cualidades estéticas de las decoraciones del cuerpo, como ejemplo de diversidad cultural y artística. ¿Qué voy a hacer? • En una hoja blanca, decora los cuerpos con figuras, formas, diseños, motivos o colores que

expresan la cultura mexicana. • Para ello, reflexiona sobre cualquier objeto o elemento de la naturaleza que para ti

represente a México. • Recurre a lo que has aprendido sobre simbolismo en formas, signos, colores o atributos, y tus

clases de Historia para recordar acerca de culturas prehispánicas. • Da un título a tu ejercicio. Resume y enumera aquí unos 5 conceptos o ideas importantes sobre toda la lección 6:

Nota:

1. Todas las lecciones deben ser recortadas y pegadas en el cuaderno.

Materiales:

Manos a la obra.

Repaso y práctico:

Lo que aprendí:

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2. Leer las lecciones y subrayar con marca texto las ideas o conceptos principales. 3. Los apartados: manos a la obra y lo que aprendí, se copian y resuelven directamente en

el cuaderno a dos tintas. 4. Te explico, para aprender más y, repaso y practico (instrucciones); se recortan y

también se pega en el cuaderno. 5. La actividad de repaso y práctico se realiza en una hoja blanca tamaño carta, con título

en rojo y subtítulo en azul o negro y margen. 6. Recuerda que los títulos, subtítulos y respuestas van escritos con rojo y lo demás con azul o negro.

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IA TEMA: ARTE MODERNO

LECCION 7: SURGIMIENTO DEL ARTE MODERNO Al inicio de la unidad conociste corrientes o manifestaciones artísticas previas al siglo XX; ahora aprenderás acerca de los movimientos iniciadores de lo que se conoce como arte moderno y todo lo que surgió a partir de él, como fueron las vanguardias y el arte contemporáneo. Explorarás uno de los capítulos más innovadores, imaginativos y creativos en la historia de las artes visuales por las emociones o sensaciones despertaron y transmitieron. Las palabras modernas y contemporáneas pueden resultar ambiguas, pues el tiempo sigue su curso y lo que ayer fue moderno o contemporáneo de una generación, hoy puede ser antiguo o pasado de moda. Es entender que, en el terreno de las artes visuales, los términos arte moderno y arte contemporáneo se refieren a un arte realizado en un determinado tiempo y espacio (como puedes ver en la línea del tiempo) y no a que sean manifestaciones “actuales” o “nuevas”. Sabemos que en el arte no hay fechas definitivas, pero podríamos decir a grandes rasgos que el arte moderno comenzó después de la segunda Revolución Industrial y del realismo del siglo XIX, y antes de las guerras mundiales; las vanguardias se desarrollaron antes y después de la Primera Guerra Mundial, y el arte contemporáneo se produjo después de la Segunda Guerra Mundial y más o menos hasta finales de la década de 1970. El arte moderno propuso dejar atrás el academicismo que imperaba en el arte y renovarlo a través de nuevas maneras de representación (forma) o expresión (contenido). Así surgieron manifestaciones como el impresionismo, el simbolismo, el postimpresionismo y el art nouveau. La obra Almuerzo sobre la hierba, de Édouard Manet, plantea una especie de transición del realismo hacia el arte moderno (figura 1.29), porque marca un cambio en la manera de crear, ya no para expresar la realidad de una sociedad, sino para lograr una representación bella donde los colores, los contrastes de luz y oscuridad y las pinceladas fueran lo primordial (algo que se conoce como "el arte por el arte"). Esta obra causó escándalo por presentar una mujer desnuda sentada casualmente con dos hombres vestidos, sin representar un mito o una alegoría (se trataba de una persona de la vida moderna). El Salón de París de 1863 no la aceptó y fue expuesta como el "salón de los rechazados".

Así surgió una nueva libertad creativa donde el artista combinaba diversos elementos para lograr una composición estética. Manet siempre se interesó por los valores de la luz y el color, los

3 sesiones Del 26 al 30 octubre 2020. Entregar 2 al 6 noviembre2020.

Qué vamos a aprender: Interpreta sus emociones y sensaciones para escribir lo que experimenta al observar una variedad de manifestaciones contemporáneas de las artes visuales.

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cuales plasmó con maestría en sus obras, como un desafío hacia la fotografía: los artistas modernos empezar a buscar una pintura que rescatara al arte de su competencia con la cámara (inventada alrededor del mismo tiempo), al proponer nuevas formas bellas de expresión, como lo veremos con los movimientos que surgieron desde entonces.

La fotografía tuvo su etapa "moderna", tanto en Francia con Eugène Atget, como en Estados Unidos con Alfred Stieglitz, quienes fueron los primeros en capturar un tema básico del arte: la vida misma. Le imprimieron a sus trabajos expresividad y cualidades estéticas a temas mundanos, como lo hicieron los pintores modernos. Con ellos comenzó una era en que la fotografía se insertaba como una nueva manifestación artística.

