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AUTODIDACTAS

Manual de actividades

HISTORIA DEL ARTE II

Autodidactas materia

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SEMANA: 1 y 2

TEMA: ARTE EN ORIENTE MEDIO (SUMERIA Y BABILONIA)

OBJETIVO: El estudiante conocerá las principales características del arte en

oriente medio.

EXPLICACIÓN DEL TEMA:

Arte Babilónico

Hammurabi alcanza el poder y traslada la capital a Babilonia. Su reinado se extiende desde 1792 a 1750 a.C (aunque también hay hipótesis de otras fechas)

Mari fue una ciudad muy importante que se ha conservado muy bien y nos ha ayudado a conocer otras ciudades de esta época.


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Esta ciudad va tener su esplendor con Zirilim que es inmediatamente anterior a Babilonia y a Hammurabi. Es una ciudad-palacio, desarrollada junto a las estancias del monarca.

Su trazado es irregular, aunque se aproxima a formas rectangulares. Estuvo rodeada por una muralla. Tienen carácter defensivo demostrado sobre todo por una sola puerta de entrada. Esta puerta nos conduce a 12 patios y estos patios a más de 300 estancias. Las entradas nunca son directas. Desde segunda patio ascendemos a la sala de visitas y a la del trono.

En el plano escultórico, hay una importante estela que recoge las leyes. En la parte superior del anverso hay una escena que representa como Shamash (Dios de la justicia) entrega las leyes a Hammurabi. Shamash está sentado en el trono y Hammurabi delante de él. La estela sencilla, fondo liso, las figuras sobresalen de forma notoria. Shamash es más grande, su trono en la parte inferior simula una puerta (la puerta que nos lleva a la verdad), tiene sus pies apoyados en una tarima con decoración de escamas superpuestas que representan a las montañas, lo que simboliza que la justicia está por encima de todo.

De sus hombros salen los rayos de fuego que simboliza la dureza de la justicia. La túnica llega hasta los pies que deja un hombro al descubierto. Está de perfil. Hammurabi mira al dios y de esta manera se relacionan. También lleva barba.

ARTE SUMERIO

El arte del periodo sumerio tiene especial brillo en la escultura.

La escultura sumeria tiene una serie de características que la hacen específica y que van a transmitir:

• Realizan escultura de bulto y de relieve, ambas con las mismas características. • Utilizan como material la piedra caliza o el alabastro yesoso o alabastrín, que da una

mayor finura en la ejecución. • Los temas tratados son de la realidad cotidiana, lo que les da un interés histórico muy

grande. No va a haber la fantasía de Egipto porque la religión no es el centro temático. • Especialmente se tratan temas de la paz o de la guerra, y suelen llevar inscripciones que

las explica. • Las figuras no se estudian como una unidad, sino como un conjunto de partes, por lo que

no siempre hay proporción. • Suelen ser figuras rechonchas que muestran un gusto por las formas angulosas (en los

codos, hombros…) • La cabeza suele estar rapada o con trenzas, muchas veces no tienen cuello y la cara suele

tener grandes ojos y la nariz muy marcada y curva (por ello se les llama "figuras de perfil de pájaro"). La boca sonríe ligeramente, se dice "expresión del gozo del orante".


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• Los hombres suelen llevar barba larga. La postura de los brazos es siempre la misma: los brazos delante del pecho y una mano, normalmente la izquierda, forma un puño, que coge la otra mano. Esto cambiará en la época neosumeria.

• Su indumentaria suele ser siempre igual: un kaunakes, algo similar a un manto, que en el hombre va de cintura para abajo y que en la mujer cubre desde los hombros. Es una piel de animal, normalmente oveja, que a veces llevan por la parte vista de la lana o a veces con la parte de la piel. La primera aparece llena de curvaturas y es lo más frecuente, mientras que en la segunda aparece lisa con unos flecos debajo.

• En los relieves, las figuras forman frisos y a veces hay simetría. Hay una jerarquización por tamaños y el fondo es liso, sin paisaje. Al igual que en Egipto, también tiene doble punto de vista, de frente y de perfil.

ACTIVIDADES:

1.- Investiga una cuartilla sobre la cultura babilónica

2.- Busca tres imágenes de esculturas sumerias y pégalas en una cuartilla.


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SEMANA: 3

TEMA: ARTE EN ORIENTE MEDIO (ASIRIA)

OBJETIVO: El estudiante conocerá las principales características del arte en

oriente medio.


Arte Asirio

El Asirio es uno los pueblos que nos va a dejar las manifestaciones más ricas, sobretodo en escultura. Es un poder más rígido y cruento que los anteriores, hecho que se verá reflejado en las representaciones. Comienza a destacar después de la III dinastía de Ur, pero será más fuertes a partir del siglo IX a.C.

La capital es Assur, cerca del río Tigris. Sin embargo, irán surgiendo otras ciudades y Assur quedará relegada a un carácter religioso.

En las ciudades de Nimud, Dur-Sahrrukin y Nínive será donde encontremos las manifestaciones más importantes. El dios venerado, con carácter naciona, es Assur, representado como un disco solar alado.

Los asirios desarrollaron un gran imperio y se harán con el poder de Mesopotamia. Se trata de una monarquía militar. Los reyes más importantes son: Assurnasirpal II (s. IX, 883 - 859), quien instaura la capital en Nirnud; Salmanesar III (858 - 824) y mantiene la capital; Sargón II el Grande(721 - 705) que sitúa la capital en Khorsabad; Senaquerizo (705 - 631) que trasladan la capital a Nínive; y Assurbanipal (669 - 626) que mantienen la capital en Nínive.


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Arquitectura Asiria

Han llegado pocos restos hasta nosotros de arquitectura asiria. Está relacionada con la sumeria pero es más desarrollada. La más significativa es la arquitectura religiosa junto con la palatina. El zigurat lleva a su máximo desarrollo. Se conoce gracias a los cilindros-sellos ya que hay pocos restos arquitectónicos reales.

En la arquitectura civil destaca la palatina. Los palacios, que eran amurallados, se construyeron sobre terrazas. Las estancias de los palacios se desarrollan en torno a patios.

Templo Doble dedicado al dios del cielo y las tormentas Está realizado en ladrillo. Tiene una sola puerta de entrada flanqueada por dos patios. Murallas con almenas escalonadas forman un patio interior. Está dividido en dos partes: una para cada Dios, con un zigurat para cada uno.

Ciudad y Palacio de Korsabad Es una ciudad con muralla, torres y varias puertas de entrada. Junto al palacio están los templos más importantes y es donde destaca el gran zigurat de Assur. El palacio está organizado en torno a patios interiores. Tiene una sola puerta de entrada.


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Escultura Asiria

La escultura es lo más desarrollo de la cultura asiria. Se desarrolla en el interior de los palacios. Hay escultura exenta que recoge la figura del monarca.

Dichos relieves se llaman "ortostatos", hechos en piedra, mármol o alabastro yesoso. Se completaban con pinturas. Su finalidad era básicamente propagandística. Pretendía realzar la figura del monarca. Los temas están en relación a esta finalidad ya que la temática religiosa es secundaria.

Por tanto, predominan las acciones bélicas y los temas de caza, para exaltar la fuerza y el valor del monarca.

Las principales características del relieve son:

• Las figuras se representan especialmente en tres cuartos. • Se pretende captar el movimiento, más visible en los animales que las personas. • Los relieves son narrativos. • Se busca el detallismo. Esto a veces lleva a un cierto convencionalismo (en barba, pelo,

etc.) • Tiene gran importancia la representación de los animales, que son muy realistas, con

formas anatómicas muy marcadas. • Comienza a representarse el paisaje.

ACTIVIDADES:

1.- Investiga en una cuartilla sobra la cultura Asiria

2.- Busca tres ilustraciones o imágenes sobre la arquitectura asiria.


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SEMANA: 4

TEMA: ARTE EGIPCIO

OBJETIVO: El estudiante identificará las principales características del arte

egipcio.


Arte Egipcio

El arte egipcio es, indudablemente, la manifestación artística que más ha subyugado al hombre moderno.

La civilización egipcia no sólo creó una arquitectura, escultura y pintura de impresionante belleza, sino también toda una cultura que ha hecho soñar a investigadores, literatos y personas corrientes, donde se funde lo histórico, lo mítico y lo misterioso.

El arte egipcio es un arte que está muy relacionado con el medio en el que se desarrolla. Este medio influye en diferentes aspectos: por un lado el medio geográfico determina una cultura cerrada que hace un arte impermeable a influencias exteriores, que va a evolucionar poco y cuando lo va a hacer va a ser sobre sus propias formas debido a la falta de comunicación con el exterior.

Por otro lado, el medio va a determinar unos materiales que nos indican una despreocupación por la vida terrestre y un deseo de eternizar la moral del difunto y del dios, por lo que el arte muchas veces está en función de templos y tumbas. Esto está relacionado con los dos factores determinantes del arte que también vienen dados por el medio: la monarquía y la religión.

Así, el faraón (y los nobles) y los sacerdotes van a ser los principales clientes. Se trata de un arte aúlico y oficial, que se desarrolla en virtud de la religión fundamentalmente, y a ésta está vinculado el faraón. No es por tanto un arte autónomo.

El arte egipcio está siempre sometido a unas normas, por esto es muy semejante y monótono, tan homogéneo. Es un arte estereotipado en el que se valora más la precisión del acabado que la originalidad. Además, tienen un gran carácter simbólico y mágico.


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Los artistas egipcios van a perder en líneas generales en el anonimato, aunque se conocen algunos artistas ya del Imperio Antiguo, aunque son más los que se conservan del Imperio Nuevo. De los artistas los más considerados son los arquitectos, que se relacionan con los clientes. Sin embargo, los pintores y escultores son considerados como simples artesanos.

Va a haber dos tipos de talleres: los talleres oficiales, que están en torno a los palacios y los templos y es donde se forman los grandes artistas y obras, y los talleres privados, destinados a clientes que no estuvieran relacionados ni con la monarquía ni con la religión. De éstos últimos se han conservado muy pocas obras, entre otros motivos debido a que utilizaban materiales más endebles que los talleres oficiales.

ACTIVIDADES:

1.- Investiga una cuartilla sobre la cultura egipcia.

2.- Investiga sobre las pirámides de Egipto y su significado.


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SEMANA: 5

TEMA: ARTE GRIEGO

OBJETIVO: El estudiante identificará las principales características del arte griego.


Arte Griego

No cabe duda que el arte griego ha marcado el arte y la cultura occidental hasta nuestros días.

De Grecia parte el principio humanista y de ideal de la belleza que va a marcar a Europa durante 25 siglos.

Su historia es compleja, ya que pasa por distintas etapas.

Tras las invasiones de eolios, jonios, dorios y aqueos a finales del II milenio, la civilización micénica va a desaparecer. Los eolios y los jonios van a ocupar los dos centros micénicos más importantes: Atenas y Esparta.


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Se producen cambios políticos y sobre todo culturales muy importantes y comienza a asentarse una cultura de base humanística en la que el hombre es la medida de todas las cosas. Hay una explicación racional del mundo, la cultura y el arte. El arte está determinado por la vida pública, por la democracia. Grecia va a crear unas bases para la vida moderna.

Las principales características del Arte Griego son:

• Es un arte que está de acuerdo con la realidad, es realista. • Es un arte que se puede estudiar por los artistas, tanto en arquitectura como en escultura. • Vamos a ver en él supervivencias creto-micénicas, una influencia oriental en los primeros

momentos pero, sobre todo, aportaciones propias. • El trabajo que se lleva a cabo, en arquitectura especialmente, es un trabajo en equipo

dirigido por un maestro. Esto va a hacer que éste sea un arte de una gran perfección. • Es un arte muy influido por la filosofía y donde la religiosidad está regida por un politeísmo

de dioses antropomorfos, entre los que destacan Zeus y Atenea. Esto da pie a una mitología muy representada en escultura.

• Es importante el desarrollo de la polis, la ciudad.

Los períodos del arte griego son:

• Período geométrico: 1000 - 750 a.C., período breve que nos va a dejar pocas aportaciones.

• Fase orientalizante: s. VII - principios s. VI a.C. • Período arcaico: 610 - 480 aprox. a.C. El s. VI es el momento más significativo. • Período clásico: siglos V y IV

o Primera fase: estilo severo o preclásico: 480-450 a.C. o Segunda parte: estilo clásico propiamente dicho: segunda mitad del siglo V y siglo

IV. • Período helenístico: 323 - s. I a.C.


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ACTIVIDADES:

1.- Realiza un mapa conceptual de las características del arte griego.

2.- Busca imágenes de las esculturas griegas más representativas y haz un

collage en media cartulina.


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SEMANA: 6

TEMA: ARTE ROMANO

OBJETIVO: EL estudiante identificará las características de la arquitectura

romana.


El mundo griego fue fundamental para el desarrollo del arte romano junto a las aportaciones de la cultura etrusca. Sin embargo, también tuvo una indiscutible personalidad, manifestada principalmente en la arquitectura.

Posteriormente el arte romano repercutió enormemente en las culturas occidentales, siendo la base cultural de Occidente hasta nuestros días.

El arte en Roma se puso al servicio de nuevas necesidades. Esto explica el nacimiento de nuevas manifestaciones y también la aparición de un arte con gran centralización y unitarismo, no sólo en Roma sino también en el resto del Imperio.

Las principales características que aporta el arte romano como novedad son:


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• Preocupación, en la arquitectura, por el juego de masas que viene por los elementos usados en la construcción.

• Arquitectura mucho más colosal. • Como elemento arquitectónico básico, se van a utilizar el arco, la bóveda y, por tanto, la

cúpula. • Se va a crear el retrato en la escultura. • Roma fue la creadora del relieve histórico, continuo y narrativo.

El arte romano se puede dividir de forma similar a la historia del Imperio en tres periodos:

• Periodo de la República: s. VI (hacia el 510) - 27 a.C. • Periodo de Augusto: la época clásica: 27 a.C. - 14 d.C. • Periodo imperial: dividido a su vez en:

o De Tiberio a Trajano: 14 - 117 o De Adriano a Alejandro Severo: 117 - 235 o De Maximino a Constantino: 235 - 315

Arquitectura Romana

Las principales características de la arquitectura romana son:

• Es una arquitectura caracterizada por la monumentalidad, no sólo por el espacio que ocupa sino también por su significado. Esto viene dado también por la idea de la inmortalidad del Imperio.

• Es una arquitectura utilitaria, práctica, funcional. Por esto y también por la propia estructura del Estado, aparecen nuevas construcciones, con un gran desarrollo de la arquitectura civil y militar: basílicas, termas, etc.

• Es una arquitectura dinámica., como consecuencia del empleo de algunos elementos constructivos como el arco y la bóveda.

• Los materiales utilizados son muy variados: piedra cortada en sillares regulares y dispuesta a soga y tizón, hormigón, ladrillo, mampuesto, madera... Cuando el material era pobre se solía revestir con estucado, placas de mármol o con ornamentación de mosaicos o pintura.

• Se usa el orden toscano y también el jónico y el corintio. Aunque lo más significativo fue el uso del elegante orden compuesto. También fue muy frecuente la superposición de órdenes en edificios muy altos. Normalmente en el piso bajo se empleaba el orden toscano, en el medio el jónico y en el superior el corintio. Los capiteles, en general, presentan motivos con mayor libertad que en Grecia y hay algunos con figuración. Aparecen las guirnaldas y los bucranios como elementos decorativos.

• También la arquitectura romana empleó la superposición en el mismo vano del arco y el dintel.


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Principales diferencias entre la Arquitectura Romana y la Griega

Las principales diferencias entre la arquitectura romana y la arquitectura griega son:

• La romana es una arquitectura más ornamentada. • Hay novedad de los temas decorativos. • Mayor perfección de los monumentos. • Los edificios tienen un gran utilitarismo. • La arquitectura es fundamentalmente civil y militar, frente a la arquitectura básicamente

religiosa de Grecia. • Se trata de una arquitectura más dinámica frente a la griega, más estática. • El arco, la bóveda y la cúpula son más utilizados frente al dintel de Grecia.

Pese a estas diferencias, existen muchas semejanzas con el arte griego ya que Roma asimiló numerosos elementos artísticos y arquitectónicos de los países que incorporaba a su imperio. También fue frecuente emplear artistas nacidos y formados en otros territorios, siendo los principales originarios de Grecia.

Los Templos Romanos

El templo romano se conformó en base a la tradición de dos mundos: el etrusco y el griego. Estaban atendidos por sacerdotes adscritos que administraban el templo y todo lo concerniente a los ritos con sus dioses.


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En el Imperio Romano existió una gran relación entre el mundo religioso y el político, de manera que el Sumo Pontífice será el propio emperador.

Otras figuras destacadas en el templo fueron las vestales, figuras femeninas dedicadas a los templos, especialmente a aquellos que estaban dedicados a diosas femeninas.

El templo romano se levanta sobre un podio y para acceder a la cella existía un escalinata en la parte delantera. La cella se desarrollaba en sentido longitudinal y podía ser única o triple. En los templos se utilizaban especialmente los órdenes compuesto y corintio. Los frontones solían ser lisos con inscripciones en la parte delantera del entablamento.

Progresivamente se fue imponiendo la bóveda para la cubrición interior de la cella. También hubo templos circulares, generalmente dedicados a Vesta. En etapas tardías se construyeron templos de estructura más complicada, como templos dobles, de planta poligonal, etc.

Templo de la Fortuna Viril o de Portunus Este templo fue llamado Portunus porque estaba dedicado a una divinidad fluvial. Se construyó a finales del siglo II o principios del I a.C., en la época de la República, y se encuentra en el Foro Boadio, el foro del comercio del buey.


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Es pequeño pero de buena armonía. Es próstilo, tetrástilo y pseudoperíptero. El frontón, que sobresale mucho, y el entablamento son lisos. El orden utilizado es el jónico, pero las volutas no son planas sino que sobresalen en diagonal.

Templo Maison Carrge Se encuentra en Nimes, (Francia). Es un templo que sigue la estructura del anterior, pero siendo mucho más grande. Se encuentra muy bien conservado. Es ya de época imperial, probablemente de tiempos de Augusto. Es un templo próstilo, hexástilo y pseudoperíptero. Tiene una única cella. El orden utilizado es el corintio. El friso tiene decoraciones vegetales y en la parte frontal, con letras de bronce, aparece una inscripción sobre quién lo realizó.

Templo de Vesta (Roma) Es un poco más tardío que el de Fortuna Viril, del siglo I a.C., pero todavía de época republicana. También se encuentra en el foro Boadio. Es llamado así porque era circular, pero en realidad estaba dedicado a Hércules Víctor Olivarius, que era el patrón del comercio del aceite. La cella es circular y está rodeada de columnas exentas de capitel vegetal. Está asentada sobre un basamento que recuerda el de los griegos. Está realizado en mármol, probablemente por un arquitecto griego. Le falta el entablamento y la cubierta. El orden utilizado es el compuesto.

Templo de Vesta o de las Sirilas Este templo, que se encuentra en Tívoli fue realizado en época imperial. Presenta las mismas características que el anterior. Conserva la cubierta y el entablamento, que tiene un friso decorado con guirnaldas y bucranios, que es una decoración que acusa más el relieve y el volumen.

Templo de Venus y Roma También de época imperial, se encuentra en los Foros Imperiales de Roma. Se trata de un templo doble. Las dos cellas están afrontadas con una exedra, lo que serían las cabeceras. Ambas cellas están abovedadas. En las exedras es donde se situaría la estatua de las diosas. El muro del interior está articulado con una serie de hornacinas. Son templos próstilos, in antis y están apoyados sobre una krepis, ya que tienen gradas alrededor de todo el templo. Todo el conjunto está rodeado por un patio porticado con columnas.


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ACTIVIDADES:

1.- Haz un cuadro comparativo entre la arquitectura griega y la romana.

2.- Realiza un mapa conceptual con los templos romanos a los dioses que se

mencionan en la lectura.


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SEMANA: 7

TEMA: ARTE MEDIEVAL (GÓTICO)

OBJETIVO: El estudiante conocerá las principales características del arte gótico.


Características y valores del arte gótico

La catedral como ofrenda y orgullo

Catedral de Nuestra Señora de París (Notre Dame).

La catedral fue un centro de referencia en el gótico, ya que constituía la máxima ofrenda a Dios y tenía como propósito alcanzar la trascendencia espiritual e histórica.


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Fue el resultado del apogeo de las ciudades, cuando la prosperidad del campo permitió que se formaran centros urbanos o burgos. Los habitantes de los burgos, o burgueses,pagaban impuestos al rey, lo que significó una mayor riqueza para este y un mayor poder de inversión social.

Las catedrales fueron construidas con la participación de todos los sectores de la sociedad: las autoridades civiles, el clero, los donantes (tanto nobles como burgueses) y los gremios de artesanos, quienes por primera vez en la historia recibían un salario.

Por todo esto, la catedral gótica fue al mismo tiempo símbolo de la alianza entre el rey y el obispo y símbolo del orgullo burgués. Además de las catedrales, también se construyeron iglesias, monasterios, palacios y diferentes tipos de edificios con este estilo.

Estética de la luz

Interior de Sainte Chapelle, Francia.


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El abad Suger (1081-1151), quien fue consejero de los reyes Luis VI y Luis VII de Francia, formula los principios de la estética de la luz, fundamento de todo el arte gótico. Esto lo hace a partir de la lectura de los escritos de Pseudo Dionisio Areopagita (siglos V y VI d. C.).

Según esta corriente, la luz se concebía como símbolo de la divinidad, creadora de todas las cosas. Si el universo entero era creación divina, todo lo que en él habitaba era reflejo de la luz de Dios. En consecuencia, los elementos de la vida, espirituales o materiales, se revalorizaron desde una perspectiva teocéntrica.

Para el abad Suger, así como para sus contemporáneos, la contemplación estética se transformó en una experiencia espiritual. Esto fue, sin duda, un punto de inflexión en la cultura occidental.

El arte y los objetos artísticos tenían que ser expresión de la luz divina, lo que se simbolizó por medio del brillo de los materiales y el uso de los colores vivos.

Nuevas técnicas arquitectónicas

El arte gótico fue posible también gracias al desarrollo de la exploración arquitectónica, cuyos hallazgos impulsaron el nuevo estilo y se interpretaron a partir de la estética de la luz.

BÓVEDAS DE CRUCERÍA

La técnica más importantes fue la bóveda de crucería. Se trata de un sistema de bóvedas que cruza dos arcos ojivados o apuntados.

Este cruce genera una serie de nervaduras visibles en la estructura que distribuye el peso de la construcción hacia los pilares, ahora más estilizados, y los arbotantes y contrafuertes externos.


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Interior de Sainte-Chapelle, Francia. Puede observarse en el techo la formación de bóvedas de

crucería y el vaciamiento de los muros, ahora sustituidos por vitrales. Fotografía: Loïc Lagarde.

ARBOTANTES Y CONTRAFUERTES

Aparecen también los arcos arbotantes, que consisten en medio arco exterior que recibe el peso que distribuyen las bóvedas de crucería. A su vez, los arbotantes distribuyen el peso hacia los contrafuertes. Así, los muros que antes servían para contener el peso del edificio se hacen innecesarios.

Los contrafuertes se remataban con pináculos, los cuales cumplen una función decorativa y, al mismo tiempo, simbólica, ya que dan mayor altura al edificio.


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Detalle de arbotantes y contrafuertes. Catedral de York, Inglaterra.

VITRALES Y ROSETONES

Gracias a las nuevas técnicas arquitectónicas, los muros macizos se sustituyeron por grandes ventanales donde se hicieron vitrales. Los vitrales permitieron la resuelta iluminación solar del interior de los edificios por primera vez en la historia. Al mismo tiempo, sustituyeron a los frescos propios del arte románico.

Se usaron los vitrales con forma de arcos apuntados y también los rosetones, que son ventanas circulares caladas dispuestas radialmente.

Los vitrales multicolores proporcionaron una iluminación absolutamente novedosa, efectista e impactante. La luz dentro de las catedrales fue concebida como un elemento de contemplación divina.


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Detalle de vitrales (rosetón). Catedral de Chartres, Francia.


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Carácter didáctico de las artes figurativas

El arte gótico tiene un carácter didáctico. Su mensaje se orienta a la celebración del Dios encarnado y la unión de Dios con sus criaturas, lo que se hizo visible en las artes figurativas, tanto escultura como pintura.

Las fachadas de las catedrales góticas aún serán concebidas como libros de piedra abiertos al transeúnte, llenas de relieves escultóricos, originalmente pintados en colores vivos.

En el caso de la decoración interior, los vitrales serán comprendidos como una puerta hacia la revelación, pues sus efectos favorecen la contemplación espiritual.

Fachada de la catedral Nuestra Señora de Amiens, Francia, en el contexto de un show lumínico del

año 2010 que reconstruyó los colores originales de la fachada. Fotografía: Tabou & divers.


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Humanismo teológico y tendencia al naturalismo en las artes figurativas

La estética de la luz está unida indisolublemente al humanismo teológico, una corriente filosófica de fines de la Edad Media que revalorizó la dignidad de ser humano como creación divina.

Los temas del gótico poseen una tendencia emocional y expresionista. Los elementos simbólicos propios del arte románico comienzan a dar entrada al naturalismo, que se va perfeccionando gradualmente al eliminar la frontalidad. Por ejemplo, la representación de la crucifixión será cada vez más sinuosa y flexible.

El gótico representa el juicio final como triunfo de Cristo, el cual dispone en la entrada como alegoría de la frase bíblica: “yo soy la puerta”.

Cristo en majestad. A cada lado, las alegorías de los cuatro evangelistas.

Tímpano de la fachada principal Chartres.


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Mientras tanto, por encima de los Salmos, el libro de los Reyes y el Apocalipsis, propios de la mirada románica, el gótico hace énfasis en los Evangelios. Además, aparecen en el repertorio figurativo profetas, antepasados de Cristo y sus apóstoles.

Hecho curioso es que en las vidrieras y otros objetos artísticos, se comienzan a retratar también a los gremios de artesanos y donantes que hicieron posible su elaboración.

AFIRMACIÓN DEL CULTO MARIANO

Si bien es cierto que el culto mariano es muy antiguo, durante este período alcanzó su punto álgido. Algunos autores atribuyen esto a que, durante las cruzadas, las mujeres se quedaron solas en casa bajo la influencia de los clérigos.

Las mujeres fueron ganando espacios, lo que favoreció que educaran a sus hijos en el “amor cortés”, por un lado, y, por el otro, que se extendiera y afirmara la veneración a la Virgen y a María la Magdalena, únicos referentes femeninos del seguimiento cristiano en el Nuevo Testamento.

Puerta de la Virgen, catedral de Notre Dame. París, Francia.


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En consecuencia, crecieron los temas marianos y gran parte de las catedrales recibieron el nombre de alguna advocación de la Virgen María.

En este sentido, los temas más extendidos y venerados fueron la anunciación, la infancia de la Virgen, los desposorios de la Virgen y la Virgen en majestad, casi siempre con el Niño Jesús en el regazo.

OBRAS MÁS REPRESENTATIVAS DEL ARTE GÓTICO

Basílica Saint-Denis, Francia

Basílica Saint-Denis. Nótese que la torre norte se desmanteló en el siglo XIX.

Se trata de la primera edificación de estilo gótico, ejecutada en Saint-Denis, París, Francia. El proyecto fue propuesto y dirigido por el abad Suger. Fue construida entre 1140 y 1144.


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Catedral de Chartres, Francia

Catedral de Chartres, fachada.

Esta catedral, llamada catedral de la Asunción de Nuestra Señora, ubicada en Chartres, Francia, fue consagrada en el año 1260. Se trató de una reconstrucción a partir de los restos de una vieja iglesia románica que sufrió un incendio que dejó solo algunos de sus elementos. A partir de allí, se hizo un proyecto que transformaría su estilo hacia la nueva tendencia del gótico.

ACTIVIDADES:

1.- Investiga en una cuartilla sobre la época medieval.

2.- Busca tres pintores góticos importantes.


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SEMANA: 8

TEMA: ARTE RENACENTISTA

OBJETIVO: El estudiante conocerá las principales características del arte del

Renacimiento.


Arte del Renacimiento en Europa

El Renacimiento es un movimiento cultural que surge en Italia en torno al 1400. Marca el salto de la época Medieval a la Edad Moderna y trae consigo una gran transformación cultural, no sólo de las artes, sino también de las ciencias, de las letras y de las formas de pensamiento.

El Renacimiento se caracteriza por el rechazo de muchos de los principios del conocimiento medieval y por la admiración de antigüedad grecorromana. Pretende recuperar el saber clásico, en el que busca una nueva escala de valores para el individuo. Frente a la sociedad medieval, en la que todo giraba en torno a la idea de Dios, durante el Renacimiento, el hombre pasa a ser el centro del universo. Emplea la razón como fuente del conocimiento y busca la verdad a través de la reflexión personal y de la investigación.

Los rasgos esenciales son el redescubrimiento de la cultura clásica griega y romana, el Humanismo y el antropocentrismo. El arte renacentista girará en torno al ser humano, pero eso no significa que deje de ser religioso, sino que además de la Iglesia, aparecerán nuevos mecenas como, por ejemplo, los ricos comerciantes o la monarquía.

Gracias al nuevo mecenazgo, el arte deja de desempeñar exclusivamente funciones religiosas y aparecen nuevos géneros y temas como los retratos, el desnudo, el paisaje o los cuadros mitológicos. Y además de iglesias, también se construyen palacios, ayuntamientos, universidades, etc.


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El artista, que durante la Edad media era considerado como un artesano, empieza a ser valorado por su dimensión intelectual y sale del anonimato. Ya no se valora el arte sólo por su utilidad, sino que se busca en él la belleza. Las obras de arte dejan de ser objetos que tienen que cumplir necesariamente una función y pasan a ser considerados objetos autónomos. Esta nueva concepción promoverá el coleccionismo.

Etapas

El Renacimiento surge en Italia en el siglo XV de la mano del Humanismo, mientras que en el resto de Europa perdura el gótico tardío medieval. Distinguimos dos etapas dentro del Renacimiento italiano, la primera, en el siglo XV, denominada Quattrocento, y el Cinquecento, en el siglo XVI.


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Por Europa se difunde en el siglo XVI, y aunque seguirá los modelos del Renacimiento italiano, al salir fuera de Italia, sufre las influencias de las distintas regiones, por lo que en cada país tendrá personalidades distintas.

En Francia, por ejemplo, se difunde rápidamente gracias a la actitud del monarca Francisco I. Pueden distinguirse dos periodos: uno en el que perduran las estructuras góticas con ornamentación renacentista y otro, en el que se dejan las estructuras medievales y se pasa a las romanas del renacimiento.

En España se desarrolla en tres fases. El Plateresco, caracterizado por una abundante ornamentación muy minuciosa de influencia florentina y lombarda. El periodo greco - romano, durante el reinado de Carlos I, que da mayor relevancia a lo arquitectónico, a las estructuras y elementos constructivos empleados en Grecia y Roma. Y el periodo Herreriano, que se centra en la estructura y deja de lado todo tipo ornamentación.


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ACTIVIDADES

1.-. Investiga la biografía y aportaciones de Leonardo Da Vinci

2.- Investiga la biografía y aportaciones de Miguel Ángel.


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SEMANA: 9

TEMA: EL BARROCO

OBJETIVO: El estudiante conocerá las principales características del periodo

artístico conocido como el Barroco.


El barroco es un estilo artístico que dominó la arquitectura, la pintura, la literatura y

la música en Europa durante el siglo XVII.

Por eso, toda la cultura que corresponde a ese periodo, incluyendo las costumbres, los

valores y las relaciones sociales, también se denominan como barrocas.

El barroco surgió al final del Renacimiento, y se manifestó a través del uso de detalles de

gran ostentación y extravagancia entre los grupos beneficiados por las riquezas de la

colonización.

Contexto histórico: resumen

El Concilio de Trento, realizado entre 1545 hasta 1563, causó grandes reformas en el

catolicismo en respuesta a la Reforma Protestante de Martín Lutero. Así, la autoridad de la

Iglesia de Roma fue poderosamente reafirmada, después de perder muchos fieles.

La Compañía de Jesús, reconocida por el papa en el año 1540, pasó a dominar casi

completamente la enseñanza y ejerció un papel importante en la difusión del pensamiento

católico aprobado por el Concilio de Trento.

La Inquisición, que se estableció en España a partir de 1480, amenazaba la libertad de

pensamiento. Por tanto, el clima era de austeridad y represión.

Fue durante ese tiempo que se desarrolló el movimiento artístico llamado barroco, en un

arte eclesiástico que deseaba propagar la fe católica.

En ninguna época como en la barroca se ha construido un número tan grande de iglesias y

capillas, estatuas de santos y monumentos sepulcrales.

La Iglesia era asociada, en muchos lugares, al Estado. De esta manera, la arquitectura

barroca, que antes era solo religiosa, surgió también en la construcción de palacios con el

objetivo de causar admiración y trasmitir poder.


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Características del barroco

Las principales características que marcaron el período barroco fueron:

• Arte que expone el gusto por lo elegante, lo extravagante y el exceso de ornamento.

• Valorización del detalle en exceso de ornamento

• Búsqueda de la espiritualidad, de las sensaciones y las pasiones internas.

• Dualismo y contradicción.

• Contraste entre luces y sombras.

• Sentido del movimiento.

• Oscuridad, complejidad y sensualismo.

• En literatura, cultismo y conceptismo.

Barroco en Europa

A continuación, se dan a conocer los nombres de los artistas más destacados durante el

período del barroco en Europa.

Italia

Italia fue considerada la cuna del Renacimiento y del arte barroco donde diversos artistas se

destacaron.

Caravaggio (1571-1610)


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Caravaggio: La cena de Emaús (1606).

Caracterizado por la rudeza de sus obras, Caravaggio pintó sobre temas religiosos donde

exploraba el contraste entre la luz y las sombras. Entre sus obras se destacan La captura de

Cristo, La flagelación de Cristo, Muerte de la Virgen, Los discípulos de Emaús, David con

la cabeza de Goliat.

Bernini (1598-1680)


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Bernini: El éxtasis de Santa Teresa (1647-1652).

Bernini fue un destacado escultor y arquitecto italiano. Sus obras se encuentran en Roma y

en el Vaticano, entre estas se pueden mencionar: la plaza de San Pedro, Baldaquino de San

Pedro, Éxtasis de Santa Teresa, Busto del Papa Pablo V, Fuente de los cuatro ríos.

Borromini (1599-1667)


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Borromini: cúpula de la iglesia Sant’Ivo alla Sapienza (1624-1660).

Francesco Borromini fue un arquitecto y escultor italiano cuyas obras más reconocidas son

la cúpula de la iglesia Sant’Agnes in Agone, Palacio Spada, Palacio Barberini, la cúpula de

la iglesia Sant’Ivo alla Sapienza y la iglesia de San Carlo alle Quattro Fontane.

Andrea Pozzo (1642-1709)


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Pozzo: Apoteosis de Hércules (1704-1708).


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Pozzo fue un destacado arquitecto, pintor y decorador italiano. Entre sus obras se pueden

mencionar La Gloria de San Ignacio, Ángel de la Guarda, Apoteosis de Hércules, el techo

del salón noble del palacio de Liechtenstein, en Viena, y la falsa cúpula de San Francisco

Javier.

ACTIVIDADES:

1.- Investiga más artistas del Barroco.

2.- Haz un cuadro sinóptico con las principales características del periodo.

3.- Busca autores barrocos en la literatura.


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SEMANA: 10

TEMA: EL ROCOCÓ

OBJETIVO: El estudiante conocerá las principales características del periodo

artístico conocido como el Rococó.


El estilo rococó es un estilo en diseño de interiores que incluye las diferentes artes

decorativas, pintura, arquitectura y escultura que se originó en París a principios

del siglo XVIII, pero que pronto fue adoptado alrededor de Francia y más tarde a lo

largo de otros países, principalmente en Alemania y Austria. Es un tipo de diseño

que se caracteriza por la ligereza, elegancia y el uso excesivo de formas

curvilíneas y naturales en la ornamentación. La palabra rococó se deriva de la

palabra francesa rocaille, que denota el trabajo de roca cubierto de conchas que

se usaba para decorar grutas artificiales.

Las características más representativas del rococó son las siguientes:

Era un estilo que estaba al servicio de la burguesía y la aristocracia.

El artista tenía la capacidad de realizar sus obras con mayor libertad.

Estaba dedicado al lujo, a las fiestas y a las comodidades.

Busca representar los sentimientos y las preocupaciones que tenían en la vida

aristocrática.

Sus obras eran elegantes, opulentas y claras.

El arte rococó tiene un origen en Francia, a principios del siglo XVII y fue

desarrollado durante el reinado de Luis XV y Luis XVI. Su nombre proviene del

vocablo francés “rocaille” que significa en español piedra y del término “coquille”

que quiere decir concha. Estos dos elementos dieron gran importancia para la

ornamentación de interiores. Se difundió de manera veloz en los países europeos,

principalmente en Alemania y en Austria y se desarrolló de manera positiva y veloz

hasta que llegó el Neoclasicismo.

Principales representantes:

Pintura: Giovanni Battista Tiepolo, Francesco Guardi, Gaya Nuño, Miguel Jacinto

Meléndez y Canalete.


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Escultura: Giacomo Serpotta, Hipólito Rovira, Narciso Tomé y Cayetano de

Acosta.

Literatura: Friedrich Hagedorns, Ewald Christian von Kleist y Salomon Gessner.

ACTIVIDADES:

1.- Haz un cuadro comparativo entre el Barroco y el Rococó.

2.- Busca tres ilustraciones o imágenes de pintura rococó y pégalas en media

cartulina.


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SEMANA: 11

TEMA: ARTE NEOCLÁSICO

OBJETIVO: El estudiante conocerá las principales características del arte del

Neoclásico.


El Neoclasicismo fue un movimiento estético y artístico, de los primeros

movimientos revolucionarios que sacudieron a toda Europa a partir de mediados

del siglo XVIII y hasta el siguiente siglo. Surgió con el pensamiento de oponerse a

la estética ornamental y recargadísima del movimiento Barroco, al que sucedió.

Fue el final de los movimientos y representaciones artísticas de manera

universales, decir, este estilo de arte afecto a todo el mundo y a todos los estilos

de arte. Se podría decir que el arte neoclásico es un movimiento social, moral,

filosófico e intelectual que está unido y enlazado a ideales ilustrados. Esta clase

de arte se podía observar en todo el mundo pero este estilo de arte se asentó en

Francia, principalmente en Paris, reemplazando a Roma como la nueva capital

artística.

Se caracterizaba por fundarse con la cultura clásica y es por esto por lo que todos

los artistas del neoclasicismo intentaban inspirarse con la arquitectura antigua.

Además el objetivo de este tipo de arte era representar los sentimientos y el

movimiento, un arte absolutamente pensado y racional, con reglas y muy sencillo y

que se propone imitar al arte griego, romano y renacentista.

El arte Neoclasicismo supone coherencia con las nuevas ideas, absolutamente

contrarias al arte medieval y todo aquello que estuviese en relación con el Antiguo

Régimen.

En lo que llamamos arte Neoclasicismo hay que distinguir dos corrientes: Una

primera que responde a pura reacción estética contra el barroco, intentando

buscar la desnudez en lo que el barroco encubría y ocultaba, aunque sigue atado

a la exaltación del poder, como el barroco. La otra corriente responde a los

postulados ilustrados: funcionalidad, racionalidad, claridad… símbolo de una

nueva sociedad que está en ciernes.

Los modelos en este estilo de arte son claramente grecorromanos: frontones,

columnas, cúpulas, prefiriendo el estilo dórico griego para realzar la severidad, la

solidez y la horizontalidad.

Se utiliza el estatismo, que es utilizar un ritmo muy pausado frente al movimiento

de las curvas y contracurvas.


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Es un arte comprometido con la problemática de su tiempo. Los arquitectos

buscan lo funcional contando con el desarrollo social

Los escultores se definen con el retrato, porque es un modo de analizar y aclarar

la relación entre la naturalidad y la sociabilidad de la persona, entre el sentimiento

y el deber.

Se acompaña la transformación de las estructuras sociales con la transformación

de las costumbres.

Los artistas usan una nueva técnica, la de proyectar, la realización es la traducción

del proyecto mediante instrumentos operativos.

El arte neoclásico cumple una tarea de educación cívica, en lugar de antigua

función que era la religiosa. El artista ya no aspira al privilegio del genio, sino al

rigor de lo teórico; los proyectos son realizables.

Esta época indicó el momento en que lo se separó la tecnología de la producción

artesanal.

El arte neoclásico se sirve: del principio de la correspondencia de la forma con la

función estética que en arquitectura; del estudio de la resistencia de los materiales

en las artes figurativas y de la base de todo dibujo.

Se reduce a lo esencial, no da lugar a crear interpretaciones.

A la función narrativa se le añadió una intención moralizante.

Los temas utilizados son los dioses mitológicos que se alzan imponentes por

encima de los mortales. Los héroes aparecen victoriosos.

Los personajes históricos son pacientes, sobrios y abnegados. Son ejemplos

morales de conducta.

ACTIVIDADES:

1.- Investiga en una cuartilla sobre la ilustración.

2.- Busca 5 imágenes de arte neoclásico e insértalas en el texto anterior.


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SEMANA: 12

TEMA: ARTE ROMÁNTICO

OBJETIVO: El estudiante conocerá las principales características del arte

romántico.


El arte romántico (1800-1860) fue un movimiento artístico, literario e

intelectual originado en Europa. En parte surgió en rebledía contra la Revolución

Industrial y en contra de la aristocracia.

Dos de los exponentes del arte romántico fueron Casper David Friedrich y Phillip

Otto Runge

La Revolución Industrial entró en actividad en la última parte del siglo XVIII,

comenzando en Inglaterra y extendiéndose a Francia y América. Este cambio

trajo consigo una nueva economía de mercado, basada en la maquinaria:

herramientas de máquina y potencia de máquina en lugar de herramientas

manuales y energía animal. Las aldeas en convirtieron en centros urbanos y la

gente se trasladó a ellas desde las granjas y el campo para tomar puestos en

fábricas recién abiertas.


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Con poca o ninguna regulación, estos trabajos podrían ser brutales. Hombres,

mujeres y niños trabajaban turnos de 14 horas; podían pasar semanas sin ver la

luz del día. El rápido crecimiento produjo ciudades sucias y atestadas, los

trabajadores pobres a menudo quienes vivían en la miseria, y las chimeneas

oscurecían el aire con hollín.

Mientras que la industrialización abarataba los bienes de consumo y aumentaba

la producción de alimentos, había quienes miraban al pasado con nostalgia,

viéndolo como un período romántico antes de que las personas se

mercantilizaran y la naturaleza se arruinara y destruyera.

Al mismo tiempo, hubo una reacción creciente contra la filosofía de la

Ilustración, que enfatizaba sobre todo la ciencia, la evidencia empírica y el

pensamiento racional. Los románticos desafiaron la idea de que la razón era

el único camino hacia la verdad, juzgándola inadecuada para comprender los

grandes misterios de la vida. Estos misterios podrían ser descubiertos con

emoción, imaginación e intuición. La naturaleza fue especialmente

celebrada como un aula para el autodescubrimiento y el aprendizaje espiritual, el

lugar en el que los misterios podían revelarse a la mente del hombre. Los

románticos enfatizaban una vida llena de sentimientos profundos,

espiritualidad y libertad de expresión, viendo tales virtudes como un baluarte


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contra los efectos deshumanizantes de la industrialización. También ensalzaron el

valor de los seres humanos, que para ellos tenían un potencial infinito y divino.

Los artistas del período romántico intentaron capturar estos ideales en su trabajo.

Rechazaron el racionalismo y el orden guiado por las normas que caracterizaron

el estilo neoclásico de la Ilustración. Al igual que los artistas del Barroco, los

artistas románticos esperaban inspirar una respuesta emocional en aquellos

que veían su arte; pero en lugar de buscar inspirar la fe como lo habían hecho sus

predecesores, la mayoría buscaba evocar un anhelo nostálgico de la vida

rural y pastoral, los impulsos de los misterios de la vida y el sentido del poder y

la grandeza de la naturaleza. El arte de este período también representó el ideal

romántico del nacionalismo.

ACTIVIDADES:

1.- Investiga a los principales escritores del periodo romántico.

2.- Busca 5 imágenes de pinturas románticas con su autor correspondiente.


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SEMANA: 13 y 14

TEMA: ARTE NO OCCIDENTAL (Precolombino)

OBJETIVO: El estudiante identificará otras expresiones artísticas no occidentales

como el arte mesoamericano o pecolombino.


Los condicionamientos físicos, étnicos y culturales de la América prehispánica o precolombino harán que las características principales de sus culturas estén intrínsecamente unidas a ellos. Si hablamos factores físicos o geográficos debemos distinguir tres zonas: Mesoamérica, el Área Intermedia y Territorio Andino.

Mesoamérica

Este término fue dado por el antropólogo Paúl Kirchhoff para describir la parte de México junto con los límites de éste con América Central incluyendo zonas de Honduras y Guatemala. Paul kirchhoff realizó una lista de rasgos que definían estas culturas incluyendo aspectos como las pirámides y templos, la difusión de los sacrificios humanos, penitencias rituales, un complicado calendario sagrado que se basaba en la combinación de una ciclo de 260 días con aproximadamente un año de 365 días, la escritura jeroglífica, un complejo panteón de dioses y un juego llamado "De Pelota". Todos estos rasgos de cultura desarrollada se asentaron sobre una agricultura muy desarrollada basada en los cultivos del maíz, frijoles, frutas, chiles…

Entre los especialistas en el ámbito Mesoamericano existe una acuerdo general en el que se marcan las diversas características de las culturas mesoamericanas como herederos de un primer pueblo denominados Olmecas. Éstos se desarrollaron desde el 1200 al 1400 a.c. entorno a la zona del Golfo de México, al sur de Veracruz y Tabasco.

El Periodo Clásico de Mesoamérica lo componen cuatro pueblos, los Totonacas, los Zapotecas y por último los más conocidos como la Cultura de Teotihuacan y los Mayas. Todas ellas son anteriores al año 900, época en la cual se produce una crisis que nos dará las culturas Post Clásicas como los Toltecas, Maya-Toltecas y por último los Aztecas.

Podemos destacar, a modo de introducción, algunos centros ceremoniales de estas culturas en los que distinguiremos las características comunes junto con la indiosincracia de cada uno de los pueblos. El complejo de Teotihuacan se vertebra a ambos lados de la Avenida de los Muertos que discurre en dirección Norte-Sur. El centro de la ciudad enmarcado por esta avenida estaría frente al gran recinto cuadrado, que tal vez fue el palacio real y que se conoce como la Ciudadela. Por lo tanto esta ciudad estaba dividida en cuartos como lo estarán ciudades como Tenochtitlan de cronología muy posterior. La construcción más importante es la Pirámide del Sol. Los túneles abiertos por la arqueología han demostrado que fue construida durante el periodo formativo y por trabajadores que colocaron millones de adobes y de cestas de cascotes. Formalmente se alzaba sobre cuatro hiladas hasta una cima a 70 m de altura, sobre la cual se erguía la estructura del templo en sí.

El centro ceremonial de Tajin, se enmarca dentro de la cultura clásica en la zona de Veracruz. La construcción más notable es la pirámide de los Nichos, de trazo escalonado con una escalinata en la cara Este y 365 nichos. En cada uno de estos nichos la leyenda sitúa un ídolo correspondiente a


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cada día del año. Todos los edificios de esta ciudad tienen como elemento decorativo la greca escalonada que posiblemente representaba las nubes de la lluvia.

Área Intermedia

La parte baja de América central constituye geográficamente un puente entre los ingentes continentes del Norte y Sur. Se calcula que la primera población cruzó en sus migraciones la América del Norte antes del 20.000. No será hasta el 2.500 a.C. cuando los habitantes circuncaribeños aparezcan y comiencen a vivir en abrigos de cuevas y recogiendo alimentos. Los primeros atisbos de agricultura desarrollada comenzara en Venezuela durante el IV milenio. El periodo clásico de esta área intermedia abarca los actuales territorios de Costa Rica, Panamá y Colombia.

Costa Rica abarcará tres zonas arqueológicas principales: Al Oeste se encuentra Gran Nicoya que comprende el istmo nicaragüense de de Rivas, entre el Lago Nicaragua y el océano Pacifico. La Parte central del país está formada por la cuenca atlántica y las tierras altas del Centro. Por último la zona suroeste ubica su importancia arqueológica en el Delta del Diquis. Las características son diferentes respecto al área Mesoamericana sobre todo en los escasos restos en grandes centros ceremoniales a pesar de que se han encontrado fustes monolíticos en ciudades como Guanacaste. En cuanto a restos materiales lo más destacado son unos trípodes llamado Metates, consistentes en unas losas con rejilla para el maíz.

Dentro del territorio actual de de Panamá destaca la zona central que produjo un tipo de objetos muebles de formas finas revestidas en láminas de oro, así como elegante cerámica policromada. Son importantes los restos metalúrgicos que parecen pertenecer a la influencia de Colombia.

En la Colombia Meridional es importante el yacimiento de San Agustín. Esta zona estuvo habitada en el último milenio antes de la era Cristiana aunque fue pasada esta fecha cuando se desarrollan los grandes edificios en talud. El yacimiento de San Agustín debe ser considerado más bien como un conjunto de sitios arqueológicos localizados a poca distancia unos de otros, situado en la cabecera del río Magdalena.

No podemos dejar de destacar la llamada Orfebrería Quimbaya, pueblo que habitaba en las laderas de la Cordillera Central colombiana. Realizaban un tipo de orfebrería sobre las objetos grandes de de modelo complejo y perfecto acabado. Entre los recipientes se dan objetos de oro como los Tumbaga, utilizados para el rito de la coca, mascaras, puntas de lanza, pendientes de lagarto o cocodrilo y yelmos repujados.

Área Andina

Dada la complejidad con la que se encuentran los investigadores debido al vasto territorio y su cronología el esquema que más éxito ha obtenido ha sido el propuesto por J. Rowe, que utilizó el modelo de Horizontes y Periodos. Este método esta basado en tres etapas de unificación cultural representadas por los Horizontes Chavín, Tiahuanaco/Huari e Inca, entre las que se sitúan periodos de regionalismo cultural, estableciéndose la siguiente secuencia: Precerámico (....-1.800 a.C.); Cerámico Inicial (1.800-900 a.C.); Horizonte Temprano (900-200 a.C.); Intermedio Temprano (200 a.C.-600 d.C.); Horizonte Medio (600-1.000 d.C.); Intermedio Tardío (1.000-1.476 d.C.) y Horizonte Tardío (1.476-1.534 d.C.).


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Todo éste periodo cronológico engloba culturas como la de valdivia, Chorrera, Machalla, Chavin de Huantar, dentro de los primeros años. En la zona de Perú en la época clásica entraría la cultura Mochica, De Paracas, Nazca y la Chimu. En Bolivia sin embargo estará la cultura Tiahucana. Durante los últimos años de esplendor del área Andina destacan los Incas en espacios como Cuzco y Machupichu. Dada la imposibilidad de abarcar todos los yacimientos y testimonios de esta área bastará quizás con destacar la cultura de Chavin de Huantar.

El yacimiento de Chavín está ubicada junto a la actual Chavín de Huantar, en un pequeño valle de las estribaciones orientales de los Andes. Chavín fue un gran centro religioso, quizá no en dimensiones aunque si en cuanto a las complejas construcciones arqueológicas, sus trabajo de albañilería y la gran cantidad de esculturas. La cronología de Chavin se mueve entre el 850 a.C. y el 200 a.C. con un periodo de esplendor en torno al 400-200 a.C. El gran templo contiene galerías interiores techadas de bloques de piedra, provista de escaleras, rampas, nichos y respiraderos, da a una gran plaza cuadrada. Un montículo en cada uno de sus lados confiere al conjunto forma de U.

Dentro de la escultura de Chavín se forma un panteón cosmológico con criaturas de carácter hibrido que se van repitiendo en los módulos que deja a la luz los espacios arquitectónicos. Los materiales utilizados en esta escultura van desde la piedra hasta pequeños objetos de hueso, cerámicas y telas pintadas que forman juegos de letras que pueden leerse del derecho o del revés.

ACTIVIDADES:

1.- Realiza una línea del tiempo de las culturas mesoamericanas.

2.- Haz un mapa conceptual de las culturas mesoamericanas.

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