Mira el análisis de Almuerzo sobre la hierba en: www.edutics.mx/Ux3 Observa el grabado de Rafael y trata de encontrar la escena en la que se basó Manet para su obra: www.edutics.mx/Uxw Conoce el Museo d'Orsay, uno de los repositorios más importantes de arte moderno en el mundo: www.edutics.mx/UxU

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Materiales:

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Para aprender más:

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Colores, gises pastel, acuarelas, etc. En grupo, organicen una mesa redonda para disertar acerca de los términos moderno y contemporáneo. Intercambien ideas respecto de lo que para ustedes y su generación significan los términos moderno y contemporáneo. ¿Qué opinan de que se les haya asignado dichos términos a ciertas artes que ahora pertenecen al pasado (algunas tienen hasta más de un siglo de existencia)? Compartan todo lo que piensen sobre este tema interesante y hagan sugerencias de qué otro nombre le habrían dado a este tipo de arte.

¿Qué voy a aprender? Reinterpretarás las cualidades estéticas de las manifestaciones que dieron origen al arte moderno para crear una nueva corriente con base en lo que vives en tu tiempo. ¿Qué voy a hacer?

• En la siguiente página crea una obra moderna que refleje tu tiempo, pero inspirada en Almuerzo sobre la hierba de Édouard Manet.

• Recuerda que este artista, a su vez, se basó en un detalle del grabado El juicio de París del renacentista Rafael.

• Para tu trabajo realiza una recreación de la obra, pero con cosas, objetos o elementos que sean modernos para ti (modo de vestir, cómo luce tu entorno, son las cosas y todo lo que se te pueda ocurrir para representar un almuerzo sobre la hierba o un picnic de hoy).

• Recurre a tu creatividad e imaginación, así como a todos los elementos que ya conoces: colores, figuras, matices, contrastes, texturas y claroscuros, que te ayuden a darle un toque de modernidad a tu trabajo.

• Da un título creativo a tu ejercicio y comparte con tus compañeros. Resume y enumera aquí unos 5 conceptos o ideas importantes sobre toda la lección 7:

Nota:

1. Todas las lecciones deben ser recortadas y pegadas en el cuaderno. 2. Leer las lecciones y subrayar con marca texto las ideas o conceptos principales. 3. Los apartados: manos a la obra y lo que aprendí, se copian y resuelven directamente en el

cuaderno a dos tintas. 4. Te explico, para aprender más y, repaso y practico (instrucciones); se recortan y también se

pega en el cuaderno. 5. La actividad de repaso y práctico se realiza en una hoja blanca tamaño carta, con título en

rojo y subtítulo en azul o negro y margen. 6. Recuerda que los títulos, subtítulos y respuestas van escritos con rojo y lo demás con

azul o negro.

Manos a la obra.

Repaso y práctico:

Lo que aprendí:

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IA TEMA: ARTE MODERNO

LECCION 8: MODERNIDAD, LUZ Y COLOR La línea que divide las corrientes modernas de las vanguardias o los estilos de los movimientos es muy delgada, y resulta imposible definirlas con precisión; por eso, a continuación verás que hay artistas que tuvieron varios estilos y que sus obras pertenecen a diferentes movimientos o corrientes (o, incluso, a ninguna en particular). Esto no quiere decir que exista una contradicción; simplemente habla de la característica más importante de la mayor parte del siglo xx: la libertad creativa de los artistas que dio vida a los "ismos": A continuación conocerás algunas de las corrientes más representativas del arte moderno y sus características principales. Cabe señalar que daremos énfasis en aquellas cuyo elemento por excelencia es el color, la luz y sus cualidades estéticas (la saturación o pureza, los tonos, luminosidad o brillo, entre otros elementos): Impresionismo Corriente que tiene como cualidad principal representar los efectos de la luz natural sobre las cosas y cómo se transforman a medida que la luz cambia; estos efectos no sólo son abordados de manera científica, sino también de forma bella. Esta nueva manera de representación en la pintura, que puede lograr los artistas a través de los colores y sus cualidades (matices o brillos), inició lo que se conoce como arte moderno (algunos ejemplos son: Édouard Manet y Claude Monet). Neoimpresionismo Corriente creada por el artista Georges Seurat, cuyo nombre se lo adjudicó el teórico Félix Fénéon por considerarla un arte que buscaba renovar el impresionismo. En esta corriente el color, más bien puro, se usaba a través de la yuxtaposición de puntos (como en la obra de Signac), técnica conocida como puntillismo o divisionismo. Las obras neoimpresionistas buscaban ir más allá de los efectos de la luz y capturar tanto las "sensaciones" de un paisaje como las de una persona: aquí también se aprecian retratos.

3 sesiones Del 2 al 6 noviembre 2020. Entregar 9 y 10 noviembre 2020.

Qué vamos a aprender: Identifica tonos, saturación y luminosidad del color en su entorno para comprender conceptos básicos de la teoría del color.

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Postimpresionismo Surgió como reacción al impresionismo y su naturalismo; buscaba expresar las emociones ocultas en las cosas o personas más que su apariencia, o el simbolismo de los colores (como Gauguin), por lo que esta corriente está estrechamente ligada con el expresionismo. Paul Cézanne, padre de la pintura moderna, fue parte de este movimiento. Fauvismo En esta corriente el color es el elemento por excelencia. Recibe su nombre de la palabra francesa fauves, que quiere decir "fieras", y se refiere a la manera salvaje de aplicar los colores en su forma más pura o saturada. Propone la libertad del color, sin mezclas o matices, como en las obras de Henri Matisse o André Derain. El puntillismo, también conocido como divisionismo, es una técnica o estilo de pintura dentro de la corriente del neoimpresionismo, que consiste en yuxtaponer puntos de diferentes colores y que, al ser observados a distancia, forman una unidad o "mezcla óptica", es decir, mezcla que no se produce en la paleta del artista sino en el ojo del espectador. Esos puntos de color sobrepuestos componen formas, figuras y paisajes.

Aprecia el impresionismo y sus principales elementos de luz y color en www.edutics.mx/Uxi Conoce la vida y obra del fundador del neoimpresionismo y la técnica del puntillismo en www.edutics.mx/Ux5 Aprende más sobre postimpresionismo en www.edutics.mx/UxS Conoce más sobre el fauvismo en www.edutics.mx/UXT

Ficha impresa Marca texto Tijera Pegamento Libreta de artes Lapiceros: rojo y azul (o negro)

Materiales:

Te explico:

Para aprender más:

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Carpeta de trabajos Hoja blanca Lápiz Borrador blanco Regla Colores, gises pastel, acuarelas, etc. Relaciona las columnas. Para este ejercicio procura no volver a la lección. a Puntillismo o divisionismo ( ) Su elemento primordial es el color y su nombre lo

recibe por la manera salvaje de aplicar los colores; propone la libertad absoluta del color en su forma más pura, sin mezclas o matices.

b Fauvismo ( ) Surgió como reacción al impresionismo y su naturalismo, ya que buscaba expresar más las emociones ocultas en las cosas; uno de sus principales representantes es Vincent Van Gogh.

c Impresionismo ( ) Técnica o estilo de pintura dentro de la corriente del neoimpresionismo; consiste en yuxtaponer de puntos de colores que, al ser observados a distancia, forman una unidad o "mezcla óptica" en la retina.

d Neoimpresionismo ( ) Corriente que representa los efectos de la luz natural sobre las cosas y cómo estas cambian a medida que cambia la luz.

e Pots impresionismo ( ) Recurrió a la técnica del puntillismo o divisionismo para ir más allá de los efectos de la luz y capturar también las "sensaciones" de un paisaje o de una persona.

¿Qué voy a aprender? Apreciarás la saturación, tonos y luminosidad de los colores de tu en- torno para crear una obra con una de las técnicas más importantes del arte moderno: el puntillismo o divisionismo. ¿Qué voy a hacer? • En la siguiente página crea una imagen a través de la técnica del puntillismo. • Salgan en grupo con el profesor a un área donde pueden apreciar los colores que hay en el

entorno y los efectos de luz que se producen. • Elige algún fragmento del espacio que llame tu atención por el brillo, pureza, tonalidades o

contrastes que tengan los colores (puede ser un árbol, una planta, un rostro o un objeto). • Realiza con tus plumones una imagen de ese espacio u objeto que elegiste, sólo con puntos

yuxtapuestos. Lo más importante es que no puedes utilizar la línea, como los neo impresionistas.

Manos a la obra.

Repaso y práctico:

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• Pon especial atención en cómo son los colores y los efectos de la luz de lo que representarás y trata de plasmarlo igual en tu imagen. Puedes usar matices (tonalidades de un mismo color) o contrastes (colores complementarios como morado y amarillo; verde y rojo; azul y naranja) para generar efectos interesantes. Recuerda que los colores oscuros dan profundidad y los claros resaltan.

• Da un título a tu ejercicio y al terminar compártelo con tus compañeros. Resume y enumera aquí unos 5 conceptos o ideas importantes sobre toda la lección 8:

Nota:

1. Todas las lecciones deben ser recortadas y pegadas en el cuaderno. 2. Leer las lecciones y subrayar con marca texto las ideas o conceptos principales. 3. Los apartados: manos a la obra y lo que aprendí, se copian y resuelven directamente en el

cuaderno a dos tintas. 4. Te explico, para aprender más y, repaso y practico (instrucciones); se recortan y también se

pega en el cuaderno. 5. La actividad de repaso y práctico se realiza en una hoja blanca tamaño carta, con título en

rojo y subtítulo en azul o negro y margen. 6. Recuerda que los títulos, subtítulos y respuestas van escritos con rojo y lo demás con azul o negro.

Lo que aprendí: